LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (2) - Cinecritic

LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (SEGUNDA PARTE)

Por Adriana Schmorak Leijnse

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En esta segunda parte desarrollaremos el tema de la relación entre cine y pintura en orden cronológico-histórico, desde la República Romana con "Julio César" (1953) de Jospeh L. Mankiewicz hasta el Romanticismo en Rusia a través del filme "Onegin" (1999) de Martha Fiennes

"Julio César" (1953) de Joseph L. Mankiewicz
Película norteamericana del año 1953, dirigida por Joseph L. Mankiewicz, con Marlon Brando en el papel de Marco Antonio, James Mason en el papel de Brutus, John Gielgud como Casius y Louis Calhern en el rol de Julio César.
Sinopsis: Terminada la guerra civil entre César y Pompeyo (49-46 a. C.), César se convierte en dictador vitalicio y concentra en su persona todos los poderes, lo cual implica, de hecho, la desaparición de la República. En el año 44 a. C., Casius y Brutus, dos nobles romanos defensores a ultranza de las libertades republicanas, encabezan una conjura contra el dictador, que es asesinado en los idus de marzo de ese mismo año. Cabría destacar el apologético y demagógico discurso que pronuncia Marco Antonio en defensa de César con el fin de incitar a la plebe contra los tiranicidas. Con esta obra Mankiewicz propone una lección política sobre los regímenes autoritarios.
La película de Mankiewicz respeta la visión de Julio César del historiador griego Plutarco, mediado a través de la célebre obra homónima de William Shakespeare. Como bien marca Alberto Prieto Arciniega en su texto "Rome is no longer in Rome": "El Senado y los espacios públicos asociados con las instituciones republicanas están aquí vinculadas con las conspiraciones, la ambición, la rivalidad, la competencia y la retórica manipuladora, ejemplificada por el discurso funerario de Marco Antonio".⁽¹⁾
Tanto la obra de teatro como la película presentan el asesinato de César, sus prolegómenos y sus repercusiones como una representación del lado oscuro del poder. Ambas puestas en escena colocan los discursos de Brutus y Marco Antonio en un espacio que imita la escena teatral y la interacción con el pueblo romano desde ese lugar acentúa la idea de que Roma era el centro de un poder político asociado al gran espectáculo, a la oratoria como atracción de masas, a la figura política como un actor que lucha por conquistar esa masa a través de la retórica.
En su artículo "El ágora de Atenas y los foros de Roma: representación del espacio ciudadano frente al espacio del poder", José Antonio Blasco explica la evolución del espacio del foro romano hasta llegar a la época de Julio César y después. Al antiguo foro romano, iniciado hacia el 750 a.C., se le fueron sumando otros cinco foros más. A la función inicial de mercado, lugar de encuentro y reunión política, incorporaron un nuevo objetivo: la representación del poder de los emperadores y del Estado. El Foro romano se fue transformando a medida que la república romana iba ampliando sus territorios y obteniendo botines de guerra. Los generales victoriosos promovía proyectos costoso para rememorar sus gestas. Julio César ordenó la remodelación del antiguo foro y la construcción de uno nuevo contiguo.
El nuevo espacio sería conocido como el Foro de Julio César y fue concluido en el año 46 a.C. Entre otras cosas, mandó demoler el Comitium (espacio circular al aire libre, contiguo al foro pero independiente del mismo, en el que se celebraban las asambleas generales) y en su lugar se construyeron los nuevos rostra (tribuna que servía de púlpito desde el que los magistrados y oradores arengaban al pueblo), la Curia Julia y un pequeño templo dedicado a Venus Genetrix. Una estatua ecuestre de Julio César presidía el espacio central de la plaza. Así, César convirtió el foro en un monumento a su personalidad y desde entonces, todos los emperadores, desde Augusto a Constantino, fueron incorporando edificios que exhibían y glorificaban su autoridad. El foro, paulatinamente, dejó de ser un lugar de reunión ciudadano para transformarse en un espacio de exaltación del poder personalista de los emperadores.
Entre las pinturas, dibujos y esculturas que pudieron haber inspirado a los directores de arte Edward Carfagno y Cedric Gibbons, a los escenógrafos Hugh Hunt y Edwin B. Willis y al diseñador de vestuario Herschel Mc Coy podemos encontrar:

Nicolas Coustou. Sculpture de Jules César, 1713, Musée du Louvre, Paris
Adolphe Yvon. César. 1875. Musée des Beaux-Arts, Arras, France
Lionel Royer. Vercingetorix throws down his arms at the feet of Julius Caesar, 1899. Musée Crozatier, Le Puy-en-Velay, France
Peter Paul Rubens, Bust of Julius Caesar, ca. 1624. Musée du Louvre, Paris, Cabinet des Dessins
Karl von Piloty. La Mort de César (1865), Niedersächsisches Landesmuseum, Hannover
William Hilton, Marc Antony Reading the Will of Caesar, 1834. Sir John Soane's Museum, London
Peter Paul Rubens, Julius Caesar, 1619, Prussian Palaces and Gardens Foundation Berlin-Brandenburg
Vincenzo Camuccini. The Death of Julius Caesar, c.1825-1829, Glasgow Museums
George Edward Robertson. Mark Antony's Oration. Hartlepool Museums and Heritage Service.

"Los últimos días de Pompeya" ("The Last Days of Pompeii", Mario Bonnard y Sergio Leone, 1959). Antecedentes literarios y versiones cinematográficas.
"Los últimos días de Pompeya" nació como una obra literaria escrita por Edward Bulwer Lytton en 1834. Se trata una novela histórica del romanticismo que narra los últimos días de la vida de algunos habitantes de Pompeya, inmediatamente antes de la destrucción de la ciudad, provocada por la erupción del volcán Vesubio en el año 79 d.C. Pompeya y su vecina Herculano permanecieron durante dieciséis siglos ocultas y muchos consideraban que perdidas para siempre hasta que Herculano fue redescubierta por casualidad en 1709 y Pompeya en 1748.
Ya en el siglo XX, la historia pasó de la literatura al cine. La primera película sobre Pompeya fue dirigida por uno de los pioneros del cine británico, Walter Booth. Se trata de un cortometraje en el que los "pecadores paganos" sufren las consecuencias de un fenómeno natural transformado por el director en castigo divino.
En 1908 apareció el primer largometraje producido en Italia sobre Pompeya, bajo el título de "Gli ultimi giorni di Pompei", con la dirección de Arturo Ambrosio y Luigi Maggi, y la dirección de fotografía de Vitrotti. En 1926, una nueva versión de "Gli ultimi giorni di Pompei" fue filmada por la Società Anonima Grandfilms y dirigida por Amleto Palermi y Carmine Gallone. Esta película se destaca de las anteriores por su precisa recreación de la Pompeya antigua, incluyendo tomas inéditas en las ruinas, tales como la Terme Stabiane, sepultada por las cenizas del volcán junto con el resto de la ciudad.
La primera película norteamericana en tratar la destrucción de Pompeya, "The Last Days of Pompeii" (Schoedsack and Cooper, 1935), no está inspirada en la novela de Edward Bulwer Lytton. Su historia trata sobre un hombre que se vuelve rico al tiempo que pierde su humanidad. A pesar de su originalidad, la historia no encontró gran interés en el público.
En 1950 Marcel L'Herbier y Paolo Moffa filmaron "Les derniers jours de Pompéi" en los estudios Cinecittà de Roma. La trama sigue nuevamente a la novela de Bulwer-Lytton, pero enfatizando y criticando el hecho de que las personas pierdan su tiempo obsesionadas en cosas mundanas como los bienes materiales. Fueron los escenarios espectaculares y el deseo de los directores de documentar el diario vivir en Pompeya los que hicieron de la película un éxito. Nuevamente encontramos aquí locaciones como el fórum, los baños, la vivienda de la pareja protagónica Lysias (Glaucus en la novela) y Helene (Ione en la versión literaria).
En 1959 Paolo Moffa produjo otra versión de "Gli ultimi giorni di Pompei", esta vez dirigida por Mario Bonnard y Sergio Leone, y protagonizada por Steve Reeves y Fernando Rey. El guión sólo toma la idea general de la novela de Edward Bulwer-Lytton, mientras que los personajes sólo llevan el nombre y algunos de los rasgos de los literarios. La novela aborda la convivencia de la religión romana con el surgente cristianismo y con los cultos orientales que se habían asentado en el imperio, pero la persecución a los cristianos por parte del paganismo oficial es un tema secundario en el libro mientras que en el filme es el pilar argumental.
Además, con el desarrollo de las tecnologías de la imagen, como Technicolor y CinemaScope, la forma como la ciudad ha sido representada cambia totalmente. Estos avances técnicos se transformaron en uno de los aspectos principales de la película, mientras la exactitud del ambiente escenográfico perdió importancia.
En 1984, 2003 y 2007 aparecieron tres exitosas series de TV con el mismo tema de la película. En 2008, un episodio de la serie de ciencia ficción de la tv británica, "Doctor Who", fue transmitido bajo el título "The Fires of Pompeii". La acción se sitúa en la ciudad de Pompeya y en la bahía de Nápoles. Lo interesante es que tanto en este episodio de la tv británica como en un largometraje más reciente, "Pompeii" (2014), una co-producción entre Estados Unidos, Alemania y Canadá, dirigida Paul Anderson, la acción se filmó en locaciones originales. En ambos casos se filmó el auténtico Vesuvio para luego agregar efectos especiales por sobreimpresión.
El enterramiento de dos ciudades bajo las cenizas de un volcán, y su posterior re-descubrimiento, continúa fascinando al público, a los historiadores, arqueólogos, escritores, artistas plásticos y cineastas. La calidad de los restos arqueológicos, que incluyen muebles, joyas y otros objetos de la vida cotidiana, así como casas bien preservadas con sus pinturas murales e, incluso, cuerpos petrificados por las cenizas calientes del volcán, ha permitido a los investigadores reconstruir la vida en la antigua Roma como ningún otro sitio lo ha logrado.
En estas antiguas reliquias las películas se han inspirado para la dirección de arte, la escenografía y el vestuario. Pero también se han basado en interpretaciones pictóricas posteriores al re-descubrimiento del sitio arqueológico, tales como las que veremos a continuación: "Últimos días de Pompeya", obra realizada por Karl Briulov entre 1830 y 1833. Óleo sobre tela exhibido en el Museo Estatal de San Petersburgo, Rusia. Karl Briulov visitó Pompeya en 1828, y en esa oportunidad realizó bocetos representando la erupción del Monte Vesubio del año 79 d.C. Esa fue la primera obra de arte sobre Pompeya que causó un enorme interés en Rusia y en el extranjero, llegando incluso a inspirar a Pushkin en la escritura de su poema alusivo y a Edward Bulwer Lytton en la creación de su célebre novela, de la que largamente nos referimos anteriormente.
Karl Briulov desarrolló pictóricamente un tema clásico, aunque incluyendo características del romanticismo, al abarcar el drama, el realismo mezclado con el idealismo, el interés por la naturaleza, y la afición por los temas históricos. Otras obras alusivas: William Turner. "Erupción del Vesuvio" 1817; Johan Christian Dahl. "La erupción del Vesuvio", 1826; József Molnár, "La Destrucción de Pompeya", 1876; Edouardo Ettore Forti (1880 - 1920): "Life in Ancient Rome", "The Merchant of Pompei", "The Carpet Seller", "Street of Pompei".

"Ágora" (2009) de Alejandro Amenábar
"Ágora" un filme español de 2009, dirigido por Alejandro Amenábar y protagonizado por Rachel Weisz y Max Minghella. Relata la historia de la filósofa, astrónoma y matemática Hipatia, quien vivió en Alejandría, Egipto, entre los años 355 y 415 d.C.

Resultante de una cultura iniciada con Alejandro Magno, pasando después por la dominación romana, Alejandría estaba siendo agitada por ideales religiosos diversos: el cristianismo, el judaísmo y la religión politeísta greco-romana. Hipatia continuó dando clase en la Escuela de Alejandría, junto a la célebre Biblioteca, mientras el líder cristiano de la ciudad, Cirilo, iniciaba una campaña de debilitamiento de la influencia de la astrónoma sobre el gobernador romano, utilizando las sagradas escrituras para acusarla de ateísmo y brujería.

Alejandría, nombre que rinde homenaje a su fundador Alejandro Magno, fue la primera ciudad en propagar la cultura helenística más allá del Mar Egeo. La ciudad, luego de su establecimiento en la desembocadura del Nilo, en el año 331 a.C., se convirtió en un centro urbano cosmopolita. Era admirada por su plano en retícula -también llamado "plan hipodámico", en honor a su inventor Hipodamo de Mileto, proyectado por el arquitecto y asesor técnico de Alejandro Magno, Dinócrates de Rodas; era célebre por sus edificios emblemáticos y construcciones técnicamente innovadoras: el Heptastadion -dique que unía la tierra firme con la isla de Pharos-, el Faro construido por Sostratus de Cnidus y la célebre Biblioteca fundada por Ptolomeo I Sóter.
Alejandría experimentó una hibridación entre el estilo arquitectónico greco-romano y egipcio. Esta simbiosis sobrevivió bajo la dinastía de los Ptolomeos. Las formas griegas tomaron prestado de los egipcios sus motivos, detalles y acabados pintorescos que le daban a la arquitectura un gusto local. La película de Amenábar da cuenta de este sincretismo. El interior de la sala de aula en la que Hipatia da clases, es un espacio cuadrangular de estilo egipcio con muros cubiertos de bajorrelieves limitados por capiteles compuestos (una combinación de capitel corintio y jónico) y columnas de fustes decorados. La fachada exterior presenta columnas de estilo compuesto y techo plano típicamente egipcio. La fachada del templo de Serapis presenta una estética egipcia con una entrada monumental flanqueada por dos colosales estatuas faraónicas.
El interior del templo está dominado por una inmensa estatua del dios Serapis situado en el centro y acompañado por varias estatuas faraónicas a los costados. Durante la película hay una radical transformación del templo pagano en iglesia cristiana, a través de un proceso de mutilación y destrucción de los símbolos antiguos y la imposición de los símbolos triunfantes. La biblioteca del Serapeo tiene, en la película, una fisonomía greco-romana: una planta circular cubierta por un típicamente romano techo de tejas y rodeado por un peristilo de columnas jónicas; la fachada compuesta por cuatro columnas-cariátide, escalinata lateral, cornisa y frontón. Al igual que el el templo, encontramos aquí un oculus abierto en el cielorraso. Este elemento conecta el cielo infinito con su espacio de estudio y su punto de observación.
Otros importantes edificios que aparecen en la película son: la prefectura romana, el teatro romano, la Vía Canopus, el ágora -plaza del mercado y espacio político- dominado por una estatua de Serpais acompañado por otras estatuas de dioses greco-romanos y egipcios. En contraste con los edificios públicos, el interior de la casa de Theon e Hipatia comprende elementos típicos del domus romano, incluyendo atrium y peristilo.
Este carácter multifacético del espíritu de la ciudad llegó a su fin al tiempo que la cristiandad enraizaba en Alejandría durante el siglo IV d.C. Los edificios paganos fueron destruidos por el patriarca Theophilus en el año 391 d.C, entre ellos el Serapeo, templo dedicado al dios Serapis. A ello le siguió un clima de tensión que culminó con el asesinato de Hipatia, arrastrada por las calles de Alejandría por una turba de cristianos furiosos en el año 415 d.C, marcando el fin de la influencia greco-romana en Alejandría.
En este sentido cabe aclarar que el vínculo entre la muerte de Hipatia y la destrucción de la Biblioteca de Alejandría es completamente ficcional. La Gran Biblioteca de Alejandría, fundada por Ptolomeo I sufrió una serie de desastres a lo largo del tiempo. El más renombrado ha sido el incendio provocado por las tropas de Julio César en el año 48 a.C. Este incendio acabó con parte del acervo de la biblioteca, pero no significó su total destrucción, error en el que han incurrido muchos artistas e historiadores, hasta que una investigación más profunda se llevó a cabo.
Existe una inconclusa discusión acerca de en qué año la Gran Biblioteca fue destruida. De lo que se tiene certeza es de la existencia de una biblioteca menor, que formaba parte del complejo de edificios del Serapeo. Esta biblioteca-hija logró sobrevivir hasta el año 391, cuando Theophilus mandó destruirla junto al templo pagano adyacente. Entre este hecho y la muerte de Hipatia existe una lapso de tiempo de 24 años. En conclusión, en el momento de la muerte de la astrónoma, ni la Gran Biblioteca ni la biblioteca adyacente al Serapeo estaban en funcionamiento.
Hay en Amenábar una intencionalidad explícita de vincular el emergente poder político del cristianismo con la destrucción de la cultura y el conocimiento, encarnados en la Biblioteca de Alejandría y en Hipatia. La rigurosidad histórica no era la prioridad para el director español. "Ágora" es un filme posterior al atentado terrorista que destruyó las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001. En ese contexto hay que interpretarlo. Probablemente de allí nació la idea del realizador de extrapolar los límites de la historia a nuestra época, al oponer la luz de la razón secular occidental al oscurantismo del fanatismo religioso.

Representaciones plásticas del Faro de Alejandría, la Biblioteca e Hipatia en el filme "Ágora"
Las primeras representaciones icónicas del Faro de Alejandría fueron imaginarias. Algunas reconstrucciones renacentistas y barrocas estaban influidas por la forma helicoidal que se creía era atributo de la Torre de Babel, mencionada en el Génesis. Esta idea inspiró al pintor manierista Marten van Heemskerck, quien imaginó el Faro como la encarnación de la sabiduría y el conocimiento, como una "turris sapientiae" (Torre de la Sabiduría). Los conos helicoidales de su faro, reminiscencia de las representaciones bíblicas de la Torre de Babel, fueron incluidos en una serie de grabados impresos en el libro "The Eight World Wonders" (1572). Ref: Marten van Heemskerck, "Pharos of Alexandria", grabado pintado a mano, 1572.
En 1721, J.B. Fischer von Erlach publicó un tratado bajo el título de "Entwurf einer Historischen Architektur", que muestra el Faro de Alejandría como una estructura dividida en seis niveles que combinan formas cóncavas, cuadradas y circulares. Ref: Johann Bernhard Fischer von Erlach. Grabado que representa el Faro de Alejandría (Egipto). Tomado del libro Entwurf Einer Historischen Architektur, 1721

"Pharos, Antike Islam und Occident" (1909) de Hermann Thiersch, es considerada la más influyente y rigurosa reconstrucción del faro. El dibujo de Thiersch es el modelo más comúnmente utilizado en el cine y muy especialmente en "Ágora", no por coincidencia, una película que sitúa a la ciencia y al conocimiento en el centro de su discurso. Tal es así, que una de sus principales fuentes de inspiración no plásticas, es la serie de TV "Cosmos" (1980) de Carl Sagan.
Hermann Göll. "The Burning of the Library of Alexandria", grabado en madera. Del libro "Die Weisen und Gelehrten del Alterthums" (1876). Este grabado recrea el incendio de la Gran Biblioteca, provocado por las tropas de Julio César en el año 48 a.C. Encontramos en la imagen de Hermann Göll una singular acumulación de elementos arquitectónicos, a saber, templos egipcios y greco-romanos, pilonos, esfinges, obeliscos y navíos son devorados por las llamas y el humo, mientras en el fondo una antorcha proyecta una poderosa luz desde el Faro, coronad por una estructura octogonal. La obra sugiere un contraste simbólico entre el fuego de la destrucción y la ignorancia y la luz del faro, representando la cultura y el conocimiento.
Louis Figuier. "Ptolémée Sóter fait construire le Muséum d'Alexandrie" de Louis Figuier. Grabado que aparece en el volumen I de "Vie des savant illustres" (1866). La imagen muestra a Ptolomeo I rodeado de su corte, consultando los planos de la Biblioteca en un patio de un reconocible estilo egipcio.
Dibujo en Papiro del Papa Theophilus de Alejandría, sosteniendo el Nuevo Testamento en su mano, triunfalmente de pie sobre la parte más elevada del Serapeum, templo pagano destruido bajo sus órdenes en el año 391. Tomado del "Alexandrian World Chronicle" (siglo V), actualmente parte del acervo del Museo Pushkin de Moscú.
Ambrose Dudley. "The Burning of the Library at Alexandria. AD 391", grabado que aparece en el libro "Hutchinson's Story of the Nations" (1920). Un grupo de cristianos en primer plano, armados con cruces y antorchas, se disponen a atacar el edificio a la izquierda de la imagen, ahora en llamas. Una escultura de Serapis y un obelisco informan al observador sobre la ubicación de la acción en Alejandría.
Charles William Mitchell. "Hypatia", óleo sobre tela, 1885. El pintor prerrafaelista inglés recrea la muerte de la filósofa como una escena de erotismo místico, que opone el cuerpo desnudo de la figura femenina con la rigidez de un altar dominado por un Cristograma, una cruz y un cáliz. El altar, semejante a una espacio sacrificial, recuerda la persecución y martirio de Hipatia.

Y también…

Retrato imaginario de Hipatia, en un detalle de "La escuela de Atenas" (1509-1510) de Rafael Sanzio; se encuentra en las estancias de Rafael, dentro del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano.
Tullo Massarani (1826-1905) The Destruction of the Library of Alexandria, 1872, óleo sobre tela. Veneranda Biblioteca Ambrosiana, Milán.
Vincenzo Camuccini (1771-1844). "Ptolemy II Philadelphus founds the Library of Alexandria", óleo sobre tela, 1813. Galleria Nazionale di Capodimonte
O. Von Corven. The Great Library of Alexandria. Grabado pintado a mano, 1886. Representación de la Gran Biblioteca, basada en evidencias arqueológicas.

El nombre de la Rosa (1986) de Jean-Jacques Annaud
"El nombre de la Rosa" de 1986, coproducida entre Italia, Francia y Alemania, dirigida por Jean-Jacques Annaud y basada en la novela homónima de Umberto Eco. Cuenta con Sean Connery y Christian Slater en los papeles protagónicos. La historia se sitúa en una abadía benedictina en el norte del Italia, una abadía de estilo románico, pesado, cerrado, una abadía-fortaleza casi sin aberturas ni entradas de luz externa, perfecta para encerrar un terrible secreto y no dejar escapar ningún indicio que pueda dar una pista hacia la resolución del enigma. Todo el saber permanece perfectamente oculto entre esas cuatro paredes de piedra.
La abadía escogida por Annaud para los exteriores podría ser la Sacra di San Michele della Chiusa, en el Piamonte, aunque las primeras imágenes muestran una fortaleza militar, la Rocca Calascio. Para el Scriptorium de la película, fue empleado un dormitorio del Monasterio Eberbach, antigua abadía cisterciense cerca de Eltville am Rhein, en Alemania, que combina el estilo románico con el gótico preclásico.
La biblioteca de la película se encuentra dentro de una torre con escaleras laberínticas inspiradas en los grabados del artista holandés Maurits Cornelis Escher y en los laberintos de los cuentos borgianos. En una de las escenas, William de Baskerville y el novicio Adso de Melk están conversando en un claustro. El claroscuro logrado gracias a la luz de una vela ha sido tomado de pintores barrocos como Georges de la Tour (1593-1652) y Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio (1571-1610).
La luz de la vela, una ventana al fondo, la figura humana sentada leyendo, meditando o conversando con otra, no son elementos característicos de la iconografía medieval. Podemos considerar este salto estético hacia el Barroco como una licencia poética del director, o incluso como una forma de oponer la oscuridad del medioevo a la iluminación del pensamiento que despuntaba ya con los albores del Gótico. Para el diseño de vestuario, Gabriella Pescucci se inspiró en las pinturas del artista español Francisco de Zurbarán (1598-1664)

"Andrei Rublev" (1966) de Andrei Tarkovsky
La película muestra la vida del pintor de íconos rusos, Andrei Rublev, a través de diferentes episodios extraidos de su etapa más prolífica. Es una narración sobre la Rusia de finales del siglo XIV y principios del XV en torno a las visicitudes de la vida de este monje-pintor en el seno de una sociedad impregnada por la barbarie y la violencia. El pintor se debate entre la tradición, de carácter bizantino, o la innovación cultural que supone aceptar modelos nacionales. Además de la obra de Rublev y la estética del ícono bizantino, en el largometraje de Tarkovsky se percibe la influencia de la pintura rusa del siglo XIX. La mayor parte de la película es en blanco y negro, sólo al final el color hace su aparición, cuando se presenta por primera y única vez el ícono, cerrando el itineriario espitirual y figurativo de la película.
En el cine de Tarkovsky la pintura siempre ha desempeñado un papel importante. Son los casos de "Los cazadores en la nieve" de Pieter Brueghel, en "Solaris" (1973), "La Madonna del Parto" de Piero della Francesca, en "Nostalghia" (1983) y "La adoración de los Magos" de Leonardo Da Vinci, en "El Sacrificio" (1986).

Los "tableaux vivants" de Pier Paolo Pasolini
"La Ricotta" Pier Paolo Pasolini. Italia, 1962.
Forma parte de la tetralogía RoGoPaG (Rossellini, Godard, Pasolini, Gregoretti), realizada en Italia en 1962, que relata cuatro historias de diferentes directores. El cortometraje de Pasolini, La Ricotta, fue protagonizado por Orson Welles, Mario Cipriano, Laura Betti, Edmonda Aldini, Ettore Garofolo.
Trata sobre un director de cine (Orson Welles) que filma una película sobre la pasión de Jesús. Está realizada en blanco y negro con algunas escenas en color. Los dos Descendimientos son dos "tableaux vivants" de los pintores Rosso Fiorentino y Jacopo da Pontormo, del Cinquecento toscano, considerados manieristas por los colores y por los tonos exasperados.

Il Decameron, Pier Paolo Pasolini. Italia, 1971.
Pasolini recrea los cuentos eróticos y divertidos de la obra "El Decameron" de Boccaccio.
En uno de los episodios, el propio Pasolini interpreta a un discípulo de Giotto que sueña con el infierno y el paraíso en forma de pinturas del siglo XIV. En uno de esos sueños se le aparece El juicio universal de la capilla de los Scrovegni en Padua, aunque en el círculo del centro del fresco no ve a Cristo sino a la Virgen con el rostro de Silvana Mangano. De día se sube a los andamios con una venda en la cabeza, y pinta los frescos.

Mamma Roma. Pier Paolo Pasolini. Italia, 1962.
La secuencia de la película en la que aparece Ettore en una cama de la cárcel, tomada desde los pies hacia la cabeza, ha sido inspirada en la Lamentación ante el Cristo Muerto, de Mantegna. Otros ven inspiración de Pontorno, Giotto, Masaccio, y de modo más explícito, de Andrea Mantegna (1431-1506). Pasolini en varias ocasiones lo desmiente, y dice que Mantegna no tiene nada que ver, que tal vez podría hablarse de una absurda y exquisita mezcla de Masaccio y Caravaggio.

"Ana de los mil días" ("Anne of the Thousand Days", Charles Jarrott, 1969)
"Ana de los mil días" es una película histórica de origen británico, dirigida por Charles Jarrott, basada en la vida de Ana Bolena -segunda esposa del Rey Enrique VIII- y protagonizada por Richard Burton, Geneviève Bujold e Irene Pappas.
La narración comienza con el rey Enrique VIII firmando las órdenes de ejecución contra un grupo que supuestamente conspiraba contra él, entre los que se encuentra su esposa, Ana Bolena. De ahí sigue un largo flash-back que describe el encaprichamiento del rey con la bella Ana -ya comprometida con otro hombre-, a lo que se suma el agravante de que él mismo estaba casado legítimamente con Catalina de Aragón y había tenido como amante a María Bolena, hermana de Ana.
Margaret Furse ganó el Oscar al Mejor Diseño de Vestuario por los trajes de esta película, inspirados en cuadros de la época, especialmente los ejecutados por el pintor de la corte de Enrique VIII, Hans Holbein el Joven. Artista e impresor alemán, Holbein se enmarca en el estilo llamado Renacimiento Nórdico. Es conocido especialmente por sus retratos, aunque también produjo arte religioso, vidriería, piezas de joyería, grabado en madera y diseños de libros. Sus trabajos hacen gala de los más ricos detalles gracias a la utilización de la cámara oscura (un artefacto utilizado por los artistas del renacimiento, considerado actualmente como el antecedente más remoto de la fotografía) y a la técnica de pintura al óleo.
Heinrich Wölfflin escribe sobre el pintor alemán en "Conceptos fundamentales de la Historia del Arte" : "Holbein, en sus retratos, persigue hasta en lo más nimio la forma de los encajes y de la orfebrería". Su obra es "la insuperable personificación del arte de la realidad, del cual se han eliminado todos los elementos del mero parecer" (p.61). "Para Holbein los pliegues de un paño constituían un espectáculo que no sólo le parecía posible reproducir con líneas, sino que sólo en una interpretación lineal adquiría su propia expresión" (p.77)
Para darse una idea de la fina ejecución de sus retratos de época ver "Retrato de Enrique VIII" (1536-1537), "Retrato de Jane Seymour" (1537), "Retrato de una joven" (1540-1560) y "Los embajadores" (1533)
Aunque se trate de una interpretación muy posterior, vale la pena dar una ojeada al cuadro "Anne Boleyn à la Tour de Londres" (1835) de Édouard Cibot, perteneciente al acerbo del Museo Rolin, en Autun.

Cyrano de Bergerac (Francia, 1990) de Jean-Paul Rappeneau, adaptación de la obra homónima de Edmond Rostand. Con Gérard Depardieu, Vincent Pérez y Anne Brochet.
El soldado y poeta Cyrano de Bergerac (Gérard Depardieu) está enamorado de su prima Roxane (Anne Brochet), pero tiene vergüenza de confesarle su amor por temor a ser rechazado a causa de su enorme nariz. Otro hombre, Christian (Vincent Pérez) también se enamora de Roxane y pide ayuda a Cyrano, quien escribe cartas de amor a Roxane y las firma con el nombre de Christian. Roxane se casa con Christian mientras Cyrano continúa a guardar el secreto a lo largo del tiempo.
La italiana Franca Squarciapino ganó el Oscar al Mejor Diseño de Vestuario en 1991 por Cyrano de Bergerac. Sus trajes de época están muy probablemente inspirados en los cuadros del pintor barroco Rembrandt van Rijn, en especial "La Ronda Nocturna" de 1642. Por su parte, una de las escenas en la que Cyrano se sienta en su escritorio a meditar, está tomada casi literalmente de "El Astrónomo" (1668) de Johannes Vermeer.

Barry Lyndon. Reino Unido, 1975
Dirección: Stanley Kubrick
Un film de claras referencias pictóricas, entremezcladas con la literatura y la música. Para lograr los cánones de la pintura neoclásica, simetría, orden y belleza, Stanley Kubrick y su director de fotografía John Alcott utilizaron las pinturas de Joshua Reynolds para paisajes y uniformes, los retratos de Thomas Gainsborough y Thomas Lawrence para la caracterización de los personajes femeninos; las pinturas de William Hogarth, para las escenas de interior de la última parte de la película, los paisajes de John Constable para los múltiples exteriores. De Jean-Antoine Watteau tomaron el uso de la luz y la oscuridad, de George Stubbs, el vestuario de caza; para los interiores, mobiliarios y vestuarios se inspiraron en el pintor y grabador polaco Daniel Chodowiecki y en Johann Zoffany. Para la iluminación de los planos interiores se basaron en los cuadros de Joseph Wright, apasionado por los efectos lumínicos, y en los maestros holandeses: Jan Vermeer para la luz y Rembrandt para el claroscuro.

Relaciones Peligrosas (1988)
Dirección: Stephen Frears
Título original: Dangerous Liaisons. Dirección: Stephen Frears. Guión: Christopher Hampton. Intérpretes: John Malkovich, Glenn Close, Michelle Pfeiffer, Uma Thurman, Mildred Natwik y Keanu Reeves. País y año: Estados Unidos / Reino Unido, 1988
Stuart Craig y Gérard James ganaron el Oscar en 1989 a la Mejor Dirección de Arte (Decorados)

Las siguientes obras arquitectónicas fueron utilizadas como locación para esta película: Château de Neuville (Yvelines) para la mansión de Valmont (John Malkovich), construcción de estilo clasicista del siglo XVI pero cuyo interior ha sido completamente renovado en el siglo XVIII y transformado al estilo barroco-rococó; Château de Vincennes (Val-de-Marne), utilizado para la escena del duelo entre Valmont y Danceny, es una fortaleza medieval cuya construcción comenzó en el siglo XIV; Abbaye Royale de Moncel (Oise), abadía medieval del siglo XIV; Château de Champs-sur-Marne, de estilo neo-clásico, Château de Guermantes, barroco francés y Château de Lésigny, del renacimiento francés, estos tres últimos ubicados en Seine-et-Marne; Château de Maisons-Laffitte (Yvelines) de estilo barroco francés, fue utilizado como residencia de Mme de Rosemonde (Mildred Natwik). El Teatro Montansier de Versailles (Yvelines) se utilizó para las escenas en la ópera.
Un detalle para resaltar es la manera cómo se hace uso de un decorado en función de la narración: las puertas del palacete donde vive la marquesa de Merteuil (Glenn Close) están completamente revestidas de espejos, muy al gusto barroco. Esto permitió, en el filme, mostrar la ambigüedad, la doble naturaleza de esta mujer tan orgullosa y libertina como hipócrita y manipuladora.
El Oscar 1989 al Mejor Vestuario fue para James Acheson, quien se inspiró en los pintores rococó -estilo que perduró en Francia entre 1750 y 1789-, François Boucher y Jean Honoré Fragonard, para la creación de los trajes y vestidos de época, y en los artistas ingleses Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds, con idéntico propósito.

Luchino Visconti y su inspiración en la pintura del siglo XIX
En películas como El Gatopardo o Senso, Luchino Visconti se inspiró en la manera de pintar de los artistas italianos de mediados del siglo XIX para ambientar los planos generales de influencia histórica que sirven de escenario a sus historias de amor y a sus análisis de la sociedad italiana de la época.
En "Senso", Luchino Visconti eligió el cuadro de Francesco Hayez , "El beso" (1859) para transmitir la intensidad de la pasión de los amantes protagonistas de la película, a pesar del significado opuesto de ambas imágenes, pues el cuadro de Hayez muestra la despedida del soldado que marcha a la guerra. Se trata de un ejemplo de tableau-vivant, representación animada de una pintura célebre.
En "El Gatopardo" podemos encontrar el empleo de un cuadro para definir un momento de los personajes en la película. Con "Le fils puni" (Jean-Baptiste Greuze, 1778), Visconti desea que no pase desapercibida la reflexión sobre la muerte que muestra el cuadro, metáfora del declive de la aristocracia siciliana y de su forma de vida. En ello reflexiona el Príncipe de Salina, protagonista de la película, al observar la pintura.
Algunos otros de los pintores en los que se inspiró Visconti para sus películas son: Giovanni Boldini, Giovanni Fattori, Silvestre Lega, Cristiano Banti y Telémaco Signorini.

Referencias pictóricas en la filmografía de Eric Rohmer
Detrás de "La marquesa de O" ("La marquise d'O, 1976) de Eric Rohmer, vemos los cuadros de Johann Heinrich Füssli, tras "La inglesa y el duque,"("L'anglaise et le duc", 2001), los paisajes de Camille Corot, en "El romance de Astrea y Celadón" (Les Amours d'Astrée et de Céladón, 2007) el propio director afirma haberse inspirado directamente en pinturas y grabados del siglo XVII para las escenas exteriores, en las que se pueden encontrar ecos de barrocos franceses como Nicolas Poussin, Simon Vouet y Claude Lorraine, a medio camino entre el paisajismo y la mitología.
En "La marquesa de O", Eric Rohmer y Néstor Almendros, director de fotografía de muchas de sus películas, cuidaron cada encuadre, aprovechando la luz natural que provenía de los grandes ventanales del castillo de Obertzen, en Alemania. Por otra parte, para la puesta en escena, el vestuario y las poses de los personajes hubo influencias de varias obras famosas: en los gestos y movimientos de la marquesa reconocemos el "Retrato de Madame Recamier" (1800), el de "Mademoiselle de Verninac" (!801) y las mujeres romanas llorando de "El Juramento de !os Horacios" (1784-1785), obras de Jacques-Louis David. La forma en que el padre manifiesta el dolor o la ira se inspira en los cuadros de Jean-Baptiste Greuze y Johann H. Füssli. En la aparición heroica del Conde, reconocemos toda la tradición de representaciones de soldados, desde "Bonaparte en Arcole" (1796) de Antoine-Jean Gros hasta los diversos tipos de soldado de Théodore Géricault. En el beso final, encontramos a Jean-Auguste Dominique Ingres y su obra "Paolo y Francesca" (1814).

La pasión de Jean-Luc Godard por la imagen estática
Godard, en su film Pasión (1982), explora la naturaleza del amor, el trabajo y el cine a través de la historia de un director de cine polaco, Jerzy, que no puede proseguir su película (de idéntico título) y se pregunta por qué siempre tiene que haber historia.
El trabajo de Godard ilustra la concepción del cine como obra de autor. Es además un canto a la relación del cine con la imagen estática, apelando a referencias pictóricas clásicas como los cuadros "El Tres de mayo" (1814) y la "Maja desnuda" (1800) de Francisco de Goya, "La Ronda Nocturna" (1642) de Rembrandt, "La bañista de Valpinçon" (1806) de Dominique Ingres y, por último, "La Entrada de los Cruzados en Constantinopla" (1840) y la "Lucha de Jacob con el Ángel" (1855-1961), ambos de Eugène Delacroix.

El Romanticismo en Rusia a través del film "Onegin" (1999) de Martha Fiennes
"Onegin" es un largometraje británico-americano del año 1999, basado en la novela en verso de Alexander Pushkin "Yevgeny Onegin" (publicado en 1831). El filme ha sido dirigido por Martha Fiennes y protagonizado por Ralph Fiennes en el rol de Yevgeny Onegin, Liv Tyler como Tatiana Larina, Lena Headey en el rol de Olga Larina, Irene Worth como la princesa Alina y Toby Stephens en el papel de Lensky.
La historia transcurre en el siglo XIX en San Petersburgo. Onegin es un joven de la alta sociedad rusa que, un día, recibe como herencia una extensa área de tierra en las afueras de la ciudad. Allí conoce a sus vecinas, una viuda y sus dos hijas, y a un poeta que está comprometido con la hija mayor, Olga. La hermana menor, Tatiana escribe a Onegin una carta de amor apasionada que es rechazada por su destinatario. En cambio, los flirteos de Onegin hacia Olga lo llevan a él y al poeta a un duelo a muerte.
La novela de Pushkin inspiró al compositor Piotr Ilitch Tchaikovsky a componer la ópera en tres actos y seis escenas "Yevgeny Onegin", estrenada en Moscú en 1879, en el Teatro Maly. Casi un siglo más tarde, en 1965, John Cranko creó la coreografía del ballet "Onegin", con música de Tchaikovsky, para la Compañía de Danza de Stuttgart.
Para el vestuario y los decorados, la directora Martha Fiennes, los escenógrafos Maggie Gray, Chris Seagers y Vera Zelinskaya, y los diseñadores de vestuario John Bright y Chloé Obolensky, estudiaron la obra de los siguientes pintores rusos:

Ilya Yefimovich Repin: "Unexpected Visitors", 1888 y "Retrato de la Princesa María Klavdievna Tenisheva", 1896; Karl Bryullov: "Retrato del poeta Aleksander Strugovshchikov", 1840; Fedor Alekseev: "View of the Kazan Cathedral in St. Petersburg", 1811 y "The Monastery of Trinity and St. Sergius", 1800-1802; Pavel Fedótov: The Major's Marriage Proposal, 1851; Ivan Kramskoy: "Unknown Woman", 1883 y "Reading Woman", 1863; Orest Kiprensky: "Retrato de Alexander Pushkin", 1827

Notas

-1 Prieto Arciniega, Alberto. "Rome is no longer in Rome", en "Imagining Ancient Cities in film. From Babylon to Cinecittà". Editado por Marta García Morcillo, Pauline Hanesworth y Oscar Lapeña Marchena. Routldege Taylor & Francis Group. New York and London, 2015. P.173

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