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Septembre - Octobre 2021

 


Festival do Rio 2014 - Las peliculas (à traduire)


   
El Documental fue la estrella de este Festival do Rio 2014. Sin embargo, otros géneros como el ficcional y el Biopic mostraron buenos ejemplos de interpretación, guión y dirección.  Aquí van diez comentarios breves de filmes que Cinecritic.biz tuvo el privilegio de ver este año en la Ciudad Maravillosa.

Ficción y Biopic

Mr. Turner (Dir.: Mike Leigh. Con Timothy Spall, Roger Ashton Griffiths, Jamie Thomas King. Reino Unido, 2014, Dur.: 149 min)
En su nuevo largometraje, Mike Leigh, director de Life is Sweet (1991) y Secrets and Lies (1996), aborda los últimos 25 años de vida del maestro británico Joseph Mallord William Turner. Excéntrico e indisciplinado, el pintor transitaba entre la aristocracia y los prostíbulos, además de alimentar la inspiración en sus numerosos viajes. El reconocimiento de sus pares no fue suficiente para protegerlo de las eventuales críticas populares y del sarcasmo de la clase dirigente. Después de la muerte de su padre, Turner se aisló, pero su vida cambió cuando conoció a la Sra Booth, propietaria de una pensión en la costa.
La obra de Turner se caracterizó por la investigación sobre los efectos de la luz, y fue determinante para el posterior desarrollo del Impresionismo. Desde 1817 hasta 1845 viajó con frecuencia a los Países Bajos para estudiar los efectos atmosféricos y lumínicos en esas latitudes, y para observar las obras de los pintores holandeses. Turner pintaba sus paisajes durante el amanecer y el atardecer por tratarse de los dos momentos del día en los que se puede apreciar mejor el espectro completo de luz. La tonalidad de sus obras está muy volcada al amarillo, al rosado o al anaranjado. Aunque perteneció al Romanticismo, se lo considera antecedente directo del Impresionismo por sus estudios de la luz, y un antecedente más lejano del Arte Abstracto por su tendencia cada vez mayor a difuminar los contornos hasta convertirlos en formas irreconocibles, en manchas. 
El director de fotografía de Mr. Turner, Dick Pope, intentó con éxito dar al filme la misma calidad de luz que aparece en las obras del artista británico, algo nunca sencillo en este tipo de biopics. Ensayó una especie de veladura que da una sensación de desvanecimiento de las formas, como en una foto en la que el exceso de luz difumina los contornos. La película abre, además, con humo de cigarrillo, evidenciando la forma en la cual el efecto del humo modifica el cuadro, en referencia directa a los efectos de humo y niebla de las pinturas de Turner.
Otro tema tratado por Mike Leigh, director y guionista de la película, es la aparición del daguerrotipo durante la última etapa de la vida del pintor. La fotografía ya había comenzado entonces a ocupar el lugar de la pintura en el género del retrato, y pronto ocurriría otro tanto con el paisaje, es decir que la fotografía estaba liberando a la pintura de la imposición de ser el único medio capaz de registrar fielmente la realidad, lo que trajo como consecuencia que las artes plásticas se tornasen cada vez menos figurativas. Esta tendencia creciente a la abstracción llegó a tal extremo en Turner que volvió su obra incomprensible para el público y para la clase dirigente (vale acotar, en este sentido, que Mike Leigh retrata a la Reina Victoria como una monarca que no gustaba en absoluto de las innovaciones en materia artística). Sin embargo siempre contó con el apoyo y el reconocimiento del público conocedor y de sus colegas.

Maps to the Stars
(Dir.: David Cronenberg. Con Julianne Moore, Mia Wasikowska, Olivia Williams, Evan Bird, John Cusack, Robert Pattinson. Canadá/Alemania, 2014, Dur: 111 min)
El célebre director canadiense David Cronenberg cuenta la historia de los Weiss, una típica familia hollywoodense. Sanford (John Cusack) es un psicólogo que hace fortuna con libros de autoayuda. Christina, su mujer (Olivia Williams), pasa la mayor parte de sus días cuidando la precoz carrera del hijo menor Benjie (Evan Bird), un astro infantil de 13 años que acaba de volver de un centro de rehabilitación para drogadictos. Completando la familia, Agatha (Mia Wasikowska) fue recientemente liberada de un sanatorio psiquiátrico donde se la trató por su inclinación a la piromanía. 
El filme abre con un mapa de las estrellas sobre la cual se imprime los nombres del elenco y el equipo de filmación, en un interesante juego de sentidos que pone en relación los cuerpos celestes, los astros, con los "stars" de Hollywood. Benjie, estrella de la pantalla grande, que comenzó su carrera (y su adicción a las drogas) a los 9 años, es ahora un precoz productor y actor de 13 años. Havana Segrand (Julianne Moore) es una actriz que sufrió abuso sexual durante su infancia, de manos de su madre, la también actriz Clarice Taggart (Sarah Gadon).
Agatha es piromaníaca, iniciadora del incendio de la casa paterna. Cuando consigue trabajo como secretaria en la mansión de Havana Segrand, es como si el pasado retornase. Havana se siente identificada con Agatha porque Clarice, su madre, también murió en un incendio.  ¿Cronenberg estará insinuando, así, que Havana provocó el incendio donde murió su madre, para vengarse de los abusos? No hay respuesta a esta pregunta. Sin embargo Christina, la madre de Benjie y Agatha muere también quemada, a lo bonzo. Parece que el pasado no resuelto retorna una y otra vez, como un karma o una maldición, de la misma forma que acontece en las tragedias griegas. Los destinos de Agatha y Havana se cruzan, como si las dos fueran una sola persona. Incluso cuando Agatha asesina a Havana, golpeándola reiteradamente en la cabeza, ella misma se mancha la frente de sangre, puesto que una es el reflejo de la otra.
Cronenberg muestra la competencia feroz que existe en Hollywood y cómo las estrellas se odian unas a otras hasta desearse la muerte. Un mundo cruel, un mundo de psicóticos donde las palabras amor, perdón y compasión brillan por su ausencia, un mundo de homicidas, abusadores y suicidas. Los celos, la envidia y la hipocresía reinan en ese mundo, siendo las únicas motivaciones el sexo, el dinero, la fama, el ego y la venganza.
Hay un poco de mezcla de géneros en la película, desde el género del terror al de la ciencia ficción. Por ejemplo, al principio, cuando Agatha se sube al remise, Jerome le pregunta de dónde viene, a lo que ella responde: "vengo de Júpiter". Luego esto es reafirmado cuando Jerome obtiene un papel secundario en un filme de ciencia ficción. El tatuaje que lo identifica como extraterrestre guarda la misma forma, y ocupa el mismo lugar en su rostro, que la enorme y visible cicatriz en el rostro de Agatha, consecuencia de los incendios provocados por ella. De alguna manera es como si Agatha fuera (o se sintiera) como una especie de extraterrestre venida del espacio sideral, alguien que no pertenece a este mundo. O tal vez  Cronenberg nos está diciendo que todos provenimos del Cosmos y que nuestro destino está gobernado por él.
Por otra parte, tanto Benjie como Agatha ven fantasmas de niños en el jardín de su casa. La aparición de espectros es algo muy frecuente en el género del terror, solo que en Cronenberg adquiere un cariz psicológico y casi podríamos decir, surrealista. En él la realidad se vuelve mágica para explicar un estado alterado de la consciencia. Los fantasmas aparecen y desaparecen en la piscina, siendo el agua un canal de comunicación de este mundo con el más allá, y adquiriendo también otras significaciones como el de las profundidades del sueño y del inconsciente o como un portal a otra dimensión (¿la cuarta, la quinta?).
En Maps to the Stars la construcción del relato se inspira en las tragedias griegas. Sólo que los palacios de la Antigüedad se ven convertidos ahora en las modernas mansiones de Beverly Hills, donde la tragedia humana se perpetúa de la misma forma que antaño. Cronenberg da continuidad a una idea recurrente en su filmografía, la de una sociedad decadente que se desmorona, cuyos integrantes terminan muertos o locos como en las tragedias clásicas o en las shakesperianas. Solo por poner un ejemplo: Christina, la madre de Agatha, dice que ellos no sabían, antes de casarse, que ella y Sanford eran hermanos. De la misma forma que en la célebre tragedia de Sófocles, Edipo, para llegar a ser rey, mata a su padre y se casa con su madre porque no sabe quiénes son. Su destino está marcado por los dioses (o por las estrellas, retomando la idea del filme). Los temas del incesto y de la muerte temprana no sólo aparecen en referencia a Christina y Sanford, también en lo que respecta a Havana y su madre Clarice, y a los hermanos Benjie y Agatha. El destino de todos ellos está marcado por las estrellas. El mapa del comienzo adquiere, entonces, un cariz de marca cósmica del destino humano, o mejor dicho, de la tragedia humana. En realidad es un filme con un cierto grado de esoterismo. El hecho de que  Agatha hubiese vivido 7 años en el hospital psiquiátrico en Florida y Benjie tuviese 13 años al cumplir su destino de casarse con su hermana y morir en manos de ella, significa que hay algo de cabalístico en Maps to the Stars, ya que 7 y 13 son números muy significativos para la Cábala, son ciclos al cabo y al inicio de los cuales, cosas importantes acontecen en la vida de una persona.

Jimmy's Hall (Dir.: Ken Loach. Con Barry Ward, Simone Kirby. Irlanda/Reino Unido, 2014. Dur: 106 min)
En 1921, el campesino Jimmy Gralton tiene la audacia de construir un salón de danza en un rincón rural de Irlanda. Punto de encuentro entre jóvenes idealistas, el lugar es visto con malos ojos entre los más conservadores. Diez años después, luego de un largo exilio en Nueva York, Jimmy vuelve a su tierra natal para ayudar a su madre a cuidar de su familia. Con esperanzas renovadas en el ambiente, después de casi diez años de guerra civil, Jimmy decide reabrir el antiguo salón. El éxito es inmediato, pero sus ideas progresistas no agradan a todos en la aldea, y las tensiones surgen nuevamente.
Ken Loach toca el tema de Irlanda en el periodo post-independentista, luego del tratado anglo-irlandés que estableció, en 1921, la separación de una Irlanda del Norte protestante, dependiente del Reino Unido y una Irlanda del Sur autónoma y de mayoría católica. El director británico muestra la dictadura de la Iglesia Católica en Irlanda, además de la intolerancia y la persecución contra los comunistas.
Jimmy Gralton volvió de Nueva York en plena crisis del '30 con toda la ilusión de volver a su tierra, pero sus ideas progresistas no fueron bien recibidas. El conoció en los Estados Unidos la música de jazz y las ideas progresistas sobre la defensa de los derechos de los trabajadores, los derechos civiles, en los que los Estados Unidos estaban por aquella época mucho más desarrollados que Irlanda. Sus ideas novedosas molestaron a tal punto al establishment de la Irlanda católica, que finalmente el Obispo y el poder político decidieron expulsarlo definitivamente del país. Jimmy fue forzado a aceptar un segundo exilio en Nueva York, donde murió en diciembre de 1945.
La última imagen del filme muestra a los jóvenes despidiendo a Jimmy. Esos jóvenes son el futuro, el cambio en Irlanda que llegó bastante tardíamente, recién a mediados de los años '80. El filme muestra lo hermética y cerrada que se mantuvo la sociedad irlandesa, resistiendo al cambio durante más de 50 años, y el atraso al que la Iglesia Católica la tuvo sometida durante ese extenso periodo de tiempo.

Mommy (Dir.: Xavier Dolan. Con Anne Dorval, Antoine Olivier Pilon, Suzanne Clément, Patrick Huard, Alexandre Goyette. Canadá, 2014. Dur: 134 min)
Del director Xavier Dolan (Yo maté a mi madre, 2009 y Los Amores Imaginarios, 2010), se proyectó, durante el Festival do Rio 2014, Mommy, largometraje ganador del premio del jurado en el Festival de Cannes 2014. 
Diane es una mujer viuda que vive constantemente malhumorada. Madre soltera, se ve sobrecargada con la guarda de Steve, su hijo de 15 años, que sufre de un síndrome conductual denominado TDAH (Trastorno por Déficit de Atención con Hiperactividad). Mientras ellos intentan sobrevivir y luchar en medio de esta situación difícil, Kyla, una profesora de secundaria que vive justo enfrente de la casa de Diane, se ofrece para ayudar. Juntos, los tres encuentran un nuevo equilibrio y la esperanza renace.
Para mostrar la estrechez de visión, la poca perspectiva en esas vidas, el director optó por un formato cuadrado 1:1, muy atípico en cine. Los colores son apagados y la luz opaca, grisácea. En la única secuencia donde se vuelve al formato rectangular normal 1.85:1 es aquella de la ensoñación de Diane, en la que además los colores y la luz recobran su brillantez.
Diane firma con la apócope "Die" la salida de su hijo de la clínica. "Die" en inglés significa morir. Es como que si madre, al llevar a su hijo a casa, en lugar de ayudarlo, lo estuviera empujando a la muerte. Da la impresión, a lo largo del filme, que ella culpa a su hijo de todas sus desgracias y que, en realidad, ella es la más desequilibrada de los dos. La situación general parece ir mejorando durante un tiempo hasta que Die decide internar a Steve por segunda vez, en un nuevo intento de quitarse el problema de encima, y es entonces que la situación de ambos vuelve a caer en el vacío.
Mommy es un filme extremadamente pesimista y nihilista. La madre, en la filmografía de Dolan, no es un ser que da vida sino muy por el contrario, aparece representada como la Muerte personificada, como alguien que está allí para destruir, para matar a su hijo. Hay un conflicto generacional muy fuerte en este y otros filmes anteriores del joven director canadiense. Algunos de estos conflictos aparecen también en Yo maté a mi madre (2009): la pugna entre un adolescente en busca de su identidad sexual y una madre soltera sobreprotectora y desamparadora a la vez, la relación simbiótica de amor-odio entre esta madre y su hijo, agravada por un padre ausente y el tema de la internación como una manera poco efectiva de poner distancia en esa relación simbiótica. Sin duda los filmes de Xavier Dolan requieren un completo conocimiento de la obra de Freud para ser cabalmente comprendidos.  

El misterio de la felicidad (Dir.: Daniel Burman. Con Guillermo Francella, Inés Estévez, Alejandro Awada, Sergio Boris. Argentina/Brasil, 2014. Dur: 92 min)
De Daniel Burman, el mismo director de El hijo de la novia, El abrazo partido y El nido vacío,  pudo verse en el Festival do Rio El misterio de la felicidad, una película que habla sobre el amor, la amistad y la lealtad.
Santiago y Eugenio son socios en un negocio de electrodomésticos y amigos de mucho tiempo. Un día, y sin previo aviso, Eugenio desaparece. Santiago se da cuenta de la gravedad del problema cuando Laura, la esposa de Eugenio, le cuenta que su marido se ha llevado todas sus pertenencias sin dejar pistas. Juntos, Santiago y Laura, viajan a Brasil para buscar a Eugenio y así descubrir los motivos de su desaparición, pero entonces un nuevo sentimiento nace entre ambos.
En la primera secuencia, con mucho sentido del humor, los dos socios actúan como si uno fuese el fiel reflejo del otro. Los movimientos cuidadosamente sincronizados, como en un espejo, dan a uno la impresión de estar presenciando una vida en pareja más que la de socios de una empresa. Sin embargo hay como una especie de quiebre en esa relación simbiótica cuando uno expresa su intención de vender el negocio de electrodomésticos y el otro, lo contrario. Eugenio es un hombre que parece tener poco carácter y ser fácilmente manipulado por su esposa y su socio. Es como si mantuviese una existencia ajena, duplicada, como si viviera enajenado sin tener en cuenta para nada sus propios deseos y sueños. La película habla de qué pasa cuando un miembro de una sociedad (conyugal o de negocios) decide romper con lo establecido, con el contrato matrimonial y comercial, poniendo fin de esa forma al vacío de una vida impostada.
En la entrevista colectiva que dieron Daniel Burman e Inés Estévez durante el festival, Burman habló de un tema recurrente en sus filmes: "yo hablo de los vínculos, de cómo nos relacionamos con el otro para sobrevivir a la angustia existencial que todos tenemos". El joven director argentino recordaba que existe una relación directa entre melancolía y comedia, ya que "la vida es básicamente una tragedia y la reacción a esta tragedia es la comedia, es una forma de sobrellevar esa tristeza, esa melancolía", decía. A pesar de ello, en sus filmes siempre hay una salida, una esperanza.
Para Inés Estévez, en cambio, el filme habla de "cómo el ser humano sostiene situaciones que van en detrimento de su propia felicidad". 
Daniel Burman retrata en sus películas a la sociedad porteña de clase media, generalmente representada a través de sus colectividades. Hasta ahora sus personajes centrales pertenecían la comunidad judía, pero en éste, su último largo, son los armenios los que aparecen retratados en la piel del "investigador privado" Odukian (Alejandro Awada), que más parece un médium o un adivino que un investigador. Como bien marcaba el director durante la entrevista colectiva, Odukian ocupa el lugar de la pitonisa en el Oráculo de Delfos, quien a su vez remite a la tragedia griega. "Odukian tiene una visión diferente. Justamente por ser armenio, él ve un poco más allá que los demás".

El Presidente (Dir.: Moshen Makhmalbaf. Con Misha Gomiashvili, Dachi Orvelashvili. Georgia/Francia/Reino Unido, Alemania, 2014. Dur: 105 min)
Del mismo director de Gabbeh y El silencio, el iraní Moshen Makhmalbaf, llegó a las pantallas del Festival do Rio, El presidente.  Un dictador y su familia gobiernan un país imaginario con puños de acero, disfrutando de una vida de lujo y de placer a costa de la miseria del pueblo. Cuando un Golpe de Estado derriba el régimen, la familia del líder huye del país en avión, dejando en tierra  al ex mandatario y a su joven nieto de cinco años. Disfrazados de músicos callejeros, cruzan el país y se enfrentan cara a cara con el odio unánime que despertaron en el pueblo durante tantos años de dictadura.
El filme habla de un mandatario hipotético en un país hipotético. Sin embargo podemos reconocer allí algunos rasgos de la historia política de Irán. Es como si Makhmalbaf estuviese repasando la historia de Irán de los últimos 50 años.
El dictador -no se entiende muy bien por qué lo llaman Presidente, si él mismo se hace llamar Su Majestad, y a su nieto, el Príncipe Heredero- posee ciertos rasgos de Mohammad Reza Pahlavi, el último Shá de Persia. Como respuesta a una de sus órdenes arbitrarias y caprichosas, el pueblo declara la revolución. La película muestra, básicamente, cómo una dictadura derrocada por la fuerza, termina en otra dictadura más violenta y arbitraria que la anterior porque toda la maquinaria del poder sigue intacta y porque se basa en el odio y no en el respeto al otro. Ese círculo vicioso de venganza parece no tener fin, pero en algún punto tiene que cortarse para dar cabida a un estado de derecho.
La ciudad capital de este país imaginario recuerda un poco a París. Es una ciudad construida al estilo occidental, tal vez en alusión a la orientación pro-occidental del Shá de Persia. Luego de la revolución, el ex "presidente" se viste con ropas de campesino y vaga por el país guitarra en mano, disfrazado de músico ambulante. Esto, claro, no fue lo que ocurrió con Reza Pahlavi, se trata de una licencia poética para mostrar la fragilidad del poder absoluto: el mismo que un día creía encontrarse en la cima del mundo, al día siguiente puede descender al mismo nivel que un pordiosero. Lo bueno de esto es que así, quien otrora sustentaba el poder, entra forzosamente en contacto con la realidad.
El final queda abierto, no sabemos si el dictador muere decapitado o "danza por la democracia", como se lo escucha decir a un opositor recientemente liberado de prisión. La elección entre venganza o democracia está en manos del pueblo, este es el mensaje que Moshen Makhmalbaf quiere dejar al pueblo iraní y a todos los pueblos del mundo, de cara al futuro.

Documentales


Salt of the Earth (Dir.: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado. Con Sebastião Salgado. Francia/Italia/Brasil, 2014. Dur: 109 min)
En 40 años de carrera, el fotógrafo Sebastião Salgado recorre el mundo como testimonio de una humanidad en plena transformación, registrando eventos trágicos de nuestra historia reciente. Actualmente, se dedica al descubrimiento de territorios vírgenes y sus grandes paisajes, al encuentro de una fauna y una flora salvajes en un gigantesco estudio fotográfico que contempla la belleza del planeta. Los bastidores de este nuevo proyecto son revelados por las lentes cinematográficas del consagrado director alemán Wim Wenders y del hijo de Sebastião, Juliano Ribeiro Salgado.
El documental de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado comienza con fotos de Sebastião Salgado -de las minas de oro de Serra Pelada, en el Estado de Pará, norte de Brasil- y un primer plano del fotógrafo en sobreimpresión. Resulta muy impresionante la imagen de 50 mil personas subiendo y descendiendo de la ladera de la montaña en una busca desesperada por oro. Parecen esclavos pero no son, están allí por su propia voluntad. Su única esclavitud es la ambición. A partir de allí el documental muestra que la fotografía de Sebastião Salgado es esencialmente una fotografía de retrato social.
En el largometraje prima el blanco y negro simplemente porque Salgado evita el color en sus fotografías por una elección estética. Hay dos narradores: uno extra-diegético que narra en inglés, el director Wim Wenders, y otro intra-diegético que narra en francés, Sebastião Salgado. Sin embargo Wenders, de vez en cuando entra en de la diégesis, en un juego muy interesante de observador observado; aparece en escena cuando Sebastião saca fotos de él mientras éste lo filma. Se ve la cámara de Wenders en la foto de Sebastião y la cámara de Sebastião a través de la cámara de Wenders. Este juego de miradas surge del hecho de estar filmando a un colega que realiza el mismo trabajo de registro.
El fotógrafo brasileño estuvo exiliado en París desde 1969, durante el régimen militar, y volvió a Brasil en 1984 con el retorno de la democracia. Cuando volvió a su hacienda se encontró con que la sequía no había dejado tierra fértil para cultivo, su esposa Lélia Wanick tuvo la idea de replantar la mata en la hacienda reestableciendo así todo el ecosistema del lugar. Crearon en esa época el Instituto Terra para la preservación del medio ambiente. Hoy día las tierras de los Salgado son una Reserva Natural protegida por el Estado Nacional Brasileño.
El documental repasa todas las expediciones fotográficas de Salgado en África, Latinoamérica y este de Europa para dar cuenta de los dramas sociales, la extrema pobreza, las guerras civiles en África -que sólo acaban con el exterminio de uno de los grupos en pugna-, la guerra étnica en el este de Europa, los éxodos masivos, la hambruna, la muerte infantil por inanición y falta de agua en el nordeste brasileño, y así podríamos continuar. 
Tiene una serie de obras de 1993 que, bajo el nombre de "Trabajadores, una arqueología de la era industrial", muestra las consecuencias ambientales de la explotación indiscriminada de recursos. A esa serie pertenecen las fotos de "garimpeiros" de Serra Pelada y el registro fotográfico obtenido justo después de la guerra del Golfo, en 1991, de las explosiones de petróleo en Kuwait.
Entre 2004 y 2013 la preocupación de Salgado se centró en la ecología, de allí surge su último libro "Génesis", en el que retrata los santuarios naturales vírgenes, en los que la civilización apenas hizo mella: las tribus aborígenes en Pará, norte de Brasil, las Islas Galápagos en Ecuador, las ballenas de Puerto Madryn en la Patagonia Argentina, las comunidades esquimales en Alaska, forman una colección de fotos de una belleza sobrecogedora. El mensaje del documental es positivo y esperanzador: "la destrucción de la naturaleza es reversible" dice Wim Wenders en voz off. El director alemán logra captar el espíritu de la obra de Sebastião Salgado a quien trata como amigo y colega, con cariño y profunda admiración.

Nan Goldin. I know your face (Dir.: Sabine Lidi. Con Nan Goldin, Clemens Schick, Käthe Kruse, Joachim Sartorius, Piotr Nathan. Alemania/Australia/Suiza, 2013, Dur: 62 min)
Este documental es un retrato personal de la fotógrafa neoyorquina Nan Goldin. Acompañamos a la artista con su cámara durante un viaje entre París y Berlín, donde Goldin se reencuentra con viejos amigos y, con ayuda de ellos, reflexiona sobre diferentes fases de su vida transformadora. El ejercicio le trae profundos insights, llegando a momentos melancólicos sin dejar de lado el peculiar buen humor de la artista. Con una estructura narrativa construida por slide shows y fotografías de Goldin, los momentos íntimos y la relación con sus amigos ganan en intensidad.
El documental es interesante pero formalmente poco original. Se ve el granulado de la película y no innova demasiado en la forma de tratar el género. Muestra a cada persona en plano y contra-plano, fotos de Nan Goldin, su voz en off, imágenes captadas por la fotógrafa y ya. El único mérito de este documental es hacer conocer un poco más la vida de la artista.
Nan Goldin tuvo una vida familiar muy desgraciada, no tuvo una buena madre y su hermana se suicidó a los 18 años. Ella era bisexual y usó drogas pesadas durante muchos años, consecuencia de lo cual quedó con una lesión cerebral que le provocaba desmayos súbitos sin causa aparente. Sus fotos retratan marginales, homosexuales con sida en etapa terminal, drogadictos y alcohólicos, travestis, el mundo de la noche en barrios marginales.
El filme daba para más, pero por una falta de experiencia de la directora, no conmueve, no sorprende, no innova ni estética ni temáticamente. Es un documental demasiado simple para la complejidad del personaje tratado.

Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca (Dir.: Julien Temple. Con Hermano Vianna, Fernando Gabeira, Eduardo Paes, Narcisa Tamborindeguy, Wilson das Neves. Reino Unido/Brasil/Alemania, 2014, Dur: 95 min)
El premiado documentalista Julien Temple -director de filmes como The Filth and the Fury (2000) y Joe Strummer: The future is unwritten (2007)-, ofrece una mirada sobre la historia social y cultural de Río de Janeiro, desde el fin de la esclavitud hasta los preparativos para la Copa Mundial 2014 y las Olimpíadas 2016, revelando una radiografía de una ciudad de extremos, en todo su encanto y peligro. A través de imágenes de archivo y entrevistas inéditas, el filme cuenta con las participaciones de ciudadanos ilustres como Ronnie Biggs, Fernando Gabeira, Eduardo Paes, Narcisa Tamborindeguy, Sany Pitbull, entre otros.
Es un documental que muestra el lado oculto de la ciudad, el Río marginal, el Río de las favelas, los travestis, la noche. La ciudad dividida en Zona Sur y Zona Norte, de forma que parecen dos ciudades paralelas donde los que viven de un lado no conocen nada de lo que pasa del otro.
El Río violento de la guerra entre narcos, el Río de los 20 años de dictadura y torturas, el Río de los tiroteos en las favelas y de los "arrastões" (saqueos masivos) en las playas. 
Muestra como los sucesivos gobiernos intentaron dar una imagen de cartón postal para atraer al turismo, pero esa imagen se evidencia hoy muy limitante y falsa. El cine americano de Hollywood estereotipó a la ciudad como un lugar de eterna alegría, sensualidad y samba. Seguramente una proyección de sus propios deseos y carencias, olvidándose de la imagen real. El documental muestra asimismo que, desde 2008, el gobierno central está llevando a cabo un plan de seguridad tendiente a cambiar el aspecto de la ciudad de cara al Mundial y a las Olimpiadas.
Otro tema tratado en el documental son las religiones ocultas, como el candomblé, traído al Brasil desde África por los esclavos negros, y que continúa siendo practicado en algunos barrios periféricos de Río de Janeiro (y por supuesto, en el interior del país), un tanto a escondidas de las dos religiones mayoritarias, la Católica y la Evangelista.
Por último, muestra las protestas por el aumento del boleto de colectivo en 2013 y por la corrupción creciente del Estado.
El documental tiene mucho valor en mostrar el lado oculto de Río de Janeiro, y de romper la imagen de cartón postal que tanto atrae al turismo mundial, mientras que en el aspecto formal, se ve la mano experta del realizador. Sin embargo, Julien Temple intenta, no sé si con éxito, dar cuenta de la diversidad de opiniones, a favor y en contra, de cada tema tratado. Tengo dudas de que haya logrado plenamente este equilibrio, necesario en un documental que aspira a la objetividad. 

Cathedrals of Culture (Dir.: Wim Wenders, Michael Glawogger, Michael Madsen, Robert Redford, Margreth Olin, Karim Aïnouz. Alemania/Austria/Dinamarca/ Noruega, 2014. Dur: 165 min)
"Si los edificios pudiesen hablar, ¿qué dirían sobre nosotros?". En este documental, seis cineastas ofrecen sus respuestas para la pregunta a partir de seis marcos de arquitectura mundial. Filmado con tecnología 3D, el documental explora la forma de la Filarmónica de Berlín, de la Biblioteca Nacional de Rusia, del presidio de Halden y de la Ópera de Oslo  en Noruega. Continúa luego con el Instituto Salk en la costa californiana y con el Centro Pompidou en París, reflexionando en todos los casos sobre la manera en la que cada una de esas edificaciones resguarda la cultura de su pueblo y la memoria colectiva.
Este interesante documental colectivo rescata el alma de seis edificios culturales paradigmáticos. El mismo edificio hace las veces de narrador a través de una voz en off, y cuenta sobre sí mismo, su historia y el significado que posee para la gente que lo visita, que vive o que trabaja en él. Habla de cómo el edificio representa la utopía del país que lo construyó, su idiosincrasia y sus aspiraciones. La cámara muestra los pasillos y recorre los espacios por dentro, develándonoslos en tres dimensiones.

La Filarmónica de Berlín, Alemania (Dir.: Wim Wenders)
La Filarmónica de Berlín fue diseñada por Hans Scharoun - exponente del grupo expresionista Die Brücke y de la arquitectura orgánica-  y construida entre 1960 y 1963. La excentricidad de sus formas y sus techos alados, terminados en puntas, son muy atípicos para una sala de conciertos.  La planta, con una distribución basada en el concepto de "música en el punto central"(1) aspira a una sociedad igualitaria y a un individuo que forme parte de un conjunto sin perder su punto de vista personal, de allí la idea de diseñar un escenario central con asientos dispuestos en círculo, rodeando a la orquesta.  Las escaleras, que salvan los desniveles dentro de la sala de conciertos, permiten recorrer la misma de una punta a la otra en forma circular, sin necesidad de salir a los pasillos externos. Es un espacio integrado e integrador, donde no hay puntos de vista jerarquizados, sí diferentes. Este tipo de disposición rompe con el efecto "caja de zapatos" del teatro tradicional, en el que el escenario queda frente al público y los asientos se disponen en hileras de adelante hacia atrás.

El presidio de Halden, Noruega
(Dir.: Michael Madsen)
El presidio de Halden, en Noruega, representa la utopía escandinava de orden y limpieza absolutos. Diseñado por Erik Møller, es la segunda prisión más grande de Noruega y la más lujosa del mundo. El gobierno noruego gastó un millón de dólares en pinturas murales de artistas contemporáneos, fotografías y decoración para reducir la presión psicológica sobre los internos. La mitad de los guardias son mujeres y están desarmados. Casi parece un hotel de lujo. Sin embargo, el director norteamericano Michael Madsen lo presenta como una jaula de oro, y como lo que realmente es: un presidio en el que todo está reglamentado. Nada puede penetrar ni huir de esos gruesos muros sin ser visto, oído o estrictamente controlado. El presidio Halden es un vivo ejemplo del panoptismo foucaultiano, un monumento arquitectónico que todo lo observa y todo lo sabe. De hecho, el corto comienza con una referencia al texto de Michel Foucault: "Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión"(2) , en el cual el filósofo francés analiza la estructura del poder en la sociedad occidental y cómo las escuelas, los hospitales y las prisiones cumplen una función de coerción. A esta estructura edilicia que permite vigilar a todos sus ocupantes en cualquier momento del día, Foucault ha denominado "panóptico".

Biblioteca Nacional de Rusia, San Petersburgo (Dir.: Michael Glawogger)
El recorrido de la cámara por la Biblioteca Nacional de Rusia, en San Petersburgo, da la impresión de una infinitud temporo-espacial construida con libros. La narración del corto es circular, puesto que comienza y termina en el mismo punto. Una cámara subjetiva del narrador  nos introduce en el espacio y la historia de este monumento cultural ruso, mientras sale de la estación de metro, observa el tránsito que bocina en la gran avenida Nevsky, y nos da una vista general de la Biblioteca por fuera.
La Biblioteca Nacional de Rusia contiene la colección más grande del mundo de libros en ruso. Actualmente resguarda unos 34 millones de ejemplares, muchos de los cuales son antiguos y muy valiosos. Sus joyas incluyen obras maestras como el Evangelio de Ostromiro (1056-1057) -el libro más antiguo existente en Rusia, los fragmentos del Codex Sinaiticus (siglo IV) y el denominado "Códice de Leningrado" (año 1008), la Biblia Hebraica manuscrita más antigua entre las fechadas.  
Otro tesoro de la Biblioteca Nacional de Rusia es la biblioteca de Voltaire.  Adquirida en 1778 por Catalina II, se compone de 6814 volúmenes, de los cuales 2000 tienen notas escritas a mano por el propio Voltaire. Se trata de una gran colección de libros dedicados a la historia y a la literatura de Francia. Contiene muchos libros raros y valiosos, obras de filósofos enciclopedistas del siglo XVIII como Locke, Newton, Mandeville,  de escritores franceses como Montaigne, Bayle, Descartes, Malebranche y Pascal, y una gran cantidad de volúmenes sobre viajes a China, India y Estados Unidos. También hay muchos libros dedicados a Rusia, así como una excelente selección de libros sobre economía, ciencias naturales y medicina, diccionarios, periódicos en varios idiomas, así como una gran cantidad de ediciones raras o prohibidas en aquella época en Francia.
Diseñada por Yegor Sokolov, el edificio posee numerosos pasillos y niveles que nos recuerda un poco a "La Biblioteca de Babel" de Jorge Luis Borges: "Quizá me engañen la vejez y el temor, pero sospecho que la especie humana -la única- está por extinguirse y que la Biblioteca perdurará: iluminada, solitaria, infinita, perfectamente inmóvil, armada de volúmenes preciosos, inútil, incorruptible, secreta. Acabo de escribir infinita (…) la biblioteca es ilimitada y periódica."(3) La biblioteca nacional de Rusia representa la utopía humana del saber total, de la atemporalidad, del conocimiento infinito -o mejor, ilimitado, como diría Borges-.

Instituto Salk, Los Angeles, (Dir.: Robert Redford) 
El Instituto Salk, en Los Ángeles, fue diseñado por Louis Kahn bajo la dirección del Dr. Jonas Salk. Se trata de un edificio que rompe con la idea de monoblock para convertirse en un complejo de unidades que permiten a la luz y al aire penetrar. Estas unidades edilicias son laboratorios que se extienden a derecha e izquierda de una plataforma central ancha que desemboca en una fuente de agua. La idea de esta plataforma es facilitar la circulación a los investigadores que allí trabajan.  Los sótanos poseen aire y luz, y cada unidad está conectada con la siguiente por medio de tuberías de agua y ventilación. La arquitectura es funcional, orgánica, inspirada en la biología humana y animal.
Es interesante cómo Redford utilizó imágenes en fundido que le da al cortometraje un efecto muy original en 3D. También podemos destacar la utilización de un fondo musical que remite a  los latidos del corazón, buena elección para acompañar el recorrido de un centro de investigaciones médicas y biológicas.

Opera House de Oslo, (Dir.: Margreth Olin)
La Opera House de Oslo, diseñada por Tarald Lundevall y construida en 2007, posee un diseño muy contemporáneo. El techo del edificio desciende hasta el suelo en una bajada que invita a los transeúntes a caminar por ella, observando una panorámica de Oslo. Para el diseño general del edificio, Lundevall se inspiró en la forma de un iceberg, y para los materiales escogió granito blanco y mármol de Carrara para los revestimientos, y aluminio blanco para la torre que da al escenario. Los grandes ventanales de cristal permiten una perfecta vista panorámica y en el interior predomina el roble para dar mayor calidez al ambiente.
La directora del corto, Margreth Olin, prestó su voz al teatro y aprovecha el 3D para lograr máximos acercamientos de los personajes de ballet con el espectador de cine. Excelente el efecto de los bailarines, aún caracterizados, saliendo del edificio y caminando por la nívea plataforma exterior (que, dicho sea de paso, podría compararse con una pista de aterrizaje para naves interestelares). La directora utiliza congelados de los bailarines suspendidos en el aire y muestra la actividad teatral tras bambalinas. "El teatro es una casa", repite una y otra vez la voz de Margreth en off, "son los artistas y el público los que le dan vida, los que le dan alma a esta casa".

Centro Georges Pompidou, París
. (Dir.: Karim Aïnouz)
El Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou, en París, abrió sus puertas por primera vez en 1977. El diseño del inglés Richard Rogers y del italiano Renzo Piano recuerda a una refinería de petróleo, a un transatlántico o a una fábrica. Por fuera se asemeja a una fábrica, por dentro, las pasarelas recuerdan a las de un barco de gran porte y lo mismo sucede con el sótano, semejante a una sala de máquinas. 
En todo caso, el Centro de Arte más famoso del mundo es uno de los principales ejemplos de arquitectura High-tech(4), una tendencia de los años 1970 y que continua hasta hoy día, inspirada en la arquitectura industrial y las nuevas tecnologías. Fue concebido como una máquina de cultura, como una estructura ultramoderna en medio de una ciudad en la que prima la arquitectura Haussmann, por ello provocó reacciones contrarias en un comienzo. El edificio representa la utopía del progreso tecnológico, al utilizar los elementos tecnológicos como objetos estéticos. En el Centro Pompidou esto puede ser observado en el sistema de tuberías (ductos de aire acondicionado, por ejemplo), en las escaleras mecánicas y en las estructura de acero. También se puede observar en las corrientes artísticas expuestas: Futurismo, Dadaísmo, Constructivismo, Arte óptico y Cinético desfilan por sus salas como un culto al progreso técnico.
El director coloca en primer plano sonoro la voz del altoparlante anunciando el cierre del Centro al final del día: "el Centro cierra a las nueve, los invitamos a emprender la salida, mañana el museo y la biblioteca abrirán a las once, les agradecemos su visita y esperamos volver a recibirlos próximamente…", parece que el edificio tuviese vida y hablara por sí mismo. Esa idea del museo como un ser vivo es algo bien logrado por el director Aïnouz.

Adriana Schmorak Leijnse

Notas:

-1 Wikipedia.org. Filarmónica de Berlín
-2 Michel Foucault. Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión. 1a ed.-Buenos Aires: Siglo XXI Editores Argentina, 2002. 314 p.
-3 Borges, Jorge Luis. La Biblioteca de Babel. Ficciones. Alianza Editorial. 10ª ed. (1981).
-4 "La Arquitectura High Tech, o de Alta Tecnología, es una corriente de la arquitectura, emergente en los años '70, muy centrada en el empleo de materiales de tecnología avanzada en las construcciones, como el propio nombre lo indica. Los historiadores lo clasifican dentro de un llamado tardo-modernismo, juntamente con otras actitudes estéticas, como el Slick-tech, en una alusión a los valores contrapuestos a las actitudes posmodernas asociadas a este tipo de intervención, que caracteriza al High Tech". Wikipedia: Arquitectura High- Tech


Bibliografía:

Michel Foucault. Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión. 1a ed.-Buenos Aires: Siglo XXI Editores Argentina, 2002. 314 p.
Borges, Jorge Luis. La Biblioteca de Babel. Ficciones. Alianza Editorial. 10ª ed. (1981).
Wikipedia.org. Filarmónica de Berlín
Blog Maravillas de San Petersburgo
Wikipedia: Oslo Opera House
Wikipedia: Centro Georges Pompidou
Wikipedia: Arquitectura High- Tech
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