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39º Festival Internacional de Cine de Rotterdam


Del 27 de enero al 7 de febrero de 2010

El Festival Internacional de Cine de Rotterdam brinda una selección de cine experimental de calidad, independiente e innovador, de arte multimedia y vídeo de vanguardia.
Este año 2010, el programa del festival consistió en tres secciones principales que incluyeron largometrajes, cortometrajes y vídeo-instalaciones. La primera sección, "Bright Future", presentó primeras y segundas obras de nuevos realizadores, incluyendo los 15 largometrajes y 31 cortometrajes que el festival evaluó para otorgar los premios VPRO Tiger Awards.
La segunda sección, "Spectrum", incluyó películas de realizadores consagrados y artistas cuyo trabajo es esencial para la cultura cinematográfica internacional. La selección de alrededor de 380 películas de hasta 60 minutos de duración incluyó ficción, documental,  ensayo y filmes experimentales.
La tercera sección, "Signals", estuvo formada por una serie de programas temáticos, retrospectivas, exhibiciones y performances. Entre ellos podemos destacar el programa "Where is Africa?" focalizado en el cine de África Central y subsahariano. Por su parte, el programa "Re:Reloaded", incluyó las sub-secciones "Back to the Future?" -dentro de la cual se proyectó en 3D un clásico como Dial M for Murder (Alfred Hitchcock, 1954)- y "Kino Klimates" donde se presentó, durante 4 noches consecutivas, una combinación de cine experimental  y performances.

Cine y comic

Técnicamente impecable, el filme Symbol (Matsumoto Hitoshi, Japón, 2009) fue enteramente tratado con técnicas digitales. Combina el mundo de la historieta japonesa, especialmente el "manga", con el slapstick comedy -siendo el mismo director Hitoshi quien hace las veces de clown- y una estética surrealista, pues la historia transcurre en la mente del protagonista bajo la forma de un sueño.
En algunas escenas se utilizaron fondos falsos con la técnica del croma key y en otras, se combinaron personajes reales con seres y objetos creados con programas de animación 3D de alta resolución. El clown, ubicado en un espacio virtual que puede incluso representar su propia mente, interactúa con otro espacio en México mediante la activación de un dispositivo simple.
Margarita Schultz define y diferencia la imagen digital de la tradicional en que la primera "no está en el soporte-pantalla del mismo modo como está la imagen pictórica en el pigmento y el lienzo, sino en la memoria del ordenador (…) podríamos decir que allí está 'virtualmente presente', a la manera como nuestros recuerdos lo están en la memoria propia de cada uno. Así como podemos llamar/convocar nuestros recuerdos, convocamos, 'llamamos', a la imagen almacenada a su modo en la memoria del programa"(1)
En esta línea de pensamiento, Symbol podría interpretarse como una visión irónica de los nuevos medios y la cada vez más indefinida frontera entre realidad y virtualidad. El clown interactúa con sus propios sueños mediante un dispositivo similar a un joystick o a un mouse, incide de esta manera en el resultado de la pelea de catch que se lleva a cabo en un México quizá virtual, quizá real.  En efecto, hay mucho de lúdico en el filme, de universo infantil. Para ello el director ha elegido una estética kitch aplicada a varios de los elementos de la puesta en escena, que resultan ser malas imitaciones de objetos reales de consumo. Además presenta, en pantalla dividida o split screen, varios flashbacks de los pensamientos del personaje en forma de comic japonés.
Si en Symbol, el "manga" es sólo un recurso formal, en Miyoko, es el tema central.
Miyoko (Tsubota Yoshifumi, Japón, 2009) fue uno de los largometrajes presentados en competición para los premios VPRO Tiger Awards 2010. El filme está basado en la vida del artista del comic Abe Shinichi y en su álbum legendario Miyoko Asagaya kibun, que le da el título. Miyoko era la novia y musa inspiradora del artista, con quien vivía en Asagaya, un distrito "artístico" de Tokio que el director trata de recrear tal como era en los años '70.
En la primera secuencia, las viñetas del "manga" se transforman en fotogramas en movimiento, es decir, en cine. Para lograr una mayor precisión en el dibujo, Abe toma fotos de su novia, con lo cual hay tres disciplinas artísticas combinadas en este filme: el dibujo, la fotografía y la imagen en movimiento. Lo acertado del filme de Yoshifumi es que no intenta ser una burda imitación de un comic, se trata más bien de una biografía con algunos recursos tomados del animé. Como ejemplo, la iluminación en algunas de las escenas ha sido tratada con filtros de color azul o amarillo para imitar los tintes utilizados en las viñetas.

(1) Schultz, Margarita. Estética tradicional e imagen informática. Pares Cum Paribus No. 2, abril 1996

Viajes iniciáticos

Los viajes del viento (Ciro Guerra, Colombia, 2009) es un cuento popular sobre un acordeón que hechiza a quien lo toca, condenándolo a una vida de juglar errante.  Su actual propietario, Ignacio Carrillo y su joven discípulo, Fermín Morales, inician entonces un periplo a lomo de burro en busca del único hombre que puede romper la maldición. El viaje los lleva a recorrer montañas y desiertos,  y a mezclarse en un duelo de payadores. La historia está atravesada por ritmos colombianos y africanos, como también por mitos y costumbres populares.
En una bella imagen, la figura del maestro Carrillo, con su acordeón adornado de cuernos, proyecta una sombra sobre la pared, de forma tal que el mismo demonio parece estar  ejecutando el instrumento.

El camino entre dos puntos (2010) del director argentino Sebastián Díaz Morales,  es un viaje fuera del tiempo, sin narración ni diálogos. El pasado y el futuro se superponen en este retrato de una región argentina afectada por la industrialización, donde un hombre vaga sin rumbo entre el océano, el desierto y las bombas de extracción de petróleo.
Díaz Morales utiliza largas tomas del árido paisaje, del sonido del viento, del crujir de las piedras bajo la pisada del hombre y ocasionales fragmentos de música concreta para acompañar este viaje iniciático hacia la nada.
Los encuadres saltan abruptamente de un plano detalle a una toma aérea y de un contrapicado a un ángulo cenital. Desenfoques, desencuadres y la falta de sincronización entre sonido e imagen son también aspectos compositivos que forman parte de un lenguaje visual de vanguardia, que tiende a romper con las formas clásicas. La figura humana no es un personaje con nombre y apellido que participa activamente en la construcción de una narración, es simplemente una figura sobre un fondo que se mueve en el espacio sin otro propósito que el de llevarnos a nosotros, como espectadores, a observar de cerca la textura del hielo semiderretido o la consistencia del petróleo acumulado en el suelo.

Tiempos de guerra

El 15º largometraje del serbio Goran Paskaljevic, Honeymoons (2009) es especial por tratarse de la primera coproducción serbio-albana de la historia del cine, ya que Serbia y Albania han sido hostiles desde que sus respectivos pueblos tienen memoria.
El filme describe, en montaje paralelo, las peripecias de dos parejas provenientes de los Balcanes, los albanos Melinda y Nik y los serbios Vera y Marko. Por diferentes razones, ambas parejas de recién casados van a buscar la felicidad a Europa Occidental y se encuentran con que pasar la frontera es más difícil de lo que imaginaban.
Paskaljevic retrata con agudeza y sensibilidad la atmósfera de violencia que se vive cotidianamente en los países balcánicos, no sólo entre diferentes etnias sino también entre personas de la misma etnia pero con diferentes modos de pensar e, incluso,  entre miembros de una misma familia que se odian sin motivo.
Albanos y serbios son enemigos y, sin embargo, las dos parejas del filme corren la misma suerte: no encuentran un lugar en su propio país ni en la tierra a la que se dirigen para  vivir como inmigrantes.
Por una desafortunada coincidencia, la noche anterior al viaje de las parejas, dos soldados italianos mueren en un atentado en Kosovo.  Nik y Marko son arrestados, en diferentes sitios, por la policía de frontera.
En una estación de tren, cerca de la frontera con Hungría, Vera y Marko, que iban camino a Viena para una audición de chelo, ven cómo la policía de frontera impide la prosecución del viaje a una mujer que lleva un pequeño perro en su jaula, por no contar con un certificado de vacunación. La cámara capta alternativamente la imagen y la voz de esta mujer, quejándose por el maltrato recibido, y los rostros de la pareja serbia, asustados, murmurando entre ellos sobre los motivos de su detención. El espectador comprende, entonces, que  la actitud tomada por las autoridades frente al perro no difiere en gran medida de la adoptada frente a los inmigrantes serbios. Y algo similar ocurre en Italia con la pareja de albanos.
Mientras el tren continúa su camino, la vida pasa y tanto albanos como serbios siguen llamando a las puertas de Europa, esperando en vano que les sean abiertas. 

Life During Wartime
(Todd Solondz, Estados Unidos, 2009) es una triste y a la vez satírica pintura de una disfuncional familia judía de clase media norteamericana. Joy abandona a su marido y busca refugio en su madre y hermanas, mientras es acosada por el fantasma de su ex marido, muerto tras cometer suicidio; Trish se encuentra en un brete cuando tiene que contarle a su hijo preadolescente que su padre cumplió una condena por pederastia y Helen se regodea en su rol de víctima frente al resto de la familia y su propio éxito en Hollywood.
Como en su anterior película Happiness (1998), el director independiente Todd Solondz vuelve a tocar temas tabú de la sociedad americana, tales como la pedofilia, el incesto y el suicidio.
Los personajes de Solondz son seres aberrantes y  depravados que ocultan su rostro tras una frágil máscara de normalidad y falsa bondad. Son personajes moral y éticamente monstruosos.
Detrás del aparente drama familiar, la película de Solondz oculta un mensaje social y político. En esta época de guerra contra el terrorismo, al que en varias ocasiones se hace mención, el enemigo externo impide a la sociedad americana reconocer sus propios conflictos. Los seres descriptos están allí en representación de una sociedad hipócrita que teme mirarse al espejo, en la que el amor no tiene cabida porque se lo confunde con perversión, donde las mentiras piadosas forman parte de la educación de los hijos aunque no por ello dejen de ser lo que son, falsas percepciones de la realidad, y donde no cabe ni el olvido, ni el perdón, ya que el "pecador" es expulsado de la sociedad y aunque cumpla su condena, se convierte en un paria.

Con Independencia (Filipinas, 2009), Raya Martin vuelve a fines del siglo XIX y comienzos del XX, cuando los americanos declararon la guerra a España con el fin de apropiarse de sus colonias, entre ellas Filipinas, para luego negarle al archipiélago el derecho a la independencia.
El filme es un melodrama que cuenta la historia de una madre y su hijo que huyen a las montañas para evitar el asedio de los soldados americanos. Durante ese tiempo, el joven conoce a una muchacha con quien tiene un hijo. Su vida parece proseguir sus cauces naturales hasta que una tormenta tropical se desata y con ella llegan los invasores arrasando con todo a su paso. El destino de esta familia queda, entonces, indisolublemente ligado al destino del país.
Martin realiza su película en el estilo de la primera época del cine filipino: claramente filmada en estudio, con decorados pintados y película en blanco y negro, retocada en color hacia el final con fines meramente dramáticos. 

Cortos experimentales

Ya se convirtió en hábito para el festival, el mostrar cortometrajes experimentales de buen nivel, innovadores y creativos. "Kino Climates" es una sección que combina este tipo de cortos en 35 mm o en vídeo, con performances en vivo. Lo que despierta mayor interés es el trabajo sobre el soporte, ya sea en cinta magnética o celuloide, más que la concepción de un guión o la construcción de un relato. La imagen abstracta pura queda así jerarquizada sobre lo narrativo-literario.
En algunos casos se han logrado efectos de manchas, líneas y rayas dispuestas en forma aleatoria o se ha intervenido sobre el color en el proceso de posproducción. En otros se obtuvieron resultados interesantes mediante la utilización de sintetizadores de vídeo analógico y digital, como en el caso de las vídeo-performances.
Entre los realizadores se destacan los rusos Elena Kabankova y Grigorii Dikert con Happiness the Movie (video color, 2002)  y el británico Greg Pope con Moonwalk (video color, 2001), Incidence Room (video color, 2003), Shadow Trap (35 mm, color, 2009) y Shot Film (35 mm, color, 2009). La performance NKS Feed-Back (Bélgica, 2009) que pudo verse en el marco del  Kino Climates 3,  estuvo a cargo de Pascal Baes y Suzuki Ai.

Greg Pope reflexiona en sus cortos sobre las posibilidades formales del vídeo y del cine, mucho más abarcadoras que un simple fluir de imágenes narrativas. Incidence Room está dividido en cuatro temas: ciudad, ventana, montañas y gente. La cámara improvisó tomas en relación a lugares, gente y objetos específicos cuyas imágenes fueron luego editadas en un montaje ultra rápido en el que se intercalaron largas tomas en negro.   Concebido como acompañamiento para al film-performance "Light Trap", Shadow Trap ha sido creado con fragmentos de emulsión, organizados y superpuestos sobre película de 35 mm sin impresionar. La película fue creada aplicando un "polvo" de emulsión sobre una base clara.
Para NKS Feed-Back, se crearon señales analógicas y digitales mediante la operación manual de un sintetizador de vídeo. Estas señales producían una respuesta visual, un "feed-back", que Pascal Baes traducía en imágenes. Al mismo tiempo Ai Suzuki, enteramente vestida de blanco se desplazaba en el espacio con movimientos pausados, al estilo de un actor de teatro Noh japonés, interactuando con estas formas y texturas digitales. La pantalla bidimensional se prolongaba así en una pantalla humana, tridimensional y móvil. 

Otra de las destacadas secciones de cortos experimentales ha sido "Allucinating Horizons", donde el público tuvo la oportunidad de mantener una charla con los realizadores.
En Aliquot Light (video color, 2009) el realizador japonés Goshima Kazuhiro creó formas geométricas tridimensionales con el programa de simulación gráfica Global Illumination 3D. Potentes fuentes de luz blanca fueron directamente dirigidas a los objetos geométricos y a las maquetas para producir una manipulación dinámica de la sombra y la luz. Kazuhiro demuestra con este corto que la percepción de las formas cambia radicalmente según la incidencia de la luz y el ángulo de la sombra proyectada.
Inspirándose en los alucinógenos experimentos del pintor, escritor y poeta Henri Michaux, y en su libro "Chaînes", Billy Roisz creó el cortometraje abstracto Close your eyes (Austria, video color / blanco y negro, 2010)  para explorar la frontera entre percepción e imaginación. Utilizando un sintetizador y un video-mixer  (mezclador de vídeo) Roisz logró una obra que hace auto-referencia al dispositivo de grabación y transmisión de imágenes en vídeo,  y a los ruidos y líneas que se producen durante una interferencia de comunicación, por ejemplo, en una transmisión televisiva. En esta puesta en cuadro de patrones abstractos en movimiento, constantemente se evidencia el grano y la textura de la imagen vídeo.
El joven cineasta canadiense Karl Lemieux se trasladó a la selva amazónica para filmar en blanco y negro, con película 16 mm, su corto Mamori (2009). La filmación de los ambientes naturales entra en simbiosis con la superficie de la película tratada de tal manera, que las formas se vuelven casi imposibles de identificar hasta alcanzar un alto grado de abstracción. Según palabras del mismo Lemieux, se trata de "una serie de fotografías sobreexpuestas, pero no es película rayada (scratched film) ni pintada (painted film)".
La Barca (video color, 2009) del videasta y músico alemán Thomas Köner, es un largo travelling de 7 minutos de duración grabado desde un tren. Los espacios urbanos vacíos están acompañados por la música a la vez suave y melancólica del mismo realizador, que nos traslada a una dimensión onírica de nuestra realidad cotidiana. El color ha sido retocado digitalmente sobre el negativo y la acción transcurre en cámara lenta, lo cual otorga a los ambientes un aire fantasmal.

Documentales

El título del documental Malaysian Gods (2009) hace referencia al concepto negativo que tienen los malayos de sus políticos. Su realizador Amir Muhammad regresa al 20 de Setiembre de 1998, el nacimiento del primer movimiento de protesta en su país. La "Reformasi" comenzó luego de la dimisión del vice primer ministro Anwar Ibrahim, quien organizó una serie de manifestaciones pidiendo la dimisión del primer ministro. Esto resultó en el arresto de Ibrahim, bajo el cargo de corrupción y sodomía.
Estructurado en capítulos, precedidos por intertítulos irónicos con información histórica, el filme no es un documental clásico montado con material fílmico de archivo, más bien toma la forma de un noticiero televisivo. Muhammad eligió entrevistar a gente común que vive en Kuala Lumpur y que no estuvo  directamente involucrada en los hechos que se narran. Recorrió las calles de la ciudad buscando respuestas sobre los cambios que pudieron o no operarse a partir de las manifestaciones, todo ello en lengua tamil, un idioma minoritario en Malasia(2).  
Para los títulos e intertítulos, empleó el mismo tipo de tipografía que suele aparecer en la gráfica de los semanarios de actualidad, agregando logos y banderas para reemplazar algunos nombres en los subtítulos. De hecho, hay en todo el documental un trabajo de gráfica más importante que ciertos aspectos puramente cinematográficos como la luz, el sonido o el color.  La grabación con cámara digital se evidencia durante la proyección en pantalla grande, por el grano abierto y el pequeño formato de la imagen.

Tanzania.Living.Room (Uli Schüppel, Alemania / Tanzania, video color, 2010) posee algunas características del género de la etnoficción -mezcla de documental y ficción, cuyo objeto de estudio no es el individuo sino la etnia(3).  
El filme nació de un recuerdo infantil del director alemán Uli Schüppel, quien a menudo escuchaba relatos sobre exóticos viajes a Tanzania, de boca de un amigo de sus padres.  Este hombre había pasado largo tiempo en África y sus historias estaban pobladas de animales salvajes y tribus que practicaban extraños rituales.
Cuando Schüppel viajó a Dar es Salaam -capital de Tanzania- quedó fuertemente impresionado por la vitalidad y la musicalidad de su vida cotidiana. Entonces decidió preguntar a la gente común del lugar cómo imaginaban ellos un living room en Alemania. "La idea de un living room en Tanzania es absurdo, porque allí todos viven al aire libre", decía el realizador en su charla con el público. El documental entonces no sólo muestra la vida y los parajes de Tanzania, sino también la visión idealizada que los africanos tienen de Europa, como un lugar donde reina el lujo y donde sus habitantes viven rodeados de objetos de consumo a los cuales ellos no tienen acceso.
Sin embargo esta idealización corre en ambos sentidos: "Queríamos mostrar la energía, el poder, la belleza, los colores de África…" (Uli Schüppel)
Las veladuras en rojo logradas gracias a la luz natural, potente y cálida a la vez, y las imágenes flou de la selva con la que el director había largamente soñado en su infancia, resultan en pura y simple poesía, en un mundo de ensueño.

(2) - El tamil es una lengua que nació en la India hace más de dos milenios y que se fue extendiendo a otros países como Sri Lanka, Singapur y Malasia.
(3) - Dos de los más destacados representantes de este género fueron el francés Jean Rouch y el norteamericano Robert Flaherty.

Los premiados

La ceremonia de los premios Tiger Awards al mejor cortometraje se llevó a cabo el 1º de febrero de 2010 en el Rotterdamse Schouwburg.
Este año 2010, 31 cortos de hasta 60 minutos de duración fueron presentados a un jurado internacional formado por Jeremy Rigsby (Canadá), Shai Heredia (India) y Albert Wulffers (Países Bajos).
Los premios fueron otorgados a: Condolences (Ying Liang, China, 2009), cortometraje realizado a partir de fotografías tomadas por reporteros gráficos,  de un accidente automovilístico del que el realizador fue testigo; Atlantiques (Mati Diop, Francia / Senegal, 2009) trata sobre unos jóvenes senegaleses obsesionados con la idea de cruzar el mar y Wednesday Morning Two A.M. (Lewis Klahr, Estados Unidos, 2009), un corto animado que combina figuración y abstracción, y cuyas partes se focalizan en las canciones del grupo pop The Shangri-Las.
 
En lo concerniente  a los 15 largometrajes en competencia, la ceremonia de entrega de premios se llevó a cabo el viernes 5 de febrero de 2010 en el teatro Oude Luxor de Rotterdam. Un jurado compuesto por la actriz y cantante francesa Jeanne Balibar, la realizadora polaco-holandesa Úrszula Antoniak, el ex director del Festival de Cine de Singapur, Philip Cheah, el realizador mexicano Amat Escalante y el actor ugandés Okello Kelo Sam, otorgaron los premios VPRO Tiger Award al filme Agua fría de mar (2010), dirigido por la realizadora costarricense Paz Fábrega; al filme tailandés Mundane History (2009) de Anocha Suwichakornpong y finalmente al director mexicano Pedro González Rubio por su obra Alamar (2009)

El premio Netpac fue otorgado a Moscow (2009) del realizador surcoreano Whang Cheol-Mean, el premio Fipresci a Ben Russell por su largo Let each one go where he may (Estados Unidos / Surinam, 2009) y el premio KNF fue concedido a Norteado (2009) del realizador mexicano Rigoberto Perezcano.
 
Adriana Schmorak Leijnse

Por Luis Serrano Fernández
Aliquot Light
Aliquot Light (video color, 2009)
del realizador Goshima Kazuhiro

El camino entre dos puntos
El camino entre dos puntos
del director Sebastián Díaz Morales

Los viajes del viento
Los viajes del viento
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Miyoko
Miyoko
del director Tsubota Yoshifumi

Symbol
Symbol
del director Matsumoto Hitoshi

Tanzania.Living.Room
Tanzania.Living.Room
del director Uli Schüppel

Director del festival - Rutger Wolfson
Director del festival
Rutger Wolfson

Ben Russel (Premio fipresci)
Ben Russel
Premio FIPRESCI

Jeanne Balibar
Jeanne Balibar

VPRO tiger awards - Anocha Suwichakornpong, Pedro González Rubio y Paz Fabrega
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