Connexion

Lettre d'information

Tous les Festivals

Les Fleurs de Shanghai

Les Fleurs de Shanghai   Splendeurs er misères des courtisanes Chinoises film [ ... ]

Leer más...

Une(S)+ Argentines et brésiliennes en état unique d’art   Tout le bâtim [ ... ]

Leer más...

Septembre - Octobre 2021

 


47 Festival de Cine de Nueva York (à traduire)


Del 25 de septiembre al 11 de octubre de 2009

Dentro de los Festivales de cine, el de Nueva York destaca por la rigurosa selección de películas independientemente de su potencial comercial, así como por el hecho de no convocar ganadores ni perdedores. El prestigio para los realizadores reside entonces en la invitación a participar, lo cual en muchos casos también representa una oportunidad de entrar al circuito norteamericano de distribución. Auteurs como Zhang Yimou, Abderrahmane Sissako, Atom Egoyan y Pedro Almodóvar son algunos de los nombres que se han hecho familiares para el público norteamericano gracias a su paso por el Festival, abriéndoseles además las puertas internacionalmente.
Quizás la característica principal del que se ha realizado recientemente residió en el poder de las películas escogidas para sacudir a la audiencia con el poder de su temática. En este sentido Antichrist de Lars von Trier se constituyó en un sobrecogedor documento de los efectos psicológicos que una tragedia llega a tener sobre la psiquis hasta transformar a la víctima en un ser irreconocible aún para sí mismo. Charlotte Gainsbourgh, Premio a la mejor actriz en Cannes, realizó un extraordinario tour de force como la madre desgarrada por la pérdida de su hijo hasta el punto de intentar asesinar al marido (Willem Dafoe), quien la había llevado a una cabaña aislada en un bosque para psicoanalizarla a fin de ayudarla a aceptar el drama.
Alternar los cambios cromáticos con el blanco y negro creó espacios de sentido donde los caracteres vivieron sin fronteras sus pasiones y miedos, haciendo de la cinematografía protagonista de esta película filmada enteramente en video digitalizado. El uso de cámaras manuales igualmente le permitió al director adentrarse profundamente en la intimidad de los personajes y convertir al espectador en un voyeur privilegiado. Los constantes juegos de plano-contraplano, y el uso de la panorámica en las escenas del bosque poblado por animales fantásticos y demonios, contrapusieron varios niveles de realidades al punto de borrar las fronteras entre lo tangible y lo imaginario.
Otra película que igualmente nos enfrentó con nuestros demonios, pero esta vez desde una situación aplastante ha sido Precious de Lee Daniels. Con un estilo documental, ágiles movimientos de cámara y una cinematografía que resalta la violencia y la desesperación de sus protagonistas en un gueto del Harlem neoyorkino, Daniels reflexionó acerca de la ambivalencia que conlleva el ser negro y pobre en una sociedad fuertemente racista, pese a tener un presidente de color, lo cual redunda paradójicamente en actitudes prejuiciadas dentro del mismo grupo racial. "Algo que aprendí haciendo esta película fue que yo tengo prejuicios contra mi propia gente que tiene la piel más oscura que yo. Cuando era niño iba a una iglesia en la cual, como más claro eras, más cerca te sentabas de donde estaba el altar", comentó el director durante la rueda de prensa.
Mo'Nique como la madre abusiva de la adolescente Precious (Gabourey Sidibe), y Mariah Carey en el papel de la trabajadora social que quiere ayudar a la joven midieron fuerzas para hundir o liberar respectivamente a Precious, madre soltera al haber sido abusada desde muy niña por su padrastro. El uso de colores saturados y disolvencias para las escenas puestas a reproducir los sueños de la protagonista, crearon una existencia paralela donde ella se evadía del mundo que la acorralaba haciendo más grotesca la brecha entre realidad y ficción, y denunciando simultáneamente los atropellos contra los sectores más desasistidos de la juventud norteamericana.
En la misma línea podemos ubicar Morrer como um homem del realizador portugués João Pedro Rodrigues, quien aborda la conflictiva relación entre un travesti en decadencia y su joven amante drogadicto, muy en la línea de los caracteres que el director español Eloy de la Iglesia puso en primer plano durante el cine de la transición democrática. Rodrigues retomó el tema de las adicciones y el fetichismo de su ópera prima O Fantasma (2000) pero con una estética camp que se hizo grotesca en tanto nos adentramos en los deseos de Tonia (Fernando Santos), debatiéndose entre complacer los caprichos del amante y expiar el sentimiento de culpa por haber abandonado al hijo que tuvo en su vida previa.
El uso de la panorámica y una fotografía hiperreal transformaron el paisaje urbano y el rural en decorados idóneos para escenificar la representación de existencias marcadas por la tragedia. Ello, no obstante, sin caer en el melodrama extremo; pues una de las características de las películas de Rodrigues es la de subvertir el género que tanto explotaron auteurs como Douglas Sirk y Rainer Werner Fassbinder, para desmantelarlo y reconstruirlo, no tanto desde la carnavalización y el exceso almodovarianos, sino desde los códigos contemporáneos, cónsonos con los estudios de género y las políticas sexuales surgidas de la normalización del colectivo homosexual en algunas sociedades industrializadas.
Pedro Almodóvar también se hizo parte del Festival con Los abrazos rotos donde Penélope Cruz y Lluís Homar unieron fuerzas para movilizar la diégesis de una película que, si bien no es una de las más logradas del director manchego, cuenta con muchos de los ingredientes característicos de su filmografía: uso del melodrama, inserción de la cultura popular tanto en la banda sonora como en las escenas donde el dramatismo se extralimita, puesta en escena que favorece el hiperreal, espejeo de films de sus directores favoritos y citas a sus películas anteriores.
En este caso La ley del deseo (1986), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1987) y La mala educación (2003) tuvieron sus momentos en la utilización del cine dentro del cine, la figura del director cual alter ego del propio Almodóvar, y la capacidad para recrear el universo femenino mediante el personaje de Lena quien unifica los desplazamientos en el tiempo de un guión donde se utiliza la imagen del doble y lo doble para adentrarse en los espacios de la representación. Ello desde la relación entre Lena y Mateo poblada por las adversidades, malentendidos y componendas de un grupo de caracteres unidos en su afán de destruirla.
Un film que de forma más efectiva se adentró en la psicología de personajes a merced de su entorno ha sido The White Ribbon de Michael Haneke, Palma de Oro en el último Festival de Cannes. Filmada en blanco y negro, con una película de alta densidad que hizo más espesa la atmósfera, The White Ribbon nos traslada a un pueblo del norte de Alemania en los albores de la Primera Guerra Mundial.
Aquí las mentiras de un grupo de niños alteran el devenir de vidas que serán destruidas al estallar el conflicto; esto como crítica a la generación que protagonizaría la Segunda Guerra Mundial, y cuya intolerancia ya germinaba para entonces como consecuencia de los fanatismos religiosos, tan presentes en nuestras sociedades actuales. En palabras del director: "Quería retratar a los niños que en su vida adulta jugarían un papel importante en el fascismo de la época, y que fueron motivados por el Protestantismo… No hay que mirar muy lejos para encontrar paralelismos con lo que está ocurriendo hoy día. El Islam es lo mismo, pues está obsesionado con ciertas ideas y visiones de la religión que no tienen nada qué ver con las auténticas creencias".
Para lograr recrear el período, Haeneke recorrió pueblos de Alemania y Rumanía buscando rostros que parecieran extraídos de fotografías de la época, y reconstruyó milimétricamente las casas, vestuarios, utensilios y comportamientos; con lo cual el grado de veracidad sirvió de marco a las excelentes actuaciones de personajes, a caballo entre sus instintos y la deformación de sus deseos como consecuencia de la propia represión y la presión social del entorno.
Hadewijch de Bruno Dumont igualmente puso sobre el tapete el tema de las intolerancias desde la amistad entre una adolescente católica entregada al éxtasis místico, y un joven islamita abocado al fanatismo religioso. A pesar de las diferencias sociales y culturales, ambos encuentran puntos de contacto en el fervor empecinado con que se consagran a sus respectivos cultos hasta el punto de inmolarse en un atentado terrorista.
La fuerza narrativa de esta coproducción franco alemana residió en el intenso retrato psicológico de los caracteres quienes en sus conversaciones mientras pasean por París, hallan en la religión las claves a su malestar consigo mismos y hacia el mundo circundante; ello llevados por la propia inmadurez y manipulación externa, que los convierte en instrumentos de realidades políticas, exógenas a su búsqueda personal, donde privan el odio y el sectarismo ciegos. El fluido trabajo de cámara dibujó un fresco en el cual la cinematografía parecía pintar grandes lienzos renacentistas, como fondo a los encuentros y al deambular solitario de los protagonistas, contrastando así el idealismo de sus propósitos con la dureza de las acciones hacia las que son arrastrados sin saberlo.
La ironía y el humor para retratar la idiosincrasia americana tuvieron en Life During Wartime de Todd Solondz su expresión más certera mediante las petites histoires de tres hermanas buscando su lugar en un mundo cada vez más impredecible y volátil. Una cinematografía muy estilizada sirvió de marco a los intercambios amorosos cercanos a lo tragicómico de las protagonistas, inmersas en un mundo ajeno y alienante. El uso de espacios vacíos en restaurantes y centros comerciales donde un personaje buscaría su lugar o esperaría por un encuentro que no iba a llegar, profundizaron en el devenir de lo americano, siempre queriendo simplificar la complejidad de los procesos históricos y sociales para minimizarlos y pasar a lo siguiente; no en vano Octavio Paz apuntó una vez, al referirse a esta cultura, que la tradición norteamericana es la tradición del cambio constante y la rapidez para borrar rápidamente toda trazo de su pasado.
Y es justamente esto lo que Life During Wartime propone de la mano de un grupo de caracteres extraídos de un film anterior, Happiness, quienes diez años después siguen lidiando con problemas que no quedaron resueltos, dada su tendencia a banalizarlos. "Han pasado diez años pero prefiero no remitirme literalmente al tiempo y sus circunstancias. Me gusta más bien enfocarlos desde ángulos novedosos. Por ejemplo, algunos caracteres que ya se encontraban en mi film anterior han envejecido cinco años y para otros parece que hayan pasado veinte años", expresó Solodz en la rueda de prensa durante el Festival, con lo cual al contrastarlos con el paso del calendario podía constatarse la falta de evolución de sus fantasmas y temores; esto como una manera de criticar el devenir de una sociedad que constantemente está regenerándose y se resiste a mirar hacia atrás.
Contrariamente, A Room and a Half del director ruso Andrey Khrzhanovsky expuso los males de una sociedad negada al cambio, anclada en las mismas intolerancias que destruyeron las vidas y las libertades de incontables generaciones hasta el final de la guerra fría, pero que ni con todo ello ha logrado hoy en día dejar atrás el autoritarismo y la represión contra una población que pareciera necesitar de una figura fuerte que rija sus destinos, ya sea el Zar, Stalin o Putin.
Utilizando un imaginario regreso a su patria del escritor Joseph Brodsky, Khrzhanovsky creó un mágico tejido cinemático donde la poesía y lo fantástico se entremezclaron con la biografía del autor, los años cuando vivió en un exilio interior antes de ser expulsado de la Unión Soviética y radicarse en los Estados Unidos. El uso de las técnicas documentales, la animación y el film de ficción recrearon con gran calidez la intimidad del autor y su relación con padres, amigos y amantes, a caballo entre sus deseos y una cotidianeidad vivida como prisión.
El uso del flashback y el quiebre de la continuidad lineal dieron origen a una película concebida como collage de ideas, textos y sentimientos donde el trasfondo político más que obstaculizar el devenir de las historias, impulsó las obras y la identidad múltiple del autor quien, al recibir el Premio Nobel de literatura en 1987, se definió como "judío, poeta ruso y ensayista norteamericano"; una certeza que este film mimetiza con gran sensibilidad y precisión.
La filmografía asiática estuvo representada fundamentalmente por el documental del cineasta chino Zhao Dayong titulado Ghost Town y el largometraje Mother del director coreano Bong Joon-ho. El primero nos muestra la pobreza y el atraso de un pueblo de la China profunda donde la sociedad aún se rige por el código medieval; algo común en un país donde los estragos de la Revolución Cultural todavía perduran en la vida del grueso de la población, especialmente en las zonas rurales.
Desafiando la maquinaria represora gubernamental, Dayong filmó este documental a espaldas de la censura, financiándolo con su propio dinero y mostrándolo en espacios privados del underground artístico; su participación en el Festival de Nueva York ha resultado ser la primera vez que se ha mostrado fuera de China, con gran éxito de público y crítica. Al preguntársele en la rueda de prensa si se acercó a las autoridades para recibir aprobación, el realizador respondió que "esto habría sido como pedirle a alguien que te viole. El gobierno tiene su propio agenda y quiere detener nuestro trabajo, por eso los artistas sabemos que estamos haciendo algo necesario e importante para el país".
Bong Joon-ho, por su parte, igualmente abordó el problema de la burocracia y corrupción del sistema policial en Corea del Sur, a través de la historia de una madre trabajadora cuyo hijo con problemas de retraso es acusado de haber matado a una joven a la salida de la escuela. Utilizando las técnicas del thriller y una fotografía granulosa que privilegió los colores fríos y las escenas en lugares cerrados, Mother mantuvo exitosamente la tensión entre lo público y lo privado, siguiendo a la protagonista cuya energía y determinación sostuvieron la trama y el suspense a lo largo del film, demostrando la fuerza de esta cinematografía que, gracias al Festival de Nueva York, pudimos apreciar en todo su esplendor una vez más.

Alejandro Varderi
To die like a man
To die like a man

Room and a Half
Room and a Half

Hadewijch
Hadewijch

Los abrazos rotos
Los abrazos rotos

Mother
Mother

Precious
Precious

 

Choisir votre langue

Toutes les cinécritiques

Une affaire de famille

Une affaire de famille   Osamu et son fils Shota recueillent une petite fill [ ... ]

Lire la suite...
Wonder Wheel (La Roue Magique)

Wonder Wheel (La Roue Magique)  

L’histoire de « Wonder Wheel » a pour  [ ... ]

Lire la suite...
Wonder Wheel (La Roue Magique) (3)

Wonder Wheel (La Roue Magique)  

L’histoire de « Wonder Wheel » a pour  [ ... ]

Lire la suite...
At Eternity’s Gate

Van Gogh. En el portal de la eternidad   Lors de l’année 1888, après avo [ ... ]

Lire la suite...
Paterson (3)

Paterson   Paterson (Adam Driver) est chauffeur de bus dans la petite ville  [ ... ]

Lire la suite...
L-inegalite entre les sexes dans Colette et dans The wife

L’inégalité entre les sexes dans Colette et dans The wife   Colette est  [ ... ]

Lire la suite...
Roma

Roma   Roma est un film dramatique mexicain de 2018 réalisé, écrit, co-ph [ ... ]

Lire la suite...
Roma (2)

Roma   Roma est un film dramatique mexicain de 2018 réalisé, écrit, co-ph [ ... ]

Lire la suite...
J’ai infiltré le Ku Klux Klan

J’ai infiltré le Ku Klux Klan   États-Unis, 2018
Titre original : « Blac [ ... ]

Lire la suite...
Deux drames musicaux ont concouru aux Golden Globes 2019

Deux drames musicaux ont concouru aux Golden Globes 2019   Le 6 janvier 2019,  [ ... ]

Lire la suite...

Articles de fond

L’influence des arts plastiques dans le cinéma (1)

L’influence des arts plastiques dans le cinéma (Première Partie)   Alexander [ ... ]

Lire la suite...
L’influence des arts plastiques dans le cinéma (2)

L’influence des arts plastiques dans le cinéma (Seconde partie)   Agora  [ ... ]

Lire la suite...
L’influence des arts plastiques dans le cinéma (3)

L’influence des arts plastiques dans le cinéma (Troisième partie)   El gran  [ ... ]

Lire la suite...
L’influence des arts plastiques dans le cinéma (4)

L’influence des arts plastiques dans le cinéma (Quatrième Partie)   A bigger [ ... ]

Lire la suite...
L’influence des arts plastiques dans le cinéma (5)

L’influence des arts plastiques dans le cinéma (Cinquième partie)   Dan [ ... ]

Lire la suite...
Deux longs métrages récents basés sur des attentats réels

Deux longs métrages récents basés sur des attentats réels   Tower est un d [ ... ]

Lire la suite...
La flute magique

La symbolique occulte au cinéma Symboles hermétiques dans La Flûte Magique    [ ... ]

Lire la suite...
La flute magique (2)

La symbolique occulte au cinéma Symboles hermétiques dans La Flûte Magique    [ ... ]

Lire la suite...

Tous les interviews