El Instituto Moreira Salles de Rio de Janeiro está presentando, durante el mes de mayo, con curaduría del director Kleber Mendonça Filho y apoyo de la Cineteca di Bologna, del Instituto Italiano de Cultura San Paolo, de la Rai Com, de la Regina Filmes y de las distribuidoras Imovision, Zeta Filme, Vitrine Filmes y del Espaço Itaú de Cinema, sesiones especiales de cine dedicadas a Heinz Emigholz y Jonathan Perel, bajo el título "Lugar y Palabra", a Nelson Pereira y a Ermanno Olmi, además de largometrajes de cine independiente y una muestra de Harun Farocki que incluye la proyección de dos de sus filmes.

Sesión Mutual Films.
Lugar y Palabra: Heinz Emigholz y Jonathan Perel

El cineasta alemán Heinz Emigholz y el argentino Jonathan Perel están colaborando en un nuevo filme, que será parcialmente rodado en São Paulo, con dirección de Emigholz y la participación de Perel como actor. La Sesión Mutual films de mayo trae a estos dos directores -ambos dedicados a explorar el paisaje y la arquitectura como expresiones de la consciencia humana- para presentar sus filmes y discutir el nuevo proyecto con el público. En la sesión están siendo proyectados en diálogo los dos filmes más recientes de Perel, ambos estudios documentales sobre el legado de violencia de la dictadura argentina, y una ficción reciente de Emigholz, en la cual Perel hace el papel de un psicólogo especializado en trauma, que conversa con su paciente, mientras caminan alrededor de construcciones modernistas en Uruguay y Alemania.

Streetscapes [Dialogue]
Heinz Emigholz, Alemania, 2017, 132'

Streetscapes [Dialogue] es la tercera parte de un cuarteto de filmes del director alemán Heinz Emigholz llamado Streetscapes, lanzado en el Festival de Berlín en 2017. La serie abre con 2+2=22 [The Alphabet], que registra la grabación en Georgia, de un álbum de banda de música electrónica alemana Kreidler, intercalada con escenas de la ciudad de Tbilisi, páginas de los diarios ilustrados de Emigholz y reflexiones filosóficas sobre urbanismo y arquitectura. Bickels [Socialismo] (que cuenta con un prólogo filmado en el centro cultural judaico Casa do Povo, en São Paulo) es un paseo por edificios del arquitecto polaco Samuel Bickels, construidos en kibutzim israelíes entre 1948 y 1976. Dieste [Uruguay], observa silenciosamente los edificios del arquitecto uruguayo Eladio Dieste, siguiendo la cronología de sus construcciones en Uruguay y en España. Streetscapes [Dialogue] pone en escena una conversación entre un cineasta y su analista, mientras pasean por construcciones de Dieste, Julio Vilamajó y Arno Brandlhuber.
El cineasta y el analista son interpretados respectivamente por el actor americano John Erdman y por el documentalista argentino Jonathan Perel. El diálogo se basa en una "maratón terapéutica" que el propio Emigholz realizó con Zohar Rubinstein, un israelí especialista en tratamiento de traumas y co-guionista del filme. La conversación comienza con memorias de la infancia y de la formación del cineasta, ambientadas en Bremen, Hamburgo y Nueva York, y sigue por los diferentes rumbos que su trabajo tomó -desde el cine estructuralista hasta el narrativo y el observacional, explorando consistentemente la arquitectura y el urbanismo. El filme coloca los dos personajes en conversación en diferentes paisajes, sin establecer una relación directa con ellas, creando un ambiente surrealista que culmina en la idealización de la propia obra cinematográfica de la cual ellos forman parte. Streetscapes [Dialogue] tuvo su estreno brasileño en el IMS.

Toponimia
Jonathan Perel, Argentina, 2015, 82'

En el inicio de la dictadura militar argentina, cuatro villas fueron construidos en el área rural de la provincia de Tucumán, con el propósito de agrupar la población local de campesinos y combatir al movimiento de guerrilla que crecía en la región. Estos pueblos fueron nombrados en homenaje a militares que murieron en la Operación Independencia, la campaña de lucha armada contra los insurgentes iniciada por los militares antes de que la dictadura se estableciera en 1976. Las aldeas de Teniente Berdina, Capitán Cáceres, Sargento Moya y Soldado Maldonado todavía existen, con pequeñas poblaciones, y son los principales lugares que el documentalista Jonathan Perel examina en su tercer y más reciente largo-metraje. Toponimia, cuyo título designa el estudio de nombres de lugares.
El prólogo del filme presenta documentos e imágenes de archivo que justifican la construcción de las villas y describen sus estructuras generales, organizadas en áreas verdes, plaza, centro comercial, complejo deportivo y complejo industrial. La jornada siguiente, ordenada en cuatro capítulos simétricos que recorren cada villa, comienza con la presentación de la planta baja original, en la que se lee una breve descripción de tono explícitamente ideológico. Las escenas actuales, registradas con cámara fija y sonido ambiente, son de lugares bucólicos, ocupados por niños y adultos que caminan, juegan a la pelota y andan de bicicleta por las calles anchas y arborizadas. Aunque visiblemente deteriorados,  los espacios colectivos sobreviven y arrastran una cierta armonía pacata.
Aún siendo fruto de una historia opresiva, la realidad de estos lugares subvierte el contexto original de su fundación.

5-T-2 Ushuaia
Jonathan Perel, Argentina,2016, 4'

El último filme de Perel fue producido para la bienal de la Imagen en Movimiento y tuvo su estreno brasileño en el IMS.
5-T-2 Ushuaia prosigue con el interés del cineasta en el legado de la dictadura militar en la sociedad argentina actual, al observar las ruinas de aviones utilizados en asesinatos de prisioneros políticos. El muestra que los llamados "vuelos de la muerte" -en los cuales los prisioneros políticos eran arrojados vivos en alta-mar- se transformaron en pruebas en el proceso de investigación de crímenes contra la humanidad.
5-T-2 Ushuaia está siendo proyectado junto a Toponimia. Perel está actualmente trabajando en un nuevo largo-metraje, llamado Responsabilidad empresarial, sobre un informe escrito por el Ministerio de Derechos Humanos de Argentina que detalla 25 casos de empresas privadas que reprimieron a sus empleados durante la dictadura.

Proyección de Cine Independiente

Chuva é cantoria na aldeia dos mortos
João Salaviza y Renée Nader Massora, Brasil, Portugal, 2018, 114'

Ihjãc es un joven de la etnia Krahô, que vive en la aldea Piedra blanca, en Tocantins. Después de la muerte de su padre, rechazado la idea de volverse chamán, huye a la ciudad. Lejos de su pueblo y de su cultura, enfrenta las dificultades de ser un indígena en el Brasil Contemporáneo.
Realizado a lo largo de nueve meses, la intimidad de los realizadores con los Krahô es palpable a través del retrato próximo de lo cotidiano y de los dilemas de los indígenas, con una fluidez entre momentos ficcionales y documentales. Sobre este proceso, su director, João Salaviza comenta en entrevista al diário O Público: "Claro que hay una creencia nuestra de que el cine puede ser una forma de mediación y de encuentro entre las personas (...) Existe la idea de que la producción de un filme es también una especie de ritual blanco, occidental, europeo. Existe una comunidad que vive de forma profundamente ritualizada y existe el cine en medio, para aproximarnos, pero él acaba por se transformar en un detalle".

En Tránsito
Transit
Christian Petzold, Alemania, Francia, 2018, 101'

Cuando Goerg intenta escapar de Francia después de la invasión nazi, asume la identidad de un autor fallecido cuyos documentos que él poseía. Preso en Marsella, Georg conoce a Marie, una joven que está desesperada por encontrar su marido desaparecido: el autor cuya identidad Georg había asumido.
El filme de Petzold está inspirado en una novela homónima de Anna Seghers, publicada en 1944. Comenta el director en el material de prensa del filme: "La autobiografía de Georg K. Glaser contiene una frase maravillosa: "De repente, aunque mi vuelo llegó a su fin, me vi cercado por algo que llamé silencio histórico". Goerg K. Glaser era un comunista alemán durante el tiempo en que la novela En Tránsito, de Anna Seghers fue ambientado. El escapó hacia Francia y después para su desocupada "zona libre", a la cual Marsella pertenecía.
Las personas de "En tránsito" fueron acorralados en Marsella, a la espera de navíos, visados y otros pasajes. Ellas están en fuga, no hay camino de vuelta para ellas y no hay cómo avanzar. Nadie va a llevarlas o cuidar de ellas. Pasan desapercibidas, excepto para la policía, los colaboracionistas y las cámaras de seguridad. Ellas son fantasmas de la frontera, entre la vida y la muerte, ayer y mañana. El presente pasa sin reconocerlas. El cine adora fantasmas. Tal vez por que también sea un espacio de tránsito, un recinto interino en el cual nosotros, los espectadores, estamos simultáneamente ausentes y presentes."

Imagen y Palabra
Le livre d'image
Jean-Luc Godard, Francia, Suiza, 2018, 84'

Narrado por Jean-Luc Godard, el largometraje aborda temas contemporáneos a partir de materiales de orígenes distintos: trechos de un filme de Michael Bay, músicas, textos, pinturas y una video-propaganda del Estado Islámico tomado de YouTube.
El estreno internacional ocurrió en 2018, en el Festival de Cannes. Ausente del festival, Godard participó de la colectiva de prensa vía FaceTime, desde su casa en Suiza. Al ser preguntado se Imagen y Palabra sería un filme político, el director respondió:
"No…Quería que mi filme fuese básicamente como una novela. Quería mostrar cómo los árabes no precisan de la intervención de otras personas, porque pueden muy bien cuidar de sí mismos. Ellos inventaron la escritura, inventaron muchas cosas. Ellos tienen petróleo -mucho más de lo que es necesario. (…) La mayor parte de los filmes en Cannes este año, y en años anteriores, muestra lo que está aconteciendo, Pero poquísimos filmes están hechos para mostrar lo que no está aconteciendo. Espero que mi filme revele esta dimensión. Creo que es preciso pensar con las manos y no apenas con la cabeza".
La película de Godard evidencia en varios de sus tramos, el dispositivo fílmico: partes de celuloide en película negativa en color, proyectores, filmadoras. En definitiva, como en tantas otras obras anteriores, se trata de un montaje de imágenes sin un sentido lineal, con una banda sonora que no se corresponde a la imagen o con una voz en off que no explica ni amplía el lenguaje visual. Los intertítulos son caóticos, como si en lugar de un largometraje se tratara de un collage. Hay veladuras y filtros cromáticos que vuelven incómodo el visionado, aspectos de la filmografía de Godard de la que ya estamos  acostumbrados y que sabemos, es su forma de protesta contra los convencionalismos de Hollywood y su Modo de Representación Institucional (MRI).
Pero más allá del aspecto formal, culpar sólo a Occidente de la situación de violencia en Medio Oriente, es ver la realidad con un solo ojo. Evita intencionalmente mostrar los atentados en países occidentales, su cámara se posa en el norte de África y en el Golfo Pérsico, para develar cómo el petróleo, según su visión, transformó "Las Mil y una Noches" -de las que se pueden apreciar algunas escenas del filme homónimo de Pasolini, de 1974- en un verdadero Infierno en la Tierra. Es cierto que la visión de Occidente hacia Oriente cambió radicalmente durante el siglo XX. Sin embargo de la falta de derechos de la mujer en los países islámicos, no dice ni una palabra, no muestra ni una sola imagen. Godard continúa hablando de revolución, como antaño, soñando con un Mayo del '68 en pleno siglo XXI.

Inferninho
Guto Parente y Pedro Dógenes/ Brasil/ 2018, 82'

Deusimar es la dueña del Inferninho (Infiernito), el bar que es un refugio para sus frecuentadores y funcionarios. Ella quiere abandonarlo todo e irse a un lugar distante. Jarbas, el marinero que acaba de llegar, sueña con echar raíces. El amor que nace entre los dos va a transformar el día a día del bar.
"Inferninho" surgió de una sociedad: el Grupo Bagaceira de Teatro buscó  a los directores Guto Parente y Pedro Diógenes para filmar una serie de TV, que se transformó en largo-metraje. "Este encuentro entre cine y teatro es la base que constituye todo el proyecto. Es algo determinante en todos los pasos, desde el dibujo de producción, concepción visual, trabajo con los actores y estilo de edición (o guión técnico). Como la pieza nunca llegó a existir de hecho, existió solo como una idea, como el embrión del proyecto, nunca tuvimos este parámetro de comparación entre una cosa y otra. Lo que existe de teatral en el filme es algo construido dentro del filme y para el filme, a partir de una voluntad nuestra de poner a danzar estos dos lenguajes. Nada nuevo en la historia del cine, pero algo cada vez más raro hoy en día, principalmente en el cine brasileño, en el que existe una tradición muy fuerte de un realismo transparente que esconde sus artificios. Nuestra apuesta fue evidenciar el artificio" -cuenta el director Guto Parente a la revista Take.
El filme tuvo su estreno en el Festival de Rotterdam en el 2018. En el Festival de Rio del mismo año recibió el Premio Especial de la Crítica y en el XI Festival "Ventana Internacional de Cine de Recife", fue premiado en las categorías de Mejor Filme Largo-Metraje, Mejor Imagen y Mejor Filme Ventana Crítica.

Larga Jornada Noche Adentro
Di qiu zui hou de ye wan
Bi Gan/China, Francia/2018, 140'

Luo Hongwu retorna a Kaili, ciudad natal de donde había escapado hacía varios años. Comienza, entonces, a buscar una mujer de la que nunca logró olvidarse. Ella le había dicho que su nombre era Wan Quiwen. En entrevista al crítico Wang Muyan, el director comenta su proceso creativo y su relación con el cine de género: "Nunca hice cursos de guión, entonces desarrollé mis propios hábitos de escritura. Para comenzar, en lo referente al guión, Kaili Blues (2015) es una road movie. Después de escribir el primer borrador, comencé a destruirlo por dentro, poco a poco. Eso creó una forma que me agradó. Originalmente, Larga jornada noche adentro era un filme negro, próximo de Pacto de sangre de Billy Wilder. A partir de este, mi proceso de destrucción de escena tras escena, el filme finalmente asumió el estilo que tiene hoy"
"Es un filme sobre memoria. Después de la primera parte (en 2D), quería que el filme asumiera una textura diferente. En verdad, para mí, el 3D es apenas una textura, tal cual un espejo que transforma nuestras memorias en sensaciones táctiles. Es solamente una representación tridimensional del espacio; pero creo que esta sensación tridimensional remite a nuestros recuerdos del pasado. De cualquier manera, las imágenes en 3D son mucho más falsas que las imágenes en 2D, pero se asemejan bastante más a nuestros recuerdos."

Los Silencios
Beatriz Seigner, Brasil, Colombia, Francia, 2017, 86'

Amparo (Marleyda Soto) y sus hijos llegan a una pequeña isla en medio del Amazonas, en la frontera entre Brasil, Colombia y Perú. Escapan del conflicto armado colombiano, donde el padre (Enrique Díaz) y la hija del matrimonio, desaparecieron. Cierto día, él reaparece en la nueva casa de palafitos. Inquieta con las dificultades financieras y de inmigración, la familia descubre que la isla está poblada por fantasmas.  
Durante la concepción del guión, la directora Beatriz Seigner entrevistó a cerca de 80 familias de refugiados colombianos que viven en Brasil. Ella cuenta que de estas conversaciones, surgió el título del filme: "Yo percibí que en varias entrevistas las personas hablaban sobre silencio. Sobre no poder hablar sobre el trauma que estaban acarreando, tenían miedo de revelar algo (…) Pero estaba muy presente en las conversaciones ese deseo de conseguir comunicarse con una realidad paralela, querer hablar con una persona y recibir el silencia en retorno. Para mí, es el sonido de la muerte. Me parece que la muerte llega por el oído. Este silencio, esta dificultad de conseguir comunicarse, es un poco la lucha de Amparo…"
Los Silencios tuvo su estreno internacional durante la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes de 2018, y en Brasil fue exhibido por primera vez en el Festival de Brasilia, donde recibió los premiso de Mejor Dirección y Mejor filme por la Crítica.

Kairo
Fábio Rodrigo, Brasil , 2018, 15'

En una escuela en la periferia de São Paulo, la asistente social Sônia precisa retirar Kairo de la sala de aula para tener una conversación difícil.
El cortometraje fue exhibido en la selección del Festival de Brasilia, en el Festival Internacional de cortos de São Paulo y también en el Festival de Gramado. En este último, recibió el premio de Mejor Dirección. "Kairo" está dedicado a la concejal Marielle Franco, asesinada en marzo de 2018.

Mormaço
Marina Meliande, Brasil, 2018, 94'

Rio de Janeiro, 2016. El verano más caluroso de la historia. La ciudad está preparándose para los Juegos Olímpicos. Ana, una defensora pública de 32 años, trabaja con los moradores de la Villa del Autódromo, comunidade amenazada de remoción por las obras del Parque olímpico. Al mismo tempo, misteriosas manchas aparecen en el cuerpo de la abogada.
En el material de divulgación del filme, la directora y guionista Marina Meliande cuenta que, a partir del anuncio de Rio de Janeiro como ciudad-sede de las Olimpíadas de 2016, "la noticia comenzó a ser divulgada y conmemorada en la prensa como algo que traería inúmeros beneficios para la ciudad, que luego en seguida comenzó a se transformar rápidamente. Y comenzó a incomodarme mucho cómo las decisiones políticas en relación al espacio público estaban siendo tomadas, y consecuentemente la relación con las comunidades".
Marina Meliande decidió entonces rodar un filme sobre un personaje que se siente expulsado del lugar donde vive. Su cuerpo se transforma, entonces, en un centro de resistencia junto con la ciudad misma.

Organismo
Jeorge Pereira, Brasil, 2017, 96'

Diego, un joven tetrapléjico, se ve solo en casa después de la muerte fulminante de su madre. Sin tener cómo levantarse de la cama, debido a su condición física, se ve obligado a pasar días sin alimento hasta que alguien lo ayude. En ese proceso, bucea en un flujo de consciencia atemporal, que reúne recuerdos de infancia, deseos íntimos y conflictos personales.
El director Jeorge Pereira, quien se desplaza en sillón de ruedas y ya trabajó con apoyo de personas con deficiencia, comenta que el guión fue inspirado tanto en experiencias propias como en la de amigos: "La primera de ellas viene de la época en que trabajaba en la ONG de apoyo a la rehabilitación de personas con deficiencia, dirigida por un amigo. Cuando él me pidió ir al campo, me encontré una situación que llamó mucho mi atención. Conocía personas, muchos de ellos lesionados en accidentes de moto, se que volvieron deficientes después de adultos. Una cosa que ellos tenían en común era que, pasado un tiempo del accidente, se separaban de sus novias y esposas. Ellos mismas decían que no eran más hombres y que, por eso, no conseguían continuar la relación. Yo quise hacer un filme sobre la idea del cuerpo como algo que está vivo, que pulsa."

Sesiones Especiales: Ermanno Olmi, Mary Lambert, Nelson Pereira dos Santos y Harun Farocki

El árbol de los suecos
L'albero degli zoccoli
Ermanno Olmim, Italia, 1978, 186'

Para rememorar la obra de Ermanno Olmi, fallecido en mayo de 2018, el IMS de Rio de Janeiro presentó la versión restaurada de su ópera prima "El árbol de los suecos", Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1978. Rodado en la región de Italia de Lombardía, el filme reconstruye minuciosamente lo cotidiano de una familia campesina de fines del siglo XIX, inspirado en las historias que Olmi oía de su abuela.
En palabras del curador José Manuel Costa, el filme "no es ni una sucesión, ni un cruce de historias -ambos modelos ampliamente testados-, y estos hilos apenas poseen la consistencia de historias. Por otro lado, e incluso si el filme no puede dejar de referirse a la experiencia de Olmi con el género documental, si hay algo que se percibe desde temprano es hasta qué punto todo este movimiento está coreografiado u orquestado, de forma minuciosa y sutilísima." (Extracto del catálogo Ermano Olmi -Una excéntrica normalidad (2012), editado por Francesco Giarrusso por la editora Il Sorpasso)

Cementerio maldito
Pet Sematary
Mary Lamert, EUA, 1989, 103'

El Dr. Creed y su familia dejan Chicago para vivir en una pequeña ciudad del interior. La nueva casa está situada en un escenario idílico, sin embargo la autopista enfrente representa un peligro para los dos hijos de la pareja y para el gatito llamado Winston Churchill. Además, en el jardín de la propiedad, un camino de piedras lleva a un antiguo y misterioso cementerio de mascotas.
El filme de Mary Lambert es una adaptación del libro de Stephen King, que es también autor del guión. Treinta años después del lanzamiento de "Cementerio maldito", el negativo original fue escaneado y restaurado en 4K y una nueva versión de la obra llega a los cines, bajo la dirección de Kevin Kölsch y Dennis Widmyer. En entrevista al Site Slash film, la directora recuerda su primera impresión del guión: "Yo no me consideraba una directora de terror, pero quedé realmente atraída por este material, pues no era sólo un festival de sangre o de tortura porno, no eran adolescentes siendo asesinados en el sótano. Había allí una historia tan convincente sobre obsesión, era un drama familiar. El filme toma la emoción y el apego que está presente un grupo familiar y muestra el lado más oscuro de esta unión."
La música "Pet Sematary", de la banda Ramones, fue compuesta para los créditos finales del largo-metraje.

El amuleto de Ogum
O amuleto de Ogum
Nelson Pereira dos Santos, Brasil, 1975, 112'

Cercado por tres bandidos, un guitarrista ciego y anciano cuenta una historia. En ella, una mujer sufre el asesinato de su marido y decide llevar a su hijo a una ceremonia umbanda para "cerrar" el cuerpo. Gabriel pasa a estar "inmune" a la muerte, desde que él esté con el amuleto de Ogum y su madre esté viva.  Viniendo de Bahia, Gabriel desembarca en duque de Caxias y pasa a trabajar para un vendedor de billetes de juegos de azar, que pronto se iría a convertir en su enemigo.
Nelson Pereira vuelve con otro filme de bajo presupuesto y con los colaboradores habituales, como Hélio Silva y Luiz Carlos Lacerda, en este que, a pesar de ser su 11o filme, él lo califica como el primero. Conforme describe Nelson en testimonio para el Jornal do Brasil, publicado el 23 de febrero de 1975, la aproximación con la religión umbanda fue fundamental en el proceso de realización. "El guión fue mostrado a varios padres de santos, no sólo  a uno o dos, sino a varios, para sacar un promedio de las opiniones. Consulté en varios lugares donde se practican ceremonias umbanda y dentro de la película existe el propio Erlei, que interpreta al padre de santo que se hace cargo de Gabriel. Él es un babalawo y estaba siempre dando los consejos necesarios.
El objetivo era mostrar la religión umbanda sin los errores que existen cuando es vista como creencia popular, como folklore. Dejar de mostrarla como una práctica sub-religiosa, pretexto para sensacionalismos o impactos, como escenas donde se corta el pescuezo de un gallo sin explicar qué se encuentra detrás de aquello. Lo que buscamos fue mostrar la religión umbanda como la cosa natural que es."

La tienda de los milagros
Tenda dos milagres
Nelson Pereira do Santos, Brasil, 1977, 148'

El doctor Levinson, importante antropólogo americano llega a Salvador para pesquisar la vida y la obra de Pedro Archanjo, un mulato pobre autodidacta, bedel de la Facultad de Medicina, ya desaparecido. La noticia inmediatamente se desparrama por la ciudad, en los bares y en los lugares de culto del candomblé, inspirando muchos eventos, concursos, piezas de teatro e incluso un filme para rescatar la historia, hasta entonces, desconocida, de una gran figura popular bahiana.
"La tienda de los milagros" está basado en la novela homónima de Jorge amado, libro que fue publicado en 1968 y que, a su vez, está inspirado en la vida de Manuel Querino. El alumno del Liceo de Artes y Oficios de Bahía vivió entre la mitad del siglo XIX y los inicios del XX, y su trabajo fue pionero en los registros antropológicos y en la valorización de la cultura negra de Bahía.
En el periódico O Dia, en 1977, escribió Jorge Amado: "El filme 'La tienda de los milagros' es una obra de Nelson Pereira dos Santos, pensado, creado y concebido por él, Pero no deja de ser mío. Al final, en la sangre de Nelson que corre allí dentro, hay un poco de mi sangre."

Imágenes del mundo e inscripción de la guerra
Bilder der Welt und Inschrift des Krieges
Harun Farocki, Alemania Occidental, 1988, 75'

Filme-ensayo sobre el uso de imágenes operacionales (dibujos y fotografías realizados con finalidad técnica, sin pretensión artística) en procesos productivos, operaciones militares y como mecanismos de control. Harun Farocki se inspira especialmente en un conjunto de fotografías aéreas de Auschwitz tomadas por aviones de bombardeo norteamericanos, en 1944, pero que fueron descubiertos e identificados por dos funcionarios de la CIA apenas en 1977. El cineasta reflexiona sobre el rol del ojo como intermediario entre el ser humano y el mundo, y sobre cómo el punto de vista determina lo que vemos. El uso de imágenes tanto en proyectos de construcción como de destrucción están en el centro de sus indagaciones.

Intervalo
Aufschub
Harun Farocki, Alemania, Colera del Sur, 2007, 40'

Harun Farocki investiga un conjunto de escenas silenciosas, en blanco y negro, realizadas en 1944, en Westerbork, un campo de refugiados holandés creado en 1939 para albergar judíos que huían de Alemania. En 1942, tras la ocupación de Holanda, los nazis lo transformaron en un "campo de tránsito", donde los detenidos vivían antes de ser deportados nuevamente a Alemania. Las imágenes fueron realizadas por el fotógrafo judío Rudolf Breslauer, que vivió en Westerbork.
En su testimonio, Farocki relata cómo una vez en posesión de las tomas de Breslauer, "nos quedamos buscando detalles e intentando descubrir las intenciones de representación de cada secuencia a partir de informaciones del contexto. Me propuse hacer un filme dentro del espíritu de estos estudios, que registrase también el proceso de las investigaciones de las imágenes. El material básico es mudo y lo mantuve así, agregando sólo las leyendas. Las imágenes deben hablar por sí mismas." (Extracto del texto "Berta Roja va andando sin amor", disponible en el catálogo de la exposición Harun Farocki: quien es responsable?)

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Adriana Schmorak Leijnse