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Los premios Oscar 2011: Diversidad a contracorriente (à traduire)


 

Este año en especial, las nominaciones al Oscar como mejor película cubrieron un amplio espectro de temas y aproximaciones fílmicas a múltiples asuntos, cuyo hilo conductor lo ha constituido la urgencia del protagonista para sobrevivir dentro de un entorno hostil, producto de sus propias pasiones o limitaciones; ya fueran estas psicológicas (The King's Speech, Black Swan), sociales (The Social Network), económicas (The Fighter, True Grit, Winter's Bone), familiares (The Kids Are All Right), accidentales (127 Hours), metafísicas (Inception) o fantasiosas (Toy Story 3).
De una lista tan nutrida deben destacarse, sin embargo, The King's Speech, Black Swan, The Social Network y True Grit, dirigidas por Tom Hooper, Darren Aronofsky, David Fincher y los hermanos Coen, respectivamente, por la acertada dirección y la solidez de las actuaciones, dentro de la diversidad argumental y técnica, propias de la selección para los premios Oscar.
The King's Speech -premio a la mejor película, dirección, guión original y actor principal- se une a la extensa lista de producciones de época, que Merchant Ivory tanto contribuyeron a popularizar internacionalmente, y de la cual sus protagonistas son consumados intérpretes. Así, tanto Colin Firth, en el papel del duque de York, como Helena Bonham Carter, la esposa, quien le pondrá en contacto con el especialista en terapia del lenguaje Lionel Logue (Geoffrey Rush) dedicado a ayudar al futuro rey George VI a superar su tartamudeo, cuentan con numerosos films históricos en su haber, además de participaciones en el repertorio clásico teatral; de hecho tuve oportunidad de ver las enormes cualidades histriónicas de Rush sobre la escena neoyorkina, en Diary of a Madman de Nikolai Gogol, dos días antes de la ceremonia de premiación.
El film de Hooper presenta el sello característico de otros de sus trabajos, como Love in a Cold Climate (2001), Daniel Deronda (2002) y Elizabeth (2005), donde la dirección igualmente subvierte las convenciones de la época, humanizando a los caracteres y eventos, mediante la intensa exploración psicológica reveladora de temores, ansiedades y frustraciones, que los estudiados primeros planos exploran en sus detalles más nimios. En este sentido, el juego de close-ups al rostro agónico del duque y a miembros de la audiencia, mientras aquel intenta sin éxito articular su discurso, hacen más grotesca la coyuntura histórica en que no solo las palabras sino todo un imperio parecía desmembrarse bajo el peso de una corona en decadencia.
The King's Speech logró captar acertadamente la atmósfera de aquella encrucijada durante el tiempo de entreguerras, fluctuando el defecto del futuro monarca con los altibajos de la diplomacia europea en su tentativa de evitar un nuevo conflicto bélico, al tiempo que la despreocupación del príncipe Edward para con sus deberes como futuro monarca y posterior abdicación a fin de casarse con Wallis Simpson, inclinaban desfavorablemente la balanza de la opinión pública hacia la monarquía.
"Millones murieron para defender esta corona, el rey la rechaza alegremente por una mujer, y yo me quedo solo sosteniéndola; un hombre que no puede hablar. La monarquía como institución podría colapsar, y yo no estoy en condiciones siquiera de improvisar para ellos un discurso navideño", se lamenta el duque ante Lionel, en uno de los frecuentes intercambios entre los dos protagonistas, que constituyen la columna vertebral del film, y cuya agudeza y mordacidad, dentro del dramatismo de los acontecimientos, espejea el estilo incisivo de Harold Pinter en obras como The Caretaker y The Homecoming, por su poder para exponer las emociones más íntimas sin perder la compostura. Como estas, también The King's Speech se devuelve al teatro del absurdo propio de Beckett y Ionesco, a fin de desplegar, mediante un repertorio restringido de gestos, la angustia del futuro monarca pero sin dejar a un lado la ironía y el humor.
La cámara refleja lo incoherente del momento deformando la imagen en las sesiones de ejercicios faciales y físicos con que Lionel abruma a "Bertie", buscando desinhibirlo y sacudir sus miedos de infancia, producto de una educación castradora y la férrea disciplina palaciega, a fin de ayudarle a superar el tartamudeo. Igualmente, el juego plano-contraplano dinamiza la acción, acercando real y metafóricamente a ambos caracteres, además de crear un puente entre dos clases sociales separadas por un insuperable abismo de prejuicios y costumbres que, momentáneamente, quedaron olvidados cuando las bombas alemanas bombardearon tanto el East End londinense, como el palacio de Buckingham donde residió la familia real durante toda la contienda.  De hecho la secuencia climática del film, con la voz en off del rey leyendo el discurso de entrada a la Segunda Guerra Mundial, y los planos de conjunto de ciudadanos pertenecientes a distintos sectores de la sociedad británica, mostraron la unión de un país de un modo que no se vería nuevamente en la realidad hasta el entierro de la princesa Diana varias décadas después.
Black Swan igualmente aborda desde la intimidad de Nina -Natalie Portman, premio a la mejor actriz-, una bailarina del New York City Ballet, las trabas físicas y psicológicas que confronta a fin de hacerse con el papel principal del ballet de Tchaikovski. Lo opresivo de la cinematografía en las escenas donde Nina, como la protagonista de Repulsión (1965) de Roman Polanski, sufre alucinaciones que la desvinculan de la realidad, fragmenta el espacio cinemático con una economía de medios, cuya eficacia reside justamente en su ambivalencia, tanto sexual como estética, permitiéndole al espectador temer y esperar simultáneamente.
Echando mano a los recursos propios del thriller, con un montaje en profundidad puesto a otorgarle al film la carga dramática obtenida en The Wrestler (2008), Aronofsky mantiene exitosamente la tensión y atención, proponiendo simultáneamente una mirada muy personal, hasta cierto punto estereotipada y sexista, sobre el mundo de la danza, al llevar a un exceso bordeando en lo kitsch, la disciplina dancística y la fijación con el cuerpo como lenguaje, característicos de este arte.
El uso de cámaras manuales y el montaje fragmentario otorgaron al film el dinamismo y el voyerismo buscados, así como el efectismo necesario en las escenas sobre la escena, más próximas al despliegue sensacionalista de la versión homoerótica estilo Broadway de Matthew Bourne, que a la estilización y elegancia de la producción que George Balanchine ideó para el New York City Ballet en los años cincuenta. 
Con todo, Black Swan atrapó exitosamente el pulso neoyorkino en los planos-secuencia donde la ciudad, el metro, lo cavernoso de las salas de ensayo del Lincoln Center y del apartamento que Nina comparte con una madre igualmente al borde de la histeria -intensamente actuada por Barbara Hershey-, se convirtieron en el auténtico protagonista.
Tal protagonismo se devolvió en The Social Network -premio al mejor guión adaptado, banda sonora y edición- a la vida sin relieves del fundador de Facebook, Mark Zuckerberg -Jesse Eisenberg, nominado como mejor actor- en su epopeya cibernética, compartida hoy por millones de personas en todo el mundo. A partir de un evento frecuente en los adolescentes, el rechazo de una muchacha en la cual estaba interesado, Zuckerberg a sus diecinueve años inventó con otros compañeros de la Universidad de Harvard, un sistema por el cual la vida privada se hacía instantáneamente pública y llegaba a todo aquel que entrara en la página. Ello como una manera de actualizar para el nuevo milenio, los álbumes de fin de curso con fotos y leyendas sobre la vida de sus protagonistas, propios de las escuelas norteamericanas.
Siguiendo el estilo de films anteriores como The Game (1997) y Fight Club (1999), Finch reflejó también aquí los cambios de humor de los protagonistas, inmersos en una serie de desencuentros que los llevaron de la amistad al odio, con una eficacia que exponía simultáneamente sus zonas más oscuras; no en vano el mismo Zuckerberg buscó públicamente distanciarse de la imagen huraña y descuidada, que el director presentó de él, durante la serie de batallas legales impuestas en su contra por quienes le habían ayudado a ingeniar Facebook, y que constituyeron el núcleo argumental de la película.
El ágil guión captó detalladamente sin embargo, la psicología y el lenguaje de estos jóvenes, ansiosos por crear un negocio que los volviera multimillonarios de la noche a la mañana, mientras se postergaban buscando muchachas imposibles por los bares y clubs pertenecientes a su grupo étnico. "Un éxodo, por pequeño que sea, o un minúsculo grupo que se vaya del sistema, se extenderá por toda la base de datos, pues todos los usuarios están interconectados, ése es el punto álgido del negocio. Estos son niñatos universitarios que están en línea porque sus amigos lo están, y si uno se va (…) todos se van, ¿entiendes? ¡Y yo no quiero verme otra vez en la fiesta caribeña de la fraternidad judía!", le dice Mark a su socio Eduardo, a poco de lograr el éxito.
Con todo, la resonancia del film, más allá de los aspectos netamente cinemáticos, ha residido en su capacidad para articular visualmente los entretelones de esta red, abrazada universalmente, y que hoy se constituye además en instrumento indispensable para unir a la gente, no solo en el afán de airear su cotidianeidad, sino en la exigencia de conformar mecanismos de poder puestos a desestabilizar sistemas políticos dictatoriales y bloques económicos corruptos.
True Grit se hizo eco de tales necesidades desde la figura del antihéroe propio del western americano, interpretado por Jeff  Bridges -nominado como mejor actor- en una vuelta de tuerca al papel que le dio a John Wayne la preciada estatuilla, en la versión cinematográfica de 1969 dirigida por Henry Hathaway. Aquí, al igual que en No Country for Old Men (2007), los hermanos Coen se devuelven al destino de un hombre ordinario enfrentado a extraordinarias circunstancias, en la inmensidad de las estepas del oeste americano, donde el pulso del paisaje se vuelve un factor determinante en el desarrollo de la trama.
Enmarcado por las panorámicas de la agreste geografía de Arkansas, Bridges, en el papel de Rooster Cogburn, el sheriff contratado por la niña de catorce años Mattie Ross -Hailee Steinfeld, nominada como mejor actriz de reparto- para que vengue el asesinato de su padre, subvierte el estereotipo del héroe que siempre actuó Wayne, para mostrarnos al hombre con todos sus temores, complejos y excesos. El personaje de niña-adulta de Steinfeld balancea la ecuación, dentro de la línea del que Tatum O'Neal creo en Paper Moon (1973), robándole por instantes el protagonismo a Bridges, lo cual contribuye a realzar al antihéroe.
La ironía y el humor negro característicos del estilo de Ethan y Joel Coen, se integra en la diégesis del film mediante los duelos dialogados de ambos protagonistas, adaptados de la novela homónima de Charles Portis, creando un agudo contraste entre su cuidada dicción y la brutalidad del drama, espoleado por la pobreza e ignorancia de un entorno que ellos navegan siempre a contracorriente: otra conjunción puesta a enlazar las películas, que este año los premios Oscar han puesto atinadamente sobre el tapete una vez más.

Alejandro Varderi
Oscars 2011
 

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