LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (1) - Cinecritic

LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (PRIMERA PARTE)

Por Adriana Schmorak Leijnse

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La imagen cinematográfica heredó de la pintura ese afán por reproducir la tridimensionalidad en un espacio plano, algo que ambas lograron gracias a normas derivadas de la geometría y las matemáticas, más concretamente, al sistema perspectivo desarrollado en el Renacimiento, la perspectiva artificialis, que tiende reproducir la forma en que la visión humana percibe el mundo.
Leone Battista Alberti, en "De Pictura" (1435-1436), consideraba el cuadro representado, mediante las leyes de la perspectiva, una "ventana abierta al mundo". La fotografía consiguió fijar la realidad visible en el soporte, mediante un proceso de fijación química de la imagen. El cine vino a agregar la dimensión temporal y a reforzar aún más el concepto de "ventana abierta al mundo" de Alberti. En 1911 Ricciotto Canudo (1879-1923) publica el "Manifiesto de las siete artes", en el que el autor considera al cine como la síntesis de las artes, la obra de arte total.
Yendo aún más lejos, Jacques Aumont afirma en "L'oeil interminable. Cinéma et peinture" (1989) que la imagen cinematográfica es heredera directa del Impresionismo Pictórico y de su obsesión por capturar la luz y el color. Para Aumont, Lumière es el último pintor impresionista. Tal es la ligazón entre estas dos formas de traducir la realidad en imágenes, que hasta hoy día hablamos de "puesta en cuadro" al referirnos a la modalidad de tratamiento y presentación de los objetos y personajes en la pantalla, a cómo son captados por la cámara (tipos de plano, encuadre, iluminación, angulaciones, profundidad de campo, etc.), reconociendo así que el encuadre cinematográfico deriva del marco pictórico de representación.
Este artículo no pretende dar cuenta exhaustiva de la influencia de las artes plásticas en la estética del cine a lo largo de su historia, lo cual resultaría casi imposible en un texto breve destinado al espacio hipertextual de la Web. Su objetivo es el de servir como guía a la mirada del lector a la hora de asistir a una sala de proyección, dándole además un sentido temporal a esta mirada, en función de los etilos pictóricos y arquitectónicos.
En esta primera parte desarrollaremos el tema de la relación entre cine y pintura en orden cronológico-histórico, desde la Prehistoria con "La guerra del fuego" (Jean-Jacques Annaud, 1981) hasta la Grecia Helenística de "Alexander" (2004) de Oliver Stone

La guerra del fuego (La Guerre du feu) es una película franco-canadiense de 1981 dirigida por el director francés Jean-Jacques Annaud y basada en la novela de título homónimo escrita en 1911 por J. H. Rosny (pseudónimo de los hermanos belgas Joseph Henry Honoré Boex y Sheraphin Justine François Boex). En los papeles protagónicos actúan Everett McGill, Ron Perlman, Nameer El-Kadi y Rae Dawn Chong.
Ambientada durante la Prehistoria en Europa, la película trata sobre la lucha de los humanos primitivos por el control del fuego. La tribu Ulam es atacada por un grupo de homínidos hostiles, los supervivientes huyen a través de un pantano, pero entonces el fuego que guardan celosamente en una jaula de huesos y al que alimentan constantemente, cae al agua y se apaga. Los Ulam no saben producir fuego por sí mismos y su pérdida supone su condena. El sabio de los Ulam decide enviar a tres hombres, Naoh (Everett McGill), Amoukar (Ron Perlman) y Gaw (Nameer El-Kadi), en una desesperada búsqueda por un fuego nuevo.
La acción tiene lugar hace 80.000 años, durante la transición entre el Paleolítico Inferior y el Paleolítico Medio, y combina especies humanas con muy distintos grados de evolución, que habitaron en bosques caducifolios de Europa, lo cual los obligó a salir a buscar los alimentos fuera de su hábitat durante los meses de invierno.
Las tribus imaginarias Ulhamr y Kzamm presentan características anatómicas con reminiscencias de los neandertales, mientras que los Ivaka remiten al Homo Sapiens anatómicamente moderno. Si bien está demostrado que ambas especies coexistieron en la Europa del Pleistoceno y el Eoceno, se considera un anacronismo la presencia de los hombres llamados en la película Wagabou, grupo correspondiente al tipo humano Homo Erectus, más primitivo y del que no se tiene constancia de haber habitado en Europa contemporáneamente al Homo Sapiens. La utilización del propulsor por parte de la tribu de los Ivaka es otro anacronismo, ya que la existencia de esta herramienta se ha verificado sólo desde el periodo Solutrense, hace unos 22 mil años.
Además, están lejos de la realidad algunos procesos mostrados en la película, tales como el descubrimiento de la exogamia (cuando el protagonista es capturado y obligado a embarazar a las mujeres de un clan), el "descubrimiento" de la posición frontal durante el acto sexual, el desarrollo del sentido del humor y la risa, la negativa a practicar el canibalismo, el invento de una proto-medicina (a través de la preparación de una mezcla de hierbas), etc. En suma, acontecimientos que condujeron a grandes avances en la evolución del hombre, pero que fueron graduales y demoraron mucho tiempo para desarrollarse, en el filme aparecen condensados en el plazo de una generación.
Por eso es importante no ver "La Guerra del Fuego" como una película antropológicamente exacta, sino como una metáfora de la evolución humana. El fuego era un elemento de la naturaleza cuya domesticación implicó una ventaja fundamental para la supervivencia. La producción de fuego por fricción, su conservación y transmisión, que en esos tiempos se utilizaba para producir luz y calor, así como para la cocción de alimentos, significó el inicio del conocimiento, de la tecnología, del saber.
Al presentar grupos diversos de homínidos en estadios de evolución diferentes, en cuanto a la transición entre nomadismo (las cavernas como vivienda) y sedentarismo (construcción de cabañas), de la alimentación puramente herbívora y el canibalismo a la caza estacional de animales (que requería el desarrollo de armas cada vez más sofisticadas), del lenguaje gestual y los gruñidos hacia un lenguaje más articulado, de la reclusión en la propia tribu hacia al contacto con otros grupos, de la producción lítica puramente utilitaria a la producción simbólica más "artística" (cerámica, pintura corporal, máscaras), se podría considerar que el mensaje del filme constituye una metáfora sobre la coexistencia de culturas diversas en tanto factor evolutivo determinante .
Pero volvamos al tema de la inspiración en elementos de la producción "artística" del hombre prehistórico dentro de la película. El Paleolítico se extendió entre unos 2 millones y medio de años hasta hace 10 000 años, aproximadamente. Se divide en Paleolítico Inferior, Medio y Superior. El Paleolítico Inferior y Medio, durante las cuales se supone transcurre el relato de Annaud, son etapas de la prehistoria que se caracterizan por el uso de útiles de piedra tallada, cantos rodados y objetos de sílex; aunque también se usaban materias primas orgánicas para construir diversos utensilios, como hueso, madera, cuero y fibras vegetales. El uso principal que se le daba a estos utensilios era la fabricación de cuchillos y hachas sin mango. Recién durante el Paleolítico Superior se constata la fabricación de puntas de flecha, propulsores con forma de animales, pintura rupestre, pintura corporal y facial. De esta época son también las estatuillas femeninas en terracota, las hachas con mango, los anzuelos de hueso y las herramientas de piedra tallada en ambas caras.

Sobre pintura rupestre del paleolítico superior, recomendamos la visión de las siguientes películas:

"The last wave" largometraje ficcional australiano de 1977, dirigido por Peter Weir. La película, que abre con una pintura rupestre con elementos sagrados para los aborígenes, trata sobre el choque cultural entre una Sydney moderna occidentalizada y una más genuina pero oculta y opacada por la primera .
En Australia existen decenas de sitios con pinturas y grabados en la roca. Además de las ubicadas en los alrededores de Sydney, hay en la región norte, en Kakadu National Park, tres sitios con arte rupestre aborigen: Ubirr, Burrunggui y Nanguluwur. En la región oeste, se puede visitar Mulka's Cave, con impresiones de manos y, muy cerca de allí, una formación rocosa natural con forma de ola gigante, conocida como Wave Rock. Otro sitio en la región oeste de Australia es Walga Rock.

"Cave of Forgotten Dreams" (2010) documental del realizador alemán Werner Herzog, sobre el descubrimiento de la Cueva de Chauvet, en la década del '90, al sudeste de Francia, donde se conservaron cientos de dibujos y pinturas datados de hace más de 30 mil años.

"Altamira" es una película española de 2016 que relata el descubrimiento y posterior polémica sobre la autenticidad de las pinturas de la Cueva de Altamira, hecho ocurrido en 1868 cerca de Santillana del Mar, Cantabria. Está protagonizada por Antonio Banderas e Irene Escolar, y dirigida por el inglés Hugh Hudson.

Los yacimientos de industria lítica más importantes del Paleolítico Inferior en Europa:

Cantos trabajados: Atapuerca (Burgos), Sandalija (Croacia), Iserna La Pileta (Italia). Desde hace 950 mil a 500 mil años. Lascas y huesos retocados.
Abbevillense: Terrazas del Somme, Abbevilles (Francia). Hace 500 mil años. Toscas e irregulares hachas de mano.
Achelense: Terrazas del Somme, Terrazas del Tajo (España), Lazio (Italia). Desde hace 500 mil hasta 125 mil años. Cuchillo de dorso, buriles, raspadores.
Micoquiense. La Micoque de les Eyries (Francia). Desde hace 120 mil hasta 90 mil años. Hachas de mano con la punta afilada. Hachas lanceoladas y cordiformes.
Clactoniense: Terrazas de Clacton-On-Sea (Reino Unido). Desde hace 500 mil años hasta 150 mil años. Lascas grandes de talón ancho y bulbo muy marcado
Levalloisiense: Levallois (Francia) y Capellades (España). Desde hace 150 mil hasta 120 mil años. Lascas de sílex elaboradas a partir de la técnica levallois.

Paleolítico Medio en Europa:

Musteriense típico. Le Moustier. Desde hace 300 mil hasta 40 mil años. Raederas, puntas musterienses, hachas bifaciales, cuchillos de dorso y denticulados.
Charetiense de tipo Quina-Ferrassie. La Quina (Francia) y Cantabria (España). Desde hace 300 mil hasta 40 mil años. Raederas, lascas de talón ancho y bifaces.
Musteriense Vasconiense. País Vasco Francés y Cornisa Cantábrica. Desde hace 300 mil hasta 40 mil años. Hendedores.

Paleolítico Superior Inferior en Europa:

Chatelperroniense o Perigordiense Inferior. Grotte des Fées en Chatelperrón (Francia) y Cueva Morín (Cantabria). Desde hace 36 mil hasta 32 mil años. Cuchillo de Chatelperrón, raederas, denticulados, puntas musterienses, bifaces, raspadores con frente curvo, punzones y colgantes de hueso y dientes, elementos de adorno, inicio del arte mueble.
Szeletiense. Ilsenhöle (norte de Alemania) y Szeletha (Hungría). Desde 42mil hasta 32 mil años. Puntas foliáceas.
Cultura de Sungir-Kostienski. Sungir (este de Moscú, Rusia) y Kostienski (Río Don, Rusia). 32700 años. Puntas triangulares pequeñas con influencias musterienses, raspadores cortos, perforadores y puntas laminares, uso de la técnica laminar.
Auriñaciense: Aurignac (Francia), El Castillo y El Pendo (Cantabria), L'arbreda (Girona), Valencia (España), Willendorf (Austria). Entre 39 mil y 25 mil años. Talla laminar, buriles busqué o arqueadas, raspadores carenados, utensilios sobre hueso, azagayas, bastones perforados, representaciones geométricas muy esquemáticas mediante piqueteado, importante arte mueble, figura humana en altorrelieve en Alemania.
Gravetiense o perigordiense superior: La Gravette (Francia), Le Font Robert (Francia), Cueva del Castillo (Cantabria), Maltravieso (Cáceres), El Parpalló (Valencia), Pavlov (Chequia), Willendorf (Austria), Kostienski (Rusia). Desde 29 mil hasta 27 mil años. Puntas de la Gravette, puntas de la Font-Robert, buriles de Noailles, utillaje óseo (especialmente azagayas). Primeras muestras de arte peleolítico (figuras de animales y manos). Arte mueble (objetos de hueso decorado, estatuillas femeninas).

Paleolítico Superior Medio en Europa:

Solutrense. Solutré (Francia), La Riera y Cueva Rosa (Asturias), Parpalló (Valencia). Desde 21 mil hasta 18 mil años. Puntas de proyectiles, buriles, raspadores y raederas, puntas de Laurel, puntas en forma de Sauce, puntas de base cóncava, puntas de muesca con retoque tosco. Arte mueble: restos óseos, piezas dentarias decoradas, colgantes de marfil. Arte parietal.

Paleolítico Superior Final en Europa:

Magdaleniense: La Madeleine (Francia), Altamira, El Pendo, El Castillo (Cantabria), Parpalló (Valencia), Lascaux (Francia). Desde 18 mil hasta 10 mil años. Buriles, bastones de mando, azagayas cilíndricas biseladas, utillaje sobre hojas, propulsores decorados, arpones de una y dos filas de dientes, azagayas y varillas semicirculares, buriles de pico de loro, puntas de muesca, puntas azilienses, arte mueble muy variado, arte parietal con pintura polícroma y trazado fino.

Para más información sobre elementos fabricados por nuestros antepasados del paleolítico, recomendamos consultar las páginas web de los siguientes museos: Musée National d'Histoire Naturelle (Paris), Ashmolean Museum (Oxford), British Museum (Londres), Metropolitan Museum (New York), Museum of Prehistory and Early History (Berlin), Musée d'Arqueologie Nationale (St. Germain-en-Laye), Museo Arqueológico Nacional (Madrid), Museu de Prehistòria de València, España, Museo Nazionale Preistorico Etnografico "Luigi Pigorini" (Roma).

Faraón (1966) de Jerzy Kawalerowicz

Esta soberbia película polaca supone el acercamiento estético más realista que el cine haya dedicado jamás a la antigua civilización egipcia. Se basa en una novela de Boleslaw Prus, seudónimo de Aleksander Glowacki, y sus exteriores se filmaron en Luxor (Egipto) y Bujara (Uzbekistán).
El joven príncipe Ramsés XIII (Jerzy Zelnik) desea tomar las riendas del poder para hacer frente a la intromisión política de la casta sacerdotal y echar mano al oro atesorado y oculto por el clero tebano. Su objetivo es el de equipar a su ejército y resistir así a una inminente invasión de los asirios (la verdad histórica es que el asedio de lo asirios en Egipto data de una fecha muy posterior). El sumo sacerdote Heror (Pietr Pawloski) -posible trasunto de Herihor, el Sumo Sacerdote que gobernó de manera independiente en el Valle del Nilo durante el reinado del último faraón de la Vigésima Dinastía, Ramsés XI (1100-1070 a.C)-, se opone a la utilización del tesoro para fines bélicos.
El filme reflexiona acerca del enfrentamiento que se instaura entre el poder político y el religioso. A través de la historia del ascenso, lucha y caída de este Ramsés imaginario (no hubo tal Ramsés XIII, ya que el último de su dinastía fue Ramsés XI), la película desarrolla un brillante análisis de los mecanismos políticos y de las luchas por el poder entre el joven rey y la casta sacerdotal, estando además plagada de referencias a la Polonia Comunista de los años '60. Se puede interpretar el filme como metáfora del enfrentamiento entre el Estado Laico de un lado y la Iglesia Católica del otro, cuya doctrina había sido vedada en Polonia por el comunismo soviético. Yendo aún más lejos, se podría ver el relato de "Faraón" como una evidencia de las consecuencias negativas de dicho enfrentamiento cada vez que acontece en la Historia, en cualquier época y lugar.
La puesta en escena se caracteriza por una sobriedad que se aleja de la pompa y el cartón piedra de las producciones hollywoodienses de este tipo. La ambientación resulta hiperrealista, destacando un vestuario parco y liviano claramente influido por los frescos de la época y una banda sonora, a cargo de Adam Walacinski, que se limita a cánticos rituales de los cuales no hay registro histórico.
Gran parte del mobiliario y utensilio, como la silla real, la biga de seis radios, el precioso Jepresh (corona azul, relacionada con la guerra) del faraón, la paleta del escriba, los vasos de alabastro y el hacha "epsilon" se inspiran en piezas auténticas procedentes del Museo Egipcio de El Cairo.
La búsqueda de realismo hizo que se evitara utilizar escenografía de cartón pintado. Por eso, las pirámides de Guizeh y los relieves de los templos aparecen según su aspecto actual, sin su revestimiento de caliza en el primer caso, y sin su policromía, en el segundo.

La primera imagen de la película, en la que dos escarabajos se disputan una bola de estiércol en medio del árido desierto, es interpretada por el Sumo Sacerdote como una profecía de guerra. Precisamente los coleópteros, sagrados en el Antiguo Egipto, serán la causa del primer desacuerdo entre el joven heredero y los poderosos sacerdotes, ya que estos obligan al ejército, que realiza maniobras en el desierto, a dar un inmenso rodeo para evitar aplastarlos.

La veneración del escarabajo era muy antigua en Egipto. Este coleóptero llamado escarabajo pelotero, tan común en Egipto, habiendo puesto sus huevos en la arena, los envuelve en una pequeña bola de estiércol y los empuja con sus patas traseras hasta un agujero que ha cavado anteriormente, con el propósito de ser incubados por los rayos del Sol. Este tipo de escarabajo se reproduce sin necesidad de la hembra. Dicha forma de actuar les recordaba a los antiguos egipcios el desplazamiento del Sol por los cielos y se los consideraba también un signo de resurrección. Khepri, que simbolizaba al sol naciente, era representado con forma humana con un escarabajo en la cabeza.
El coleóptero más célebre de la historia es el pectoral con forma de escarabajo alado, hallado sobre la momia de Tutankhamón. Dinastía XVIII. Reinado del faraón Tutankhamón (1334-1325 a.C). Materiales: oro, lapislázuli, cornalina, turquesa, feldespato. Hallado en el Valle de los Reyes, Luxor. Lugar de conservación: Museo Egipcio de El Cairo

La película muestra cómo, ya desde la Antigüedad, existían intereses económicos detrás de las guerras. Jiram, un mercader fenicio, dice que vio muchos templos pero nunca un dios. El sólo cree en el poder del dinero. Es amigo de Sementu, el sacerdote de Seth, dios del mal, el pecado y el caos en la mitología egipcia. Lo simboliza un cuadrúpedo carnicero de hocico largo y fruncido y orejas derechas y puntiagudas. En su lucha contra el dios del Sol, Set adoptó la forma de la serpiente Apep y fue acompañado por un ejército de toda clase de serpientes y reptiles. Los animales y los hombres de pelo rojo eran considerados hijos de Set. En algunas leyendas Set era comparado a un asno o simbolizado como un cerdo negro.

Por la tonalidad rojiza de los cabellos de Sementu (este sacerdote imaginado por el director polaco) deducimos que su dios es también un antecesor del dios griego Ares y del dios romano Marte, patronos de la guerra. En el filme, dos mercaderes fenicios aparecen como veneradores de Seth, con el sólo fin egoísta de obtener beneficios económicos a través de la guerra. Además hay que recordar las palabras de Sumo Sacerdote Heror cuando dice: "un asno no tiene miedo a un escarabajo, pero un asno nunca será faraón ni sacerdote". Lo cual significa que en el Egipto Antiguo el mal era vinculado a la ignorancia, la impureza y la suciedad del asno, que a su vez era relacionado con el dios Seth. Lo mismo podríamos decir del eclipse descifrado por Heror como un mal presagio para el futuro de Egipto en el caso de que el templo de Amón cayera en manos del poder político de Ramsés XIII o de sus enemigos. Las tormentas, los terremotos y los eclipses, así como todos los fenómenos naturales que cubrían el brillo del Sol fueron atribuidos a Seth. Por eso, la película "Faraón" lejos de ser una crítica a la casta sacerdotal egipcia, es la representación de la lucha entre el Bien y el Mal, y más adelante develaremos quién fue el vencedor de esta lucha.
Para representaciones de Seth en el Egipto Antiguo ver: "Seth luchando contra la serpiente Apep en la barca de Ra", papiro conservado en el Museo Egipcio de El Cairo. "Representación de Seth en el cartucho del faraón Sethy I" en la Lista Real de Abidos. y "Seth representado en la tumba del faraón Tutmosis III".

En las exequias de Ramsés XII, en el film de Kawalerowicz, aparecen tres divinidades: Isis, Anubis y Osiris.

Isis suele estar representada en forma de una mujer coronada por dos cuernos que sustentan un disco y llevando en la mano un cetro de papiro. Personifica el poder regenerativo de la primavera, la potencia fecundadora de la naturaleza, el poder de la tierra para producir grano, el crecimiento de las plantas y los alimentos, la maternidad y el nacimiento.
Osiris es el dios egipcio de la resurrección, símbolo de la fertilidad y regeneración del Nilo. Dios del inframundo, presidía el tribunal del juicio de los difuntos en la mitología egipcia. Su padre era Geb y su madre era Nut. Era esposo y hermano de Isis, y padre de Horus. Suele imaginárselo envuelto en las vendas de una momia y portando la corona atef, una forma más elaborada y compleja de la corona blanca del Alto Egipto, adornada con plumas de avestruz a las que más tarde se añadieron un disco solar, una cobra y dos cuernos de carnero.
Anubis tenía la cabeza de un chacal o de un perro, y el cuerpo de un hombre, y era símbolo del animal que merodeaba las tumbas de los muertos. Era el guía de los muertos en el mundo subterráneo de camino hacia la residencia de Osiris. Los griegos, más tarde, lo transformaron en el Can Cerbero, guardián del Hades. Anubis desempeña un papel importante en el Libro de los Muertos, especialmente en lo que se refiere al embalsamamiento de los difuntos, ya que fue él quien embalsamó el cuerpo de Osiris.

En los muros de las tumbas del rey Seti I, del faraón Ramsés I y Ramsés II, en el Valle de los Reyes, la necrópolis de la Antigua Tebas (actual Luxor), en la tumba de Senediem en Deir-el-Medina, en el templo funerario de Hatshepsut y tumba de Thutmosis III en Deir el-Bahari, en la tumba de la reina Nefertari, gran esposa real de Ramsés II, ubicada en el Valle de las Reinas, se pueden apreciar pinturas murales con representaciones de Isis, Anubis, Osiris, Horus, entre muchas otras deidades del panteón egipcio.

En el último minuto, los soldados encabezados, esta vez, por el Sumo Sacerdote Heror, observan cómo desde el interior del templo surge un enorme círculo rojo, que crece hasta ocupar toda la superficie de la pantalla. Fundido a negro, fin de la película. En esta lucha entre el Bien y el Mal hay un vencedor, Amón-Rá, dios supremo de la teogonía egipcia, símbolo del Sol del mediodía. En la cabeza lleva una corona de plumas (atributo de Amón) y el Disco Solar (atributo de Rá). En una mano porta el Cetro Uas -alusión a su dominio sobre la Creación- y en la otra el Ankh o Cruz Ansata, llave de la vida eterna.

Para acceder a imágenes de esta deidad sugerimos las siguientes referencias:

Amón-Rá. El espíritu de los cuatro elementos, el alma del mundo material" Autor: Champollion, Jean-François, 1790-1832. Brooklyn Museum Libraries.
Horus conduciendo a Nefertari hacia dos divinidades sentadas: Rá-Horakhty y Hathor". Pintura mural de la tumba de Nefertari, Valle de las Reinas, Luxor.
Amuleto representando a Amón fusionado con el dios solar Rá, bajo la forma de la divinidad solar Amón-Rá. Walters Art Museum, Maryland.
El recinto más amplio del templo de Karnak está dedicado a Amón-Rá. Aún permanecen frisos y columnas grabadas, aunque los colores originales han desaparecido.

Además del nombre del Sumo Sacerdote hay otras transposiciones de personajes y de épocas. La rebeldía de Ramsés XIII contra los sacerdotes de Amón, podría muy bien estar referida a esta misma rebeldía por parte del faraón de la decimoctava dinastía Amenotep IV quien gobernó Egipto entre 1352 y 1338 a.C junto a su esposa Nefertiti. Desde el inicio de su reinado, el faraón Amenotep IV y su mujer Nefertiti desafiaron todo el sistema religioso del Antiguo Egipto. Por primera vez en la historia, un faraón decretó que los dos mil dioses del panteón Egipto, en especial Amón-Rá, fueran eliminados del culto y sus apariencias humanas y animalescas, sustituidas por una única divinidad, el dios Atón, creador de todo lo existente, fructificador y alimentador de la tierra y todos sus seres, medidor del tiempo de vida de los hombres. El nuevo y único dios debía ser representado mediante el disco solar del cual emanaban rayos que remataban en forma de manos humanas, algunas sosteniendo el signo de la vida, otras, el signo del poder. Fue entonces cuando apareció la primera religión henoteísta de la historia, antecesora directa del monoteísmo judeo-cristiano. El mismo rey decidió cambiar su nombre por el de Akhenatón ("gloria de Atón") y mandó construir la ciudad de Akhet-Atón (Horizonte de Atón) en el lugar donde hoy se encuentra Tell-el-Amarna, en el Egipto Medio. Pero no sólo la capital y la religión cambiaron, el arte oficial, hasta entonces monumental, frontal, hierático, pasó convertirse en un arte naturalista que mostraba momentos íntimos de la vida de la familia real. Las esculturas idealizadas de los faraones y las reinas se volvieron interpretaciones fieles del natural, con rostros alargados, narices grandes, barrigas prominentes. Los templos, tradicionalmente cerrados y con muy poca luz, se volvieron abiertos, incluso al aire libre. Sin embargo el culto a Atón no fue bien aceptado por el pueblo y, mucho menos, por los sacerdotes de Tebas, quienes veían drásticamente mermado su poder. Trece años después de la fundación de su ciudad, Akhenatón murió (algunos creen que fue asesinado). El culto a Atón fue abandonado y las esculturas de esa época fueron escondidas, lo cual, paradójicamente, acabó preservándolas hasta la década de 1920, cuando fueron redescubiertas. Uno de sus hijos, Tutankhamón, restauró los antiguos dioses. Nunca otro faraón egipcio volvió a desafiar la religión tradicional. Para apreciar en detalle las obras del periodo de Amarna, sugerimos las siguientes referencias:

Akhenatón y su familia adorando al dios Atón. Grabado en piedra caliza. 1356-1340 a.C. Sala de Akhenatón en el Museo Egipcio de El Cairo.
Akhenatón, Nefertiti y tres de sus hijas mientras los rayos de Atón les otorga vida. Relieve en piedra caliza. Neues Museum Berlín
Akhenatón en forma de esfinge adorando a Atón. Grabado en piedra caliza hallado en Amarna. Actualmente se conserva en el Kestner Museum de Hanover, Alemania.
Escultura de Akhenatón y Nefertiti. Periodo de Amarna. 1345 a.C. Museo del Louvre, París
Busto de Nefertiti. Piedra caliza y estuco. 1345 a.C. Neues Museum, Berlín.

"Sócrates" de Roberto Rosselini (Italia, España, Francia, 1971). Con Jean Sylvère (Sócrates), Anne Caprile (Santippe), Giuseppe Mannajuolo (Apollodoro), Ricardo Palacios (Critón) Antonio Medina (Platón). Diseño de Producción: Bernardo Ballester y Giusto Puri Purini. Diseño de Vestuario: Marcella De Marchis

Después de que los atenienses cayeran bajo la tiranía de lo treinta, la vida de los ciudadanos no era más segura. Sócrates, sin embargo, continuaba su prédica filosófica, reuniendo más y más jóvenes discípulos. Entre ellos Platón, quien anotó los discursos de su maestro.
Cuando Sócrates afirmó haber recibido una visión de los dioses en el Oráculo de Delfos, en la que éstos lo proclamaban el hombre más sabio entre sus conciudadanos, sus conspiradores lo acusaron en la corte, argumentando que sus sermones eran doctrinas descabelladas y un mal ejemplo para la juventud, y que él no creía realmente en los dioses. A pesar de su célebre discurso pronunciado en el ágora frente a una asamblea popular, Sócrates fue sentenciado a muerte, mantenido en prisión y forzado a beber cicuta. Pasó sus últimas horas rodeado por sus discípulos.
En "Monuments, Men and Metaphors. Recreating Ancient Athens in Film", Pauline Hanesworth dice que "Sócrates" de Rosellini "ilustra cómo Atenas está inextricablemente ligada a la filosofía y cuánto la Atenas cinematográfica es capaz de elevar el tema tratado y su ciudad más allá de sus extensamente mencionados orígenes cerebrales" ("Imagining Ancient Cities in Film", p.99), siendo el ágora, en tanto escenario, y la Acrópolis, como fondo, testigos y marcos de esta significación filosófica.
La película de Rosselini, que se ha beneficiado de la influencia de los diálogos platónicos, cubre el periodo entre el 404 a.C hasta el 399 a.C y toca el tema del al caída de la democracia ateniense, la destrucción de sus muros, el gobierno de los treinta tiranos y la restauración de la democracia, hasta la muerte de Sócrates. Todo ello durante la transición entre el siglo V a.C y el siglo IV a. C. Utilizando como base escenográfica el pueblo de Patones de Arriba, España, los encargados del diseño de producción reconstruyeron la antigua ágora ateniense en cartón-piedra y representaron el Acrópolis, al fondo, con una técnica pictórica llamada Matte Painting, una combinación de decorados reales y pintados mezclados mediante la superposición de vidrios o espejos. El matte painting o pintura en máscara está basado en el concepto de fondos o telones pintados. Consiste en pintar el decorado sobre un vidrio o metal para crear la ilusión de un ambiente determinado. En esta técnica se pinta un decorado sobre una placa de vidrio, dejando transparente la zona del plano donde deberá verse a los actores. Cuando se proyecta la filmación de tras de la placa de vidrio la cámara puede filmar el conjunto, dando la sensación de que los actores están insertados en el decorado pintado.
A través de un zoom podemos ver el Acrópolis con el Partenón y la escultura monumental de Athena Promachos como suponemos que eran en aquella época. El contacto visual con el ágora es mucho más cercano. La arquitectura que más se destaca son los templos, el teatro al aire libre, la puerta de entrada procesional o propylon, la plaza pública (ágora), rodeada de paseos con columnatas o stoas, el edificio del Ayuntamiento o bouleuterion, el monumento público, la tumba monumental o mausoleum y el stadium. Es evidente que el realismo de Rosselini lo impulsó a resaltar más las calles, las casas, los paseos al aire libre, que la arquitectura monumental. El Acrópolis no aparece con frecuente en su película, aparece en algunos momentos clave: después de la destrucción de los muros, durante el juicio a Sócrates.
Cabe destacar que primaba en aquella época el orden dórico en arquitectura. Un estilo severo que simboliza la razón, el orden, la simetría y el equilibrio. El Partenón pertenece a este orden arquitectónico. El capitel dórico no posee volutas, sino que es más geométrico que el jónico, y la columna apoya directamente sobre el estilóbato. El fuste de la columna es de sección circular, corto y poco esbelto. Este orden comenzó a entrar en decadencia en el siglo IV. Más o menos coincidiendo con el desenlace de "Sócrates". El Erecteion, por ejemplo, y cómo él, muchos de los templos menores, fueron construidos según el orden jónico, con capitel de volutas y columnas esbeltas. Un estilo más decorativo y ornamentado que permitía al arquitecto apoyar las columnas sobre una basa. El orden jónico tuvo su apogeo en el siglo IV a. C
En Rossellini encontramos ecos de varios pintores que imaginaron la muerte de Sócrates y el ambiente que lo rodeaba: "La mort de Socrate" (1787) de Jacques Louis David, se expone en el Metropolitan Museum of Art de NY.
"La Escuela de Atenas" (1509-1511) de Rafael Sanzio, se expone en la Stanza della Segnatura en el Museo Vaticano. "Reconstrucción del Acrópolis y del Aerópago de Atenas" de Leo von Klenze, 1846, se encuentra en el Alte Pinakothek Museum de Munich; los frisos originales del Partenón están expuestos en el British Museum de Londres, otras esculturas, relieves y objetos hallados fueron guardados por el Museo de la Acrópolis y el Museo del Ágora en Atenas. El museo Pergamon de Berlín expone un magnífico altar reconstruido de la ciudad griega de Pergamon, hoy localizada en Turquía, que da nombre al museo. Las piezas halladas fueron montadas una por una hasta completar la totalidad del altar.

"Alexander" (2004) de Oliver Stone

"Alexander" es un filme de 2004, un drama biográfico dirigido por Oliver Stone, que narra la historia de Alejandro Magno, según la visión del biógrafo e historiador británico Robin Lane Fox, la cual sirvió de inspiración para el guión escrito por el mismo Oliver Stone, Christopher Kyle y Laeta Kalogridis. La música fue compuesta por Vangelis.
La superproducción, que costó alrededor de 150 millones de dólares a los estudios Warner, trajo como protagonistas a Colin Farrell en el papel de Alexander, Angelina Jolie como la reina Olimpia, Val Kilmer como el rey Felipe II de Macedonia y Anthony Hopkins como Ptolomeo.
La historia trata sobre la vida de Alexander, príncipe de Macedonia, un joven de grandes ideales que, una vez coronado rey, en su mente surgió la ambición de conquistar el mundo conocido, transformándolo en un imperio con un único soberano. Poco antes de su muerte, a los 33 años, había logrado alcanzar el 90% de su ambicioso sueño. La historia es narrada por el filósofo, matemático y astrónomo Ptolomeo a su escriba Cadmo, y retrata las grandes victorias de los ejércitos de Alejandro Magno, y cómo éstas fueron olvidadas con el paso del tiempo.
En los decorados y en el vestuario se percibe todo el estudio previo que los diseñadores debieron llevar a cabo para hacer verosímil la puesta en escena de "Alexander". El diseñador de producción Jan Roelfs explica el proceso diciendo: "El aspecto visual de la película empezó por establecer el entorno natural donde se iba a rodar. Necesitábamos encontrar localizaciones que hicieran las veces de Macedonia, Persia, Bactriana, Sogdiana, el Hindu Kush y la India. Bactriana y Sogdiana ni siquiera existen actualmente, formarían parte de lo que hoy es Afganistán, Uzbekistán, Kazajstán y Mongolia". Oliver Stone y Jan Roelfs optaron por Marruecos y Tailandia como paisajes apropiados para la puesta en escena, además de los estudios Pinewood y Shepperton de Londres para los decorados interiores.
Marruecos fue escogida por la diversidad de ambientes: desierto, llanuras, montañas, calor y nieve, todos a hora y media unos de otros. Para la localización de un río en la India descubrieron un sitio en el río Mekong en Tailandia, que también resolvió el emplazamiento de la batalla con los elefantes. Oliver Stone y el director de fotografía Rodrigo Prieto rodaron un metraje especial en Malta, para recrear el puerto de Alejandría, y en el Himalaya indio, como trasfondo del viaje de Alejandro por la inmensidad nevada del Hindu Kush. Ambos elaboraron un detallado esquema visual que fue el hilo conductor de la película.
Las secuencias de la juventud de Alejandro en Macedonia tienen colores puros e inocentes. Para la batalla de Gaugamela utilizaron un filtro de tabaco y una película con un poco más de grano para dar más textura a la batalla y a la secuencia completa la coloración amarillenta de la arena y el sol del desierto. Para Babilonia se buscó un aire dorado, saturado de color. Con respecto a la secuencia en la India, se buscó conseguir un efecto contrario a los colores puros de Macedonia. Para ello optaron por una película con mucho grano y llevaron a cabo un proceso con el negativo que aumentó el contraste de claroscuro.
La obra maestra de Roelfs fue la magnífica ciudad de Babilonia. Él tomó la decisión de integrar los famosos Jardines Colgantes en el concepto global del palacio, con techos muy altos y muchos niveles. El decorador Jim Erickson aprovechó sus conocimientos de jardinería para adquirir plantas apropiadas para el lugar y la época. La parte más deslumbrante fue la habitación de Darío III, ocupada por Alejandro tras la derrota del rey persa. Los biombos de madera tallada fueron hechos a mano en Marruecos. Los toldos y las telas fueron fabricados en Pakistán.
El artista Steve Mitchell pintó el ciclorama de 50 metros de largo y 13 de alto que retrataba con detalles microscópicos una vista panorámica de Babilonia desde las terrazas del palacio, un paisaje de ciudad lleno de rascacielos del mundo antiguo, puentes, jardines y calles pavimentadas. Las magníficas puertas de Babilonia, por las cuales Alejandro y sus tropas entran triunfalmente fueron construidas en Marrakech.
Para recrear estas puertas se utilizó como inspiración la magnífica puerta de Ishtar de la Antigua Babilonia, que actualmente se exhibe en el Pergamon Museum de Berlín. La puerta original está hecha de cerámica vidriada con lapislázuli, y contienen siluetas en relieve de dragones, toros, leones y seres mitológicos. En el estudio Pinewood de Londres se construyó el decorado de la húmeda cueva con más de una veintena de pinturas primitivas sobre los mitos griegos, diseñadas por el ilustrador Simon Thorpe, donde Felipe II enseña a Alejandro las aterradoras y violentas costumbres del mundo en el que viven.
Alejandro se crió en el palacio real de pella, capital de Macedonia. Los detalles de la reproducción del palacio son considerables. Los aposentos de Olimpia, donde Alejandro paso la primera parte de su infancia, contienen impactantes frescos de La Illíada de Homero, un mosaico cubre el suelo y las figuras humanas pintadas a mano decoran las paredes.
Los estudios Shepperton de Londres albergaron la ambiciosa recreación de uno de los tesoros perdido del mundo, la biblioteca de Alejandría, donde Ptolomeo (Anthony Hopkins) cuenta a los atentos escribientes los recuerdos de su vida con Alejandro. La secuencia abre con una panorámica de Alejandría vista desde la terraza de la Biblioteca, en la que se puede apreciar una fusión entre imágenes reales filmadas en Malta y otras generadas por computadora. El interior del edificio fue diseñado por Jan Roelfs. Nos encontramos aquí con un espacio circular coronado por un tragaluz y mosaicos revistiendo los muros; junto con escenas de cacería que se asemejan a los mosaicos de Pella, un tipo de mosaico macedonio utilizado para revestir los suelos de figuras. Se puede distinguir también un mapa del "oikoumene" (ecúmene) -el equivalente griego del mapamundi actual-, y una pintura del famoso mosaico de la batalla de Issos, cuyo original se encuentra en la Casa del Fauno en Pompeya. Los ambientes anexos muestra mesas y estanterías llenas de papiros, lo que enfatiza la idea de la biblioteca como un almacén de la memoria.
El diseño de vestuario no fue menos detallado que el diseño de producción. Jenny Beavan fue la encargada de crear más de 20 mil artículos de vestuario históricamente fieles. El departamento de vestuario investigó los estilos de Macedonia, Grecia, Persia, Bactriana, Sogdiana, Escitia y la India, y emplearon materiales exquisitos de todo el mundo para fabricar el vestuario. El magnífico y exótico vestido de novia de Roxana fue creado según las mismas técnicas afganas que perduran hasta el día de hoy, dos mil años después. Cosían en oro, y Jenny Beavan decidió hacer lo mismo con los trajes de boda de Alejandro y Roxana.
Beavan y su equipo también fueron responsables de confeccionar las armaduras para el ejército de Alejandro. La diseñadora explica que investigaron las distintas categorías existentes en el ejército macedonio. Después fabricaron la armadura inicial de piel y latón y a continuación hicieron copias más ligeras y flexibles en plástico. Uno de los artículos de vestuario más emblemáticos es el casco de cabeza de león con dos penachos que lleva Alejandro en los combates. En la batalla de Gaugamela las túnicas y armaduras blancas de los soldados macedonios y griegos contrastan con el colorido atuendo de sus enemigos persas. Beavan realiza entra comparación diciendo que "los persas fabricaban la ropa en vez de simplemente colocarse telas como los griegos", y luego apunta: "Daban forma a la tela, hacían pantalones, utilizaban cinturones y ganchitos y llevaban zapatos muy elaborados. Se enorgullecían de su ropa mientras que los griegos se enorgullecían de sus cuerpos."
El ejército indio también requería un estudio de vestuario por parte de Beavan. La ropa de los indios es de telas de seda de colores anudadas como los "dhotis", prenda consistente en una pieza de seda o de algodón rectangular que se enrolla alrededor de la cintura y se pasa por entre las piernas, anudándose finalmente en la cintura, dando la impresión de un pantalón ligero pero sin costura ni cinturón ni ganchos. Los indios llevaban pañuelos con muchos dibujos, una enorme cantidad de joyas y turbantes.
Para los escenarios y el vestuario fue imprescindible estudiar pinturas, esculturas, mosaicos y piezas de orfebrería antiguos, pero también recreaciones de pintores manieristas, barrocos y neo-clásicos, como veremos a continuación:

La batalla de Alejandro en Issos. Albrecht Altdorfer, 1529, pintura al temple y al óleo sobre madera, Alte Pinakothek, Munich.
La Batalla de Issos, Jan Brueghel el Viejo, 1602, Museo del Louvre, París.
Las princesas persas a los pies de Alejandro. Óleo de Charles Le Brun. 1661. Trianon, Versalles.
La batalla del Gránico: Cuadro pintado por Charles le Brun en 1665 y actualmente expuesto en el Museo de Louvre, París.
Alejandro y Poros. En este óleo de Charles le Brun, un vencido rey Poros se muestra ante Alejandro tras la batalla del río Hidaspes. Año : 1665. Museo del Louvre, París.
La familia de Darío ante Alejandro Magno. En la obra podemos observar a Hefestión señalando a Alejandro. Obra de Justus Sustermans del s.XVII conservada en la Biblioteca Museo Víctor Balaguer, Villanueva y Geltrú, Catalunya
Fundación de Alejandría. Louis-Jean Desprez. Acuarela. 1790. Museo Nacional de Estocolmo.
Relieve del llamado Sarcófago de Alejandro, hallado en la necrópolis real de Sidón, recrea un combate entre griegos y persas. Siglo IV a.C. Museo Arqueológico de Estambul.
Alejandro entrando en Babilonia (El triunfo de Alejandro Magno). Óleo de Charles Le Brun. 1665. Museo del Louvre, París.
Mosáico de Issos, reproducción en la Casa del Fauno de Pompeya (siglo I a.C.) de una pintura de Filoxeno de Eretria datable hacia 315 a.C. (pocos años después de la batalla de Issos, año 333 a.C.). Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.
El llamado Alessandro Morente ("Alejandro moribundo") descubierto en Roma a comienzos del siglo XVI y conservado en la Galeria degli Uffizi (Florencia) desde finales del siglo XVII.
Alejandro de la Acrópolis, retrato juvenil de Alejandro Magno hallado en la Acrópolis de Atenas, cerca del Erecteion, copia de un original atribuido a Leocares (en cuyo caso sería una copia del primer retrato oficial, hacia el 340 a.C) o a Lisipo (en cuyo caso la cronología sería posterior, hacia el 336 a.C.). Actualmente conservado en el Museo de la Acrópolis, Atenas.
Estatuilla de Alejandro con lanza (doryphoros) o Alejandro en la palestra, de Lisipo (ca. 330 a. C.), conocido por fuentes literarias (Plutarco). La copia procede del Bajo Egipto y estaría en relación con la divinización y culto a Alejandro en el Egipto ptolemaico. Museo del Louvre, París.
Cabeza de Alejandro en mármol de Paros en tamaño natural, siguiendo prototipo original de en mármol de Paros a tamaño natural, siguiendo el prototipo original de Lisipo. Procedente de Megara, parece ser parte de un grupo escultórico que incluiría además las figuras de su compañero Hefestión, una diosa, Heracles, un flautista y varios personajes más (así como aves y otros animales). Getty Villa, Malibú, EEUU
Alejandro como Helios, copia romana de un original helenístico del siglo III a II a. C. Museos Capitolinos, Roma, Italia.
Busto de Alejandro, procedente de Alejandría, siglo II o I a. C. British Museum, Londres
Estatuilla ecuestre de 49 cm., que posiblemente sea una reproducción a pequeña escala de la escultura ecuestre de Alejandro, que Lisipo incluyó en el monumento del Gránico junto con las estatuas de bronce que conmemoraban a los griegos allí caídos (batalla del Gránico, 334 a.C.). Museo Arqueológico Nacional de Nápoles
Estatuilla ecuestre de 13,5 x 3,5 cm del "tipo juvenil Alejandro" procedente de Begram. Museo Nacional de Afganistán.
Mosaico de la caza del león. Alejandro con lanza da caza a un león asiático auxiliado por su amigo Crátero. Reproducción bidimensional, datable hacia el 320 a.C., de un grupo escultórico en bronce, encargado en el año 321 a.C. por el propio Crátero a Lisipo, en conmemoración de una cacería que tuvo lugar en Siria, para que fuera erigido en Delfos. Museo Arqueológico de Pella, Grecia.
Alejandro como Heracles, tocado con la piel del león de Nemea, ca.300 a.C. Hallado en el Keramikos de Atenas. Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
Alejandro como faraón, ca 300 a.C. Liebieghaus, Frankfurt am Main, Alemania
Relieve del templo de Luxor que representa a Alejandro orando ante el dios Amón Ra. Templo de Luxor, Egipto.
Tetradracma de plata que exhibe en su reverso un jinete macedonio que ataca a dos guerreros indios montados en un elefante. Al parecer fue acuñada en Babilonia, en el año 326 a.C., para conmemorar la Victoria de Alejandro sobre Poro. British Museum, Londres.
Moneda de época ptolemaica, con la efigie de Alejandro tocado con una cabeza de elefante. British Museum, Londres
Moneda de época de Lisímaco (306-281 a.C.), con la efigie de Alejandro tocado con los cuernos de Amón, identificado por los griegos con Zeus. British Museum, Londres.

Bibliografía:

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"Alejandro Magno" ("Alexander", Oliver Stone, 2004) en TheCult.es
"Alexander" en Wikipedia.