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La comunidad afroamericana en las últimas producciones de Hollywood

 
   

A raíz de la entrega de los Premios Oscar 2017, hemos notado una revalorización de las producciones de Hollywood que tratan temas vinculados a la comunidad negra en los Estados Unidos. En algunos casos se toca el tema desde el punto de vista de un director blanco y en una línea argumental secundaria al asunto principal, como en "Jackie" de Pablo Larraín, en otros casos, es nodal el tema de la difícil inserción y el escaso reconocimiento de miembros de la comunidad afroamericana por parte de la mayoría blanca, pero el estilo de la película sigue una línea clásica y hegemónica dentro de los parámetros hollywoodenses, como en "Hidden Figures" de Theodore Melfi.
En destaque, dos películas que podríamos considerar de tema y género bien inmersos en la comunidad negra norteamericana: "Fences" de Denzel Washington y "Moonlight" de Barry Jenkins (ganadora del Oscar a Mejor Película 2017).
Pero antes de llegar al presente, repasemos un poco de historia.

 

Breve repaso de cómo ha sido representada la comunidad negra en la historia del cine americano

El pueblo afro-americano ha sido representado de forma agresiva y degradada desde los mismos inicios del cine de estudio. David Griffith en "El nacimiento de una nación" (The birth of a nation, 1914) contaba la historia de la Guerra de Secesión proponiendo la alianza de los blancos del sur y del norte a través del Ku Klux Klan, una organización secreta con una ideología fuertemente racista, responsable durante décadas de la persecución y matanza sistemática de miembros de la comunidad negra. A pesar de la reacción aireada de algunas organizaciones defensoras de los derechos civiles, "El nacimiento de una nación" marcó estilística, estética, temática y comercialmente a la industria del cine desde sus inicios hasta la actualidad.
Años más tarde, rigió en el cine de Hollywood el denominado Código Hays, un código de moral y conducta que ya venía siendo aplicado por la censura durante los años anteriores, pero que a raíz de una serie de escándalos, se cristalizó en la década de 1930 con reglas rígidamente pautadas. Entre esas reglas se encontraba la prohibición de mostrar en la pantalla grande la esclavitud blanca y los vínculos amorosos o sexuales entre blancos y negros, dentro de una larga lista de restricciones.
Recién en 1968 se abandonó oficialmente la censura del Código Hays en la industria del cine americano, pero años antes se había dejado de implementar en forma tan restrictiva. Por ello, durante la década de 1960, nació un nuevo género "anti-racista" que tuvo, en la mayoría de los casos, protagonistas negros. La estrella principal de aquella época fue el actor Sidney Poitier, cuyos papeles eran generalmente jóvenes simples y educados, que rara vez mostraban ira, frustración u odio contra algo o alguien. Siempre en un ambiente familiar, mostrando las dificultades de los afro-americanos para ser aceptados en una sociedad de mayoría blanca, pero de una forma no conflictiva, con escenas sutiles de racismo, como en "El Sol volverá a Brillar" ("A Rising in the Sun", 1961) donde el director Daniel Petrie muestra la dificultad que el protagonista sufre para intentar proporcionar una vida mejor a su familia.
Por aquella época se empezaba también a insinuar el mestizaje entre blancos y negros, como en "Al Maestro con Cariño" ("To Sir, With Love", 1967) de James Clavell y sobre todo en "Adivina quién viene a cenar" ("Guess who's coming to dinner, 1967) de Stanley Kramer, ambas protagonizadas por Sidney Poitier.
Más allá del omnipresente Poitier, otro actor negro atrajo a una enorme cantidad de público durante la década de los '60, el famoso jugador de fútbol americano Jim Brown, que actuó en filmes dramáticos de acción como "Río Conchos" (Gordon Douglas, 1964), "Los doce condenados" ("Dirty Dozen", Robert Aldrich, 1967) y "100 Rifles" (Tom Gries, 1969)
Durante la década de 1970 nació un género alternativo de cine en el que la comunidad negra era protagonista, la Blaxploitation, películas que tenían como objetivo principal explorar temas considerados polémicos o tabús, y que tenían a actores negros en sus papeles protagónicos, incluso a veces llegando a cubrir casi la totalidad del elenco. Pero no se trataba de ver en el cine un reflejo de la propia realidad, sino un imaginario idealizado y muchas veces transgresor, en el sentido de la respuesta violenta y vengativa hacia el racismo y a una estructura social excluyente. Se trataba de un género que representaba temas y problemáticas de los afroamericanos y que en la mayoría de los casos abordaban el submundo del crimen y la marginalidad, pero también la cultura negra como la música, el arte, la moda más allá de problemas como las drogas y las condiciones de vida precarias de los guetos habitados por familias negras en los barrios marginales de las grandes urbes. El género de la Blaxploitation se destacaba por un estilo exagerado, la presencia de sangre, colores estridentes, vestimentas extravagantes, armas y escenas de sexo.
Sin embargo no todo el publico afro-americano estaba de acuerdo con la imagen que estos filmes daban de la comunidad negra norteamericana. Como bien indica Mikel Koven en su libro "Blaxploitation Cinema": "el período de la Blaxploitation no es representativo del cine negro en los Estados Unidos, pues estaba bajo el dominio de una industria de los blancos, reproduciendo en gran parte su propia visión del mundo" (Koven, 2001 p. 16)(1).
Parte del publico se sentía ofendido, alegando que no todos los negros son traficantes, andan armados o hablan lunfardo, acusaban a los productores de estereotiparlos negativamente y finalmente lograron que los estudios dejaran de producir películas de ese género.
Sin embargo, es de destacar que Quentin Tarantino ha homenajeado al género de la Blaxploitation en películas como "Jackie Brown" (1997) y "Django Unchained" (2012)

 

Películas actuales

Jackie. Biopic norteamericano del año 2016, dirigido por el realizador chileno Pablo Larraín, con guión de Noah Oppenheim e interpretado por Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt y Greta Gerwig.
22 de noviembre de 1963. La vida de Jacqueline Kennedy cambia para siempre cuando su marido John F. Kennedy, presidente de los Estados Unidos, es asesinado en Dallas, Texas. Después de este dramático acontecimiento que conmovió al mundo, Jackie queda destrozada. El drama se centra en la figura de la señora Kennedy durante los cuatro días siguientes al famoso asesinato de su marido. Se muestra el impacto que causó el trágico suceso en la Primera Dama, así como las repercusiones públicas y privadas que tuvo en su vida.
La cámara sigue durante largos minutos a Jackie con travellings de acompañamiento hacia adelante que la muestran de espalda, recorriendo los salones de la Casa Blanca, como invitando al público a seguirla. También se hace uso de la alternancia en la escala de planos, desde planos generales hasta primeros planos que se fijan en su expresión contenida de llanto y dolor. Por momentos el formato se vuelve televisivo, de un estilo "vintage", con cierta voluntad de retorno al pasado. Hay flash-backs recurrentes durante toda la película, que representan el mismo episodio visto desde diferentes ángulos y puntos de vista, alternando además planos visuales y auditivos. Por ejemplo el flashback del atentando tal y como ella lo recuerda, como ella lo vio y lo escuchó, en contraposición a la transmisión televisiva que sirve de documento y que se introduce en el relato en forma de insert.
La entrevista periodística abre y cierra la película. Como si se tratara de un relato enmarcado dentro de otro, donde el marco está dado por la entrevista, la versión de Jackie acerca de cómo ella vio los acontecimientos. Al final hay un epílogo que es un flashback de la pareja Kennedy danzando durante una de sus tantas celebraciones, un retorno a la época de oro de la que habla "Camelot", el tema principal del musical de Broadway del mismo nombre. "Un reino mágico donde todo es felicidad, un breve momento de luz y esplendor", reza la letra. Jackie rememora, a través de la leyenda del Rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda, aquellos dorados años '60 en los Estados Unidos.
El tiempo de la narración va hacia atrás y hacia adelante, por ejemplo la presentación que hace Jackie de la Casa Blanca, en televisión, al principio no se sabe si fue antes o después de la muerte de su esposo. Uno tiende a pensar que fue después pero al final vemos que ocurrió antes porque él aparece en un entretiempo de la grabación. Hay un juego permanente con el tiempo, el cual es subjetivo en la película, pasa mucho por un transcurrir interno del personaje, por sus propios recuerdos y puntos de vista. La imagen de Jackie se presenta alternativamente en colores, en el set televisivo, y mediatizada por la pantalla de tv, en blanco y negro. La cuestión de los medios, especialmente del nuevo medio, la tv, la radio en imágenes, es muy importante en la película.
"Jackie" es una película muy centrada en la visión de la mujer, en esto es bastante novedosa respecto a otras que tratan el mismo tema. Los datos van apareciendo desordenados, de la misma forma como se presentan en la mente de la protagonista. El atentado no llega a resolverse en la película (igual que no se ha resuelto en la realidad, hasta el día de hoy) sino que aparece como piezas sueltas de un puzzle que no termina de armarse.
La película sostiene la hipótesis de un complot político-militar, apoyado por el entonces vicepresidente Lyndon Johnson -quien había sido gobernador de Texas antes de acceder a la vicepresidencia, y todavía mantenía muchos contactos en Dallas-, para asesinar al presidente Kennedy. Hay una sugerente cámara subjetiva de Jackie observando durante unos segundos a Johnson estrechando la mano de sus colaboradores en un gesto que connota una cierta satisfacción por la misión cumplida, más que la congoja por el magnicidio recientemente acontecido.
Jackie menciona en un momento que ella había escuchado el zumbido de dos balazos provenientes de armas de largo alcance, dando a entender que eran armas sofisticadas con mira telescópica, de las que se utilizan para cazar o en la guerra. Una de las hipótesis sostiene que la industria armamentística no quería a JFK en el gobierno, a causa del perjuicio que significaría para ella el retiro de las tropas norteamericanas de Vietnam, una intención ya manifestada por el gobierno en ese entonces. Con la asunción de Johnson, la guerra de Vietnam continuó y apenas terminó en 1975, casi 20 años después de comenzada. Otras hipótesis, sin embargo, sostienen que detrás del asesinato estaba la FBI, la CIA, la mafia, los sectores ultra conservadores que se oponían a una normalización de las relaciones diplomáticas con Cuba, y muchos otros etcéteras.
Además los Kennedy estaban tocando otros intereses que tenían que ver con sus ideas progresistas, incluyendo avances en los derechos civiles de la población negra. La misma Jackie (magistralmente interpretada por Natalie Portman) establece un vínculo, a pesar de la brecha temporal de 100 años, entre el asesinato de Abraham Lincoln -según se extrae del diálogo, a raíz de la liberación de la población negra de la esclavitud-, y el atentando contra JFK, posible (no sé si probable) consecuencia del apoyo que Martin Luther King obtuvo de su parte, durante la  resistencia pacífica en pro de los derechos civiles impulsada por el líder afro-americano.
Muchas de las escenas se plantean a solas o con pocos personajes, en ambientes cerrados o entre bambalinas, en la parte posterior de la ambulancia, en el avión presidencial, muchas veces con palabras pronunciadas por lo bajo, susurradas, como si un temor a ser escuchados,  espiados por los servicios de inteligencia, hubiese invadido a la familia Kennedy y a su entorno de confianza. El filme evidencia, además, cómo gran parte de lo público se cocina en privado.
Más allá del tema político está el asunto personal, humano. El retrato de una mujer en duelo por la muerte de su marido en plena juventud y sus propias dudas existenciales, hacen de "Jackie" una historia profunda e interesante que la Academia de Hollywood debería haber valorado más a la hora de la entrega de premios.
Cabe destacar especialmente la actuación de Natalie Portman en el rol principal y la dirección de Pablo Larraín, que si bien debutó en Hollywood con este filme, es un experimentado realizador, con notables películas en su haber como "Tony Manero" (2008), "Post Mortem" (2010), "No" (2012). También hay que destacar el guión de Noah Oppenheim.

 

Hidden Figures: Estados Unidos, 2016. Dirección: Theodore Melfi. Película basada en la novela homónima de Margot Lee Shetterly. Elenco: Taraji Henson (Katherine Johnson), Kevin Costner (Al Harrison), Kirsten Dunst (Vivian M), Octavia Spencer (Dorothy Vaughn), Janelle Monáe (Mary Jackson). Duración: 127 minutos
Durante el auge de la carrera espacial entablada entre Estados Unidos y la URSS durante la Guerra Fría, un equipo de científicos de la NASA, formado exclusivamente por mujeres afro-americanas, probó ser el elemento crucial que faltaba en la ecuación para la victoria de los Estados Unidos en la carrera espacial, liderando una de las mayores operaciones tecnológicas registradas en la historia americana y tornándose verdaderas heroínas.
La historia de "Hidden Figures" está basada en hechos reales, en las vidas de tres mujeres afro-americanas que dedicaron sus vidas a la Agencia Aeroespacial Norteamericana: una especialista en computación, Dorothy Vaughn, una matemática, Katherine Johnson, y una ingeniera, Mary Jackson, quien trabajaba como física pero sin un título universitario puesto que, en aquella época, algunos Estados de Norteamérica le tenían vedado el acceso a las universidades a los miembros de la minoría negra.
Las figuras o cifras escondidas del título poseen varias connotaciones: en primer lugar, son las cifras que Al Harrison (Kevin Costner) ordenó cubrir con marcador negro para que Katherine no tuviera acceso a información clasificada, pero que su ocultamiento hacía imposible el trabajo de cálculo, en segundo lugar, son las cifras implícitas en un problema complejo, que requieren ser develadas para la resolución de dicho problema y, por último, aluden a las mujeres afro-americanas a quienes la NASA "escondía" en un sector apartado y que trabajaban como "computadoras humanas", sin derecho siquiera a estampar sus firmas en los informes que producían. En definitiva, las cifras del título hablan de la "invisibilidad" de la comunidad negra en los Estados Unidos y la lucha ardua por lograr reconocimiento. Hablan de una cierta y disimulada forma de esclavitud.
El objetivo de la película es mostrar cómo en una oficina estatal, como la NASA (y en los Estados Unidos en general, del cual se muestran archivos televisivos como contexto histórico) se fueron modificando paulatinamente las reglas que permitían a las científicas afro-americanas ganar derechos hasta equipararse con el resto de los funcionarios, en su mayoría hombres blancos.
De alguna manera la película también remite, aunque sin hacer una referencia directa, a la situación actual de los Estados Unidos, con brotes de racismo cada vez más violentos. La película muestra que lo que hizo grande a los Estados Unidos fue su diversidad racial y religiosa, que las políticas segregacionistas actuales van a contrapelo respecto del ideal americano, marcando un retroceso hacia épocas anteriores a la lucha por los derechos civiles de la comunidad negra y de las minorías en general.
El audio de Martin Luther King incluido en la banda sonora, a modo de anclaje en el contexto histórico de fines de los década de 1950 e inicios de los '60, resume en parte el mensaje del filme: "No lucho por los derechos de los negros, lucho por la salud de toda la sociedad norteamericana".
La conquista por los derechos a un trato igualitario marcó un progreso en beneficio del país todo, y no sólo de los sectores favorecidos. De la misma forma, sin el trabajo en equipo, la Nasa nunca habría podido alcanzar el objetivo de llevar un hombre a suelo lunar y traerlo de vuelta a la Tierra. Este, me parece, es el mensaje principal de "Hidden Figures".

 

Moonlight es una película dramática norteamericana del año 2016, dirigida por Barry Jenkins y escrita por el mismo Jenkins junto con el autor de la pieza teatral inédita In Moonlight Black Boys Look Blue, de Tarell Alvin McCraney. El elenco está compuesto por Trevante Rhodes (Black), André Holland (Kevin adulto), Janelle Monáe (Teresa), Ashton Sanders (Chiron), Jharrel Jerome (Kevin adolescente) Naomie Harris (Paula) y Mahershala Ali (Juan).
El filme presenta tres etapas en la vida de Chiron, el personaje principal. A lo largo de estas etapas él se va transformando física y emocionalmente, además de modificar sus apodos: en su infancia es conocido como "Little", en su adolescencia lo llaman por su nombre, Chiron y en la edad adulta utiliza el apodo de "Black".
La historia, esencialmente autobiográfica del autor del libro, explora las dificultades que enfrenta Chiron en el proceso de reconocimiento de su propia identidad y sexualidad, y el abuso físico y psicológico que sufre a lo largo de su crecimiento.
"Moonlight" obtuvo el Premio Globo de Oro 2017 en la categoría de Mejor Película dramática y fue nominada a ocho premios Oscar en su 89ª edición, ganando en las categorías de Mejor Película, Mejor Actor de Reparto (Mahershala Ali) y Mejor Guión Adaptado (Jenkins y Mc Craney).
El filme también se convirtió en el primero de temática LGBT con un elenco compuesto únicamente por actores negros y el segundo de menor taquilla americana (detrás de "The Hurt Locker") en ganar el premio a Mejor Película. La editora Joi McMillon se convirtió en la primera mujer negra en ser nominada al Oscar en el rubro Mejor Edición (junto con Nat Sanders) y Mahershala Ali se convirtió en el primer actor musulmán en ganar un Oscar
"Moonlight" fue filmada en un barrio marginal de Miami, un gueto de la minoría afro-americana en donde no entran blancos. Como novedoso se puede mencionar el tratamiento del tema de la homosexualidad dentro de la comunidad negra y el tema del bullying sufrido por Chiron por parte de sus compañeros de colegio, durante su difícil adolescencia. Podríamos inscribir la película dentro del cine independiente, un poco forzadamente incluida en la competencia por los Oscar 2017.
Es en el manejo de la cámara donde se ve el talento del director Jenkins. En la escena donde Juan le enseña a nadar a Little, en las costas de Florida, el director coloca la cámara justo a nivel de la superficie del agua y pone en primer plano sonoro la respiración jadeante de Little, dando una sensación de ahogo, de sofoco, que está muy bien lograda.
También es interesante analizar el proceso de identificación de Chiron con Juan, un narcotraficante que se transforma para él en figura paterna y en referente. Siguiendo el ejemplo de Juan, Chiron hace del tráfico de estupefaciente su modo de vida, su forma de vestir, de andar, de ganarse el sustento y de hacerse respetar. Seguir los pasos de Juan significa para él la única forma de volverse fuerte y evitar ser lastimado.
Las actuaciones semi-profesionales dificultan la identificación secundaria con los personajes principales. A pesar del intento de realismo, algunas de las interpretaciones se vuelven artificiales, poco naturales, no siendo éste el caso de Mahershala Ali, cuyo Oscar a Mejor Actor de Reparto fue merecidamente concedido.
Por otra parte, el peligro de radicalizar el discurso reside en caer en los estereotipos de los '70: el narco, la prostituta, la pandilla violenta… allí es donde la película hace algo de ruido. Por momentos recuerda a las producciones de la Blaxploitation.
Aunque la idea de base es válida, la película no posee las cualidades necesarias para ser elegida como Mejor Película por parte de la Academia de Hollywood.

 

Fences: Drama estadounidense del año 2016. Dirigido por Denzel Washington y protagonizado por él mismo en el papel de Troy Maxon, Viola Davis como Rose Maxson, Mykelti Williamson en el rol de Gabriel, Russell Hornsby como Lyons, Stephen Henderson como Jim Bono y Jovan Adepo en el papel de Cory. Viola Davis fue galardonada con el Premio Oscar 2017 a Mejor Actriz de Reparto.
Basada en la aclamada y premiada pieza teatral homónima, de autoría de August Wilson, "Fences" transcurre en Pittsburgh en los años 1950 y acompaña la vida de Troy Maxon, un hombre que trabaja como recolector de basura para poder sobrevivir, tras ver desvanecida su ilusión de convertirse en un jugador de béisbol profesional. Amargado por este sueño frustrado, Troy crea una fuerte tensión dentro de su familia, al frustrar las oportunidades de su hijo de iniciar una carrera como jugador de fútbol americano en el equipo de la universidad.
"Fences" es una drama universal, no es solo una película sobre un gueto de la comunidad negra, es un drama que podría acontecer en cualquier lugar con personas de cualquier nacionalidad, raza o religión. Cada uno de nosotros podría sentirse identificado con sus personajes, y por ello merecía un mayor reconocimiento a la hora de la entrega de los Premios Oscar.
Para comenzar, analicemos el título con sus múltiples sentidos. Según el Diccionario de Cambridge el término "fence" posee los siguientes significados:

 

1- "Fence: a structure that divides two areas of land, similar to a wall but made of wood or wire and supported with posts". En español se traduciría como "cercado" o "cerca", es decir, una defensa construida con madera o alambres alrededor de un terreno con el fin de dividir dicho terreno de las áreas linderas. En la película, la cerca demora todo el tiempo de la narración en ser construida. Demora toda una vida, si hacemos un paralelismo entre el tiempo del relato y el ciclo vital. La idea de construir la cerca es de Rose, pero es Troy y su hijo Cory quienes la llevan a cabo.
2- "Fence sb in: to limit someone's activity in a way that annoys them or makes them unhappy". Aquí "fence" hace referencia al acto de impedir la actividad de una persona, hasta el punto de frustrarla y hacerla sentir infeliz. En el filme, Troy es impedido de cumplir su sueño de ser beisbolista profesional (según él por el hecho de ser un hombre de color, según su amigo Jim y su esposa Rose, debido a su avanzada edad para un deportista). A su vez, Troy frustra a su hijo Cory de iniciar una carrera exitosa en el deporte.
3- "Fence something in: to protect an area by putting a fence around it". Construir una cerca adquiere un sentido de protección del área que abarca, incluyendo la vivienda y sus moradores.  En la película, tiene un sentido de protección interna y familiar. Es Rose quien quiere construir una cerca con la idea de protección. Rose, como su nombre connota, es la dadora de amor.
4- "Fence something off: to prevent access to an area by putting a fence around it". Construir una cerca adquiere un sentido de defensa contra el afuera, evitando el acceso a personas que no pertenecen al área protegida. En la película, connota el temor a lo desconocido, el tema de la protección contra la muerte y también el de colocar una defensa contra una amenaza externa.

 

Existe una obsesión por la muerte en Troy, que se refleja tres veces en sus conversaciones: la primera es cuando relata un episodio en el que pasó tres días en el hospital luchando contra una neumonía, como si se tratara de un héroe de la mitología clásica luchando contra un monstruo legendario.
La segunda es cuando, tras la muerte de Alberta (su amante y madre de su hija Raynell), Troy desafía a la muerte a cruzar el cerco que él construyó. Un reto que suena al de un duelista contra su oponente (ver ítem 5).
Y la tercera vez es cuando su hijo Cory abandona la casa paterna después de una fuerte disputa que llega hasta la amenaza con un bate de béisbol (nuevamente ver en ítem 5 el tema del duelo con arma).
Troy intenta por todos los medios mantener a la muerte alejada hasta que al final ella atraviesa la cerca para llevárselo, una metáfora del miedo a la muerte que acompaña al ser humano durante toda la vida.

 

5- "Fence: to fight as a sport with a long, thin sword". "Fencing" significa, en español, la práctica de la esgrima, deporte donde se combate con espada de hoja fina y flexible, contra un oponente. Como actualmente se practica sólo como deporte, la punta de la espada es protegida para no lastimar al adversario. Pero originalmente el esgrima era una forma de lucha que terminaba cuando uno de los dos moría o era herido gravemente. Era un duelo a matar o morir.

 

En la película la idea de duelo es una metáfora de la vida de Troy. Él siente que para sobrevivir tuvo que luchar de tal forma que las adversidades que se le presentaban eran sus enemigos acérrimos. Su vida era de alguna forma una lucha a matar o morir. La mala relación con su padre, la extrema pobreza, el hecho de haber tenido que vivir en una vivienda precaria durante su juventud, haberse visto obligado a robar para buscar un sustento para sí mismo, su primera mujer y su hijo Lyons, haber estado preso, enfermarse gravemente, tener que sobrellevar su condición de hombre negro en una sociedad de mayoría blanca. Todo esto hizo de Troy un hombre frustrado y resentido, siempre en guardia contra el afuera.

 

6- "Fence. Old-fashioned slang: a person who buys and sells stolen goods". Este término inglés tomado de la jerga, se refiere a alguien que compra y vende bienes robados.


Troy vivió en una vivienda precaria cerca del río, estuvo preso por robo, compró la casa con el dinero de su hermano menor Gabriel, quien recibió este dinero del Estado como recompensa por haber resultado herido de gravedad durante la Segunda Guerra Mundial (por sus heridas de guerra Gabriel quedó con un implante metálico en el cráneo). Troy es retratado en el filme como alguien que no duda en traicionar y robar para sobrevivir.

Su hijo mayor, Lyons, es músico pero toca en un bar donde se practica el juego clandestino y a medida que va escaseando el dinero, sus delitos van incrementándose. Él mismo confiesa haber necesitado falsificar cheques para cubrir la escasez, por lo que pasó un tiempo en prisión, siguiendo los pasos de su padre.

 

La historia se repite a través de las generaciones:

Rose es la madre sustituta de Raynell, hija de Troy con su amante Alberta. Rose y Raynell tienen nombres que comienzan con la misma letra, una es continuación de la otra. El nombre Rose remite a la flor símbolo del amor, y Raynell (nombre que significa Reina), hacia el final del filme, está justamente plantando un jardín de flores, ansiosa por que las mismas crezcan pronto. La mujer es dadora de amor y de vida, está positivamente conceptuada en la película.
Cory, segundo hijo de Troy, quiso ser jugador de fútbol americano pero se vio frustrado, de la misma forma que su padre. Pero no sólo eso, Cory termina alistándose en el ejército, exactamente lo mismo que aconteció con su tío Gabriel, a raíz de lo cual este último terminó su carrera militar con una grave herida en la cabeza, como ya mencionamos anteriormente.
Lyons es músico pero participa del juego clandestino y falsifica cheques para obtener dinero, por lo cual pasó un tiempo en prisión, algo similar a la vida de su padre.
Otro ejemplo de la misma historia replicándose de generación en generación: Troy cuenta detalles sobre la mala relación que mantenía con su propio padre y exclama: "era el mismo demonio", pero no se percibe a sí mismo similar a aquel progenitor descripto en su recuerdo de infancia.
Gabriel -nombre de arcángel, en oposición directa a la idea de demonio-, toca imaginariamente la trompeta. Lyons también toca la trompeta, pero en su caso, en una orquesta de jazz. Y así podríamos continuar hallando infinidad de recurrencias.
Además cada personaje tiene su doble, encarnado en algún otro personaje a través del cual se ve a sí mismo como en una imagen especular. Por ejemplo, cuando Troy le da de comer en la boca a su hermano Gabriel en le hospital psiquiátrico donde éste permanece internado, él come del mismo plato y con la misma cuchara, como si Gabriel fuera su lado negado, su otro yo escondido. Algo que corrobora lo antes dicho: Troy es como su padre "el mismo demonio", mientras que Gabriel lleva el nombre de un arcángel, uno es el opuesto complementario del otro. Y el mismo juego de pares se extiende a la generación siguiente.

 

El cerco se abre en el más allá

El día del funeral de Troy, la cámara hace un primer plano de dos fotos colgadas de la pared: la de John Kennedy y la de Martin Luther King. Ese día marca un antes y un después, un momento bisagra en la historia de los Estados Unidos.
La muerte de Troy tiene como contexto los cambios operados a fines de los '50 e inicios de los '60, con las luchas pacíficas por los derechos civiles de los afro-americanos en los Estados Unidos. Sin embargo todo parece indicar que la historia tiende a repetirse, siendo la última escena la única del filme que deja lugar a la esperanza, aquella en la que Gabriel hace sonar la trompeta en espera de que "San Pedro abra las puertas del cielo". Entonces una nube de tormenta se abre para dejar vislumbrar un breve rayo de sol, como una forma de reconciliación, de perdón. El sonido de la trompeta abre el cerco en el más allá, dejando una luz de esperanza en una existencia mejor después de la muerte.

 

Por Adriana Schmorak Leijnse

 

Notas:
-1 Koven, Mikel. Blaxploitation Cinema. Pocket Essentials, Vermont, 2001

 

Bibliografía:
Koven, Mikel. "Blaxploitation cinema". Pocket Essentials, Vermont, 2001

 

Disertaciones
Victor Makoto Oiwa. "Filmes e Trilhas no Cinema Negro dos EUA dos anos 1970. Uma Análise Sobre o Ciclo Blaxploitation", Sao Paulo, 2011

 

Sitios Web:


"Moonlight Filme" en Wikipedia

"Hidden Figures" en Wikipedia

 "Doutrina Kennedy" en Wikipedia

"Assassinato de John F. Kennedy" en Wikipedia

"Teorías sobre el asesinato de Kennedy" en Wikipedia

"Um Limite Entre Nós ganha seu trailer nacional" en Studio Universal. Globo.com

Cambridge Dictionary

"Fences by August Wilson" en Shmoop.com
 


 

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