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51º Festival de Cine de Nueva York (à traduire)


Del 27 de septiembre al 13 de octubre de 2013  
La mano de Kent Jones, el nuevo director de la Film Society de Nueva York, se ha dejado sentir e en el Festival de este año. Tras cinco lustros a la cabeza de la emblemática institución, el retiro de Richard Peña ha traído otras maneras de mirar hacia la cinematografía mundial; especialmente en cuanto a la organización y estructuración del evento, con vistas a atraer una audiencia más heterogénea y, con ello, mayor participación de la maquinaria corporativa hollywoodense. De hecho, por primera vez en su historia, las tres películas emblemáticas que han abierto, marcado el punto central y clausurado el Festival han sido escogidas de entre la lista de los grandes conglomerados del Séptimo Arte norteamericano: Captain Phillips, de la mano de Paul Greengrass, protagonizada por Tom Hanks y distribuida por Sony Pictures, The Secret Life of Walter Mitty, dirigida y protagonizada por Ben Stiller y distribuida por Twentieth Century Fox, y Her de Spike Jonze, con Joaquin Phoenix en el rol estelar y distribuida por Warner Bros.
Ello no extraña, pues Jones es un guionista y comediante que ha realizado su carrera dentro de aquella maquinaria en su vertiente televisiva, especialmente dentro de programas de entretenimiento masivo como Comedy Central y The Daily Show de propiedad del gigante Viacom Media Networks. Además, su participación en el tejido cultural, docente y crítico neoyorkino es inexistente, con lo cual es muy probable que, a la larga, no tenga mucho interés en permanecer a la cabeza de un evento y una institución con el prestigio y seriedad del Festival y la Film Society.
Por lo pronto, se han abierto nuevas secciones como la de artistas emergentes, documentales de contenido político, reposiciones de películas clásicas, y convergencia entre las nuevas tecnologías y el cine. Ello, ha movilizado a un mayor número de espectadores, con el consecuente incremento en taquilla, pero ha diluido la filosofía que orientó el Festival a lo largo de medio siglo: presentar obras escogidas de cineastas dables de subvertir los cánones tradicionales y donde lo comercial per se no sería un factor determinante. Pero al igual que otras iniciativas culturales, también el Festival ha sucumbido a la presión del mercado y a la competencia de las redes virtuales que van acaparando los espacios existentes e inventando otros.
Dentro de este panorama, en el apartado correspondiente a la selección oficial la cinematografía francesa ha seguido, no obstante,  teniendo una amplia representación, de la mano de auteurs frecuentemente invitados en el pasado. Aquí, Abuse of Weakness de Catherine Breillat, sorprendió por el estupendo tour de force de Isabelle Huppert (Maud), como el alter ego de la cineasta reviviendo la embolia que le produjo la paralización facial y de parte del cuerpo en 2004. A partir de este suceso, Maud se obsesiona con la producción de una película protagonizada por Vilko (Kool Shen), un estafador decidido a hacerse con importantes sumas de dinero de la cineasta, aprovechándose de su fragilidad, tal cual ocurrió en la realidad.
Con esta estrategia, se borra la frontera entre veracidad y ficción, pudiendo el espectador adentrarse cual voyeur en la intimidad de ambas mujeres, en una labor de ensamblaje donde lo importante es el modo como la doble superficie constituida por la pantalla y la cuartilla -la película se basa en una novela autobiográfica de la realizadora- dialoga con quien se ubica frente a una o ambas a la vez.
En la dirección de Breillat, el intercambio entre los protagonistas escala hacia una violencia contenida, donde la transformación psicológica de Maud, tiene en el trabajo de cámara su mejor aliado. El uso del plano-contraplano y el plano-secuencia para las escenas donde se teje el intercambio entre ambos, documentan los estadios de la sujeción del personaje femenino, hasta deslastrarlo de toda voluntad para contrarrestar el chantaje emocional y los abusos verbales de quien se convierte en su torturador. Ello se vuelve mucho más penetrante y doloroso, dada la dependencia física de la artista, forzándola a llamar a Vilko para que la auxilie en las faenas más habituales. Levantarse de la cama, vestirse, alzarse del suelo, caminar presentan, a lo largo de su período de recuperación, obstáculos insuperables, manteniéndola prisionera de quien irá ocupando todos los espacios, hasta subyugarla completamente.
Tal apropiación del otro tiene en Jealousy de Philippe Garrel una lectura diferente, pues se invierten los roles para hacer de la mujer el sujeto activo en los tormentos del amante. Claudia (Anna Mouglais) es una actriz sin trabajo viviendo con Louis (Louis Garrel), otro actor con mejor suerte para conseguir papeles teatrales. La frustración y los celos descubren el lado más cruel del personaje, atormentando a quien ama como una manera de destruirlo y aniquilarse. El uso del blanco y negro y la filmación en interiores reducidos, incrementa la sensación de claustrofobia, realzando simultáneamente los claroscuros anímicos de Claudia.
La cámara puntúa la vehemencia de estos altibajos mediante tomas en profundidad que posibilitan las metamorfosis de la joven, fluctuando entre la hilaridad y la depresión suicida. Pero será Louis quien intente quitarse la vida, una vez agotados los recursos de que dispone para comprender el porqué de las escapadas, traiciones y coacciones de su pareja, dentro de la tónica perfilada por la nouvelle vague, en la estructura, cinematografía y diégesis. Raccontos, digresiones y una edición fragmentada motorizan la acción y determinan el punto de vista del espectador, inmerso en la trama de recriminaciones, peleas y reconciliaciones propias de los celos. Como en la producción de Breillat, lo autobiográfico fija el discurso fílmico, al estar basada esta película en el comportamiento del padre del director, además de ser el hijo y la hija (Esther Garrel) quienes dan vida a los miembros de su familia involucrados en el drama.
Un drama de densidades más próximas a la piel lo ha constituido Blue is the Warmest Color (Palma de Oro en Cannes) del realizador tunecino-francés Abdellatif  Kechiche, con Adèle Exarchopoulos (Adèle) y Léa Seydoux (Emma) en los roles principales. La apasionada correspondencia entre Adèle, una adolescente de extracción social media aspirando a ser maestra, y Emma, una joven artista perteneciente a la clase intelectual acomodada, le permitió al realizador explorar las profundidades de la psicología femenina, y las consecuencias del décalage socio-económico en la relación de pareja, dentro de la sociedad francesa contemporánea.
Con gran tino y sensibilidad, Kechiche penetró, literalmente, el espacio que las muchachas construyen para vivir su amor. Un espacio no todo lo confortable que ellas hubieran deseado, dadas las distinciones de intereses y clase terminando por imponerse a la intensidad de la pasión física. El erotismo de las escenas amorosas se equipara aquí con la sensualidad del acto de masticar los alimentos, mediante un trabajo de cámara puesto a privilegiar los grandes primeros planos de órganos, extremidades y fragmentos corporales, cual alegoría de una intrincada selva lista para devorar todo lo que aterrice entre sus humedades. En palabras del director durante la rueda de prensa: "las bocas de ambos caracteres fueron decisivas y por razones muy humanas. Ellas provocan toda suerte de sentimientos y sensaciones. Algo en un rostro nos sacude: una nariz, una boca… Para mí esto fue el principio de todo".
Los cinco sentidos ocuparon, pues, todo el espacio de la representación incorporando temas igualmente actuales como las relaciones entre franceses y descendientes de inmigrantes. En el salón de clase, fiestas y cenas, el director aprovechó para explorar las desigualdades y similitudes entre ambos grupos, a la manera de sus films anteriores Poetical Refugee (2000) y Couscous (2007), donde el malestar del otro reside en la diferencia y lo diferente. Ambas posibilidades abrazadas también aquí, no solo en lo sexual sino en lo profesional, manteniendo así activo el diálogo interracial, pese al incremento de las intolerancias en Francia y la Europa comunitaria, dada la crisis económica, el desempleo y la necesidad de emigrar de grupos anteriormente afianzados en sus raíces y costumbres.
De manera similar, Like Father, Like Son del realizador japonés Hirokazu Kore-eda centró las dificultades para reconciliar las individualidades provenientes de entornos diversos, al interior del Japón de hoy. Una pareja urbana profesional y otra rural comerciante se ven lanzadas a la intimidad del otro cuando el hospital, donde seis años antes nacieron sus respectivos hijos, les informa que, al nacer, los niños fueron cambiados. El shock de descubrir que han criado al hijo equivocado, confronta dos maneras de vivir y pensar, con una honestidad poco frecuente en una sociedad reacia a airear sus prejuicios.
Como sus films previos Air Doll (2009) y I Wish (2012), la familia centra el trabajo argumental, si bien la exploración se abre hacia otras posibilidades más allá de la familia nuclear consanguínea. De hecho, Like Father, Like Son desconstruye los lazos de parentesco, abogando por una sociedad más inclusiva donde otras opciones tengan cabida y sean consideradas igualmente válidas. Ello buscando subvertir la importancia de la estructura nuclear tradicional, además de generar una conversación entre grupos de aspiraciones muchas veces opuestas. Algo que las panorámicas y planos encadenados, donde se contrastan los exteriores e interiores en la vida urbana y rural de los protagonistas, igualmente puntuaron, buscando establecer esa necesaria comunicación con el entorno que la realidad virtual muchas veces oblitera.
About Time del director australiano Tom Curtis, igualmente explora las relaciones padre-hijo, pero desde la comedia y la fantasía, al presentarnos a una familia inglesa típicamente excéntrica, en la cual los hombres tienen, al llegar a su mayoría de edad, la posibilidad de volver atrás en el tiempo, en la línea de series como Bill & Ted y Dr. Who. Si el padre (Bill Nighty) utiliza su poder para disfrutar de la infancia del hijo, este (Downhall Gleeson) lo pone al servicio de románticos encuentros, cuya mayor virtud reside en la comicidad de las situaciones, dentro de la estética de otros films del género.
El hecho de que Curtis se iniciara como guionista en tales producciones (Four Weddings and a Funeral, Notting Hill, Bridget John's Diaries), además de debutar como realizador con Love Actually (2003), de amplia repercusión entre el público, le permitió iluminar el estamento familiar, sin caer en lo edulcorado de otras entregas menos felices para retratar con agudeza la complejidad intrínseca de estos lazos. El montaje, donde destaca el tino con que se tejen las situaciones y la elegante cinematografía, hicieron de About Time un atractivo mosaico donde representar el conglomerado de elementos constituyentes en las relaciones familiares y de pareja.
Gloria, del chileno Sebastián Lelio, trasladó estas preocupaciones a la ciudad de Santiago para, con humor e ironía, seguir las vicisitudes de Gloria (Paulina García. Oso de Plata como mejor actriz en el Festival de Cine de Berlín), una mujer profesional, divorciada y con hijos ya casados, buscando rehacer su vida sobre las movedizas aguas donde navegan solteros empedernidos, hombres separados y varones recién divorciados. Como era de esperar en estos casos, la protagonista naufraga de uno a otro pretendiente pero sin abandonarse a la depresión ni al resentimiento, pues la existencia seguirá abriéndose ante ella con nuevas oportunidades y múltiples retos.
El intimismo de las escenas, puestas a enfrentar la dinámica familiar y los encuentros entre los amantes, adquiere, si no la violencia, sí la urgencia de reinventarse del personaje femenino, presente en las producciones del mismo título dirigidas por John Cassavetes (1980) y Sidney Lumet (1999), aunque aquí el deseo de independencia privará sobre el triunfo de lo doméstico. Con ello, el director adopta la mirada del otro, retratando a Gloria desde él para redimirla y empinarla por encima de las pequeñas miserias cotidianas y los fracasos amorosos; además de proporcionarnos un fiel retrato de la clase media hoy, cuando el bienestar social, producto del impulso económico del país, ha quitado protagonismo a la trama política dentro del nuevo cine chileno.
Será en otras geografías donde lo político alcanza ahora visos de urgencia, de la mano de realizadores como Jehane Noujaim, quien con su documental The Square, repasa el desarrollo del activismo egipcio, desde la caída de Hosni Mubarak en 2011, hasta el golpe militar contra la Hermandad Musulmana en el verano de 2013. Combinando entrevistas, escenas de represión y muerte, panorámicas de Tahrir Square abarrotado por los manifestantes, y retratos de los líderes del Movimiento diseccionando los hechos en sus casas y por las calles de El Cairo, la directora reconstruye los acontecimientos que espontáneamente encendieron la Primavera Árabe y, con la misma celeridad, fueron apropiados por los grupos de poder para sus propios fines.
Siguiendo las pautas del film se observa claramente el modo en que el estamento militar y el musulmán han manipulado la esperanza popular por una democracia participativa, dándole a cambio gobiernos absolutistas donde la libertad no existe y la representación de las nuevas generaciones en la construcción del nuevo país es completamente nula. Pero, tal cual apuntó Noujaim durante el Festival, "la cámara es nuestra mejor arma". De ahí que la comunicación a través de la gran pantalla y las redes virtuales en las pantallas personales, haya alterado la dinámica de las luchas, en sociedades amenazadas por los sectarismos y el temor a disentir.
Lo sugerente del cine documental para captar la inmediatez de los procesos donde nos hallamos inmersos, tuvo un intenso viraje hacia lo personal en What Now? Remind Me, del realizador portugués Joaquim Pinto. Debilitado por enfermedades crónicas y sus luchas contra el establishment, Pinto creó una poética meditación sobre la existencia y sus obstáculos, insertando su devenir en el del Portugal actual, donde conviven los adelantos de este milenio con maneras de vivir y pensar impasibles al paso del tiempo.
Una vez más, la confrontación entre la sociedad tradicional y la contemporánea se hizo sentir con una cercanía hondamente humana, en la voluntad de Pinto para seguir adelante pese a las adversidades, vacilaciones y altibajos anímicos. "Debo mi vida a batallas que no protagonicé y que competen a los intereses de gobiernos, investigadores y la industria farmacéutica", expresó durante la rueda de prensa, dejando sobre el tapete más preguntas que respuestas, a la hora de reflexionar en torno al lugar de la gente común: lo que en Estados Unidos se ha dado en llamar el 99%, con respecto al 1% cuyos privilegios son férreamente defendidos por los intereses de las grandes corporaciones.
Experiencias junto a amigos y amantes, discusiones dables de incluir a doctores y farmaceutas, viajes hacia ciudades europeas donde la medicina ofrece avances mayores a los de Portugal, revisión de lo vivido incorporando lo ganado y perdido por el camino, se constituyeron en hitos de una jornada abierta, con la cual el espectador no pudo dejar de encontrar puntos de contacto al devolverse a su propia biografía. Ello, refrendó el poder del cine para sacudir la apatía y plantear nuevos retos hoy, cuando el mundo exige urgentemente imágenes para un nuevo comienzo.   

Alejandro Varderi
About time
About time
Abuse of weakness
Abuse of weakness
Blue is the warmest color
Blue is the warmest color
Gloria
Gloria
Jealousy
Jealousy
Like father, like son
Like father, like son
The squareThe square
What now, remember me
What now, remember me


 

 

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