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14º Festival do Rio - Las peliculas


Del 27 de Septiembre al 11 de Octubre de 2012
Rio de Janeiro, Brasil.
http://2012.festivaldorio.com.br/
 

Los temas del Festival do Rio 2012 han sido diversos y parecidos a la vez. En algunos filmes predominó un tema, en otros los temas se entrecruzaron. La xenofobia, el racismo y el clasismo en el mundo contemporáneo, la violencia de género, ya sea física o psicológica, los orígenes de la inspiración artística y el proceso creativo, fueron los temas que predominaron en la sección Panorama Internacional, pero hubo muchos más.

Largometrajes

Catalunya Über Alles. De Ramón Térmens. Con Joel Joan, Jordi Dauder, Gonzalo Cunill,  Babou Cham, Vicky Peña. España, 2011, 101 min.

Catalunya Über Alles denuncia la hipocresía detrás de la xenofobia y el racismo en Cataluña y, por extensión, en Europa. De ahí el título en alemán aunque la acción se sitúe en España, aludiendo a la crisis económica en la Alemania pre-nazi que llevó a Europa a un brote de xenofobia, antisemitismo y racismo sin precedentes. De hecho "über alles" está tomado de una frase del himno nacional alemán, reinterpretado por los nazis para justificar su voluntad de dominación: "Deutschland, Deutschland über alles, über alles in der Welt" (Alemania, Alemania por encima de todo, por encima de todo en el mundo).
Son tres historias que transcurren paralelamente. En la primera, un joven, probablemente mudo o con un retraso mental, sale de prisión después de cumplir una pena de 19 años, por estupro. Cuando vuelve a casa, comienza a percibir los cambios sociales que se fueron operando en el periodo en el que estuvo apartado. En ningún momento del filme aparece la prueba de su culpabilidad, al contrario, da la impresión de que el pueblo lo utiliza como chivo expiatorio y quiere hacer justicia por mano propia.
En la segunda historia,  inmigrantes africanos, afectados por la crisis, buscan desesperadamente cualquier tipo de empleo. Cuando al padre de una de las familias comienza a tener éxito en su trabajo y decide crear su propia empresa, gana las elecciones para alcalde, el candidato de ultra derecha que brega a favor de la expulsión de los inmigrantes. El negocio vuelve a mano de los blancos, no por mérito propio, sino por favoritismo político.
Y en la tercera, una familia de clase pudiente vuelve de vacaciones antes de lo planeado y se encuentra con un ladrón de origen albanés robando en la casa. Tras una persecución por parte del padre de la familia, el ladrón muere de tres tiros. El motivo por el cual el padre remata al ladrón en lugar de llamar a la policía, lo compromete ante la Justicia. Pero la Justicia es adicta al poder político, no es ciega e imparcial, ni mide a todos con la misma vara.

Dentro de casa (Dans la maison). De François Ozon. Con Fabrice Luchini, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Denis Menochet. Francia, 2012, 105 min.

Ozon dirigió, una vez más, una excelente película, Dentro de casa, una historia basada en la obra teatral "El chico de la última fila" del autor español Juan Mayorga.
Claude es un adolescente discreto que toma a su compañero de clase Rapha, como inspiración para sus deberes de Literatura. A pesar de ser tímido, consigue tener acceso a la casa de su amigo Rapha, sintiéndose especialmente atraído por la madre de éste. Su profesor de Literatura, Germain, ve en Claude un gran talento, un descubrimiento que hace reavivar en él, el deseo de enseñar. Pero la intrusión de Claude y su mirada voyerista comienzan a traspasar los límites. El talentoso estudiante revela una personalidad manipuladora. Su perversión se deriva de una carencia de contención familiar y de una vida vacía que él llena con fantasías. Como tiene talento para la escritura, comienza a dominar al profesor de literatura, quien se ve obligado a dar clases, en realidad, porque no tiene talento suficiente como para convertirse en un escritor famoso. Ve en el chico a un discípulo con potencial y  al hijo que nunca tuvo.
Desde un comienzo se percibe que el matrimonio del profesor Germain es disfuncional. Además a Jeanne, su mujer, no le va del todo bien con su galería de arte contemporáneo. Ellos dejan entrar a Claude en sus vidas, y éste los lleva al divorcio y a la ruina laboral. Pero hay algo del orden del voyerismo también en el profesor y su esposa, que estimulan al chico a continuar con sus búsquedas creativas invadiendo la intimidad ajena. El filme habla del trasfondo del mundo del arte, del origen del impulso creativo que no siempre es sano y transparente.  El arte como una forma de perversión voyerista. Pero también habla de la relación profesor-alumno, que con el correr de los años fue perdiendo esa base de respeto y admiración que existía en otros tiempos. Germain pierde autoridad frente a su alumno a medida que la trama avanza.
Es interesante la forma como está organizada la historia, en una especie de relato enmarcado donde un narrador extradiegético habla de otro narrador intradiegético, quien a su vez narra las historias de los demás personajes "reales" para él, como si fueran personajes ficcionales, en un juego muy barroco de teatro dentro del teatro, de relato dentro del relato. Luego la realidad y la fantasía comienzan a confundirse, los límites del marco del relato se desvanecen, arte y vida se fusionan.
Otro punto muy destacable es el agudo sentido del humor y la ironía en la obra original de Juan Mayorga, y que han sido muy bien traducidos al séptimo arte por François Ozon.

Trishna
. De Michael Winterbottom. Con Freida Pinto, Riz Ahmed, Roshan Seth. Reino Unido, 2011. 117 min.

Se trata de una joven que vive en Rajastán y un día se ve obligada a salir en busca de una nueva fuente de ingresos para su familia. Para ello acepta un empleo en un hotel en Jaipur administrado por Jay,  un prominente joven británico de origen indio. Los dos se terminan involucrando sentimentalmente y Trishna, yendo contra las costumbres tradicionales de su familia, va a vivir con él en Bombay. Mientras tanto Jay se revela muy diferente de lo que ella imaginaba.
Trishna es un ejemplo, dentro del Festival do Rio 2012, sobre el tema de la dominación de género. La violencia psicológica y física del hombre hacia la mujer, combinada con un tema de clasismo tan profundo en India como lo es la rígida estratificación de castas.
La joven se ve obligada a enviar dinero a su familia y, para eso, tiene que soportar toda clase de humillaciones y renunciar a su sueño de bailar en Bollywood. Mientras Jay vivía en Londres parecía haber adoptado las costumbres occidentales, pero en cuanto volvió a vivir en la India, se transformó en un típico hindú de casta superior, llegando a tratar como a una esclava a la que era su novia. En este sentido es paradigmática la escena en la cual Jay le enseña a silbar a Trishna mientras ésta alimenta a los pájaros enjaulados. Él permanece fuera de la jaula, mientras que el rostro de Trishna se ve surcado por la sombra de la malla metálica, como si ella fuese uno más de esos pájaros enjaulados,  mientras que su amo-novio permanece libre. Esa situación sin salida sólo podía presagiar un final trágico.

Marie Krøyer. De Bille August. Con Birgitte Hjort Sørensen, Søren Saetter-Lassen, Tommy Kenter, Sverrir Gudnason. Dinamarca, 2012. 103 min.

Otro ejemplo sobre maltrato de género es Marie Krøyer, película dirigida por el danés Bille August. Aquí ese tema se entrecruza con el vínculo entre enfermedad mental y creación artística. La historia transcurre a finales del siglo XIX, en Skagen, Dinamarca, en pleno auge del movimiento impresionista en toda Europa. Marie es una artista plástica, hasta ese momento desconocida, que cumple la función de esposa y modelo del famoso pintor, noruego de nacimiento y danés por adopción, Peder Severin Krøyer.  El matrimonio es cada vez más infeliz a causa de la sífilis que padece Peder, enfermedad que además le origina un creciente desequilibrio mental y que finalmente lo deja ciego. Para salir de la rutina y reconstruir sus fuerzas, Marie va de vacaciones con una amiga y conoce al compositor sueco Hugo Alfvén, por quien se enamora apasionadamente. Luego de un largo periodo de dudas, de abandono y retorno al hogar, en el que también queda involucrada su pequeña hija Vibeke, Marie decide dejar definitivamente a su esposo aceptando las consecuencias de su decisión.
Años más tarde, en una época en la que una mujer casada casi no tenía derechos civiles fuera del matrimonio, Marie tomó la decisión de criar sola a su segunda hija y convertirse en una artista de renombre, lejos de las sombras de su primer esposo Peder Severin Krøyer y del segundo, Hugo Alfvén, ambos artistas reconocidos. El filme no muestra el casamiento con Hugo y el posterior divorcio, deja este periodo abierto, y comete algunas imprecisiones como la de situar las vacaciones con su amiga en Suecia cuando en realidad ocurrió en Taormina, Sicilia.
El filme de Bille August retrata con crudeza la destructiva relación entre P. S. Krøyer y su esposa-modelo, poniendo énfasis en la forma como él la dominaba y la destruía psicológicamente, menoscabando su autoestima como artista, mujer y madre. No es un detalle menor el hecho de que la ley en la Dinamarca del siglo XIX no defendía a la mujer que hacía abandono de hogar, quitándole incluso los derechos de tenencia de los hijos. La mujer era prácticamente un objeto de pertenencia del hombre. De ahí que Marie Krøyer se convirtiese en un caso de vanguardia para la época. 
En cuanto al aspecto formal del filme, esta adaptación de Bille August de la novela "Balladen om Marie" de Anastassia Arnold, con guión de Peter Asmussen, se aleja mucho de las épocas doradas de Pelle el Conquistador (1988)  y Las Mejores Intenciones (1992). La actuación de Birgitte Hjort Sørensen en el papel principal es digna de destacar, aunque las interpretaciones secundarias son apenas aceptables. Otro tanto podríamos decir del guión, que en un principio promete grandes cosas, pero que por momentos se vuelve chocante, al intentar resolver las situaciones de una forma exagerada, tal vez un tanto efectista. Cuando el filme arranca uno tiene la sensación de estar por ver una película de Bergman y cuando finaliza, le parece haber asistido a un melodrama que no logra huir de los estereotipos y en el cual el espectador no termina de sentirse identificado con la heroína. Una lástima teniendo en cuenta lo interesante del tema.

El artista y la modelo. De Fernando Trueba. Con Jean Rochefort, Aída Folch, Chus Lampreave, Claudia Cardinale, Götz Otto. España/Francia, 2012. 101 min.

Volviendo al origen de la inspiración creativa, El artista y la modelo de Fernando Trueba nos transporta  hasta un pueblito en el interior de Francia, no muy lejos de la frontera con España. Allí vive Marc Cros, un renombrado escultor de unos 80 años, desilusionado de las guerras y los hombres. En su casa-taller vive con su esposa Lea, quien en su juventud le servía como modelo. Cierto día de verano de 1943, Lea ofrece refugio a una mujer española, de nombre Mercè, fugitiva del gobierno franquista. Ellos permiten que la joven viva en el taller de Cros, de manera que ella se gane el sustento posando para él. Poco a poco, nace una próspera relación entre la modelo y el artista quien, durante un tiempo, recupera el deseo de crear nuevamente.
Es interesante el trabajo de fotografía en blanco y negro con mucho claroscuro. Como en todos los filmes de Trueba, hay una historia en primer plano y otra de fondo, y esa Historia de fondo es la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Civil Española. Los personajes de Trueba parecen estar siempre escapando de algo o de alguien, en situación de supervivencia o buscando su libertad. Pero los finales quedan abiertos, son ambiguos o netamente trágicos. En la entrevista de Cinecritic.biz con Fernando Trueba, él ponía en duda el dramatismo de sus finales, pues para él la muerte forma parte de la vida y Marc Cros recupera la alegría de vivir antes de su muerte.
En ese sentido es destacable en el filme el tema de la vejez frente a la juventud, cómo funciona esta combinación y cómo uno influye en el otro, dándole una energía renovada en apariencia perdida. En el caso de El artista y la modelo, esta energía joven de Mercè funciona como motor y fuente de inspiración para el adormecido don artístico de Cros.
Muy acertada la elección de grandes actores de trayectoria como Claudia Cardinale y Jean Rochefort, así como también el de Aida Folch en el papel de Mercè.

César debe morir (Cesare debe morire). De Paolo y Vittorio Taviani. Con Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca. Italia, 2011. 76 min.

El telón se cierra abruptamente por detrás de César, Bruto y los otros personajes. Después de los aplausos, los actores, todos detenidos en la prisión de máxima seguridad de Rebibbia, en Roma, se sienten orgullosos y conmovidos. La dupla de directores realizó los ensayos de la pieza de teatro "Julio César" de Shakespeare en la prisión durante seis meses. La puesta en paralelo de esa tragedia shakesperiana y el mundo contemporáneo muestra la universalidad del dramaturgo inglés y ayuda a los detenidos a entender sus propios cuestionamientos, sus dudas, miedos y dramas personales.
La puesta en escena teatral frente al público fue filmada en colores, mientras que la vida real en la cárcel y los ensayos fueron rodados en blanco y negro, excepto al final, cuando Cosimo Rega dice: "Desde que descubrí la cultura, esta celda se transformó en una prisión". Sólo entonces la cárcel se ve en colores. Porque en el filme de los hermanos Taviani, el blanco y negro funciona en el mismo sentido que las sombras en la Caverna de Platón. Es un estado interior de penumbra, la ceguera de una prisión espiritual, mientras que la cultura abre puertas y ventanas dejando entrar la luz con todos sus matices y tonalidades, el arte es liberador, transforma a las personas porque los personajes permiten que cada uno entienda mejor su propia situación, ayudándolos a hacer catarsis. El arte los libera interiormente y al mismo tiempo hace que cada uno de valor a esa libertad.
De hecho el filme hace especial hincapié en el tema de la libertad. La trama de la obra de Shakespeare habla de la conspiración de Casio y Bruto para asesinar a Julio César, a raíz de la decisión del Cónsul romano de transformar la República en una tiranía, cediendo a la tentación del poder absoluto. Hay todo un conflicto de consciencias y de ideas en la obra, que no cae en la simplicidad maniquea de separar buenos de malos. Desde el punto de vista de Casio y Bruto, la muerte del César significaba la salvación de la República, es decir, la defensa de la libertad. Pero César fue astuto y compró al pueblo con favores. Los Taviani muestran bien en su película cómo al principio el pueblo (interpretado por los demás presidiarios) apoya a los conjuradores, pero cambia de parecer inmediatamente al saberse beneficiario del testamento del César. Luego se vuelve un simple trámite para Octavio y Marco Antonio unirse y ganar la batalla contra las fuerzas de Casio y Bruto, estableciéndose a continuación lo más temido para éstos, un Imperio que significó la muerte de la República Romana.
El pueblo es cambiante y no actúa por principios sino por intereses materiales. Y eso interesa aquí porque esa es la base de toda dictadura. Así como lo expresa Cosimo Rega, en el papel de Casio, cuando pronuncia las célebres frases de la obra de Shakespeare: "¡Oh, época, qué vergüenza la tuya! ¡Y tú Roma, has perdido el engendro de tus más nobles sangres! (…) ¿Cuándo podrían decir hasta ahora los que hablaban de Roma, que sus anchas murallas no encerraban más que a un hombre? (…) Oh, vos y yo hemos oído relatar a nuestros antepasados cómo hubo antaño un Bruto que habría permitido al sempiterno demonio sentar sus reales en Roma, antes que a un rey"(1) para luego reflexionar fuera del texto: "Podríamos estar diciendo lo mismo de Nápoles en la actualidad". Cabría preguntarnos si los Taviani no están aludiendo también a la política italiana contemporánea, a los Andreotti, a los Berlusconi, a la mafia enquistada en el poder.
Algunas escenas son sobrecogedoras y no precisan explicación, hablan por sí mismas, maravillan y conmueven. El filme de Paolo y Vittorio Taviani ganó merecidamente el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2012.

La puerta (Die Tür)
. De István Szabó. Con Helen Mirren, Martina Gedeck, Károly Eperjes. Hungría/Alemania, 2012. 97 min.

Magda Szabó es una escritora húngara cuyas novelas, antes censuradas por el régimen comunista, comenzaron a ser reconocidas por la crítica y el público en los años '60, cuando el régimen ya estaba atenuando la persecución a los intelectuales disidentes.  El filme La Puerta, de István Szabó, lleva el mismo título que la novela autobiográfica de Magda Szabó, sobre la cual se ha basado el guión. Comienza cuando el personaje femenino principal, Magda, se muda a una nueva casa con su marido y comienza a buscar una persona que la ayude a realizar las tareas domésticas. Luego de algunas indicaciones, entra en contacto con la misteriosa Emerence Szeredas, una mujer de edad que vive en el barrio. A la vida acomodada de clase media que lleva Magda, en su casa de dos pisos, se contrapone la dura infancia campesina, llena de experiencias dolorosas y traumáticas de Emerence. En un comienzo, Magda rechaza las maneras rudas de su nueva empleada, quien además mantiene su casa y su pasado en completa reserva. Pero a medida que el tiempo pasa, las dos establecen una relación de afecto, confidencia y solidaridad inusual entre un ama de casa y su empleada doméstica.
El filme es atrapante y emotivo, y cada elemento tiene un sentido dentro de la trama. Las tres veces que se rompen objetos de cerámica -el plato blanco del principio, la figura del perro promediando el relato y el juego de loza al final- son alusiones en imágenes a la creencia popular expresada por Emerence según la cual: "cuando un perro ladra y se quiebra una loza, alguien muere". Finalmente el perro ladra y la loza se quiebra a la hora de la muerte de Emerence. También hay vínculos entre imágenes del pasado y del presente. El recuerdo de Emerence de sus dos hermanas calcinadas por un rayo en medio del campo, causa del suicidio de la madre, entra en relación directa con la imagen del final de Magda (Szabó) y Evike Grossmann paradas en el cementerio debajo de la lluvia, paraguas en mano, pidiendo perdón a Emerence, una por haberla traicionado revelando su secreto, la otra por no haberle agradecido en vida por salvarla de los campos de exterminio. Allí es cuando el sol comienza a surgir por entre las nubes, y es entonces que comprendemos que el perdón ha sido concedido.
El filme es un poema en imágenes, y las interpretaciones, soberbias.

Documentales sobre el mundo del arte

La pintura de Gerhard Richter (Gerhard Richter Painting). De Corinna Belz. Con Gerhard Richter, Norbert Arns, Hubert Becker. Alemania, 2011. 97 min.
Un documental que registra el proceso creativo de uno de los más importantes artistas vivos. Fascinado por las rivalidades entre diferentes técnicas de pintura, desde hace 50 años, el artista alemán experimenta con una serie de métodos e ideas que remiten a crisis históricas y a los medios masivos de comunicación. Imágenes raras de archivo y entrevistas con críticos y colaboradores traducen un poco de su universo. Corinna Belz logra un retrato acabado de Gerhard Richter luego de dos años de acceso inédito al taller del artista.

Ouvir o Rio. Uma escultura sonora de Cildo Meireles
. De Marcela Lordy. Documental. Brasil, 2012, 79 min.
La cineasta brasileña Marcela Lordy retrata al consagrado artista plástico Cildo Meireles en su búsqueda de los sonidos de las principales cuencas hidrográficas de Brasil, para la construcción de la escultura sonora "Rio Oir", creada a partir del juego y la articulación entre palabras y conceptos. Cildo Meireles registró los sonidos del agua de una punta a la otra del país para después, en un estudio de sonido, combinar los fragmentos con el sonido de las aguas procesadas por el hombre y las carcajadas humanas. El filme revela la simplicidad del artista, la relación de los habitantes del interior del país con el agua, y potencializa nuestra percepción entre el sonido y la imagen.

Julius Shulman. Fotógrafo de Arquitectura Moderna (Visual Acoustics). De Eric Bricker. Documental. Estados Unidos, 2009. 83 min.
Un documental de Eric Bricker que muestra cómo Julius Shulman registró con su cámara fotográfica las construcciones de algunos de los más importantes arquitectos modernos y contemporáneos, incluyendo a Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, Hohn Lautner y Frank O. Ghery. Las icónicas y bellas imágenes de Shulman retrataron el optimismo de la arquitectura moderna en América de posguerra, impulsando la apreciación y la popularización de este movimiento en los Estados Unidos y en el mundo. Dustin Hoffman narra la vida y la carrera de este importante fotógrafo de la arquitectura.

Marina Abramovic. Artista presente (Marina Abramovic the artist is present). De Matthew Akers. Con Marina Abramovic, Ulay. Estados Unidos, 2011. 106 min.
Marina Abramovic es una de las influencias más decisivas en el arte de la performance. En ellas, el artista pone a prueba los límites de su propia resistencia física y mental. En 2010, el Moma de Nueva York organizó una gran retrospectiva de su obra. Para la ocasión, Marina no sólo volvió a montar obras pasadas, también creó una nueva performance por la cual interactuó intensamente con el público durante todo el periodo de la muestra. El documental muestra la creación y el periodo de esta exposición, más allá de entrevistas con curadores, coleccionistas y artistas. Matthew Akers obtuvo el Premio del público al mejor documental en Panorama Berlín 2012.

Hélio Oiticica. De Cesar Oiticica filho. Documental. Brasil, 2012, 94 min.
Oiticica e Bressane hablan de la idea de hacer un filme de tapes históricos o, como dijo Haroldo de Campos, Heliotapes: cintas K7 en las que Hélio dialoga y envía proposiciones a amigos personales, como Wally Salomão, Carlos Vergara, Antônio Dias, entre otros. El documental junta tales tapes históricos con filmes del propio Hélio y de otros que lo filmaron con sus obras, creando ese delirio ambulatorio en el cual el propio artista nos cuenta su vida. Un caleidoscopio de la cultura de los años 1960 y 1970 que nos permite, finalmente, ser presentados a Hélio Oiticica por él mismo.

Adriana Schmorak Leijnse

Notas:

1 - Shakespeare, William. Julio César. Universidad Nacional Autónoma de México, México DF, 1992, Pág. 66

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Catalunya Über Alles
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César debe morir
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Dentro de casa
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Trishna
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