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Festival de cine latinoamericano en Israel


 Del 10 al 30 de enero de 2011

 

La Asociación de Embajadas Latinoamericanas en Israel ha presentado en las cinematecas de Haifa, Tel Aviv, Jerusalén y Sderot un programa de películas, algunas de las cuales fueron realizadas en países cuya obra cinematográfica es casi desconocida en Israel. Es el caso de Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Guatemala y República Dominicana.  La selección del material, salvo excepciones, no ha sido especialmente afortunada. Hago a continuación un breve comentario sobre las películas exhibidas y refiero también a comentarios publicados por algunos miembros de la industria del cine representada.
El cine salvadoreño,  que inició el ciclo, carece, del apoyo suficiente del Estado o de inversores privados según manifestaciones de sus propios creadores. A esto se agrega el problema grave de conseguir la difusión de las películas, una vez que éstas han sido realizadas, problema que no es exclusivo de El Salvador,  y afecta a la mayoría de las cinematografías presentes en el festival. Sin embargo, el guión del corto metraje escrito y dirigido por Arturo Menéndez, Cinema Libertad,  logró figurar entre las 15 mejores propuestas presentadas al Berlin Today Award y ganó después el premio  a la mejor película de ficción en el Festival de Cine Centroamericano de Roma (2009). En ella se cuenta la historia de un niño de la calle, que con la complicidad de una niña que conoce por casualidad, aprovecha los rayos de sol que entran en el viejo cine abandonado para jugar con las sombras de las figuras  que produce con sus manos y con recortes de periódicos, proyectándolos sobre una superficie iluminada para estupefacción y deleite de los marginales que han convertido la sala del cine en albergue. El empleo, en ciertas escenas, de una lente deformante y un procedimiento de sobre exposición que  reduce a un esquema las figuras de los personajes y su entorno, crean una atmósfera de irrealidad, dentro de un escenario realista de pobreza e inmovilidad. Con un forzado final feliz, la película intenta suavizar el reflejo de una sociedad paralizada, que los espectadores deben imaginar, validos de los retazos que el film les ofrece en un lapso de veinte minutos.
Costa Rica: La película de Andrés Haidenreich, La región perdida  (2008), pretende indagar las nunca aclaradas circunstancias del asesinato de Moreno Cañas, un famoso médico costarricense que hubiera podido ser presidente de la República. A través de una autorreflexión, digna de haberse practicado también en otros niveles, la película se incluye dentro de sí misma. En ella, se repiten, de manera irritante, los comentarios  de los personajes sobre lo supuestamente misterioso de los sucesos contados y sobre el carácter mítico del hombre asesinado. Una cámara cansada, una fotografía desvaída y una escenografía tan primitiva, que hubiera sido mejor eliminarla, acompañan diálogos burdos con supuestas frases célebres del tipo "lo mató su época".
Alfonso Rodríguez, director de una de las dos películas dominicanas que se exhibieron, ha señalado en diversas ocasiones que la crítica de su país, juzga los filmes locales como si fueran europeos, lo que, según él, sería injusto respecto de una cinematografía que está todavía en pañales. El cine dominicano, propone este director, debe hacer comedias antes de embarcarse en el drama. Para él, la comedia es un género más fácil de plasmar y más adecuado para atraer al público. Su Yuniol 2 (2007) es una comedia que no rehúsa caer en el melodrama folletinesco. Ello se manifiesta en algunas semejanzas con  telenovelas típicas, por ejemplo:  close-up del rostro patético de los personajes, en momentos supuestamente cruciales de la intriga; extensión de las pausas entre frases presuntamente sentenciosas;  acento sobre concepciones estereotípicas del la injusticia social; exaltación no siempre solapada del  paternalismo y el machismo, junto con el cuidado  de la impecabilidad en la vestimenta, el peinado  y el maquillaje de los actores, cualquiera sea la condición social de los personajes que interpretan; y  empleo de una música de fondo en la que abundan los ritmos excitantes, como si los dominicanos estuvieran viviendo continuamente al compás de la bachata. El simplismo argumental, no pocas veces flagrante, es advertible, por ejemplo, en el hecho de que al muchacho rico le bastan unos días en la casa de su amigo pobre para comprender el estado de corrupción, miseria e injusticia que padecen los dominicanos de clase baja y, llorando compungido, se promete cambiar la situación. Después de estudiar en una universidad extranjera, vuelve, llega a ser elegido presidente de la República, y puede concretar sus sueños de proteger al pueblo. Aun si el cine dominicano estuviera haciendo sus primeros pasos, parece que su precariedad no reside en una limitada práctica cinematográfica, sino en el interés de promover un cine que sirva de mero entretenimiento trivial y que sea capaz de devolver a los inversores el dinero gastado en la producción o darles alguna ganancia.
El hijo del carnicero o La soga (2009) son los dos títulos que se han puesto a la otra película dominicana exhibida. Fue realizada por el director norteamericano Joshua Crook y el guión pertenece al protagonista, el actor de origen dominicano Manny Pérez. La influencia del cine de Estados Unidos, especialmente de las películas de acción que transcurren en países latinoamericanos, se hace sentir en este film que cuenta con una fotografía que se vale de procedimientos digitales que "blanquean" las escenas de los los saltos al pasado. Técnicamente más sofisticada que  Yuniol 2, la película cuenta la historia de un policía que quiere vengar el asesinato de su padre ocurrido en su presencia cuando era niño. Hasta que llegue el momento ansiado, el policía se dedica a liquidar, sin mayores escrúpulos, a delincuentes indeseables. La película abunda en escenas de persecución y crueldad, y no ahorra al espectador la visión detallada de la matanza de un cerdo, riñas de gallos, mucha sangre y un poco de orina. La música pegadiza de Chino Aguakate, escolta las correrías del protagonista y una inverosímil historia de amor aporta el elemento romántico.
Hit, (2008), que según el programa debería haber sido la única representante uruguaya en la muestra, es una documental dirigida  por Claudia Abend y Adriana Loeff, que con material extraído de archivos y reportajes hechos por las dos directoras a autores y cantantes, trata de reconstruir una faceta de la historia del Uruguay, valiéndose de canciones que en la segunda mitad del siglo XX fueron muy populares. Después de la frase con que se inicia la película, como si perteneciera al género del cuento de hadas: "Había una vez un país", la primera entrevista se hace a un músico legendario, cuya canción, Río de los pájaros, había sido incluida cincuenta años atrás hasta en el repertorio musical de las escuelas. El compositor Aníbal Cipayo, ya enfermo de Alzheimer, en la época del reportaje, no pudo recordar, ironía del destino,  la letra que cantaban todos. Este reportaje introduce al espectador en la atmósfera de nostalgia que envuelve a toda la película,  en la que no faltan los toques de humor, como los del principio, en que se pregunta a los compositores, qué hace que una canción se convierta en hit. Otra canción popular, Brindis por Pierrot, rememora el motivo del ubi sunt de los héroes urbanos: payadores, orquestas, murgas, pistoleros, víctimas, mezclados sin jerarquías éticas o artísticas, porque los recuerdos tienden a santificar o demonizar y la historia se vuelve huella ilusoria. Por su parte, la canción de protesta de la época de la dictadura, titulada A redoblar, que resultó catártica en el tiempo de su apogeo, es todavía un mensaje admonitorio "Porque el corazón no quiere, entonar más retiradas…"  El cuestionamiento del mito, de la nostalgia y de la ingenuidad va a provenir, a mitad de la película,  de la voz de dos ídolos de otrora, los hermanos Fattoruso, autores de Break it all, que por los años 60 imitaban a los Beatles y cantaban en inglés, según lo confiesan, letras por ellos compuestas, sin entender bien lo que decían y sin comprender, aún hoy, cómo sus canciones alcanzaran  el éxito que tuvieron entonces. En la película se señala que las canciones que hacen historia no son, necesariamente, de las mejores de su tiempo y atraen a  los oyentes por razones que a estos mismos les costaría explicar. En el reportaje a Horacio Buscaglia, coautor de Príncipe azul,  éste piensa que el hit es algo que forma parte de la gente y que "uno hace lo que hace para que la gente lo quiera…" La película, con un certero montaje de los diversos testimonios, cuida el aire de naturalidad  de los reportajes, sin recurrir a  alardes técnicos que pudieran desviar la atención. Recibió  premios  de la Asociación de Críticos de Cine de Uruguay, al mejor montaje, mejor música y mejor sonido.
La película chilena, El regalo, (2008), dirigida por Cristián Galaz y Andrea Dugalde, es una comedia de enredos y equivocaciones sobre las angustias de "la tercera edad", un tema que, en los últimos años, ha despertado el interés de cineastas de diversos países, quizás debido al fenómeno global de la prolongación de la vida, y quizás porque muchos integrantes  de la tercera edad son asiduos visitantes de las salas de cine. Pese a los movimientos de cámara y la diversidad de decorados y paisajes, la película da la impresión de teatro filmado, por su fundamental apoyo en diálogos, generalmente chispeantes, y una interpretación muy profesional de todos los actores. La película juega con las entradas y salidas riesgosas de las habitaciones de hotel, a la manera de los vodeviles de Feydeau y, más que los movimientos de la cámara, son los gestos, el lenguaje preciso, los tonos, y un fondo musical travieso, lo que anima el mundo configurado.  El problema de la vejez está tomado en broma, pero la caricatura nunca llega a perder los estribos. Como en las comedias clásicas, el epílogo es un jubileo en el que participan todos los personajes. Un equipo del que formaron parte los directores, Galaz y Dugalde, el dramaturgo, Mateo Iribarren, y otro director de cine, Osvaldo Lübbert, se encargaron de escribir el guión. La película fue la favorita del público en el festival internacional de Valdivia  (2008).
La película guatemalteca Donde acaban los caminos (2004), fue dirigida por el mexicano Carlos García Agraz, y se basa en la novela homónima, parcialmente  autobiográfica, de Mario Monteforte Toledo, publicada en 1953. Se cuenta en ella la relación de un médico "ladino" que viene a ejercer su profesión en un pueblo alejado y se enamora o cree estar enamorado de una "natural", pero el odio y desconfianza entre las razas, juntamente con la enorme diferencia en la visión de mundo, por parte de los dos miembros de la pareja, conduce a un final sin salida. La película, auspiciada y sostenida económicamente por el gobierno guatemalteco, se inicia con la advertencia de que los sucesos contados corresponden a una "Guatemala de antes". La narración resulta inverosímil, por más que la película pretenda pintar una realidad. Los  diálogos entre los personajes sólo sirven para dar información a los espectadores acerca de concepciones muy superficiales del amor, la moral, la justicia y la religión;  personajes trillados: un villano de caricatura, un padre indio, increíblemente concesivo y, de repente, intolerante,  un galán que parece no tener conciencia de su hipocresía y mujeres diseñadas según una gastada visión machista, no contribuyen al intento de crítica social que la película se propone. Premio al mejor guión del Festival de Cine Latinoamericano de Trieste.
Estómago, una historia gastronómica (Brasil, 2007), coproducción brasileño-italiana, dirigida por Marcos Jorge es una película difícil de digerir, que comienza con el primer plano de la boca del protagonista y termina mostrando la raya de su culo, mientras está acostado en la cucheta superior de la celda, signo del poder alcanzado. Explotación, corrupción, sexo violento, delincuencia, gula, drogas, picadillo de cebollas, hormigas cocidas, vómitos, envenenamiento y mutilación, generosamente rociado con especias, constituyen el menú que el director sirve a los espectadores, a quienes una cámara no piadosa los conduce a darse de narices, con rostros, puertas, rejas, lámparas de restorán, pedazos de carne, sin posibilidad de escape. También los pasajes del pasado al futuro y viceversa son cortantes y hacen evidente el cuchillo experto del montaje. El precepto clásico de decoro ha sido arrojado por la ventana y, sin embargo, la película lo compensa, por otros medios: excelente actuación de todos los actores, una fotografía que juega sagazmente con luces y sombras, y una música golpeadora y, a veces, irónicamente romántica. Estómago logra pintar con los colores más crudos una sociedad que se come a sí misma y chapotea en un pozo ciego. Premio Espiga de Oro de Seminci (Semana de Cine Internacional de Valladolid), entre otros.
La película mexicana El estudiante (2009), dirigida por el debutante Roberto Girault, trata de imitar los melodramas mexicanos y las estudiantinas del cine de hace sesenta años y de la televisión actual. Esta "opera prima" del director  es una moralina imbuida de una concepción baladí del amor, de la amistad, de la familia, del matrimonio y del arte,  transmitida  a través de diálogos afectados por una retórica  grandilocuente y hueca,  que parecía desterrada del repertorio de obras elegidas para la exhibición en festivales de cine.  Este género de películas sigue teniendo, sin embargo, no pocos espectadores en los cines y en la pantalla chica, y tal vez responda a una necesidad de promesas, milagros y finales s felices dentro de una sociedad que en la realidad sufre diariamente los embates de la violencia y la corrupción generalizadas. El productor ha  criticado a los distribuidores norteamericanos que la rechazaron, según él, por ser demasiado "blanca". El problema es otro y más serio que la supuesta candidez de la historia. Dos granos de arena del desierto intelectual de El estudiante son, por ejemplo, la  lección de literatura del Siglo de Oro, al comienzo de la película, y los ensayos que los estudiantes hacen de una increíblemente pueril versión teatral del Quijote. La película recibió en su momento el patrocinio del gobierno de Guanajato y de la universidad del mismo nombre. Fue premiada como mejor película del año, por la Asociación de Periodistas Cinematográficos de México.
El segundo film brasileño del festival, Mi nombre no es Johnny (2008), dirigido por Mauro Lima, se basa en hechos reales y es la historia de un consumidor y traficante de cocaína, desde su infancia hasta su salida de la prisión, redimido. No pasa de ser un entretenimiento, a veces fatigante, con una fotografía de colores fuertes y una banda sonora, casi constante, creada por Fabio Mondego, que pretende mantener el ritmo de la película, en los momentos en que la historia se repite y el interés decae. Escenas de riñas  e intento de linchamiento en la cárcel son convertidas por la música de fondo en danza violenta. El final pretende ser aleccionador.
La película ecuatoriana Cuando me toque a mí, dirigida por Víctor Aguirre, fue presentada por primera vez en el festival de cine latinoamericano de 2006, en Biarritz, Francia, en su versión en video. Por su interpretación, el protagonista, Manuel Calisto recibió el premio al mejor actor. En 2008, convertida en película de 35 mm se estrenó en Ecuador. Está basada en la novela de Alfredo Noriega, De que nada se sabe (título que cita el poema homónimo de Jorge Luis Borges). El autor colaboró con el director en la creación del guión. La película se compone de una serie de historias hilvanadas por el hecho común de que la mayoría de sus personajes pasan, como vivos o como muertos, por la morgue del hospital Eugenio Espejo, donde el protagonista, un médico forense, imagina el pasado de los cadáveres que examina y reflexiona, con amargura, sobre su propia existencia y la de la sociedad ecuatoriana. A veces, el mensaje ideológico pierde efectividad, sobre todo cuando  se transmite  a través del discurso del protagonista. A diferencia de otras presentadas en el festival, la película  prefiere apelar a la inteligencia de los espectadores y no drogarlos visual y auditivamente. Varias de las historias que se cuentan, quedan abiertas,  algunas solamente iniciadas, y durante el desarrollo de la acción, el espectador debe corregir sus presunciones, lo que lo lleva a mantener su atención sin decaimiento. La cámara inmóvil en la reunión silenciosa, llena de tensión, de la familia del médico en una sala de espera del hospital  y la escena final del médico en la camilla, delatan a un realizador no propenso a usar recursos fáciles.
La película hondureña No hay tierra sin dueño iba a clausurar el festival en Jerusalén, pero, a último momento, por defectos de la copia enviada, hubo de ser sustituida por Gigante (2009), película uruguaya dirigida por el argentino Adrián  Biniez. En la línea del tono menor de Whisky, el ritmo lento y las repeticiones caracterizan (y a veces perturban) esta historia de un guardián de supermercado cuyo trabajo consiste en vigilar a los empleados por la pantalla de su monitor. Se enamora de una chica del equipo de limpieza y la sigue a través de la pantalla y, personalmente, por distintos lugares de Montevideo sin atreverse a establecer contacto hasta la última escena. En el ínterin, este obeso caballero andante le propina un buen golpe  a un taxista malhablado,  rescata al gordo del chateo del asalto de una pandilla y derriba, iracundo,  los molinos de viento de su inhumano lugar de trabajo. En el final, accede. aparentemente al amor de su Dulcinea. Un lenguaje rioplatense soez pero simpático, logradas interpretaciones del actor principal,  Horacio Camandule, y del actor secundario que personifica al gordo del chateo, junto con un encuadre que intensifica las atmósferas de encierro y apertura, contribuyen a realzar esta historia intimista, que ganó en Berlín el Oso de Plata.
En Jerusalén, las películas se exhibieron en una sala pequeña de la cinemateca   y el público asistente no fue siempre numeroso, tal vez porque las informaciones sobre el evento fueron mínimas y no llegaron a despertar la curiosidad  de potenciales espectadores.  De todos modos, dio oportunidad de ver cine de países que no consiguen con facilidad entrar a los círculos de distribución internacionales. Hacer cine en Latinoamérica es, en la mayoría de los casos, una empresa arriesgada.  Lo sostiene así la directora hondureña Katia Lara, en un comentario que escribió con motivo de la exhibición en el festival de Cannes de 2003, de No hay tierra sin dueño de su compatriota Sami Kafati  (1936-1986), que como fue señalado antes, no llegó a exhibirse aquí: "¿De qué otra cosa si no de ´ganas´ está hecho un individuo decidido a hacer cine en América Latina? Talento y muchas ganas, valor y muchas ganas, paciencia y muchas ganas, decisión, terquedad, locura y ganas (véase "Honduras en Cannes" en Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.).

 

Adam Gai


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