15º Bafici - 15º Bafici - Semana de cine irlandés (à traduire)

Jerusalén, Israel
Del 21 al 27 de febrero de 2013

Muy ocasionalmente se exhiben películas de Irlanda en los cines de Israel y ésta ha sido una buena oportunidad para conocer algunas obras importantes de dicho origen, dentro del programa de la cinemateca de la capital. Jóvenes directores, algunos probando sus primeras armas, han permitido echar un primer vistazo a aquello que caracteriza a un tipo de cine relativamente nuevo, que cuenta con apoyo oficial (de Irish Films Board), aun si los proyectos no aspiren a alcanzar éxito comercial. La selección presentada aquí revela un interés por indagar los problemas de la soledad, de la creciente indiferencia o de la saña de la sociedad y de sus leyes respecto de las personas individuales, de las ansiedades de éstas, de su desesperanza, del deseo de exiliarse y, juntamente, de su fidelidad al suelo natal.

Silence

Año: 2012
Duración: 84 minutos
Director: Pat Collins

A diferencia de la función que cumple en otros de los films exhibidos, en éste, el silencio adquiere para el hombre una cualidad mística. Un ingeniero vuelve a su patria, desde Berlín, para realizar un trabajo que consiste en registrar sonidos que han sido relegados o cubiertos por los ruidos de la civilización urbana moderna. De ritmo lento y mínima anécdota, la película comienza con el enfoque de una grabadora que emite una versión de la famosa canción de Ernesto Lecuona La brisa y yo. Distintos tipos de música serán oídos a continuación, pero el plato del león corresponde al silencio, un silencio que se encoge a veces para destacar los gorjeos de los pájaros y los murmullos del agua y del viento. El ingeniero recorre lugares del norte de Irlanda y de su pueblo natal. Las imágenes de los paisajes van acompañadas por los sonidos no humanos registrados y si el viajero se encuentra y dialoga con algún poblador de la región, a veces éste no parece hablar, pero se escucha su voz en off y no manifiesta visualmente delante de la cámara. Tal desfasaje destaca el rol que cumplen las ?voces?, enaltecidas por los largos silencios que las custodian. Despojado de su carácter ordinario de mera pausa, el silencio va a convertirse en un elemento importante de la historia. La banda sonora, fuera de su función corriente de transmisión de las palabras, capta preferentemente lo que está más allá del lenguaje: en un paseo nocturno, el protagonista imita la voz de los pájaros y alguno hasta pareciera contestarle.
En varias ocasiones el registrador se confunde con el entorno, permaneciendo inmóvil como los árboles que lo rodean y junto con las montañas, las ruinas, los campos, el mar, se vuelve una parte integral del paisaje. Realizado por un veterano documentalista, Pat Collins, el film puede clasificarse como docu-ficción, una combinación también perceptible, aunque en menor grado, en otros films de la muestra. Eoghan Mac Giolla Bhride, en el papel del registrador, ha colaborado con Collins en la escritura del guión. La operación de registro sirve de estímulo para una meditación sobre el pasado, que es revivido a través de fragmentos de películas rescatadas de archivos de la región, las cuales ponen al espectador en contacto visual con lo que fue y no ha cesado de ejercer influencia. Por el vidrio roto de una ventana, que parece pertenecer a la casa donde vivió, ahora en ruinas, el protagonista contempla el paisaje. Se advierte hacia el final de la película que es desde allí que se ha ?contado? lo recorrido. El film se abre con un epígrafe en que se citan versos del poeta escocés John Burnside, anticipadores del tono lírico de su mensaje:
The cuckoo calls from the well of my mind,
More echo than thought, as it fades through the wind
And flickers away to the silence beyond
Like the voice, in myself, of another.
(El cuclillo llama desde el manantial de mi mente/ más eco que pensamiento/ en tanto se desvanece en el viento/y revolotea hacia el silencio de más allá/como la voz de otro que está en mí).

The Tree Keeper (El guardian de los árboles)

Año: 2011
Duración: 89 minutos
Director: Patrick O´Shea

Influido, según sus declaraciones, por QuentinTarantino y los hermanos Coen, O´Shea debuta como director de largo metraje con este thriller de horror con pretensiones ecológicas. El protagonista trata de impedir que el terreno forestal que le pertenece sea convertido en un vaciadero de desperdicios. Filmada, en parte, en bosques de la zona de Cork, el film es un cóctel de violencia, en el que a la imitación de las películas de los directores mencionados, se agrega la del cine de aventura de la época muda. No faltan los intentos de violación, el cuchillo amenazante sobre el cuello de la muchacha, apuñalamientos, palazos impartidos por el muchacho al villano, y la consiguiente combustión del cuerpo; ataques al corazón, finalmente decisivos, sufridos por el padre no menos vil del villano, balazos de su esbirro, sangre, trompadas, etc. The Tree Keeper está filmado con cámara en mano en las escenas urbanas, y cámara fija en las escenas del bosque. El director explica en un reportaje que a medida que los personajes de la ciudad penetran en la foresta, el uso manual de la cámara es más frecuente, con el objeto de destacar la ruptura de la quietud que la intromisión produce. Ni ese procedimiento ni los cortes bruscos y los cambios rápidos de ángulo que pretenden aumentar la tensión logran conmover positivamente al espectador, dada la trivialidad del contenido.

Pilgrim Hill (La colina del peregrino)

Año: 2011
Duración: 96 minutos
Director: Gerard Barrett

Además de dirigirla, Barrett escribió el guión, la produjo y editó. El marco está constituido por un seudo diálogo entre un granjero de mediana edad (Jimmy Walsh) interpretado por Joe Mullins y un oyente invisible a la cámara (el espectador, de facto). La historia, con pocas palabras y muchos silencios reconstruye la vida rutinaria de un homo faber solitario cuya jornada consiste en atender a sus vacas lecheras, a su padre postrado hace años, y a las tareas de sostenimiento de la casa. El tiempo supuestamente libre se llena con breves escapadas al pub de la ciudad cercana para beberse una cerveza. La cámara echa una mirada casi documental sobre el mundo rural y las rutinas de un granjero que posee los artefactos tecnológicos apropiados para su trabajo, tiene un auto y una casa bien ordenada, pero vive en una extrema soledad. El escaso contacto con el entorno se limita a los encuentros con un amigo desocupado que sueña con irse a hacer fortuna en Dubay y a una amiga (tal vez su antigua novia), accesible en los momentos cruciales, pero insuficientes. La obligación de atender al padre, la oposición de éste a su casamiento, le ha impedido, según confiesa, formar una familia. Su madre se ha suicidado hace mucho tiempo (no se explican las causas). La rutina es quebrada por un inspector de ganado que exige la revisación de los animales, debido a una sospecha fundada de infección colectiva. Los medios de subsistencia corren el riesgo de ser eliminados. Finalmente las vacas serán requisadas y posiblemente sacrificadas. La frustración del personaje, su desesperación, luego, son percibidas por una cámara que sigue insistentemente sus actividades rutinarias. Valiéndose de primeros planos de su rostro y secundada por los colores pálidos de la fotografía, la cámara insiste en la transmisión de las expresiones de desazón e impotencia Muchas de las escenas dramáticas están presentadas indirectamente. Al padre no lo vemos nunca, no se escucha ni siquiera su voz La cámara se detiene siempre en el corredor, cada vez que el hijo entra en la habitación del enfermo. Después de la muerte del padre, el funeral es escuetamente configurado y la cámara enfoca solamente un extremo del ataúd y, luego, las manos de personas que dan el pésame al deudo. Aun en este cuadro colectivo, el aislamiento del protagonista sigue vigente. En la escena de la requisa, cuando Jimmy trata de oponerse violentamente y protesta con furia, la banda sonora omite sus palabras y sus gritos; la cámara capta su rostro iracundo y el movimiento de sus labios. La omisión del sonido intensifica el impacto del enfrentamiento con la autoridad. La relación del individuo con las personas del entorno resulta siempre negativa (véase también la película Garage). Cabe señalar que la vida sin horizontes del protagonista, el sentimiento de vacío, los silencios prolongados, parecen acechar no sólo al personaje específico, sino también a un sector amplio de la sociedad irlandesa rural.

Jump (Salto)

Año: 2012
Duración: 84 minutos
Director: Kieron J. Walsh

Exhibida en el festival de Toronto, pretende seguir los pasos de los thriller de Quentin Tarantino. En ella, se relatan las andanzas alocadas de varios personajes de dudosa moralidad en la noche de festejo del Año Nuevo. Las historias paralelas se van a ir vinculando y los que se suponían eventos inconexos, van a conformar finalmente una sola historia. Con un principio promisorio (frustrado después), con rápidos cambios de planos, saltos a las historias paralelas, ruptura de la cronología, colores deslumbrantes y música estridente, la película logra generalmente mantener la atención del espectador. El film es una farsa y requiere dejar a un lado exigencias de verosimilitud. Las casualidades, los supuestos diálogos existenciales, las explicaciones seudo -psicoanalíticas que la protagonista se da a sí misma acerca de sus complejos de identidad, los saltos de estado de ánimo de los personajes, los saltos de montaje de una escena a otra, no logran convencer al espectador de que está ante un thriller de ambiciones mayores. Un cadáver comprometedor en el baúl del auto robado recuerda una vieja y más lograda película de las famosas series televisivas de Hitchcock. En resumen, mucho ruido y pocas nueces y de éstas, algunas más comestibles que otras.

Garage

Año: 2007
Duración: 85 minutos
Director: Lenny Abrahamson

Tres films del director fueron presentados en la muestra: su primera obra Adam and Paul, 2004, What Richard Did, 2011 y el que comentamos. Como en Pilgrim Hill, se muestra la jornada diaria de un trabajador, en este caso, el empleado de una estación gasolinera en las afueras de la ciudad. Josie, el protagonista trabaja allí solo, hasta la llegada de un joven de quince años que el dueño trae para secundarlo los fines de semana. Josie es un discapacitado mental, que ha sido compañero de escuela primaria del dueño de la gasolinera, pero la relación es de patrón despreciativo y obrero obediente que se dirige siempre a su superior con distancia, llamándolo señor Gallahan. Aunque pareciera conforme con su soledad, Josie acepta sin reparos a su huraño ayudante con el que entabla una amistad que tendrá fin trágico. La cámara sigue a Josie casi constantemente en su rutina solitaria en la que rompe el silencio hablando consigo mismo. Los personajes con los que se encuentra en el pub, un deprimente centro de reunión, lo tratan con hostilidad no disimulada o con compasión, algunos lo usan como testigo mudo de sus confesiones de fracaso. (El pub es, en la mayoría de las películas exhibidas, el lugar de reunión para vencer inútilmente el tedio y el lugar de la gresca). El único contacto apacible es el que Josie mantiene con un caballo al que lleva comida, pero que en el momento en que todos lo repudian parece también adherirse al rechazo general. La película comienza con el enfoque de Josie caminando por las vías del tren y termina con el andar del caballo, inexplicablemente suelto, marchando por las mismas vías hacia la cámara y por tanto hacia los espectadores, como si viniera a enjuiciarlos. La elección de los planos nunca es convencional y cobran un valor decisivo en la creación de la atmósfera. Un ejemplo, entre muchos, el plano general que se toma de Josie y un parroquiano en la puerta del pub, fumando silenciosos en la penumbra, transmite con emocionante economía la desolación de los dos. Las elipses, especialmente la omisión del momento en que el patrón lo despide, producen en el espectador un impacto que no conseguiría una mostración directa del acontecimiento. Ocurre lo mismo en los segundos de oscuridad total de la pantalla después de que Josie se va sumergiendo en el agua. Pat Shortt recibió el premio irlandés del año 2008 al mejor actor. La película fue laureada en Cannes, así como también el director y Mark O´Holloran, el guionista.

Una documental y cortometrajes

El penúltimo día de la muestra se exhibieron seis cortometrajes y una documental, Natural Grace (2011) de 78 minutos de duración, que fue dirigida por Art O´Brien. En ella se pasa revista parcial a la trayectoria musical del violinista Martin Hayes, incluyendo fragmentos de algunos de sus conciertos. Hayes habla de su pasión por la música folk de su país, de sus padres y de músicos que admira. Inesperadamente la cámara filma también su casamiento. Un paseo biográfico convencional, excesivamente verboso.
Los seis cortos, de diversa factura, incluyen dos dibujos animados. Comento brevemente cuatro.

Cluck

Año: 2011
Duración: 20 minutos
Director: Michael Lavelle

La acción transcurre en un asilo de huérfanos, de marcados rasgos dickensianos, donde los internados roban huevos para saciar el hambre y el director los castiga despiadadamente y hasta se desembaraza de uno de ellos, mandándolo tal vez a un hospital de enfermos mentales para ser objeto de experimentos. De un container, sale un nuevo expósito, monstruoso, que asume en su comportamiento características de una gallina. Primero rechazado y luego aceptado, desencadena una rebelión que consigue la expulsión del director, quien, gallina y emplumado, es llevado preso probablemente al mismo hospital al que mandara a los huérfanos indeseables. La película combina lo cómico y lo sórdido y la atmósfera siniestra es intensificada por una fotografía que da preferencia a una coloración monocromática. El final supuestamente feliz no borra la impresión de pesadilla que recibe el espectador y de la que no se desprenderá fácilmente. La película fue exhibida con éxito en varios festivales.

Noreen

Año: 2010
Duración: 18 minutos
Director y guionista: Domhnall Gleeson

Esta parodia sobre la institución policial y sus investigadores, encarnados aquí por dos policías torpes, es resultante de una colaboración familiar. Los dos vigilantes protagonistas, el sargento Con Keogh y el novato Frank, son interpretados, respectivamente, por el padre del director, Brendan Gleeson, famoso actor irlandés, y el hermano del director, Brian Gleeson. Ambos personajes parecen una versión más moderna del lloroso Laurel y el erradamente asertivo Hardy. Debido a una denuncia telefónica van a entrar en la casa de un perverso en la que descubrirán el cadáver de un joven que sostiene en una mano un revólver y en la otra un aviso sobre su suicidio. Para el policía veterano, el suicidio no parece ser tal y busca una explicación oculta detrás de lo que para él son falsas apariencias, pero su supuesto análisis es descabellado y lo conduce a la comisión involuntaria de dos delitos más. Por su parte, el novato que llora haber sido abandonado por su novia Noreen (nombre que da título a la película), descubre que el muerto ha tenido relaciones con ella. La absurda hipótesis de Keogh producirá un enredo mayor, del que Frank será probablemente la víctima. La película fue exhibida en varios festivales internacionales y fue premiada en el prestigioso festival de cine de Irlanda, Galway Film Fleadh.

The Crush (Enamoramiento)

Año: 2011
Duración: 15 minutos
Director, productor y guionista: Michael Creagh

Como la película previamente comentada, también en la realización de The Crush participan integrantes de una familia, en este caso, los Creagh. El niño protagonista es Oran, uno de los hijos del director, y la fotografía pertenece al hermano del director, Jim. Es la primera película realizada por Michael, quien también la escribió. En ella se narran las vicisitudes por las que pasa un peculiar triángulo amoroso, uno de cuyos lados es un escolar de ocho años, perdidamente enamorado de su maestra. Al enterarse de que ella tiene novio, reta a duelo a su rival. El desafío tendrá un desenlace sorpresivo. El niño apasionado se revelará como más adulto y perspicaz que sus mayores. No sólo el rival será burlado ingeniosamente, sino también el espectador llevado a construir una expectativa falsa. El film recibió el premio al mejor cortometraje en el Festival de Foyle, uno de los más importantes de Irlanda, y fue candidato al Oscar, en su categoría.

Hasan Everywhere

Año: 2010
Duración: 5 minutos
Director: Andrew Kavanagh

Este dibujo animado es el único film de los presentados que trata un tema político; la acción no sucede en Irlanda, sino en New York y en Medio Oriente. Es el más breve de todos los cortometrajes exhibidos y tal vez la brevedad sea, en este caso, uno de sus defectos, dada la complejidad del problema que trata. Está basado principalmente en el artículo de la novelista israelí Dorit Rabinyan The exile´s return publicado el 3 de abril de 2004 en el diario inglés The Guardian, en homenaje, en forma de carta de despedida, al artista palestino Hasan Hourani, ahogado en las cercanías del puerto de Tel Aviv. Hurani estaba preparando un libro de cuentos para niños, cuyas ilustraciones también le pertenecían. Copiando su estilo, el dibujo animado describe algunos momentos de una breve pero gran amistad entre la escritora citada y el pintor, que se inició en Nueva York, mientras discutían sobre el destino de los dos pueblos en conflicto y sobre el encierro en que vive la población palestina en los territorios conquistados por Israel en 1967. El mensaje de paz y fraternidad que el film intenta difundir no pasa de ser, lamentablemente, un cuento de hadas superficial, pero la exhibición del film en la semana de cine irlandés en la cinemateca de Jerusalén, adquiere una relevancia distinta de la que podría tener su exhibición en cualquier otro lugar y ante cualquier otro público. Al salir de la cinemateca pueden verse desde su terraza los muros que separan a los dos pueblos que no han logrado todavía llegar a un acuerdo. El film ha recibido varios premios, tal vez más en virtud del problema que pretende reflejar que por sus cualidades artísticas (el texto de Rabinyan es más valioso en los dos aspectos).

Adam Gai

Notas

La canción es interpretada por la cantante folk Nellie Nic Giolla Bhride, madre del protagonista de la película.
El film es en cierta medida una secuela de otro cortometraje de Domhnall Gleeson, What will survive of us (2009), que trata de la ruptura de una relación de pareja (el nombre de la mujer es también Noreen). El hombre resulta ser tan infeliz como el novato Frank de la película que comentamos y fue interpretado también por Brian Gleeson.
Hourani murió al intentar, sin conseguirlo, rescatar del mar a su sobrino.

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