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Festivales

18º BAFICI

 

Festival Internacional de Cine de Buenos Aires
Del 13 al 24 de abril de 2016

 

El país invitado en esta edición fue Estados Unidos. A menos de un mes de la visita oficial del presidente Barack Obama a la Argentina, se acercaron al país los cineastas estadounidenses Rick Alverson y Bob Byington para presentar sus últimas películas, Entertainment y 7 Chinese brothers, respectivamente. El festival ofreció, además, sendas retrospectivas de las obras de los directores. Desde Norteamérica llegó también Peter Bogdanovich, el célebre director, productor y guionista de Hollywood, a quien se le dedicó una retrospectiva que incluyó clásicos como Míralos morir, ¿Qué pasa, Doctor? y Luna de papel. Otros invitados especiales fueron el portugués Paulo Branco (productor independiente de directores como Raoul Ruiz, Manoel de Oliveira, Chantal Ackerman, Win Wenders y Pedro Costa) y el compositor francés Michel Legrand, creador de bandas sonoras de películas como Los paraguas de Cherburgo, que también se proyectó en las pantallas del BAFICI. Las visitas internacionales se completaron con la presencia de Merlin Crossingham, director artístico de los estudios de animación Aardman; Yue Song, guionista, director, productor, actor y experto en artes marciales que presentó su último film, The bodyguard; Daïchi Saïto, el director japonés fundador del colectivo artístico Double Negative; y Lewis Bennet, el realizador canadiense responsable de The sandwich nazi, de quien se proyectaron todas sus películas.

En materia de premios, el cine argentino consiguió un lugar privilegiado. La larga noche de Francisco Sanctis, de Andrea Testa y Francisco Márquez, triunfó como Mejor Película dentro de la Competencia Oficial Internacional; y Diego Velásquez obtuvo el premio al Mejor Actor por su labor en ese film. La larga noche… fue seleccionada, además, para competir en el festival de Cannes. La película de Edgardo Castro La noche, por otra parte, recibió el Premio Especial del Jurado dentro de la Competencia Internacional. Finalmente, dentro de la Competencia Oficial Latinoamericana el premio a la Mejor Directora fue para la argentina María Aparicio, por su película Las calles.

Fueron doce días intensos, como todos los años. En paralelo a las proyecciones hubo presentaciones de libros, mesas redondas, exposiciones de fotografías, talleres y hasta un concierto de Michel Legrand en el teatro Colón. Los organizadores del evento se enorgullecieron de haber proyectado películas provenientes de los cinco continentes y de haberle dado lugar a una importante cantidad de premières. Y sin lugar a dudas, la noticia más destacable fue la incorporación de la Competencia Oficial Latinoamericana. En medio de todo eso, la tensión entre el gobierno de turno y el colectivo compuesto por artistas y público no dejó de atravesar cada sala de proyección y cada espacio de desarrollo de actividades especiales. El 18° BAFICI dejó en claro que en la ciudad de Buenos Aires la Cultura está siendo más que nunca un territorio en disputa.

A continuación, todos los premios:

Competencia de cortos argentinos
Menciones especiales: Berlín, de Luciano Salerno; y Un ejercicio para no olvidar, de Gabriel Bosisio.
Tercer premio: Error 404, de Mariana Wainstein
Segundo premio: El mes del amigo, de Florencia Percia
Primer premio: Los días felices, de Agostina Guala

Competencia de derechos humanos
Mención especial: Ombre della sera, de Valentina Esposito (Italia)
Mejor película: A Maid for Each, de Maher Abi Samra (Líbano)

Competencia Vanguardia y Género
Mejor Corto: Vintage Print, de Siegfried Fruhauf (Austria)
Mejor Largo: Bone Tomahawk, de S. Craig Zahler (Estados Unidos)
Gran Premio: Stand by for Tape Back-up, de Ross Sutherland (Reino Unido)

Competencia Oficial Latinoamericana
Mención Especial: La última navidad de Julius, de Edmundo Bejarano (Bolivia)
Mejor Directora: María Aparicio, por Las calles (Argentina)
Mejor Película: Inmortal, de Homer Etminani (Colombia/España)

Competencia Oficial Argentina
Mención Especial: Raídos, de Diego Marcone
Mejor Directora: Melisa Liebenthal, por Las lindas
Mejor Película: Primero enero, de Darío Mascambroni

Competencia Oficial Internacional
Mención Especial: Rosa Chumbe, de Jonatan Relayze Chiang (Perú)
Mención Especial: John From, de João Nicolau (Portugal-Francia)
Mejor Actor: Diego Velázquez, por su labor en el film La larga noche de Francisco Sanctis, de Andrea Testa y Francisco Márquez (Argentina)
Mejor Actriz: Liliana Trujillo, por su labor en el film Rosa Chumbe, de Jonatan Relayze (Perú)
Mejor Director - Competencia Oficial Internacional: Tamer El Said por In the last days of the city (Egipto)
Premio especial del Jurado: La noche, de Edgardo Castro (Argentina)
Mejor Película: La larga noche de Francisco Sanctis, de Andrea Testa y Francisco Márquez (Argentina)

Por Soledad Pardo

Bafici 2016

 

 

BAFICI 11 - Cobertura de la competencia Argentina


Del 25 de marzo al 5 de abril 2009 

 
Dedicarse a ver casi toda una sección, puede servir como disparador para analizar un tema, y en este es una posibilidad pensar en el tema de la identidad. Muchas veces se entiende el cine argentino en términos unívocos, o con características comunes a todos los films realizados en ese contexto. Y muchas veces en la historia del cine argentino ha sido en algún punto de ese modo. Pero luego de ver la diversidad de films que la Sección Oficial Argentina ofreció en el Bafici, se cuestiona la posibilidad de poder hablar del cine argentino como fenómeno unívoco, porque las estéticas propuestas pueden responder a escuelas, a tendencias actuales o a estilos propios, de autor, que rompen la búsqueda de una identidad en términos generales, dando lugar a la búsqueda de la identidad individual o de grupo.
Dentro de la sección se ve esa diversidad, tanto en la bifurcación de los films entre lo documental y la ficción como en la separación dentro de cada forma de expresión, porque los documentales no cuentan desde el mismo lugar como tampoco narran desde el mismo lugar las ficciones. Además, en el rastreo -de una breve muestra de lo que pasa hoy en día en el cine independiente que se produce en Argentina- se pudo ver la diversidad en las temáticas, en las estéticas y en los modos de producción. Porque el contexto en que muchos films se producen, marca las diferencias en las propias poéticas. Habría que aclarar que en la diversidad no es dónde se encuentra lo correcto o incorrecto de la búsqueda, sino que dentro de cada poética puede haber logros o errores que no dependen de una contraposición, de una escuela determinada o de un modo de producción específico.
Entonces, desde esta perspectiva se encontraron: documentales que plantean mostrar una mirada sobre un mundo concreto desde cierta objetividad (por la invisibilidad de la cámara) en sus imágenes al construir su film como casi un trabajo de campo (Soy Huao de Juan Baldana), documentales que no conciben la objetividad y consideran toda reconstrucción de la historia con una mirada propia (Rosa Patria de Santiago Loza), documentales que proponen jugar con esta forma de expresión dando cuenta de esa construcción, como son los fake (8 semanas de Alejandro Montiel/Diego Schipani) y documentales en que la subjetividad intenta ser depositada en los propios personajes tratando de hacer desaparecer la mirada del autor (Criada de Matías Herrera Córdoba); como también se pudieron ver: ficciones que buscan privilegiar lo poético de los planos frente a la linealidad de la narración (La madre de Gustavo Fontán), ficciones que utilizan lo poético para remarcar determinados interludios o momentos precisos del film (Bonus Track de Raúl Perrone), ficciones que combinan en su expresión lo onírico con lo real (77 Doronship de Pablo Agüero), ficciones que retoman el ritmo de la comedia slapstick, para dar cuenta del género dejando de lado la solidez del contenido (Castro de Alejo Moguillansky) y ficciones que manejando distintos códigos en el humor tuvieron como objetivo narrar casi de modo lineal una historia particular (Plan B de Marco Berger)
Ahora, dentro de esta notable pluralidad, que más que una identidad unívoca compone un mosaico del cine argentino, se pueden encontrar algunos elementos comunes en parte de los films mencionados que no necesariamente se repiten del mismo modo en los otros. Por ejemplo si pensamos en planos que buscan extender su duración para agotar la función de la imagen y para que el espectador tenga el tiempo necesario para apreciar su encuadre y composición, nos encontramos con un film como La madre que mediante los primeros planos de los rostros y los planos detalle que realiza sobre la naturaleza logra dar cuenta del vacío de los personajes, sin perder belleza en la fotografía. Una búsqueda temporal similar se da en el film de Perrone, pero ya no desde los primeros planos, sino contextualizando a los personajes en su lugar: la calle. Además, esos planos, acompañados por la música y la belleza nuevamente de la fotografía, si bien encuentran el mismo resultado en cuanto al conflicto de los personajes, no son trasladados a todo el film articulándose como parte estructural de aquel, sino que en este caso funcionan como pausas en la narración.
Quizás la diferencia más radical entre los films se dé con Castro, en el que el tiempo es utilizado ya no con la intención de agotar las posibilidades de cada plano sino con la intención de agotar las posibilidades del montaje y su movimiento, porque la búsqueda en este caso radica en generar un ritmo marcado y rápido. Este ritmo no es inocente porque también tiene una función a nivel de la narración, al acompañar a los personajes en su construcción mecánica, en sus conflictos. Igual habría que agregar que no es la diferencia temporal entre los films solamente lo que indaga sobre las poéticas, sino que la tendencia de un film como Castro responde a un sistema de narración que intenta vaciar el contenido para lograr situaciones hilarantes, o como mal se denomina, absurdas. Ahora bien, ¿Podemos afirmar que por proponer otro trabajo temporal u otro trabajo narrativo, la identidad del cine argentino se va a basar de aquí en adelante en ese tipo de poética? Creemos que no, porque esta tendencia está depositada en una escuela particular que no representa la totalidad del cine, porque en lo que podríamos llamar cine argentino conviven esa escuela, con las poéticas de otras, tanto provenientes de Buenos Aires como provenientes por ejemplo de Córdoba (ese es el caso de este Bafici).
Ese es el ejemplo de Criada, un film que desde la intención de documentar la vida de Hortensia, prefiere brindar tiempo a las imágenes, para depositar lo poético en éstas, destacando el paisaje que exacerba las características del campo y muestra un mundo distinto a los expuestos en el resto de los films, aunque no menos crítico, porque deposita en el personaje la posibilidad de dar cuenta de las injusticias sociales que atraviesa Hortensia. Entonces, Criada tiene la intención de mostrar parte del modo de ver de Herrera, que evidentemente, nace de su contexto. Lo mismo sucede con Rosa patria que también se genera a partir de un interés por filmar desde una mirada marcadamente subjetiva, la vida de Perlongher y el contexto histórico en el que vivió y produjo. Por eso consideramos que en estos casos podemos ver una hoja histórica del cine argentino que se separa de otras tantas.

Jimena C. Trombetta
Rosa patria
Rosa Patria

Criada
Criada

Plan B
Plan B

Castro
Castro

77 Doronship
77 Doronship

 

BAFICI 11 - Acerca de la distribución del cine independiente


Del 25 de marzo al 5 de abril 2009 

 
Uno de los aspectos del Bafici que menos atención suele recibir es aquel que lo transforma no solo en vidriera del cine independiente local e internacional para el público en general, sino también en posible plataforma de distribución de ese cine en las salas comerciales del país. El cine es (o puede ser, en todo caso) arte e industria a la vez, y aún el que es realizado fuera del marco de las grandes productoras o estudios cinematográficos pretende llegar a la mayor cantidad posible de pantallas.
La Industry Office, u Oficina de la Industria, es el área del Bafici que se dedica precisamente a ello, proponiéndose como espacio para promover el encuentro entre los diversos integrantes de la actividad cinematográfica nacional e internacional: productores, distribuidores, agentes de venta y programadores de festivales. Marché du film, Market, Mercado de cine, Film Office e incluso también Industry Office son algunos de los nombres que recibe este espacio de reunión entre diversos agentes de la industria cinematográfica en los distintos festivales de cine del mundo. Dentro del Bafici, la difusión y comercialización de películas independientes es el fin último de la Industry, que ofrece además una serie de servicios. Entre ellos se destacan la agenda de encuentros, mesas redondas y master classes  (desarrolladas en el marco de las Actividades Especiales del festival) y la publicación del Manual de la Industria Cinematográfica (tanto en versión impresa como virtual) que, con un diseño similar al del manual de la industria del festival de Rotterdam, ofrece los datos de contacto de aquellos participantes del festival que se dedican a la producción y distribución de cine, así como a la  programación en festivales.
En esta última edición del Bafici la Industry también se encargó de hacerle llegar a las distribuidoras argentinas una selección de films recomendados por su equipo de programadores. Se trata de doce películas elegidas entre todas las que integraban la grilla de programación, y que se consideraron portadoras de muy buenas perspectivas comerciales. Todas ellas han recibido el aplauso de la crítica en el mundo y han participado en festivales internacionales, obteniendo premios en algunos casos. Por tales motivos, e intentado promover la distribución del cine independiente en Argentina, la Oficina de la Industria del Bafici invitó a las distribuidoras locales a ver 35 ruhms (Claire Denis), Filmefobia (Kiko Goifman), Il divo (Paolo Sorrentino), Les bureaux de Dieu (Claire Simon), Pranzo di Ferragosto (Gianni di Gregorio), Rachel (Simone Bitton), Sita Sings the Blues (Nina Paley), The day after (Lee Suk-Gyung), Un autre homme (Lionel Baier), Vacation (Hajime Kadoi), Yuri´s Day (Kirill  Serebrennikov) y Wendy and Lucy (Kelly Reichardt). Este último film además fue objeto de análisis en el libro de autores varios El cine de Kelly Reichardt, el sueño (americano) terminó, dedicado a su directora y editado por el propio festival.
Teniendo esto en cuenta, se nos imponía la pregunta acerca de los criterios de selección de estos films. ¿Qué tienen todos ellos en común, si es que tienen algo? ¿Por qué se consideran potencialmente más exitosos a la hora de ser exhibidos en salas comerciales que cualquier otro film de la extensa grilla del festival?
No parece muy sencillo responder a esas preguntas. A simple vista las películas que conforman la lista no evidencian tener mucho en común. Pertenecientes a diversas secciones del festival, las propuestas incluyen documentales, films de ficción, películas de animación, películas fotografiadas, películas con fotografía color, películas en blanco y negro, dramas, comedias… Por otro lado, incluso estas categorías no dejan de ser algo difusas, ya que en algunos casos se desdibujan o se mezclan entre sí. Tenemos el caso de Sita Sings the Blues, por ejemplo, que combina la fantástica historia de la diosa Sita con la auto-biografía ficcionalizada de su propia directora, Nina Paley. Un cruce similar entre ficción y realidad puede verse en Les bureaux de Dieu, film basado en testimonios reales recogidos en centros de planificación familiar entre 2000 y 2007, que son reconstruídos por el elenco de actores; o incluso en The day after, que siendo pura ficción  está sin embargo teñido levemente de autobiografía, según sostiene su directora.  Y podríamos seguir enumerando ejemplos…
Es evidente entonces que no hay preferencias por parte de los programadores por un género en particular o por una temática específica, así como tampoco parecería que tuvieran preferencia por ciertos rasgos formales sobre otros. Tal vez haya que volver entonces a aquello que señalábamos unas líneas antes y que constituye unos puntos en común muy concretos entre los films: por un lado, ninguno de ellos forma parte del grupo de películas que hacen su premiére mundial en el festival, sino que todos fueron previamente programados en otros festivales del mundo. Wendy and Lucy en Cannes 2008, Yuri´s day y Un autre homme en Rotterdam 2009, The day after y Rachel en Berlinale 2009, Pranzo di ferragosto y 35 Ruhms en Venecia 2008 (esta última en selección oficial) son solo algunos ejemplos. Sin duda esto no es un detalle menor, el pasar por otros festivales y, en algunos casos,  recibir premios, marca un piso de prestigio y calidad que transforma al film en particularmente interesante para ser distribuido. Pero al mismo tiempo fue también la crítica periodística en diversos medios la que elogió a todas estas películas. Esto también transforma indudablemente a los films en material atractivo a los ojos de cualquier distribuidor. Una película a estrenar en sala comercial requiere algo más que su aclamación previa en un festival de cine: si además de eso los periodistas de espectáculos de medios masivos la recomiendan, su capacidad de llegada al público general se vuelve mucho mayor. A propósito de Wendy and Lucy, por ejemplo, Manohla Dargis del New York Times afirmó que "En pocos años Reichardt se ha convertido en una de las directoras más prometedoras de su generación". En Argentina, la revista Los inrockuptibles aseguró que 35 Ruhms es -entre las películas de  Claire Denis- "Uno de sus mejores films. Una obra sublime".  Jay Weissberg, de Variety, afirmó sobre Il divo que es "Un intenso film político tan tremendamente inventivo e ingenioso que se convertirá en un hito en los próximos años: Il Divo es una obra maestra". Asimismo, Natasha Senjanovic de The Hollywood Reporter sostuvo acerca de Pranzo di ferragosto: "Divertida, dulce película que conquista al público con un extraordinario elenco de mujeres mayores". Nuevamente, no son más que ejemplos tomados casi azarosamente y que podrían extenderse mucho más, pero que de todos modos nos permiten comprobar la aprobación que recibieron estos films por parte de los medios. Suponemos que dicha aprobación, sumada a la recibida por parte de instituciones de prestigio como pueden ser determinados festivales de cine, transforman a las películas en doblemente interesantes: prometen llamar la atención tanto del público especializado como del público general; y por ende ser un éxito en las boleterías.
Pero más allá de cuestiones de consagración externa, hay algo en este corpus de films que habla del perfil del Bafici en tanto festival y de la línea estética que sigue. Puntualmente nos referimos al hecho de que la mayoría de estos films, salvo escasas excepciones, han sido dirigidos por realizadores cuyas películas anteriores formaron parte de la programación de ediciones pasadas.
Paolo Sorrentino, quien este año presentó Il divo, presentó L'Uomo in più en el Bafici 2001 y L'Amico di famiglia en 2007. De Claire Simon, directora de Les bureaux de Dieu, se exhibió Ça brule en el Bafici 2007, del que además fue jurado. Gianni Di Gregorio, realizador de Pranzo di ferragosto presentó L'Imbalsamatore en la edición 2003. De Simone Britton, directora de Rachel, se vio el documental Mur, ganador de un premio en Sundance, en el Bafici 2005. Finalmente, Kelly Reichardt participó con Old Joy en la edición 2007 del festival, como parte de la competencia oficial; y este año se editó el ya mencionado libro El cine de Kelly Reichardt, el sueño (americano) terminó, con artículos y entrevistas sobre su obra.
Tendremos que concluir entonces que las preguntas que nos hicimos inicialmente tienen más de una respuesta. Por un lado es innegable que el recorrido previo al Bafici de estas doce películas las posiciona en un lugar prometedor. El éxito por partida doble -a nivel popular en medios de comunicación masivos y desde la óptica de la recepción especializada de los festivales de cine- augura un posible éxito similar si se estrenan en salas de cine comerciales. Y por otro lado, es el propio festival quien confía en la calidad de estas películas y en el nivel de sus realizadores, a quienes sigue invitando a participar de él. 
Sin duda son doce películas más que interesantes. Cada una a su manera, dentro de su género y a partir de su particular propuesta, llama la atención del espectador por diversos motivos. De los maravillosos dibujos animados de Nina Paley, con sus colores saturados y todo su barroquismo, a la seca contundencia del documental de Britton; pasando por la simpatía de las señoras que retrata Di Gregorio con un clásico estilo de comedia italiana o la delicadeza en cada fotografía del film de Reichardt, puede decirse que cada película hace hincapié en alguna cuestión puntual que sabe desarrollar muy bien. Tal vez sea eso lo que también tienen en común los films: el hecho de moverse en su campo de acción con solidez, proponiendo cada uno algo distinto pero cumpliendo con lo que prometen, sin pretensiones de más. Por supuesto esto podría ser objeto de un extenso y detallado análisis, película por película. Si bien no es ese nuestro objetivo en esta ocasión, sí lo es el de señalar posibles explicaciones a la elección de estos films como corpus a ser exhibido con vistas a su posible futura distribución en Argentina. El probado éxito internacional de las películas frente a diversos públicos, sumado a la fe que deposita el festival en el potencial y la capacidad de ciertos directores, y a la calidad que evidencia cada película en el marco de su propuesta específica; son por el momento nuestras hipótesis.

Soledad Pardo
Filmefobia
Filmefobia

Il divo
Il divo

Les bureaux de dieu
Les bureaux de dieu

Pranzo di ferragosto
Pranzo di ferragosto

Rachel
Rachel

Sita sings the blues
Sita sings the blues

The day after
The day after

Vacation
Vacation

Wendy and Lucy
Wendy and Lucy

 

La ruina en diálogo


12º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria
1 al 9 de abril de 2011

 
El cine, la imagen en movimiento, es en sí misma una suerte de memoria, un testigo que incluso en su naturaleza ficticia,  responde de una manera casi análoga a la construcción del recuerdo por parte del individuo. La creación de imaginarios y la propia reflexión de uno mismo y de su tiempo es la base de casi todas las historias.
Cuando descuidamos el tiempo, cuando dejamos de habitarnos, de reconstruirnos, cuando miramos sólo hacia delante, con el miedo terrible de convertirnos en sal, nace la ruina. La ruina convierte los edificios deshabitados en fantasmas, ánimas sin descanso de lo que no termina de ser. Cómo si, el pasado más inmediato, el tiempo reciente, no pudiera  morir en paz; entonces la  herida mal curada, el dolor del desarraigo, la violencia.
Crecer sobre la ruina es elegir de entrada un mal cimiento y eso parece  que ocurre con este futuro esquizofrénico, por lo poco que tiene de referente y medio loco, en una deriva total, amnésica.
Otro tipo de ruinas, menos obvia en el paisaje pero que configura sociedades enteras, es la ruina moral, la falta de atención a nosotros mismos como individuos plenos.  En este punto el crecimiento es imposible, el ser humano mutilado en la moral se convierte en animal y, otra vez la herida que no cicatriza, hace que simplemente envejezcamos sin que la experiencia haya pasado por nosotros de una manera distinta a la erosión.
Parece que en casi todas las nuevas películas que concurrían a concurso en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, esta reflexión estuviera presente, aunque puede que en muchos de los casos de forma involuntaria, como una manera de dialogar con el pasado y la necesidad brutal de este presente de encontrarse.
La película Jean Gentil, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (República Dominicana, México, Alemania, 2010) ganadora de la Lady Harimaguada de oro, en un plano aéreo de la ciudad nos muestra, en última instancia, una ciudad construida sobre la ruina, en todos los sentidos que la palabra ruina alcanza, casas que nacen de ruinas y que son en ese preciso momento ruinas cimientos de más ruinas, como en un juego de espejos y muñecas rusas. La ruina del personaje también se expone, no sólo en el sentido más común ( no tiene dinero, ni casa…) sino en un sentido profundo: la incapacidad vital de entender el  presente, el desarraigo absoluto de la lógica y la ineficiencia de la fé como herramienta de adaptación.
Por seguir el hilo conductor del palmarés, en la cinta china Jiabiangou / The Ditch de Wang Bing, que logró el Premio Especial del Jurado, el Premio del Público y el Premio Signis, ocurre también esto de un modo diferente: la ruina social. Aquí se nos muestra al individuo desposeído de todo, y cómo esta miseria del horror nos deja huérfanos de dignidad, arruinados moralmente y sin redención posible. Los cadáveres amontonados, enterrados por el propio desierto, desposeídos de identidad, dialogan con los vivos, convirtiéndose así esta imagen,  en pasado, presente y futuro que aniquila la memoria de los habitantes del campo de concentración, convirtiéndoles en bestias.
En otras películas a concurso aparece la metáfora de la ruina de un modo más gráfico, con la ruina del urbanismo de la revolución  griega en Attemberg. No es casual que el padre moribundo de la protagonista sea arquitecto. La despedida de su padre se convierte en viaje iniciático, funcionando esta dualidad padre-hija como metáfora de la era post-industrial, Marina representa al nuevo siglo y su padre al siglo que se muere "y no te he enseñado nada", le dice él. Las ruinas de un pequeño pueblo de Grecia rodeado de fabricas,  sirven a la narración como marco histórico que redondea la metáfora; las capas se suceden solapándose, no hay revolución sino un destino en ruinas: el "urbanismo de la muerte".  Dejando a la generación futura en ese contexto de arquitecturas muertas, desposeídas, descuidadas, el futuro no encuentra aquí ni su arraigo en el presente y encara el nuevo siglo sin haber aprendido nada.
Otras referencias autobiográficas  generacionales como True Love o Somos Nosotros, retratan  sus ciudades como el contexto en el que se mueven, asumiendo la ruina como parte integradora de lo cotidiano, pero las imágenes de los edificios vacíos, (los no lugares en las ciudades, las casas derrumbadas, antiguas fábricas…) fascinan a los realizadores por lo que tienen de poético y de narración, asumiéndolas en su presente y mostrándolas como parte de este tiempo que nos toca, que corre raudo entre los despojos del pasado.
Hi-So la película tailandesa del director Aditya Assarat, muestra con el tsunami de fondo, escenarios que retratan un país aún en reconstrucción ó a punto del derribo. No hay tiempo para reconstruir pasados y la identidad se diluye en la propia inmediatez de la joven vida.
En Ocaso de Thèo Corte, la vieja casona otrora señorial y llena de vida, aparece como un espectro feudal embalsamado, residuo de un tiempo pasado que persiste convertido en ruina.
El relato mitológico de la aldea de Malasia en Year without a summer, nos cuenta cómo el marinero que parte y vuelve a la aldea ya no encuentra su sitio; el mundo cambia y la huida a veces nos deja la vida en el camino.
Otro ejemplo de la necesidad de explicar el presente a través de la memoria y  de cómo fueron necesarios  sacrificios ideológicos para adaptarse a las nuevas necesidades de los tiempos es la cinta de Pablo LLorca, El mundo que fue y el que es, que sugiere, casi al final, cómo el protagonista, interpretado por Pedro Casablanc, premiado como mejor actor en esta edición, intenta comprender éste mundo después de aquellos años de lucha, otra vez, pero a la inversa, esa necesidad de comprender este tiempo.
Estos son algunos ejemplos, que en esta breve muestra parecen concluir que  la necesidad de explicarnos, de entendernos, es vital para construir un futuro sólido de individuos con memoria y  no de seres alienados de sí mismos. Porque saber de dónde venimos nos permite reformularnos en una identidad que nos deje avanzar sanos, con las cicatrices necesarias, pero con la atención que se merecen las heridas.
El retrato que es el cine por lo que sugiere de nosotros y del otro, convierte a este arte en un testigo fundamental de nuestra historia, y parece necesario tanto para los creadores como para el público que se posibiliten estas reflexiones. El Festival Internacional de Las Palmas de Gran Canaria, sigue apostando por el cine aún a costa de lo incómodo y lo no convencional, en una dirección clara hacia el cine como arte. Ahora que los cines pueblan las ciudades como ruinas de otro tiempo, iniciativas como esta demuestran que es posible reencontrarnos a la luz del proyector.
 
Nira Rodríguez
Attenberg
Attenberg

Ditch
The Ditch

Hi-Sol
Hi-Sol

Jean Gentil
Jean Gentil

Pablo Llorca
Pablo Llorca

Ocaso
Ocaso

 

Festival Internacional de Cortometrajes de Clermont-Ferrand 2011


Por 33er año consecutivo, el cortometraje ha sido homenajeado en Clermont-Ferrand del 4 al 12 de Febrero pasado.

 
El Festival se ha convertido, con los años, en una cita ineludible para el cortometraje en Europa.
Pero además del festival, que presenta trabajos más o menos inéditos, el Mercado del Cortometraje, que existe desde hace 26 años, moviliza a profesionales del mundo entero.
Muchos expositores estaban presentes, con una fuerte representación francesa incluyendo en particular a la Agencia del Cortometraje, el CNC y Unifrance.
Varios Festivales -provenientes de numerosas regiones del mundo- estaban también presentes, así como numerosas Films Commissions e instituciones públicas.
Menos numerosos fueron los canales de televisión que se desplazaron para adquirir nuevos títulos, aunque siguen siendo fieles asistentes.
Así, la cadena de televisión francesa Canal+ cumple un rol muy importante en el seno del festival. Una treintena de profesionales del canal están presentes cada año, y la velada organizada por la cadena de televisión es un evento ineludible para los festivaleros.
De esta manera, Canal+ afirma su posición de defensor del cortometraje. Además edita regularmente un DVD intitulado La Colección, reuniendo varios cortometrajes especialmente creados a este efecto por las personalidades del espectáculo.
Como en todo mercado que se respeta, se organizan proyecciones "de mercado"  además de las del festival, para intentar convencer a los potenciales compradores (esencialmente las cadenas de televisión, a las cuales se suman algunas plataformas VOD o salas de cine).
Pero los negocios son difíciles para los cortometrajes y la crisis se hace sentir.
Como ejemplo, puede citarse la cadena de televisión ARTE que se había impuesto como uno de los principales compradores de cortometrajes, y quien ha debido reducir su presupuesto de compras en un tercio el año pasado.
Con respecto al Festival, hallamos un panorama exhaustivo de la creación actual de cortometrajes.
Todas las zonas geográficas están representadas, y todos los estilos están allí, del documental al experimental, pasando por el drama o la comedia.
Varios premios son otorgados en cada una de las tres principales secciones de la competencia: Competencia Nacional, Competencia Internacional y Labo. Esta última, más experimental, presenta un panorama particularmente interesante y completo de la creación de cortos. Los trabajos presentados por esta sección se destacan por su gran libertad de creación y su creatividad.
Este año es el cortometraje Night Mayor, realizado por Guy Maddin (realizador entre otros del largometraje The saddest music of the world  con Isabella Rossellini), que ha ganado el Gran Premio de la sección Labo.
Además de sus múltiples proyecciones, el festival organiza los célebres "encuentros con profesionales" que permiten a los jóvenes realizadores ser confrontados a los profesionales del medio (compradores, distribuidores, buscadores de talentos), y saber más sobre el potencial de sus obras.
Estos encuentros se hacen de manera muy libre y muy relajada, y los participantes son libres de hacer preguntas y dialogar con los profesionales.
Está de más decir que el festival es, ante todo, un lugar de encuentros y de intercambios ideal para todos los profesionales del cortometraje.
Los realizadores y productores son mayoría, pero los compositores, los gerentes de salas, los vestuaristas, los periodistas, se desplazan también en busca de oportunidades.
El ambiente es bueno, la media de edad más bien joven, y el festival está cargado del dinamismo y la vitalidad de aquéllos que tienen todavía todo a ganar.
El cortometraje, formato clave de la creación audiovisual contemporánea, tiene un futuro promisorio.

Mélanie Romat
Festival Internacional de Cortometrajes de Clermont-Ferrand 2011

 

La Nueva Ola del Cine Rumano en el IFFR


Como una rumana que vive en el extranjero, rara vez tengo la oportunidad de estar orgullosa de mi país de origen. Una de las pocas oportunidades es el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, la ciudad donde vivo. Durante los últimos 5 años, el festival siguió presentando nuevas e interesantes películas rumanas, y los críticos de cine han sido mayoritariamente elogiosos con la "Nueva Ola de Cine Rumano". 
Esta "Nueva Ola" empezó en 2005 con la proyección en Cannes de la película La muerte del Señor Lazarescu de Cristi Puiu, un principiante cuyo nombre no estaba aún bien establecido, en ese momento, en Rumania o en el exterior. El credo declarado de Cristi Puiu en este filme, y en sus creaciones posteriores, era desdibujar la frontera entre el documental y la ficción. Vi esta película en el festival de Rotterdam sin saber nada sobre su credo, me sentí impresionada por la falta de comentario y reflexión ofrecida por el filme.  Aunque la historia es una tragedia con posibles ramificaciones morales, la película no toma postura moral alguna, no hay bueno ni malo en la película, solamente el ojo neutral de la cámara.
Esta tendencia "realista" fue adoptada por otros directores rumanos, que continuaron presentando gente común en sus dramas cotidianos con lujo de detalles, siempre absteniéndose de comentar. Algunas de estas películas fueron presentadas primero en Cannes y sólo después vinieron a Rotterdam, como la muy elogiada 4 meses, 3 semanas, 2 días (de Cristian Mugiu, ganadora de la Palma de Oro en Cannes en 2007). Después de ver y apreciar La muerte del Señor Lazarescu,  empecé a seguir sistemáticamente a la "Nueva ola rumana" en el festival de cine de Rotterdam.
Este año vi dos películas rumanas en el festival , y aunque forman parte de esta misma "nueva ola", son a la vez muy diferentes. Aurora es la película más reciente de Cristi Puiu, una maratón de tres horas presentando en mínimos detalles lo que el personaje principal (interpretado por el mismo Cristi Puiu) hizo algunas horas antes y algunas horas después de cometer una serie de homicidios. Martes, después de Navidad (2010) es la película más reciente de otro representante ilustre de la "Nueva ola", Radu Muntean, que presenta los preparativos en torno de la Navidad, otra vez con el menor detalle,  de una familia que está a punto de ser destrozada por las relaciones extramatrimoniales del esposo.
Ambas películas presentan los hechos ocurridos en un muy breve periodo de tiempo, máximo dos días.  Ambas tienen hombres de edad mediana, pertenecientes a la clase media, con hijos, como personajes principales. Sin embargo los dos hombres no podrían ser más diferentes. Viorel (el personaje encarnado por Cristi Puiu) es un personaje introvertido y solitario, uno puede sentir vagamente que está insatisfecho con la vida, que ha sido pisoteado y está furioso, pero esta información surge a partir de muy pocos indicios y pistas, raramente del diálogo (apenas hay algún diálogo en las tres horas de película) y nada de lo que él hace realmente lo prepara a uno para la masacre que se avecina.
Paul (interpretado por Mimi Branescu) es exitoso, extrovertido y muy amado por las dos mujeres en su vida y por su hija. Se expresa con sinceridad y emoción, y logramos saber mucho sobre su vida interior y sus sentimientos a través del diálogo.
El tono, el ritmo, las pretensiones e intensidades de ambos filmes son también muy diferentes. Martes, después de Navidad es una joyita que no pretende mucho pero lo entrega todo, mientras que Aurora de Cristi Puiu promete y demanda mucho de la audiencia sin transmitir algo tan especial que valga las tres horas de estar sentado en el cine.  Curiosamente, las entrevistas que leí en Internet de los dos directores, dan más o menos la misma impresión que las películas: Cristi Puiu parece distante y pretencioso, mientras que Radu Muntean parece humilde, amigable y cálido.  Habiendo visto sus películas previas en el festival de cine de Rotterdam, pude ver mucho mejor cómo los nuevos trabajos encajan en la filmografía de estos dos directores. Cristi Puiu es atraído por preguntas enormemente significativas como la muerte y el homicidio (aún presentándolos en sus menores detalles, lindando con lo trivial), mientras que Radu Muntean es un maestro de los pequeños bosquejos sobre la vida de un casado con hijos.
Crtisti Puiu parece haber pasado de documentar la trivialidad y la falta de sentido de la muerte (en La Muerte del Señor Lazarescu) a documentar la trivialidad y la falta de sentido del asesinato (Aurora). Mientras la "verdad desnuda" en el primero me impresionó y me quebró, me quedé más bien insensible al segundo. No puedo señalar qué hizo la diferencia, excepto decir que la longitud de la película no colaboró sino que empeoró las cosas. También, pude ver al ser humano detrás del moribundo Señor Lazarescu, mientras que era muy difícil ver al ser humano detrás de Viorel, el asesino, aunque la cámara lo sigue atentamente durante tres horas. Tal vez ésa es la idea de la película: si eres capaz de cerrarte tanto a tu semejante y volverte tan impenetrable, entonces estás compelido a estallar en algún lugar, algún día, igual que una bomba de tiempo.
Radu Muntean mudó del personaje masculino Bogdan (Boogie), que tiene un vano encuentro sexual con una prostituta, en honor a los "buenos viejos tiempos" con los amigos, para volver con su esposa y pretender que nada ocurre, hasta el personaje masculino de Paul, que está profundamente enamorado de dos mujeres, su esposa y su amante, y enfrenta brevemente y honestamente cualquier consecuencia que esta inaceptable situación le acarree en su vida. Para mí, la película más reciente de Radu Muntean (Martes, después de Navidad) realmente se las arregló para aportar otra profundidad de sentimiento y complejidad al mismo tema doméstico previamente bosquejado en Boogie. 
A pesar de mi tono crítico hacia Aurora, estoy seguramente obligada a chequear las producciones de estos dos directores en las futuras ediciones del Festival Internacional de Cine de Rotterdam.

Raluca Popa
Corresponsal en Rotterdam, Países Bajos
IFFR 2011

 

3er Festival Internacional de Cine Latino de París



La actriz argentina Julieta Díaz recibe el premio La Flor Latina al mejor actor en nombre de Ricardo Darín por La Señal.
 

 


Del 13 al 20 de octubre de 2008
Salas del Cine Gaumont Marignan Champs Elysées

Luego de la ceremonia oficial de apertura de la 3ª edición del Festival Internacional de Cine Latino de París, el lunes 13 de octubre en el cine Gaumont Marignan, se proyectó el cortometraje mexicano La Purísima de Carlos Muñoz, el largometraje Propiedad Ajena de Luis Vélez y el documental La Santa Muerte, de Eva Aridjis. Para su tercera edición, el festival rindió homenaje a la producción de México a través de una retrospectiva que abarcó desde los años '40 hasta nuestros días. Además, los organizadores han decidido agregar a las producciones latinoamericanas, otras provenientes de países europeos de lengua latina como es el caso de España y Francia, con la intención de despertar el interés de un  público más amplio y variado, además de favorecer la distribución de obras inéditas.




 

 

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Festival Paris Cinéma 2010


Festival Paris Cinéma 2010

Festival Paris Cinéma 2010 

La 8º edición del Festival Paris Cinéma tendrá lugar entre el 3 y el 13 de julio de 2010, en 13 salas de la capital francesa.

La célebre actriz norteamericana Jane Fonda recibió la Gran Medalla de Vermeil de manos del alcalde de París, Bertrand Delanoë, durante la conferencia de prensa del 8º Festival Paris Cinéma. La ceremonia se llevó a cabo en el Palacio del Ayuntamiento de la ciudad de París, el jueves 10 de junio de 2010. El edificio con majestuosas escalinatas de mármol alfombradas, murales y óleos de gran tamaño recubriendo muros y bóvedas, columnas, capiteles y arcos ricamente ornamentados con un dorado a la hoja, y enormes arañas de caireles, dio un marco imponente al evento, como si de esperar el arribo de un miembro de la realeza se tratara.

Festival Paris Cinéma 2010 

 

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Festival Paris Cinéma 2009


El jurado

 

Entre el 2 y el 14 de julio, una quincena de salas parisinas abrieron sus puertas a los amantes del cine, para presentarles los nuevos talentos gracias a la Competencia Internacional de cortos y largometrajes, las últimas producciones de realizadores ya consagrados que el festival exhibe en forma de preestreno en presencia de los equipos de filmación, las obras maestras de la historia del cine, los invitados de honor... Taking Woodstock

 

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Festival Paris Cinéma 2008


Afiche

 

Entre el 1º y el 12 de julio se desarrolló la 6ª edición del festival internacional de cine Paris Cinéma en las salas MK2 Bibliothèque, Gaumont Marignan, Le Latina, Balzac y la Cinemateca Francesa, entre otras. Este año se presentaron en competición unos quince largometrajes y otros tantos cortometrajes, como también 27 preestrenos en presencia de sus realizadores.

 

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Différent


Afiche

 

Algo diferente sucedía el jueves 19 de junio en las salas del Majestic Passy, en pleno barrio 16º de la capital francesa.  Numeroso público, prensa y fotógrafos se reunían  allí en espera de alguien, acaso una celebridad. Todo transcurría con total normalidad hasta que la Señora Catherine Deneuve se hizo presente en el hall del cine. La prensa y el público, provistos de cámaras fotográficas, se lanzaron a la caza de imágenes en vivo de la famosa estrella a la que, hasta entonces, muchos habían visto solo en la pantalla grande. Buñel y del Sol

 

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Festival Internacional de Cine de Edimburgo 2006


El Festival Internacional de Cine de Edimburgo  comenzó sus días hacia 1947 como un festival de cine documental hasta convertirse en la actualidad en uno de los propulsores  de lo mejor y lo más novedoso del género.
Este año celebró su 60º aniversario presentando 163 filmes producidos en 37 países, incluyendo 118 largometrajes de los cuales 34 fueron estrenos mundiales y 70 estrenos en el Reino Unido...
Festival de Edimburgo

 

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Buenos Aires III Festival de Cine Independiente


Wings of Hope

 

"...Las utopías son realizables. La vida se dirige hacia las utopías. Y puede ser que comience un nuevo siglo, un siglo en el que los intelectuales y la clase cultivada sueñen los medios de evitar las utopías y retornar a una sociedad no utópica, menos perfecta y más libre." (Nicolás Berdiaeff, extraído del prólogo de Un mundo feliz, Aldous Huxley, Plaza & Janés, Barcelona, 2000)... Thomas est amoureux

 

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Encuentro de Cultura Digital Tesla


Glitch

 

La interactividad entre el hombre y la computadora es el factor principal de las comunicaciones en esta nueva era digital en la que la virtualidad ha pasado a formar parte de la realidad o, más bien, ha llegado a ser más real que la realidad misma.

SCL 2110

 

 

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Muestras sobre la producción fílmica internacional - Santiago de Chile


Del guion a la pantalla

 

Del Guión a la Pantalla es una muestra compuesta por más de 250 fotografías y afiches de cine, organizada por Fundación Telefónica de Chile y por el canal TCM. 
La Facultad de Diseño y la Escuela de Cine de la Universidad del Desarrollo (Chile) organizaron una muestra de 67 afiches que rescatan la memoria del cine chileno.

Afiches chilenos

 

 

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Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2009


International Film Festival Rotterdam 2009

 

En esta nueva edición del festival de cine de Rotterdam, fueron seleccionadas catorce películas para los Premios VPRO (Tiger Awards Competition) que incluyen primeras y segundas realizaciones provenientes de todos los continentes, entre ellas ocho estrenos mundiales.

The life size zootrope

 

 

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21 º Encuentros de Cines de América Latina de Toulouse


El artista

 

Al ritmo de batucadas acompañadas por un desfile de títeres gigantes que recorrieron las calles y las plazas de la ciudad que vio nacer a Carlos Gardel, se inauguró oficialmente, el viernes 20 de marzo de 2009, los 21º Encuentros de Cines de América Latina de Toulouse, en una maratón de 10 días de proyecciones que se llevaron a cabo en 12 salas de la ciudad y en otras 50 salas del departamento de Midi-Pyrénées...

 

Leer entrevista a Esteban Larraín - Alicia en el País

 

Alicia en el País


 

 

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Bafici 2000


El camino del samurai

 

Dentro del buen nivel que caracterizó al II Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, que se desarrolló entre el 6 y el 16 de abril de 2000, se destacaron algunas producciones internacionales de directores poco conocidos, como el checo Sasa Gedeon con su film El regreso del idiota, que llegó al festival con premios a la mejor actuación y guión,

 

El mundo de Andy


 

 

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10º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria


Andrew Bujalski

 

El festival de cine de Las Palmas cumple diez años, y esa madurez se nota. Es un festival que ha ido creciendo poco a poco con un objetivo claro: convertirse en una pantalla abierta al mundo donde podemos ver y escuchar historias distintas, independientes y que están fuera de los circuitos comerciales. Una ventana a otros mundos, a otras culturas y a otras voces que nos acercan a realidades ajenas. Es una oportunidad de conocimiento y descubrimiento no solo para los amantes del cine y los críticos, sino para el público en general que se acerca a la sala Monopol, situada en el centro de la ciudad de Las Palmas, con una curiosidad desbordante.

Beeswax

 

 

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BAFICI 11 - Fragmentos de un discurso cinematográfico


35 Rhums

 

El ecosistema BAFICI alberga muchas especies diferentes de animales (y plantas). Podríamos clasificarlos, describirlos, encasillarlos, disecarlos y conservar pinchado un ejemplar de cada uno con un alfiler. ¿Qué obtendríamos? Correcto: un museo.

Yuri´s day

 

 

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Festival de San Sébastian


Gigante

 

Este año San Sebastián se pinta de colores, pone una sonrisa a los malos tiempos. Pero no demuestra que el cine está carente de ideas y de historias, sino todo lo contrario, está lleno de relatos pequeños, sencillos, cercanos y cotidianos que nos darán fuerza para seguir adelante y quitarle hierro a la crisis.

City of life and death

 

 

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VIII Festival de Cine de Cuenca (Ecuador)


Jurado del festival diana astudillo - javier porta fouz - rodrigo diaz - manuel lima perez

 

Un año más el Festival Internacional de Cine de Cuenca llegó a su fin. Esta edición contamos con la presencia alrededor de ochenta títulos y diversos invitados. El balance fue positivo, a pesar de los típicos errores que puedan surgir, el staff trabajó con pasión y con un alto grado de compromiso. Y el resultado se vio reflejado...

Director cubano Rogelio Paris

 

 

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47 Festival de Cine de Nueva York


To die like a man

 

Dentro de los Festivales de cine, el de Nueva York destaca por la rigurosa selección de películas independientemente de su potencial comercial, así como por el hecho de no convocar ganadores ni perdedores. El prestigio para los realizadores reside entonces en la invitación a participar.

Hadewijch
 

 

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39º Festival Internacional de Cine de Rotterdam


Los viajes del viento

 

El Festival Internacional de Cine de Rotterdam brinda una selección de cine experimental de calidad, independiente e innovador, de arte multimedia y vídeo de vanguardia.

Symbol
 

 

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Fuerza y honor en la XXIV edición de los Goya


Daniel Monzón

 

¡Fuerza y honor! Así de contundente cerraba su discurso el Presidente de las Ciencias Cinematográficas de España, en una edición en la que Celda 211 de Daniel Monzón cumplió con las expectativas y se convirtió en la ganadora de los XXIV premios Goya, en una gala que apostó con acierto por el directo, con un experto en la materia como Andreu Buenafuente, y en la que Penélope Cruz...

Premios Goya
 

 

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23º Semana de Cine de Medina del Campo


Por el 23er año consecutivo, la pequeña ciudad de Medina del Campo celebra el cine durante una semana.
Situada a 150 km al norte de Madrid, en la provincia de Valladolid, Medina del Campo cuenta apenas con más de 20.000 habitantes. Y es lo que asombra en un principio, cuando uno conoce su renombrada, y desde ahora establecida, Semana de Cine.

23ª Semana de Cine de Medina del Campo
 

 

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Cobertura sobre films argentinos en el BAFICI 12 ( 2010)


Secuestro y muerte

 

¡En el marco del BAFICI 12 se exhibieron films argentinos ubicados en la competencia oficial argentina,  en la competencia internacional y en la propia apertura del festival. Algunos con más calidad que otros obtuvieron la invitación al festival de Cannes, el FEISAL y el premio de ACCA (Los Labios de Santiago Loza e Iván Fund) o ganaron premios por parte del FIPRESCI y del Festival en cuestión como mejor película argentina (Lo que más quiero de Delfina Castagnino).

Los labios
 

 

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12º BAFICI, Un recorrido por el festival internacional de cine independiente de Buenos Aires


 

Cada año es más difícil hacer un balance del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. Lo que empezó como un pequeño proyecto en el año 1999 no ha dejado de crecer año a año, incorporando secciones, agregando actividades, proponiendo nuevos espacios para la exhibición de las películas, sumando invitados y convocando un público cada vez más amplio. Las estadísticas aseguran un crecimiento del 10% en la asistencia del público con respecto al año pasado, y un total de 200.000 entradas vendidas. A lo largo del festival se exhibieron 422 películas en 21 salas de la ciudad, y se realizó toda una serie de actividades especiales entre las que podemos contar seminarios, mesas redondas, encuentros con directores y presentaciones de libros, entre otras. Más allá de lo que indiquen los fríos números, es innegable que el BAFICI viene creciendo al punto de hacerse inabarcable por la cantidad y variedad de sus propuestas. Haremos sin embargo un intento de recorrido por su última edición, que contó nuevamente con la dirección artística de Sergio Wolf. Sin ánimo de exhaustividad, propondremos una suerte de recapitulación de lo que nuestro festival de cine independiente nos dejó en 2010.

Las películas

El film que inauguró la 12ª edición del festival fue Secuestro y muerte, de Rafael Filippelli, película centrada sobre el secuestro y fusilamiento del General Pedro Aramburu por parte de integrantes de la organización Montoneros. Así se dio comienzo a un festival en el cual la presencia de films de temática política fue notable, principalmente en la sección La Tierra Tiembla, en la selección de documentales independientes chinos y en films del esloveno Peter Kerekes. Por otro lado, el film que cerró el BAFICI fue Los condenados, de Isaki Lacuesta, que siguió esta misma línea, planteando la historia de un reencuentro de viejos compañeros de militancia que buscan restos de otros compañeros en la selva.
Más allá de la apertura y clausura del festival, la grilla de éste incluyó una vez más la sección Cine al Aire Libre, con entrada gratuita; y su grilla regular de funciones. La extensísima lista de films hace imposible el detenimiento en cada uno de ellos, aunque podemos destacar la presencia de Focos tales como el dedicado a los franceses Marie Loisier y Jean Gabriel Periot, el del inglés Chris Petit, o el del suizo Peter Liechti; así como retrospectivas tales como la del brasileño Rogério Sganzerla. También los cortos tuvieron su lugar, en la habitual Selección Oficial de Cortometrajes.
La selección Oficial Internacional contó con diecinueve obras de las cuales hicieron su estreno mundial Centro (Sebastián Martínez), Lo que más quiero (Delfina Castagnino), 
La quemadura (René Ballesteros) y Red Dragonflies (Jiekai Liao). Les beaux gosses (Riad Sattouf), Os famosos e os duendes da morte (Esmir Filho) y Alamar (Pedro González-Rubio) fueron de los films más esperados. Entre la Selección Oficial Argentina las películas Los Labios (Iván Fund y Santiago Loza), Lo que más quiero, de Delfina Castagnino e Invernadero (Gonzalo Castro) fueron de los films más aplaudidos. Sobre esta sección del festival puede verse en este número el artículo de Jimena Trombetta.

Los cortos institucionales

Una vez más el festival propuso cortos de un minuto de duración a modo de films institucionales, que fueron proyectados antes de cada función. Los directores seleccionados para la 12ª edición fueron Gastón Solnicki, Celina Murga y Enrique Piñeyro. El primero de ellos es el autor de Un gesto, film realizado en solo plano que nos muestra un rostro acompañado por una intensa música, que resemantiza inquietantemente sus expresiones. En cuanto a Murga, su propuesta titulada Botánico ofrece un recorrido por la vegetación del Jardín Botánico de la ciudad de Buenos Aires hasta el encuentro con una joven lectora ubicada en algún rincón del jardín. Por último, Nieves del tiempo fue el film de Piñeyro, en el que se explora una ciudad de noche de la mano de un personaje que deambula en moto hasta encontrarse con otro, bajo una nevada. Sin la calidad artística que supo caracterizar a cortos institucionales de otras ediciones (directores como Ariel Rotter o Lisandro Alonso se lucieron en la realización de este tipo de películas para el BAFICI), se destacó de todos modos la variedad en las propuestas estéticas de cada film.

Los premios

El festival distinguió, dentro de la Selección Oficial Internacional, al film Alamar  (Pedro González-Rubio) como Mejor Película. A la vez, la distinción a la Mejor Película Argentina de esa categoría fue para Lo que más quiero, de Delfina Castagnino.
En el marco de la Selección Oficial Argentina el premio a la Mejor Película fue para el film Invernadero, de Gonzalo Castro.
Por otro lado, el voto del público distinguió a Mary and Max, de Adam Elliot,
como Mejor Película Internacional; y a El ambulante, de Eduardo de la Serna, Lucas Marcheggiano y Adriana Yurcovich como Mejor Película Argentina.

Las actividades especiales

Las clásicas mesas de encuentro, seminarios, presentaciones de libros y demás etcéteras que componen habitualmente la sección de Actividades Especiales implicaron una variada programación.
Al igual que en ediciones pasadas, la Industry Office del festival (área destinada al encuentro entre diversos agentes de la industria cinematográfica), propuso las mesas Dupla director-productor; Festivales internacionales de cine: criterios de selección y programación (mesa a la cual se invitó en esta ocasión a representantes de los festivales de
Cannes, Rótterdam, Belfast, Marsella y Miami); Mercados latinoamericanos, estrategias de coproducción, distribución y comercialización; De la idea a la película y ¿Cómo se hace la primera película?. Por fuera de la Industry, se realizaron muchas otras mesas, entre las cuales se destacaron varias focalizadas en temas políticos, en sintonía con un festival que tuvo una importante presencia de cine de tendencia política. Entre las fundamentales podemos encontrar la mesa Cine y militancia: el recorrido de Enrique Juárez, junto a la proyección de su film Ya es tiempo de violencia (1969); o el workshop El capitalismo según Jim Finn. También se invitó al público a los Diálogos con Chris Petit  Alain Guiraudie y Peter Kerekes, entre otros; y a mesas sobre restauración de copias de películas y sobre la relación cine-crítica.
 
Los libros

Como tantas otras veces, el festival presentó libros de su propia edición. Este año se editó, por un lado, Cinematógrafos, de Edgardo Cozarinsky, una compilación de escritos publicados por el autor en diversos medios y presentado en el marco del foco Ficciones Privadas. Por otro lado, se editó Cine encontrado ¿Qué es y a dónde va el Found Footage?, de los compiladores Leandro Listorti y Diego Trerotola, también programadores del festival. En este caso se trata de un estudio sobre ese cine surgido de fragmentos provenientes de cámaras digitales accesibles, o incluso teléfonos celulares, que luego son abordados por la mirada de un artista.

Las novedades

En el marco del BAFICITO, sección dedicada íntegramente al cine para niños, se sumó este año el taller Animationbox. El mismo consistió en un espacio de creación de cortos de animación que los propios chicos pudieron realizar. El método creado por Erling Ericsson devino en un film que contó con su propia exhibición dentro de la programación del BAFICITO. Los chicos realizadores fueron los invitados especiales de la función.

La música

Dentro del Espacio Bafici, área destinada a las actividades especiales del festival, se desarrolló una vez más el ciclo de recitales nocturnos que viene acompañando desde hace varios años al resto de las actividades propuestas. Sin figuras de la talla de Benjamin Biolay, por ejemplo, exponente de la chanson fracaise y antiguo invitado del festival, la escena incluyó al músico pop argentino Leo García interpretando temas de Miguel Abuelo, a Ariel Minimal y al uruguayo Dani Umpi junto a  Maricas Malas, entre otros. Al desarrollarse en el marco de las actividades especiales, las entradas a todos los recitales fueron gratuitas.

Las intervenciones

La política de abrir las puertas hacia afuera parece haberse instalado en el festival. El mismo no consistió únicamente en la exhibición de películas y en el desarrollo de actividades puertas adentro. Además del Cine al Aire Libre se llevaron a cabo un par de eventos de intervención directa sobre la ciudad.
Uno de estas intervenciones tuvo su origen en el film argentino Torino, un documental dirigido por Agustín Rolandelli perteneciente a la Selección Oficial Argentina. Acompañando la exhibición de dicha película se realizó un recorrido de veinte autos Torino que comenzaron su recorrido en la puerta del Espacio BAFICI y circularon por calles cercanas hasta llegar al Pasaje Carlos Gardel, donde se mantuvieron temporalmente en exhibición, para volver finalmente al Espacio BAFICI. La iniciativa contó con el apoyo del Club Amigos del Torino, cuyos socios condujeron los autos.
Por otro lado, otro auto, en este caso el Peugeot 504, fue objeto de exhibición en las escaleras del Shopping Abasto, sede principal de festival. La instalación se hizo en ocasión de la exhibición de El Rati Horror Show, film de Enrique Piñeyro también integrante de la Selección Oficial Argentina. La película se centra en la denuncia de corrupción en el seno de la policía. El auto en cuestión, con chapa de policía, se ubicó junto con una inscripción de advertencia para todo aquel que pasara frente a él.

Las recuperaciones

La sección Clásicos Modernos ofreció películas que han devenido clásicos con el correr del tiempo, en copias restauradas. La lista incluyó Escala en la ciudad (Alberto de Zavalía ,1935), Antonio das mortes (Glauber Rocha, 1969); Flak y Dream Tower (Ron Mann, 1976); y Cazadores de almas (Josef Von Sternberg ,1925). Esta sección del festival trabajó en colaboración con el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, sumando actividades como exhibiciones gratuitas y mesas redondas integradas por Paula Félix-Didier, directora del Museo, y diversas personalidades del medio.

A modo de cierre

Tal como anticipamos en un principio, creemos que no hay manera de hacer una cobertura profunda y completa del BAFICI de este año en unas pocas páginas. Año a año es tal su crecimiento que se torna inabarcable. Sabemos que nuestro breve recorrido ha dejado afuera secciones como el BAL (Buenos Aires Lab), dedicado fundamentalmente a encuentros con fines de coproducción y a exhibiciones de Works in progress; e incluso a personalidades que formaron parte de la grilla de invitados de este año, tales como Paloma y Marilia Rocha, Joao Pedro Rodríguez, Bruno Dumont, Jean-Gabriel Périot, Kazuo Hara o Reynold Reynolds. Sabiendo entonces que nuestro panorama no deja de ser pequeño, nos resta simplemente rescatar la abundancia de propuestas del festival, que no siempre gozaron de una gran calidad artística (ha habido mejores ediciones del BAFICI, para qué mentir…) pero que a la vez no dejan de demostrar una interesante voluntad de abrirse a nuevos públicos, ir más allá de las fronteras de una sala de cine y enriquecer la grilla de actividades con opciones de toda clase.

Soledad Pardo
BAFICI
 

 


Al otro lado de la línea - Un resumen del festival de cine austriaco Diagonale


Kick-off


 

En la aproximación a la obra de algunos cineastas, uno de los elementos que se toma en cuenta son las influencias no estrictamente cinematográficas procedentes de otras disciplinas creativas. Se  suele dar validez a reminiscencias de origen pictórico, literario, teatral... que impregnan el discurso de algunos realizadores.

 

Leer la entrevista con Tizza Covi y Rainer Frimmel - Lo que nos regala la realidad - La Pivellina

Tizza Covi y Rainer Frimmel 

 

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LOS BUSCADORES DE CONCHAS (DE ORO)


La mitad del cielo

Dias contados 

El Festival Internacional de cine de San Sebastián, alcanza este año su 57 edición; un festival nacido en 1953, y que desde su creación no ha sufrido ninguna interrupción.
Rafael Gil, fue el encargado de recoger el premio a la Mejor Película de esa Semana Internacional de Cine con su película La guerra de Dios, una película que se llegó a considerar de interés nacional, tanto por el realismo de sus escenas, como por su intento en mostrar la lucha de clases en el mundo rural.
Al año siguiente y gracias al éxito de público y la calidad de las películas presentadas, la Semana consiguió el reconocimiento de categoria “B", que otorgaba la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Films (FIAPF), volviendo a recaer el máximo galardón en otro director español, Antonio del Amo, por Sierra maldita, cuya temática  lorquiana, se adentraba en la capacidad documental de un cine de ficción.

58º Festival de San Sebastián 

 

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Video-vanguardias en París


Darren Banks. Where Everything Is. Instalación video, tv, dvd players. 2010


 

Cita imperdible para aficionados y profesionales dedicados al arte contemporáneo, la 37ª edición de la FIAC se llevó a cabo, del 21 al 24 de octubre de 2010, en sitios emblemáticos de la ciudad de París tales como el Grand Palais, la Cour Carrée del Louvre y el Jardín de las Tullerías.
Este año la FIAC albergó a 195 galerías provenientes de 24 países -Reino Unido, Japón, México, Estados Unidos, Italia, Corea del Sur, Alemania, India, entre otros-, convirtiendo a París en una de las ciudades más importantes del mundo en lo que al mercado de arte contemporáneo respecta.

It's kind of a funny story 

It's kind of a funny story

 

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34º Festival Internacional de Cine de São Paulo


Soluciones locales para un desorden global


 

Desde el 22 de octubre hasta el 4 de noviembre de 2010, São Paulo dio albergue a su ya tradicional Festival Internacional de Cine. A lo largo de dos semanas, más de 400 filmes provenientes de diferentes países fueron exhibidos en la 34ª edición de la Mostra, en más de 20 espacios entre salas de cine, museos y centros culturales.
La selección de largometrajes proveyó un panorama de la producción de cine contemporáneo mundial y de las tendencias, los temas, las narrativas y las estéticas que se están viendo actualmente.

Cirkus Columbia 

Los amores imaginarios

 

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Un vaso de mar


James Coleman. Ligne de foi. DVD color, 1991-2005

Qiu Anxiong. The new classic of mountains and seas. Parte 1 y 2.  2006/2009 

Bajo el lema "Há sempre um copo de mar para navegar" se desarrolló, entre el 25 de septiembre y el 12 de diciembre de 2010,  la 29ª Bienal de São Paulo en el Parque Ibirapuera, importante pulmón de la moderna megalópolis brasileña.
El pabellón de 30 mil metros cuadrados, creado por el arquitecto modernista Oscar Niemeyer, albergó fotografías, vídeos e instalaciones de 159 artistas provenientes de todas partes del mundo, incluyendo países con una larga trayectoria en multimedia como Estados Unidos, Japón, Alemania e Israel, y otros con serias dificultades de financiación, formación e infraestructura...

Jacobo Borges. Imagen de Caracas. Tres canales de vídeo  y fotografía color, 1967 

Lygia Pape. Divisor. Vídeo color. 1968/2010

 

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NYFF 2010


Mysteries of Lisbon


 

En esta última entrega, más que ningún otro año de su historia reciente, el Festival de Cine de Nueva York ha incluido entre sus largometrajes un número sustancial de películas provenientes de Hispanoamérica o donde el protagonismo reside en el continente. Ello cual prueba sensible del interés por los temas y filmografía del mundo hispánico; un interés que en el pasado se había centrado fundamentalmente en España de la mano de cineastas consagrados como Carlos Saura o Pedro Almodóvar, y de nuevos directores como Alejandro Amenábar o Juan Antonio Bayona.

The tempest 

Post mortem

 

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Festival de cine latinoamericano en Israel


Cuando me toque a mi


 

La Asociación de Embajadas Latinoamericanas en Israel ha presentado en las cinematecas de Haifa, Tel Aviv, Jerusalén y Sderot un programa de películas, algunas de las cuales fueron realizadas en países cuya obra cinematográfica es casi desconocida en Israel. Es el caso de Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Guatemala y República Dominicana.  La selección del material, salvo excepciones, no ha sido especialmente afortunada. Hago a continuación un breve comentario sobre las películas exhibidas y refiero también a comentarios publicados por algunos miembros de la industria del cine representada.

Hit Estomago una historia gastronomica

 

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Ambulante: documentales itinerantes para todos


Ambulante: documentales itinerantes para todos


 

Hace apenas 6 años que inició esta aventura llamada ambulante; un sueño de transmitir a la mayoría de la gente, de manera gratuita, documentales mexicanos para darles más difusión entre la población. En México, los documentales son escasos debido a la poca distribución que tenían en tiempos pasados, pero Ambulante ha logrado dar nuevos bríos a esta práctica fílmica poco desarrollada en este país.

 

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Los premios Oscar 2011: Diversidad a contracorriente


Los premios Oscar 2011


 

Este año en especial, las nominaciones al Oscar como mejor película cubrieron un amplio espectro de temas y aproximaciones fílmicas a múltiples asuntos, cuyo hilo conductor lo ha constituido la urgencia del protagonista para sobrevivir dentro de un entorno hostil, producto de sus propias pasiones o limitaciones; ya fueran estas psicológicas (The King's Speech, Black Swan), sociales (The Social Network), económicas (The Fighter, True Grit, Winter's Bone), familiares (The Kids Are All Right), accidentales (127 Hours), metafísicas (Inception) o fantasiosas (Toy Story 3).
El Discurso del Rey

 

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La ruina en diálogo


12º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria
1 al 9 de abril de 2011

 
El cine, la imagen en movimiento, es en sí misma una suerte de memoria, un testigo que incluso en su naturaleza ficticia,  responde de una manera casi análoga a la construcción del recuerdo por parte del individuo. La creación de imaginarios y la propia reflexión de uno mismo y de su tiempo es la base de casi todas las historias.
Cuando descuidamos el tiempo, cuando dejamos de habitarnos, de reconstruirnos, cuando miramos sólo hacia delante, con el miedo terrible de convertirnos en sal, nace la ruina. La ruina convierte los edificios deshabitados en fantasmas, ánimas sin descanso de lo que no termina de ser. Cómo si, el pasado más inmediato, el tiempo reciente, no pudiera  morir en paz; entonces la  herida mal curada, el dolor del desarraigo, la violencia.
Crecer sobre la ruina es elegir de entrada un mal cimiento y eso parece  que ocurre con este futuro esquizofrénico, por lo poco que tiene de referente y medio loco, en una deriva total, amnésica.
Otro tipo de ruinas, menos obvia en el paisaje pero que configura sociedades enteras, es la ruina moral, la falta de atención a nosotros mismos como individuos plenos.  En este punto el crecimiento es imposible, el ser humano mutilado en la moral se convierte en animal y, otra vez la herida que no cicatriza, hace que simplemente envejezcamos sin que la experiencia haya pasado por nosotros de una manera distinta a la erosión.
Parece que en casi todas las nuevas películas que concurrían a concurso en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, esta reflexión estuviera presente, aunque puede que en muchos de los casos de forma involuntaria, como una manera de dialogar con el pasado y la necesidad brutal de este presente de encontrarse.
La película Jean Gentil, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (República Dominicana, México, Alemania, 2010) ganadora de la Lady Harimaguada de oro, en un plano aéreo de la ciudad nos muestra, en última instancia, una ciudad construida sobre la ruina, en todos los sentidos que la palabra ruina alcanza, casas que nacen de ruinas y que son en ese preciso momento ruinas cimientos de más ruinas, como en un juego de espejos y muñecas rusas. La ruina del personaje también se expone, no sólo en el sentido más común ( no tiene dinero, ni casa…) sino en un sentido profundo: la incapacidad vital de entender el  presente, el desarraigo absoluto de la lógica y la ineficiencia de la fé como herramienta de adaptación.
Por seguir el hilo conductor del palmarés, en la cinta china Jiabiangou / The Ditch de Wang Bing, que logró el Premio Especial del Jurado, el Premio del Público y el Premio Signis, ocurre también esto de un modo diferente: la ruina social. Aquí se nos muestra al individuo desposeído de todo, y cómo esta miseria del horror nos deja huérfanos de dignidad, arruinados moralmente y sin redención posible. Los cadáveres amontonados, enterrados por el propio desierto, desposeídos de identidad, dialogan con los vivos, convirtiéndose así esta imagen,  en pasado, presente y futuro que aniquila la memoria de los habitantes del campo de concentración, convirtiéndoles en bestias.
En otras películas a concurso aparece la metáfora de la ruina de un modo más gráfico, con la ruina del urbanismo de la revolución  griega en Attemberg. No es casual que el padre moribundo de la protagonista sea arquitecto. La despedida de su padre se convierte en viaje iniciático, funcionando esta dualidad padre-hija como metáfora de la era post-industrial, Marina representa al nuevo siglo y su padre al siglo que se muere "y no te he enseñado nada", le dice él. Las ruinas de un pequeño pueblo de Grecia rodeado de fabricas,  sirven a la narración como marco histórico que redondea la metáfora; las capas se suceden solapándose, no hay revolución sino un destino en ruinas: el "urbanismo de la muerte".  Dejando a la generación futura en ese contexto de arquitecturas muertas, desposeídas, descuidadas, el futuro no encuentra aquí ni su arraigo en el presente y encara el nuevo siglo sin haber aprendido nada.
Otras referencias autobiográficas  generacionales como True Love o Somos Nosotros, retratan  sus ciudades como el contexto en el que se mueven, asumiendo la ruina como parte integradora de lo cotidiano, pero las imágenes de los edificios vacíos, (los no lugares en las ciudades, las casas derrumbadas, antiguas fábricas…) fascinan a los realizadores por lo que tienen de poético y de narración, asumiéndolas en su presente y mostrándolas como parte de este tiempo que nos toca, que corre raudo entre los despojos del pasado.
Hi-So la película tailandesa del director Aditya Assarat, muestra con el tsunami de fondo, escenarios que retratan un país aún en reconstrucción ó a punto del derribo. No hay tiempo para reconstruir pasados y la identidad se diluye en la propia inmediatez de la joven vida.
En Ocaso de Thèo Corte, la vieja casona otrora señorial y llena de vida, aparece como un espectro feudal embalsamado, residuo de un tiempo pasado que persiste convertido en ruina.
El relato mitológico de la aldea de Malasia en Year without a summer, nos cuenta cómo el marinero que parte y vuelve a la aldea ya no encuentra su sitio; el mundo cambia y la huida a veces nos deja la vida en el camino.
Otro ejemplo de la necesidad de explicar el presente a través de la memoria y  de cómo fueron necesarios  sacrificios ideológicos para adaptarse a las nuevas necesidades de los tiempos es la cinta de Pablo LLorca, El mundo que fue y el que es, que sugiere, casi al final, cómo el protagonista, interpretado por Pedro Casablanc, premiado como mejor actor en esta edición, intenta comprender éste mundo después de aquellos años de lucha, otra vez, pero a la inversa, esa necesidad de comprender este tiempo.
Estos son algunos ejemplos, que en esta breve muestra parecen concluir que  la necesidad de explicarnos, de entendernos, es vital para construir un futuro sólido de individuos con memoria y  no de seres alienados de sí mismos. Porque saber de dónde venimos nos permite reformularnos en una identidad que nos deje avanzar sanos, con las cicatrices necesarias, pero con la atención que se merecen las heridas.
El retrato que es el cine por lo que sugiere de nosotros y del otro, convierte a este arte en un testigo fundamental de nuestra historia, y parece necesario tanto para los creadores como para el público que se posibiliten estas reflexiones. El Festival Internacional de Las Palmas de Gran Canaria, sigue apostando por el cine aún a costa de lo incómodo y lo no convencional, en una dirección clara hacia el cine como arte. Ahora que los cines pueblan las ciudades como ruinas de otro tiempo, iniciativas como esta demuestran que es posible reencontrarnos a la luz del proyector.
 
Nira Rodríguez
Attenberg
Attenberg

Ditch
The Ditch

Hi-Sol
Hi-Sol

Jean Gentil
Jean Gentil

Pablo Llorca
Pablo Llorca

Ocaso
Ocaso

 


13° Bafici: Balance de un festival en movimiento


13° Bafici

 


 

Del 6 al 17 de abril de 2011 se llevó a cabo en la ciudad de Buenos Aires la edición número 13 de su ya clásico Festival Internacional de Cine Independiente. Lo que empezó siendo un pequeño festival con intenciones modestas en 1999 apunta cada vez más a ganar un público amplio y diverso. La multiplicación de las propuestas año tras año da fe de esto, y esta última edición del festival no fue la excepción.

 

Otros festivales

 

- Fest. Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria 2011
- Fest. Internacional de Cortometrajes de Clermont-Ferrand 2011
- Fest. Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) 2011

Qu'ils reposent en révolte (des figures des guerres)

 

La carrera del animal

 

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Los premios Oscar 2012: Un recorrido global del cine actual


The artist Entre las nominaciones para los premios Oscar de este año cabe apuntar que las más interesantes no han correspondido a directores norteamericanos o, como en el caso de Woody Allen con Midnight in Paris, el distanciamiento del patrón hollywoodense ha resultado ser siempre una característica de su filmografía.

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14º Festival de Cine Alemán de Madrid


14º Festival de Cine Alemán de Madrid 
 
 

El pasado mes de junio, del 5 al 9, se celebró en Madrid la 14º edición del Festival de Cine alemán. El evento, auspiciado por varias instituciones alemanas, es ya es un clásico en la capital de España y permitió ver una muestra de un cine que desgraciadamente no siempre se exporta lo suficiente y que solo en muy pocas ocasiones consigue llegar a las pantallas del resto de países. Por ello, este Festival permite descubrirnos una serie de directores muy interesantes que de otro modo nunca se conocerían más allá de sus fronteras. En el cine alemán no solo existen Rainer Fassbinder, Werner Herzog o Wim Wenders, sino que hay nuevos realizadores como Christian Schwochow o Andreas Dresen...

 

Rainer Fassbinder
 

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14º Festival do Río


14º Festival do Río

Durante quince días, entre el 27 de septiembre y el 11 de octubre de 2012, el Festival do Rio presentó 400 filmes de más de 60 países, exhibidos en salas de cine, plazas e incluso la playa, lugares a los cuales concurrieron alrededor de 280 mil espectadores. La fiesta del cine comenzó con una noche de gala en el Cine Odeón Petrobras, con la proyección de Gonzaga, de Pai pra Filho, del director brasileño Breno Silveira, y continuó con filmes inéditos, clásicos y rarezas.

Las peliculas
Los premios

14º Festival do Río

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14º Festival do Rio - Las peliculas


Del 27 de Septiembre al 11 de Octubre de 2012
Rio de Janeiro, Brasil.
http://2012.festivaldorio.com.br/
 

Los temas del Festival do Rio 2012 han sido diversos y parecidos a la vez. En algunos filmes predominó un tema, en otros los temas se entrecruzaron. La xenofobia, el racismo y el clasismo en el mundo contemporáneo, la violencia de género, ya sea física o psicológica, los orígenes de la inspiración artística y el proceso creativo, fueron los temas que predominaron en la sección Panorama Internacional, pero hubo muchos más.

Largometrajes

Catalunya Über Alles. De Ramón Térmens. Con Joel Joan, Jordi Dauder, Gonzalo Cunill,  Babou Cham, Vicky Peña. España, 2011, 101 min.

Catalunya Über Alles denuncia la hipocresía detrás de la xenofobia y el racismo en Cataluña y, por extensión, en Europa. De ahí el título en alemán aunque la acción se sitúe en España, aludiendo a la crisis económica en la Alemania pre-nazi que llevó a Europa a un brote de xenofobia, antisemitismo y racismo sin precedentes. De hecho "über alles" está tomado de una frase del himno nacional alemán, reinterpretado por los nazis para justificar su voluntad de dominación: "Deutschland, Deutschland über alles, über alles in der Welt" (Alemania, Alemania por encima de todo, por encima de todo en el mundo).
Son tres historias que transcurren paralelamente. En la primera, un joven, probablemente mudo o con un retraso mental, sale de prisión después de cumplir una pena de 19 años, por estupro. Cuando vuelve a casa, comienza a percibir los cambios sociales que se fueron operando en el periodo en el que estuvo apartado. En ningún momento del filme aparece la prueba de su culpabilidad, al contrario, da la impresión de que el pueblo lo utiliza como chivo expiatorio y quiere hacer justicia por mano propia.
En la segunda historia,  inmigrantes africanos, afectados por la crisis, buscan desesperadamente cualquier tipo de empleo. Cuando al padre de una de las familias comienza a tener éxito en su trabajo y decide crear su propia empresa, gana las elecciones para alcalde, el candidato de ultra derecha que brega a favor de la expulsión de los inmigrantes. El negocio vuelve a mano de los blancos, no por mérito propio, sino por favoritismo político.
Y en la tercera, una familia de clase pudiente vuelve de vacaciones antes de lo planeado y se encuentra con un ladrón de origen albanés robando en la casa. Tras una persecución por parte del padre de la familia, el ladrón muere de tres tiros. El motivo por el cual el padre remata al ladrón en lugar de llamar a la policía, lo compromete ante la Justicia. Pero la Justicia es adicta al poder político, no es ciega e imparcial, ni mide a todos con la misma vara.

Dentro de casa (Dans la maison). De François Ozon. Con Fabrice Luchini, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Denis Menochet. Francia, 2012, 105 min.

Ozon dirigió, una vez más, una excelente película, Dentro de casa, una historia basada en la obra teatral "El chico de la última fila" del autor español Juan Mayorga.
Claude es un adolescente discreto que toma a su compañero de clase Rapha, como inspiración para sus deberes de Literatura. A pesar de ser tímido, consigue tener acceso a la casa de su amigo Rapha, sintiéndose especialmente atraído por la madre de éste. Su profesor de Literatura, Germain, ve en Claude un gran talento, un descubrimiento que hace reavivar en él, el deseo de enseñar. Pero la intrusión de Claude y su mirada voyerista comienzan a traspasar los límites. El talentoso estudiante revela una personalidad manipuladora. Su perversión se deriva de una carencia de contención familiar y de una vida vacía que él llena con fantasías. Como tiene talento para la escritura, comienza a dominar al profesor de literatura, quien se ve obligado a dar clases, en realidad, porque no tiene talento suficiente como para convertirse en un escritor famoso. Ve en el chico a un discípulo con potencial y  al hijo que nunca tuvo.
Desde un comienzo se percibe que el matrimonio del profesor Germain es disfuncional. Además a Jeanne, su mujer, no le va del todo bien con su galería de arte contemporáneo. Ellos dejan entrar a Claude en sus vidas, y éste los lleva al divorcio y a la ruina laboral. Pero hay algo del orden del voyerismo también en el profesor y su esposa, que estimulan al chico a continuar con sus búsquedas creativas invadiendo la intimidad ajena. El filme habla del trasfondo del mundo del arte, del origen del impulso creativo que no siempre es sano y transparente.  El arte como una forma de perversión voyerista. Pero también habla de la relación profesor-alumno, que con el correr de los años fue perdiendo esa base de respeto y admiración que existía en otros tiempos. Germain pierde autoridad frente a su alumno a medida que la trama avanza.
Es interesante la forma como está organizada la historia, en una especie de relato enmarcado donde un narrador extradiegético habla de otro narrador intradiegético, quien a su vez narra las historias de los demás personajes "reales" para él, como si fueran personajes ficcionales, en un juego muy barroco de teatro dentro del teatro, de relato dentro del relato. Luego la realidad y la fantasía comienzan a confundirse, los límites del marco del relato se desvanecen, arte y vida se fusionan.
Otro punto muy destacable es el agudo sentido del humor y la ironía en la obra original de Juan Mayorga, y que han sido muy bien traducidos al séptimo arte por François Ozon.

Trishna
. De Michael Winterbottom. Con Freida Pinto, Riz Ahmed, Roshan Seth. Reino Unido, 2011. 117 min.

Se trata de una joven que vive en Rajastán y un día se ve obligada a salir en busca de una nueva fuente de ingresos para su familia. Para ello acepta un empleo en un hotel en Jaipur administrado por Jay,  un prominente joven británico de origen indio. Los dos se terminan involucrando sentimentalmente y Trishna, yendo contra las costumbres tradicionales de su familia, va a vivir con él en Bombay. Mientras tanto Jay se revela muy diferente de lo que ella imaginaba.
Trishna es un ejemplo, dentro del Festival do Rio 2012, sobre el tema de la dominación de género. La violencia psicológica y física del hombre hacia la mujer, combinada con un tema de clasismo tan profundo en India como lo es la rígida estratificación de castas.
La joven se ve obligada a enviar dinero a su familia y, para eso, tiene que soportar toda clase de humillaciones y renunciar a su sueño de bailar en Bollywood. Mientras Jay vivía en Londres parecía haber adoptado las costumbres occidentales, pero en cuanto volvió a vivir en la India, se transformó en un típico hindú de casta superior, llegando a tratar como a una esclava a la que era su novia. En este sentido es paradigmática la escena en la cual Jay le enseña a silbar a Trishna mientras ésta alimenta a los pájaros enjaulados. Él permanece fuera de la jaula, mientras que el rostro de Trishna se ve surcado por la sombra de la malla metálica, como si ella fuese uno más de esos pájaros enjaulados,  mientras que su amo-novio permanece libre. Esa situación sin salida sólo podía presagiar un final trágico.

Marie Krøyer. De Bille August. Con Birgitte Hjort Sørensen, Søren Saetter-Lassen, Tommy Kenter, Sverrir Gudnason. Dinamarca, 2012. 103 min.

Otro ejemplo sobre maltrato de género es Marie Krøyer, película dirigida por el danés Bille August. Aquí ese tema se entrecruza con el vínculo entre enfermedad mental y creación artística. La historia transcurre a finales del siglo XIX, en Skagen, Dinamarca, en pleno auge del movimiento impresionista en toda Europa. Marie es una artista plástica, hasta ese momento desconocida, que cumple la función de esposa y modelo del famoso pintor, noruego de nacimiento y danés por adopción, Peder Severin Krøyer.  El matrimonio es cada vez más infeliz a causa de la sífilis que padece Peder, enfermedad que además le origina un creciente desequilibrio mental y que finalmente lo deja ciego. Para salir de la rutina y reconstruir sus fuerzas, Marie va de vacaciones con una amiga y conoce al compositor sueco Hugo Alfvén, por quien se enamora apasionadamente. Luego de un largo periodo de dudas, de abandono y retorno al hogar, en el que también queda involucrada su pequeña hija Vibeke, Marie decide dejar definitivamente a su esposo aceptando las consecuencias de su decisión.
Años más tarde, en una época en la que una mujer casada casi no tenía derechos civiles fuera del matrimonio, Marie tomó la decisión de criar sola a su segunda hija y convertirse en una artista de renombre, lejos de las sombras de su primer esposo Peder Severin Krøyer y del segundo, Hugo Alfvén, ambos artistas reconocidos. El filme no muestra el casamiento con Hugo y el posterior divorcio, deja este periodo abierto, y comete algunas imprecisiones como la de situar las vacaciones con su amiga en Suecia cuando en realidad ocurrió en Taormina, Sicilia.
El filme de Bille August retrata con crudeza la destructiva relación entre P. S. Krøyer y su esposa-modelo, poniendo énfasis en la forma como él la dominaba y la destruía psicológicamente, menoscabando su autoestima como artista, mujer y madre. No es un detalle menor el hecho de que la ley en la Dinamarca del siglo XIX no defendía a la mujer que hacía abandono de hogar, quitándole incluso los derechos de tenencia de los hijos. La mujer era prácticamente un objeto de pertenencia del hombre. De ahí que Marie Krøyer se convirtiese en un caso de vanguardia para la época. 
En cuanto al aspecto formal del filme, esta adaptación de Bille August de la novela "Balladen om Marie" de Anastassia Arnold, con guión de Peter Asmussen, se aleja mucho de las épocas doradas de Pelle el Conquistador (1988)  y Las Mejores Intenciones (1992). La actuación de Birgitte Hjort Sørensen en el papel principal es digna de destacar, aunque las interpretaciones secundarias son apenas aceptables. Otro tanto podríamos decir del guión, que en un principio promete grandes cosas, pero que por momentos se vuelve chocante, al intentar resolver las situaciones de una forma exagerada, tal vez un tanto efectista. Cuando el filme arranca uno tiene la sensación de estar por ver una película de Bergman y cuando finaliza, le parece haber asistido a un melodrama que no logra huir de los estereotipos y en el cual el espectador no termina de sentirse identificado con la heroína. Una lástima teniendo en cuenta lo interesante del tema.

El artista y la modelo. De Fernando Trueba. Con Jean Rochefort, Aída Folch, Chus Lampreave, Claudia Cardinale, Götz Otto. España/Francia, 2012. 101 min.

Volviendo al origen de la inspiración creativa, El artista y la modelo de Fernando Trueba nos transporta  hasta un pueblito en el interior de Francia, no muy lejos de la frontera con España. Allí vive Marc Cros, un renombrado escultor de unos 80 años, desilusionado de las guerras y los hombres. En su casa-taller vive con su esposa Lea, quien en su juventud le servía como modelo. Cierto día de verano de 1943, Lea ofrece refugio a una mujer española, de nombre Mercè, fugitiva del gobierno franquista. Ellos permiten que la joven viva en el taller de Cros, de manera que ella se gane el sustento posando para él. Poco a poco, nace una próspera relación entre la modelo y el artista quien, durante un tiempo, recupera el deseo de crear nuevamente.
Es interesante el trabajo de fotografía en blanco y negro con mucho claroscuro. Como en todos los filmes de Trueba, hay una historia en primer plano y otra de fondo, y esa Historia de fondo es la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Civil Española. Los personajes de Trueba parecen estar siempre escapando de algo o de alguien, en situación de supervivencia o buscando su libertad. Pero los finales quedan abiertos, son ambiguos o netamente trágicos. En la entrevista de Cinecritic.biz con Fernando Trueba, él ponía en duda el dramatismo de sus finales, pues para él la muerte forma parte de la vida y Marc Cros recupera la alegría de vivir antes de su muerte.
En ese sentido es destacable en el filme el tema de la vejez frente a la juventud, cómo funciona esta combinación y cómo uno influye en el otro, dándole una energía renovada en apariencia perdida. En el caso de El artista y la modelo, esta energía joven de Mercè funciona como motor y fuente de inspiración para el adormecido don artístico de Cros.
Muy acertada la elección de grandes actores de trayectoria como Claudia Cardinale y Jean Rochefort, así como también el de Aida Folch en el papel de Mercè.

César debe morir (Cesare debe morire). De Paolo y Vittorio Taviani. Con Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca. Italia, 2011. 76 min.

El telón se cierra abruptamente por detrás de César, Bruto y los otros personajes. Después de los aplausos, los actores, todos detenidos en la prisión de máxima seguridad de Rebibbia, en Roma, se sienten orgullosos y conmovidos. La dupla de directores realizó los ensayos de la pieza de teatro "Julio César" de Shakespeare en la prisión durante seis meses. La puesta en paralelo de esa tragedia shakesperiana y el mundo contemporáneo muestra la universalidad del dramaturgo inglés y ayuda a los detenidos a entender sus propios cuestionamientos, sus dudas, miedos y dramas personales.
La puesta en escena teatral frente al público fue filmada en colores, mientras que la vida real en la cárcel y los ensayos fueron rodados en blanco y negro, excepto al final, cuando Cosimo Rega dice: "Desde que descubrí la cultura, esta celda se transformó en una prisión". Sólo entonces la cárcel se ve en colores. Porque en el filme de los hermanos Taviani, el blanco y negro funciona en el mismo sentido que las sombras en la Caverna de Platón. Es un estado interior de penumbra, la ceguera de una prisión espiritual, mientras que la cultura abre puertas y ventanas dejando entrar la luz con todos sus matices y tonalidades, el arte es liberador, transforma a las personas porque los personajes permiten que cada uno entienda mejor su propia situación, ayudándolos a hacer catarsis. El arte los libera interiormente y al mismo tiempo hace que cada uno de valor a esa libertad.
De hecho el filme hace especial hincapié en el tema de la libertad. La trama de la obra de Shakespeare habla de la conspiración de Casio y Bruto para asesinar a Julio César, a raíz de la decisión del Cónsul romano de transformar la República en una tiranía, cediendo a la tentación del poder absoluto. Hay todo un conflicto de consciencias y de ideas en la obra, que no cae en la simplicidad maniquea de separar buenos de malos. Desde el punto de vista de Casio y Bruto, la muerte del César significaba la salvación de la República, es decir, la defensa de la libertad. Pero César fue astuto y compró al pueblo con favores. Los Taviani muestran bien en su película cómo al principio el pueblo (interpretado por los demás presidiarios) apoya a los conjuradores, pero cambia de parecer inmediatamente al saberse beneficiario del testamento del César. Luego se vuelve un simple trámite para Octavio y Marco Antonio unirse y ganar la batalla contra las fuerzas de Casio y Bruto, estableciéndose a continuación lo más temido para éstos, un Imperio que significó la muerte de la República Romana.
El pueblo es cambiante y no actúa por principios sino por intereses materiales. Y eso interesa aquí porque esa es la base de toda dictadura. Así como lo expresa Cosimo Rega, en el papel de Casio, cuando pronuncia las célebres frases de la obra de Shakespeare: "¡Oh, época, qué vergüenza la tuya! ¡Y tú Roma, has perdido el engendro de tus más nobles sangres! (…) ¿Cuándo podrían decir hasta ahora los que hablaban de Roma, que sus anchas murallas no encerraban más que a un hombre? (…) Oh, vos y yo hemos oído relatar a nuestros antepasados cómo hubo antaño un Bruto que habría permitido al sempiterno demonio sentar sus reales en Roma, antes que a un rey"(1) para luego reflexionar fuera del texto: "Podríamos estar diciendo lo mismo de Nápoles en la actualidad". Cabría preguntarnos si los Taviani no están aludiendo también a la política italiana contemporánea, a los Andreotti, a los Berlusconi, a la mafia enquistada en el poder.
Algunas escenas son sobrecogedoras y no precisan explicación, hablan por sí mismas, maravillan y conmueven. El filme de Paolo y Vittorio Taviani ganó merecidamente el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2012.

La puerta (Die Tür)
. De István Szabó. Con Helen Mirren, Martina Gedeck, Károly Eperjes. Hungría/Alemania, 2012. 97 min.

Magda Szabó es una escritora húngara cuyas novelas, antes censuradas por el régimen comunista, comenzaron a ser reconocidas por la crítica y el público en los años '60, cuando el régimen ya estaba atenuando la persecución a los intelectuales disidentes.  El filme La Puerta, de István Szabó, lleva el mismo título que la novela autobiográfica de Magda Szabó, sobre la cual se ha basado el guión. Comienza cuando el personaje femenino principal, Magda, se muda a una nueva casa con su marido y comienza a buscar una persona que la ayude a realizar las tareas domésticas. Luego de algunas indicaciones, entra en contacto con la misteriosa Emerence Szeredas, una mujer de edad que vive en el barrio. A la vida acomodada de clase media que lleva Magda, en su casa de dos pisos, se contrapone la dura infancia campesina, llena de experiencias dolorosas y traumáticas de Emerence. En un comienzo, Magda rechaza las maneras rudas de su nueva empleada, quien además mantiene su casa y su pasado en completa reserva. Pero a medida que el tiempo pasa, las dos establecen una relación de afecto, confidencia y solidaridad inusual entre un ama de casa y su empleada doméstica.
El filme es atrapante y emotivo, y cada elemento tiene un sentido dentro de la trama. Las tres veces que se rompen objetos de cerámica -el plato blanco del principio, la figura del perro promediando el relato y el juego de loza al final- son alusiones en imágenes a la creencia popular expresada por Emerence según la cual: "cuando un perro ladra y se quiebra una loza, alguien muere". Finalmente el perro ladra y la loza se quiebra a la hora de la muerte de Emerence. También hay vínculos entre imágenes del pasado y del presente. El recuerdo de Emerence de sus dos hermanas calcinadas por un rayo en medio del campo, causa del suicidio de la madre, entra en relación directa con la imagen del final de Magda (Szabó) y Evike Grossmann paradas en el cementerio debajo de la lluvia, paraguas en mano, pidiendo perdón a Emerence, una por haberla traicionado revelando su secreto, la otra por no haberle agradecido en vida por salvarla de los campos de exterminio. Allí es cuando el sol comienza a surgir por entre las nubes, y es entonces que comprendemos que el perdón ha sido concedido.
El filme es un poema en imágenes, y las interpretaciones, soberbias.

Documentales sobre el mundo del arte

La pintura de Gerhard Richter (Gerhard Richter Painting). De Corinna Belz. Con Gerhard Richter, Norbert Arns, Hubert Becker. Alemania, 2011. 97 min.
Un documental que registra el proceso creativo de uno de los más importantes artistas vivos. Fascinado por las rivalidades entre diferentes técnicas de pintura, desde hace 50 años, el artista alemán experimenta con una serie de métodos e ideas que remiten a crisis históricas y a los medios masivos de comunicación. Imágenes raras de archivo y entrevistas con críticos y colaboradores traducen un poco de su universo. Corinna Belz logra un retrato acabado de Gerhard Richter luego de dos años de acceso inédito al taller del artista.

Ouvir o Rio. Uma escultura sonora de Cildo Meireles
. De Marcela Lordy. Documental. Brasil, 2012, 79 min.
La cineasta brasileña Marcela Lordy retrata al consagrado artista plástico Cildo Meireles en su búsqueda de los sonidos de las principales cuencas hidrográficas de Brasil, para la construcción de la escultura sonora "Rio Oir", creada a partir del juego y la articulación entre palabras y conceptos. Cildo Meireles registró los sonidos del agua de una punta a la otra del país para después, en un estudio de sonido, combinar los fragmentos con el sonido de las aguas procesadas por el hombre y las carcajadas humanas. El filme revela la simplicidad del artista, la relación de los habitantes del interior del país con el agua, y potencializa nuestra percepción entre el sonido y la imagen.

Julius Shulman. Fotógrafo de Arquitectura Moderna (Visual Acoustics). De Eric Bricker. Documental. Estados Unidos, 2009. 83 min.
Un documental de Eric Bricker que muestra cómo Julius Shulman registró con su cámara fotográfica las construcciones de algunos de los más importantes arquitectos modernos y contemporáneos, incluyendo a Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, Hohn Lautner y Frank O. Ghery. Las icónicas y bellas imágenes de Shulman retrataron el optimismo de la arquitectura moderna en América de posguerra, impulsando la apreciación y la popularización de este movimiento en los Estados Unidos y en el mundo. Dustin Hoffman narra la vida y la carrera de este importante fotógrafo de la arquitectura.

Marina Abramovic. Artista presente (Marina Abramovic the artist is present). De Matthew Akers. Con Marina Abramovic, Ulay. Estados Unidos, 2011. 106 min.
Marina Abramovic es una de las influencias más decisivas en el arte de la performance. En ellas, el artista pone a prueba los límites de su propia resistencia física y mental. En 2010, el Moma de Nueva York organizó una gran retrospectiva de su obra. Para la ocasión, Marina no sólo volvió a montar obras pasadas, también creó una nueva performance por la cual interactuó intensamente con el público durante todo el periodo de la muestra. El documental muestra la creación y el periodo de esta exposición, más allá de entrevistas con curadores, coleccionistas y artistas. Matthew Akers obtuvo el Premio del público al mejor documental en Panorama Berlín 2012.

Hélio Oiticica. De Cesar Oiticica filho. Documental. Brasil, 2012, 94 min.
Oiticica e Bressane hablan de la idea de hacer un filme de tapes históricos o, como dijo Haroldo de Campos, Heliotapes: cintas K7 en las que Hélio dialoga y envía proposiciones a amigos personales, como Wally Salomão, Carlos Vergara, Antônio Dias, entre otros. El documental junta tales tapes históricos con filmes del propio Hélio y de otros que lo filmaron con sus obras, creando ese delirio ambulatorio en el cual el propio artista nos cuenta su vida. Un caleidoscopio de la cultura de los años 1960 y 1970 que nos permite, finalmente, ser presentados a Hélio Oiticica por él mismo.

Adriana Schmorak Leijnse

Notas:

1 - Shakespeare, William. Julio César. Universidad Nacional Autónoma de México, México DF, 1992, Pág. 66

14º Festival do Rio
Catalunya Über Alles
Catalunya Über Alles
César debe morir
César debe morir
Dentro de casa
Dentro de casa
El artista y la modelo
El artista y la modelo
Trishna
Trishna
La puerta
La puerta
Helio Oiticica
Helio Oiticica
La pintura de Gerhard Richter
La pintura de Gerhard Richter
Marie Krøyer
Marie Krøyer
Marina Abramovic. Artista presente
Marina Abramovic. Artista presente
Julius Shulman. Fotógrafo de Arquitectura Moderna
Julius Shulman.
Fotógrafo de Arquitectura Moderna
Holy motors
Holy motors
Ouvir o rio, Cildo Meireles
Ouvir o rio de Cildo Meireles


14º Festival do Rio - Los-premios


Del 27 de Septiembre al 11 de Octubre de 2012
Rio de Janeiro, Brasil.
http://2012.festivaldorio.com.br/
 

Los premios Redentor 2012

En una ceremonia realizada en el Cine Odeon Petrobras, el jueves 11 de Octubre de 2012, fueron revelados los vencedores de la 14ª edición del Festival de Rio.
O Som ao Redor, primer largometraje de ficción del pernambucano Kleber Mendonça Filho, se llevó los premios Redentor 2012 al Mejor filme y al Mejor Guión dentro de la Sección Première Brasil. Producido y ambientado en Recife, el filme cuenta una historia sobre las milicias y la vida cotidiana de la clase media en esa importante ciudad del nordeste. El filme Hélio Oiticica, dirigido por el sobrino del artista César Oiticia Filho, fue galardonado como Mejor Largometraje Documental, mientras que el Premio al Mejor Director fue entregado a Erik Rocha por Jards. Coincidencia o no, Jards Macalé y Hélio Oiticia son tropicalistas de la primera hora y los filmes que los retratan huyen de la clásica secuencia de entrevistas del género documental. En cuanto a las interpretaciones, Leandra Leal fue escogida como Mejor Actriz por Edén, mientras que Otávio Müller y Alessandra Negrini obtuvieron sendos premios de Mejor Actor y Mejor Actriz de Reparto por sus interpretaciones en O Gorila.  Caco Ciocler fue el Mejor Actor de Reparto por Disparos, película que además obtuvo los premios Redentor 2012 al Mejor Montaje (Pedro Bronz e Marília Moraes) y Fotografía (Gustavo Hadba). El investigador Antônio Venâncio recibió un homenaje especial por haber participado en cuatro documentales de la muestra competitiva de largometrajes y en cinco otros que ya se estrenaron en el circuito comercial.

Premios Redentor 2012

Mejor Largometraje de Ficción
O som ao redor, de Kleber Mendonça Filho

Mejor Largometraje Documental
Hélio Oiticica, de César Oiticica Filho

Mejor Cortometraje

Realejo, de Marcus Vinicius Vasconcelos

Mejor Dirección
Eryk Rocha, por Jards

Mejor Actor
Otávio Müller, por sua atuação em O Gorila

Mejor Actriz
Leandra Leal, por su actuación en Edén

Mejor Actriz de Reparto
Alessandra Negrini, por su actuación en O Gorila

Mejor Actor de Reparto
Caco Ciocler, por su actuación en Disparos

Mejor Guión
Kleber Mendonça Filho, por O som ao redor

Mejor Montaje
Pedro Bronz e Marília Moraes por Disparos

Mejor Fotografía

Gustavo Hadba, por Disparos

Premio Especial del Jurado

Antonio Venâncio, por el trabajo de investigación en los filmes Hélio OiticicaDossiê Jango, Sobral -el hombre que no tenía precio y El día que duró 21 años, además de la extensa presencia en documentales brasileños recientes como Palavra Encantada, Vinicius, O homem que engarrafava nuvens, Raul, Uma noite em 67, A música segundo Tom Jobim, entre muchos otros.

Miembros del Jurado Oficial: Lucy Barreto (productora), Marcos Prado (productor y director),  Renato Falcão (director) y Rajendra Roy (director del departamento de cine del Moma)

Nuevos Rumbos

Mejores Largometrajes

Super Nada, de Rubens Rewald  
A batalha do passinho, de Emílio Domingos

Mejor Cortometraje
Canção para minha irmã, de Pedro Severien

Homenaje Especial del Jurado
Jair Rodrigues, en Super Nada
Gambá, en A batalha do passinho

Miembros del Jurado: Roberto Berliner (director e productor), Eduardo Nunes (director) y Maria Ribeiro (actriz y directora)

Premio Fipresci:

Mejor filme de América Latina: Nosilatiaj. La Belleza (Argentina)

Personajes Latinoamericanos del Año: Lucy y Luiz Carlos Barreto

Voto popular:
A Busca, de Luciano Moura. Largometraje ficcional
Dossiê Jango, de Paulo Henrique Fontenelle. Largometraje documental
Zéfiro Explícito, de Sergio Duran y Gabriela Temer. Cortometraje.
Death of a Superhero: Mejor filme dentro de la Mostra Geração.

Los más vistos

El largometraje César debe morir, de los hermanos Vittorio e Paolo Taviani, quedó primero en la taquilla de esta 14ª edición del Festival de Rio. Detrás vinieron: Moonrise Kingdom, Great Expectations, Holy Motors, Elefante Blanco, Pietá, Nós e Eu, Indomável Sonhadora, Ruby Sparks y Magic Mike.

Adriana Schmorak Leijnse

Trofeo Redentor Foto de Andre Maceira
Trofeo Redentor
Foto de Andre Maceira
Otavio Muller Foto de Davi de Almeida
Otavio Muller
Foto de Davi de Almeida
Cesar Oiticica filho Foto de Felipe-Felizardo
Cesar Oiticica filho
Foto de Felipe-Felizardo
Marcos Palmeira entrego premio a Alessandra Negrini Foto de Felipe Felizardo
Marcos Palmeira entrego premio a Alessandra Negrini
Foto de Felipe Felizardo
 Rajendra Ray, Erik Rocha, Jards Macale Foto de Renata Abreu
Rajendra Ray, Erik Rocha, Jards Macale
Foto de Renata Abreu
Kleber Mendonca filho Foto de Felipe Felizardo
Kleber Mendonca filho
Foto de Felipe Felizardo


5º Festival de Cine Italiano de Madrid


   

Un año más, y ya van cinco, el Festival de Cine Italiano de Madrid ha cosechado un gran éxito. La capital de España ha acogido una selecta muestra de cine italiano, del 22 al 29 de noviembre pasado. Alrededor de 5000 espectadores han querido acercarse hasta la sala Verdi de Madrid, sede del Festival, junto al Instituto Italiano, para descubrir o recuperar películas de una cinematografía, que, hace ya algunas décadas, fue especialmente brillante con la corriente del Neorrealismo y con directores de la talla de Visconti, De Sica, Rosselini Antonioni, Zampa, por citar sólo algunos de los más relevantes. Después de una época un poco anodina, parece que el cine italiano, poco a poco, está reviviendo. Buena muestra la hemos tenido durante este certamen. El Festival ha permitido conocer, más allá de las fronteras italianas, a notables y jóvenes directores que en la actualidad están teniendo un gran éxito. Varios de ellos, han venido a Madrid para tener un contacto más cercano y personal con los espectadores, tanto antes de la proyección de sus films, presentándolos, como en amenas e interesantísimas charlas informales,  en torno a un buen café italiano, que se han celebrado en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid, cuyo director Carmelo di Gennaro impulsa, desde hace años, con brío y pasión este encuentro. Pero, no solo hemos descubierto nuevos talentos sino que se ha podido recordar a autores consagrados, como los octogenarios Hermanos Paolo y Vittorio Taviani, homenajeados en el V Festival a toda su carrera, así como se han podido ver films de grandes mitos de la cinematografía italiana como Michelangelo Antonioni y Marco Belocchio.
El Festival es muy completo no solo a nivel de esa mezcla de generaciones de directores sino también en el formato de los films. Hay tres secciones compuestas respectivamente por Largometrajes, Documentales y Cortos. Estas dos últimas son competitivas y han sido especialmente brillantes.
La sección de Largometrajes ha compaginado obras de grandes maestros, como el excelente film Cesar debe morir, última obra realizada por los Hermanos Taviani, que han sido, de hecho, homenajeados en el Festival. Paolo Taviani (Vittorio se quedó en Roma) acudió a Madrid para recibir su galardón, donde afirmó que existe una nueva generación de cineastas muy interesantes en Italia como por ejemplo, Ivano de Matteo (Roma, 1966) cuyo film Gli equilibristi (2012), crónica de la crisis económica a través de una pareja, se ha podido ver estos días o Luigi lo Cascio (1967), actor y director, cuyo original film La città ideale también ha cosechado gran éxito en el Festival. Paolo Taviani hizo gala de una maestría y de una agilidad mental, increíble para sus años, rememorando su extensa filmografía, entre las que destacan obras inolvidables como Padre Padrone (1977), La noche de San Lorenzo (1977), que pudimos ver durante el certamen, o Kaos (1984), por citar solo algunas de las más sobresalientes. La obra de los Taviani permite trazar la historia de Italia, a través de los escenarios campesinos más pobres y atrasados, las luchas de clase, la mafia, los diferentes conflictos que han ido asolando el país transalpino, como las Guerras Napoleónicas o la II Guerra Mundial. Todo ello, con un vigor y una teatralidad notables. Su último film, César debe morir, nominada por Italia al Oscar 2013 a la mejor película extranjera, y que inauguró el certamen, está ambientada en la cárcel de Rebbibia, cercana a  Roma. Narra la historia de unos presos auténticos que son solicitados para interpretar la obra de Shakespeare, "Julio César". Un film enérgico e inteligente, que no olvida las raíces sociales del cine de los Taviani, y que demuestra que, a pesar de tener más de ochenta años, son esencialmente jóvenes.  Otro de los grandes directores de la historia del cine italiano es Michelangelo Antoninio. El Certamen le rindió un Homenaje pasando sus cortos Gente del Po, Sicilia y Lo sguardo di Michelangelo así como el mediometraje Fare un film è per me viviere de Enrica Fico Antonioni.
Para completar los largometrajes presentados, cabe reseñar, el estupendo film L´industriale de Giuliano Montaldo, un sólido director de larga trayectoria, cuya obra más importante es Sacco e Vanzetti (1971) y el film Bella addormentata, una interesante reflexión sobre la eutanasia, firmado por unos de los más grandes, más premiados y más prolíficos directores italianos, Marco Bellocchio (1939), autor de I pugni in tasca (1965), La Cina è vicina(1967), Il diavolo in corpo (1986) o Buongiorno notte(2003). Para coronar la sección de largometrajes y, como no podía ser menos, se proyectaron dos films en la línea de la gran comedia italiana de los años 50 y 60: Il comandante e la cicogna del guionista y director Silvio Soldini, y la película que clausuró el Festival, Posti in piedi in paradiso de Carlo Verdone, cineasta de gran popularidad en Italia. Dos muestras más que respetables de un estilo de cine italiano divertido e ingenioso, muy característico de esa cinematografía.
Respecto a los Cortos, hubo una gran variedad en la temática: desde temas genuinamente italianos relacionados con las costumbres campesinas (Dell´ammazzare il maiale), la isla de Sicilia (Terra) o la Mafia (Convitto Falcone), hasta cuestiones más intimistas (Il turno di notte lo fanno le stelle). El primer premio recayó en Terra de Piero Messina, una soberbia reflexión sobre los sentimientos y la nostalgia y la Mención Especial del Jurado fue para Dell´ammazare il maiale de Simone Massi, un retrato muy conseguido sobre el ambiente campesino.
Todas las secciones del Festival son interesantes y se complementan entre sí. En la correspondiente a los Documentales, se han podido ver grandes muestras del talento de los nuevos cineastas italianos. A través de estos films, hemos hecho un recorrido por Italia, a través de su geografía y de su historia con Il risveglio del fiume segreto, sentido homenaje al río Po, clave en la vida italiana, Le cose belle, sobre la idiosincrasia napolitana o Terramatta sobre la historia de Sicilia. Otros documentales como Tahrir, la plaza del Cairo, Medici con l´Africa, sobre la ayuda al tercer mundo o La nave dolce, crónica de la llegada al puerto italiano de Bari de miles de albaneses, han tocado temas más políticos. El jurado de documentales otorgó, con todo merecimiento, el Primer Premio a Terramata de Costanza Quatriglio, un soberbio documental que narra la vida de un humilde peón siciliano, prácticamente analfabeto, que a lo largo de su vida, escribió un libro de 2000 páginas con un lenguaje propio. Además, el film va contando a través de su vida, la historia de Sicilia y de Italia entre 1899 y 1981. Se trata de una obra apasionante y emotiva. La mención especial fue para la demoledora La Nave dolce de Daniele Vicari, uno de los jóvenes directores italianos más prometedores en la actualidad, autor del largometraje Diaz, no limpiéis esta sangre. La nave dolce cuenta cómo, en 1991, llegaron miles de albaneses, huyendo de la miseria, al puerto italiano de Bari, y la manera en cómo reaccionaron las fuerzas vivas del país anta tal avalancha humana. La obra de Vicari, al narrar la tragedia humana de la inmigración, es contundente, demoledora, impactante y crítica.
En suma, el V Festival de Cine Italiano ha conseguido hacernos vibrar y abrirnos a una cinematografía, que por desgracia, no siempre, se exporta tanto como desearíamos, más allá de sus fronteras. Un país, que no olvidemos, está, por legítimo derecho en las páginas más brillantes de la Historia del Cine Mundial. Afortunadamente, como ha demostrado el Festival, tenemos, ante nosotros, un plantel de jóvenes y buenos cineastas que están haciendo un más que honroso trabajo en el cine actual italiano. Como dijo el embajador italiano, Leonardo Visconti di Modrone, al inaugurar el Festival, "Italia no es una gran potencia ni económica ni política. Más bien, intermedia. Pero, en lo que sí somos una gran potencia es el ámbito cultural".

Carmen Pineda

Antonioni


Cinema by numbers: redescubriendo a Amir Naderi


La última edición del Festival Internacional de Cine de Xixón (FIC) ha ofrecido en su programa una amplia retrospectiva del director iraní Amir Naderi. El realizador, tras abandonar su país de origen por la asfixiante política censora impuesta por el régimen de Jomeini, decidió radicarse en Estados Unidos, convirtiendo Nueva York y Las Vegas no solo en sus nuevos domicilios, sino también en el escenario inconfundible y recurrente de sus nuevas propuestas fílmicas.

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Los premios Oscar 2013 De la Historia a la pequeña historia


Lincoln

Las nominaciones y premiaciones de este año cubrieron un espectro amplio de temas, propósitos y geografías mostrando la apertura de la Academia de Hollywood en los últimos años. Si bien las películas de acción y las comedias ligeras constituyen el grueso de la producción para el gran público, el criterio comercial no marcó completamente la selección, balanceando de manera inclusiva el juicio de críticos y espectadores con la importancia de los asuntos tratados. Por ello Amour (Oscar a la mejor película extranjera), un film hecho en Francia por un director austro-alemán, fue escogido junto a Zero Dark Thirty, acerca del terrorismo global y dirigida por una mujer. Además: Lincoln y Djanjo Unchained sobre la esclavitud en Estados Unidos, Argo (Oscar a la mejor película) basada en un caso real durante la revolución iraní, Life of Phi y Beasts of the Southern Wild dentro...

Leer 85ª Gala de los Oscars

Django Unchained
Silver linings playbook
Life of Pi

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Blancanieves triunfa en la gala de los Goya 2013


Goya 2013

El pasado 17 de febrero, tuvo lugar en Madrid la ceremonia de los Goya 2013 durante la cual se entregaron los máximos galardones del Cine español. Este año, la gala se ha dividido entre la alegría de una temporada repleta de buen cine,  muy taquillera además gracias a dos de las películas premiadas, Lo imposible y  la cinta de animación Las aventuras de Tadeo Jones, y por otro lado, un cierto pesimismo...

Blancanieves
 
 

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15º Bafici - Documenta Madrid 2013


X Festival Internacional de Documentales de Madrid  
Madrid, España
Del 5 al 12 de mayo de 2013

"Mujer Lobo" de Tamae Garateguy, la directora de "Pompeya" -el film ganador en la competencia argentina en el festival de Mar del Plata en 2012- presentó en la edición número 15 de Bafici. El film comienza con una fuerte escena de sexo violento dónde se vislumbra claramente un cuerpo femenino atado. Hasta ese instante no se termina de comprender si se trata de una violación o no, pero sí se sobreentiende que hay niveles de violencia elevados sobre el cuerpo.  El blanco y negro vuelve más digerible todo lo que desde allí y en adelante sucederá en la vida de esta mujer.
El guión de Diego A. Fleischer,  actuado por Mónica Lairana, Guadalupe Docampo y Luján Ariza, va a narrar la vida de una mujer, de una metamorfosis constante de la reacción correspondiente al sometimiento sexual que sufre, y como dice el título, la Mujer Lobo. La película además de homenajear a aquel film de clase B del año 1942, dirigida por Jacques Tourneur, La mujer pantera o Cat people, imagina todos los sucesos no narrados en los tiempos perdidos de dicho film o al menos le exige al espectador de este tiempo comprender plenamente el sentido de la obra del año '42.
Así perfila sus personajes femeninos disociándolos para otorgarles tres facetas diferentes, la niña tierna, la mujer audaz y la femme fatale, que provocan diferentes relaciones con los hombres que cruzan: relaciones que llegarán a enojar y a metamorfosear a este complejo personaje.
Los asesinatos se suceden, ella(s) los envenenan, los muerden, los desprecian con motivos consistentes. Inevitablemente el espectador se siente identificado con la(s) protagonista(s) y espera pacientemente que encuentre a su próxima víctima. El espectador como voyeur también es perverso, también es asesino por la hora y media del film.
Pero el mismo complejiza a su personaje lo hace amar maternalmente recuperar una de sus facetas: la de la niña tierna. Lo hace conocer un amor que une a las tres mujeres, las femmes fatales. Y entonces allí también es loba, cuida a su cría, a su único amor puro y cambia, así, su causa. Pero la directora y el guionista la(s) castiga(n) e interpela al espectador identificado hasta aquél instante, el film le lleva lo único amable. Entonces, siembra la duda, ¿es posible identificarse? ¿Es merecido el castigo por alguna causa?

Ficha técnica

Mujer Lobo
Argentina, 2013
Duración: 92, Blanco y Negro,  DCP
Dirección: Tamae Garateguy
Guión: Diego A. Fleischer
Elenco: Mónica Lairana, Guadalupe Docampo, Luján Ariza, Edgardo Castro, Nicolás Goldschmidt
Fotografía: Pigu Gómez
Edición: Catalina Rincón
Dirección de Arte: Marina Spinelli
Sonido: Erico Schick
Música: Sami Buccella
Producción: Jimena Monteoliva, Tamae Garateguy
Producción ejecutiva: Jimena Monteoliva
CP: Crudo Films

La búsqueda del Edén

"La Paz" de Santiago Loza, dramaturgo y director de cine, creador de múltiples obras que rescatan los tiempos inertes -como el instante que condensa el pensamiento del personaje antes de su acción- fue ganadora de la Selección oficial Argentina del Bafici.
Liso, el joven que encarna Lisandro Rodríguez acaba de salir de una internación. Sus padres lo buscan, lo quieren de regreso en su hogar. Una familia acomodada, con traumas y tiempo de más, o mal canalizado.
En la poética de Loza los tiempos dilatados proponen generar esa angustia que atraviesa el personaje. Un personaje que busca constantemente  la calma que perdió, quizás en esa sobreprotección  maternal o en la indiferencia de su padre.  En la llenura extrema de tener todo resuelto y de no encontrar motivos para seguir adelante,  los tiempos detenidos son parte de observar un hogar roto, que se emparcha o intenta hacerlo desde lo material, desde aquella motocicleta que le regalan.
La doble función de la moto resulta un arma de doble filo para su madre. Es regalo, pero es motivo para huir de ese hogar. Es la posibilidad de vincularse con su abuela y la chance de ir a pasear con Sonia, la mujer de origen boliviano con la que comparte los tiempos libres cuando ella no trabaja en su casa.
El film con sus primeros planos y planos medios logra establecer un estadio de intimidad con cada uno de los personajes  y desarrolla una atmósfera opresiva en determinadas instancias de la historia. Del mismo modo, se desarrolla el ambiente por medio de grandes silencios que se alternan con sonidos fuertes que cortan el letargo del personaje.  
"La Paz" utiliza al personaje Liso, a su vez, para otorgar un cambio que no es planteado puramente desde la angustia existencial de alguien que no sabe qué hacer con su vida, sino que además plantea una inquietud en el personaje que debe huir socialmente del lugar en el que ha crecido. Así el film establece no sólo una inquietud filosófica en el protagonista sino también social y política.

Ficha técnica

La Paz
Dirección y guión: Santiago Loza
Argentina, 2013
73 minutos, DCP, Color
Elenco: Lisandro Rodríguez, Andrea Strenitz, Fidelia Batallanos Michel, Ricardo Félix, Beatriz Bernabé.
Fotografía: Iván Fund
Edición: Valeria Otheguy, Lorena Moriconi
Dirección de arte: Adrián Suárez
Sonido: Leandro de Loredo
Música: Javier Ntaca
Producción: Iván Eibuszyc, Santiago Loza
Producción ejecutiva: Iván Eibuszyc
Productoras: Frutacine, Morocha Films, Tres Sonido, Alta Definición Argentina

Pendejos

Raúl Perrone, ganador como director de la Competencia Argentina, presentó su nuevo film "Pendejos", el cual vuelve a tomar la temática de los jóvenes que andan en skate (tal como en Bonus Track), con sus problemáticas sociales, la ausencia paterna, o una presencia poco consistente, y el desamparo en el que deambulan por sus vidas. Pero esta vez lo hace a partir del blanco y negro y del cine silente; donde los intertítulos revelan el escueto diálogo que emiten entre sus pares y con sus padres.
Perrone muestra, en esta cumbiópera en tres actos y una coda, la historia de varias parejas de jóvenes que viven esquivando el daño que la sociedad le imprime día a día. Los pendejos aquí vistos, intentan conectarse con los padres y en los pocos diálogos se puede vislumbrar cómo estos, síntoma de algo mayor, rechazan la presencia de ellos.
Perrone los homenajea a ellos y al cine al vincularlos con el rostro puro de la Juana de Arco de Dreyer, al establecer con su cine una íntima relación con los géneros cinematográficos tales como  Bretton, Roselini o los cineastas de la Nouvelle Vogue. Así, es imposible no ver en alguno de sus rostros a Antoine Doinell.
Asimismo la estructura de la película, no es exclusivamente contenido, ya que reflejan la utilización de las imágenes repetidas y la musicalidad que compone desde ese resurgir toda una identidad que define a los personajes.  Es un montaje por momentos vertiginoso que hasta reproduce en algún punto cierta similitud con la sensación de andar en skate.
Ade"Mujer Lobo" de Tamae Garateguy, la directora de "Pompeya" -el film ganador en la competencia argentina en el festival de Mar del Plata en 2012- presentó en la edición número 15 de Bafici. El film comienza con una fuerte escena de sexo violento dónde se vislumbra claramente un cuerpo femenino atado. Hasta ese insta
Metamorphosen
Metamorphosen
Terra de ninguem
Terra de ninguem
The act of killing
The act of killing
Documenta Madrid 2013




 






 

 


Novocine


Novocine

La sexta edición del Festival de Cine Brasileño de Madrid se ha desarrollado del 7 al 14 de noviembre con gran éxito de público. Promovido y organizado por la Embajada de Brasil en España y la Fundación cultural Hispano-Brasileña, la muestra ha congregado a un enorme número de público, a cinéfilos, brasileños residentes en España y periodistas especializados.

Novocine

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88ª edición de los Premios Oscar


Trumbo 


El domingo 28 de febrero de 2016 tuvo lugar una nueva edición de los Premios que la Academia de Hollywood otorga a las mejores realizaciones cinematográficas del año anterior, en este caso, del 2015.
Publicamos aquí la lista de nominados y premiados, y contamos algo sobre las películas que Cinecritic.biz vio en las salas de cine.

En Primera Plana Spotlight es un largometraje dirigido por Thomas McCarthy, quien además escribió el guión junto a Josh Singer. Protagonizado por Mark Ruffalo, Michael Keaton...

Oscars 2016
 The big short

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Vencedores o vencidos en los Oscars 2014


Gravity

Gravity


Los Oscars de este año han sido previsibles, ya que se han otorgado los mejores premios a películas de calidad, pero de un impacto algo esperado, el mundo del racismo en la mejor película Doce años de esclavitud, donde vemos el tópico de los buenos y malos, en una muy dura historia que ya nos han contado muchas veces, pero también tenemos Gravity, una notable película que transcurre en el espacio, la cual ha obtenido siete premios, merecidos, sin duda, pero que nos obliga a pensar que han podido más los efectos especiales y lo visual que la historia humana que hay detrás.

Lobo de Wallstreet
Doce años de esclavitud

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Festival do Rio 2014 - Las peliculas


   
El Documental fue la estrella de este Festival do Rio 2014. Sin embargo, otros géneros como el ficcional y el Biopic mostraron buenos ejemplos de interpretación, guión y dirección.  Aquí van diez comentarios breves de filmes que Cinecritic.biz tuvo el privilegio de ver este año en la Ciudad Maravillosa.

Ficción y Biopic

Mr. Turner (Dir.: Mike Leigh. Con Timothy Spall, Roger Ashton Griffiths, Jamie Thomas King. Reino Unido, 2014, Dur.: 149 min)
En su nuevo largometraje, Mike Leigh, director de Life is Sweet (1991) y Secrets and Lies (1996), aborda los últimos 25 años de vida del maestro británico Joseph Mallord William Turner. Excéntrico e indisciplinado, el pintor transitaba entre la aristocracia y los prostíbulos, además de alimentar la inspiración en sus numerosos viajes. El reconocimiento de sus pares no fue suficiente para protegerlo de las eventuales críticas populares y del sarcasmo de la clase dirigente. Después de la muerte de su padre, Turner se aisló, pero su vida cambió cuando conoció a la Sra Booth, propietaria de una pensión en la costa.
La obra de Turner se caracterizó por la investigación sobre los efectos de la luz, y fue determinante para el posterior desarrollo del Impresionismo. Desde 1817 hasta 1845 viajó con frecuencia a los Países Bajos para estudiar los efectos atmosféricos y lumínicos en esas latitudes, y para observar las obras de los pintores holandeses. Turner pintaba sus paisajes durante el amanecer y el atardecer por tratarse de los dos momentos del día en los que se puede apreciar mejor el espectro completo de luz. La tonalidad de sus obras está muy volcada al amarillo, al rosado o al anaranjado. Aunque perteneció al Romanticismo, se lo considera antecedente directo del Impresionismo por sus estudios de la luz, y un antecedente más lejano del Arte Abstracto por su tendencia cada vez mayor a difuminar los contornos hasta convertirlos en formas irreconocibles, en manchas. 
El director de fotografía de Mr. Turner, Dick Pope, intentó con éxito dar al filme la misma calidad de luz que aparece en las obras del artista británico, algo nunca sencillo en este tipo de biopics. Ensayó una especie de veladura que da una sensación de desvanecimiento de las formas, como en una foto en la que el exceso de luz difumina los contornos. La película abre, además, con humo de cigarrillo, evidenciando la forma en la cual el efecto del humo modifica el cuadro, en referencia directa a los efectos de humo y niebla de las pinturas de Turner.
Otro tema tratado por Mike Leigh, director y guionista de la película, es la aparición del daguerrotipo durante la última etapa de la vida del pintor. La fotografía ya había comenzado entonces a ocupar el lugar de la pintura en el género del retrato, y pronto ocurriría otro tanto con el paisaje, es decir que la fotografía estaba liberando a la pintura de la imposición de ser el único medio capaz de registrar fielmente la realidad, lo que trajo como consecuencia que las artes plásticas se tornasen cada vez menos figurativas. Esta tendencia creciente a la abstracción llegó a tal extremo en Turner que volvió su obra incomprensible para el público y para la clase dirigente (vale acotar, en este sentido, que Mike Leigh retrata a la Reina Victoria como una monarca que no gustaba en absoluto de las innovaciones en materia artística). Sin embargo siempre contó con el apoyo y el reconocimiento del público conocedor y de sus colegas.

Maps to the Stars
(Dir.: David Cronenberg. Con Julianne Moore, Mia Wasikowska, Olivia Williams, Evan Bird, John Cusack, Robert Pattinson. Canadá/Alemania, 2014, Dur: 111 min)
El célebre director canadiense David Cronenberg cuenta la historia de los Weiss, una típica familia hollywoodense. Sanford (John Cusack) es un psicólogo que hace fortuna con libros de autoayuda. Christina, su mujer (Olivia Williams), pasa la mayor parte de sus días cuidando la precoz carrera del hijo menor Benjie (Evan Bird), un astro infantil de 13 años que acaba de volver de un centro de rehabilitación para drogadictos. Completando la familia, Agatha (Mia Wasikowska) fue recientemente liberada de un sanatorio psiquiátrico donde se la trató por su inclinación a la piromanía. 
El filme abre con un mapa de las estrellas sobre la cual se imprime los nombres del elenco y el equipo de filmación, en un interesante juego de sentidos que pone en relación los cuerpos celestes, los astros, con los "stars" de Hollywood. Benjie, estrella de la pantalla grande, que comenzó su carrera (y su adicción a las drogas) a los 9 años, es ahora un precoz productor y actor de 13 años. Havana Segrand (Julianne Moore) es una actriz que sufrió abuso sexual durante su infancia, de manos de su madre, la también actriz Clarice Taggart (Sarah Gadon).
Agatha es piromaníaca, iniciadora del incendio de la casa paterna. Cuando consigue trabajo como secretaria en la mansión de Havana Segrand, es como si el pasado retornase. Havana se siente identificada con Agatha porque Clarice, su madre, también murió en un incendio.  ¿Cronenberg estará insinuando, así, que Havana provocó el incendio donde murió su madre, para vengarse de los abusos? No hay respuesta a esta pregunta. Sin embargo Christina, la madre de Benjie y Agatha muere también quemada, a lo bonzo. Parece que el pasado no resuelto retorna una y otra vez, como un karma o una maldición, de la misma forma que acontece en las tragedias griegas. Los destinos de Agatha y Havana se cruzan, como si las dos fueran una sola persona. Incluso cuando Agatha asesina a Havana, golpeándola reiteradamente en la cabeza, ella misma se mancha la frente de sangre, puesto que una es el reflejo de la otra.
Cronenberg muestra la competencia feroz que existe en Hollywood y cómo las estrellas se odian unas a otras hasta desearse la muerte. Un mundo cruel, un mundo de psicóticos donde las palabras amor, perdón y compasión brillan por su ausencia, un mundo de homicidas, abusadores y suicidas. Los celos, la envidia y la hipocresía reinan en ese mundo, siendo las únicas motivaciones el sexo, el dinero, la fama, el ego y la venganza.
Hay un poco de mezcla de géneros en la película, desde el género del terror al de la ciencia ficción. Por ejemplo, al principio, cuando Agatha se sube al remise, Jerome le pregunta de dónde viene, a lo que ella responde: "vengo de Júpiter". Luego esto es reafirmado cuando Jerome obtiene un papel secundario en un filme de ciencia ficción. El tatuaje que lo identifica como extraterrestre guarda la misma forma, y ocupa el mismo lugar en su rostro, que la enorme y visible cicatriz en el rostro de Agatha, consecuencia de los incendios provocados por ella. De alguna manera es como si Agatha fuera (o se sintiera) como una especie de extraterrestre venida del espacio sideral, alguien que no pertenece a este mundo. O tal vez  Cronenberg nos está diciendo que todos provenimos del Cosmos y que nuestro destino está gobernado por él.
Por otra parte, tanto Benjie como Agatha ven fantasmas de niños en el jardín de su casa. La aparición de espectros es algo muy frecuente en el género del terror, solo que en Cronenberg adquiere un cariz psicológico y casi podríamos decir, surrealista. En él la realidad se vuelve mágica para explicar un estado alterado de la consciencia. Los fantasmas aparecen y desaparecen en la piscina, siendo el agua un canal de comunicación de este mundo con el más allá, y adquiriendo también otras significaciones como el de las profundidades del sueño y del inconsciente o como un portal a otra dimensión (¿la cuarta, la quinta?).
En Maps to the Stars la construcción del relato se inspira en las tragedias griegas. Sólo que los palacios de la Antigüedad se ven convertidos ahora en las modernas mansiones de Beverly Hills, donde la tragedia humana se perpetúa de la misma forma que antaño. Cronenberg da continuidad a una idea recurrente en su filmografía, la de una sociedad decadente que se desmorona, cuyos integrantes terminan muertos o locos como en las tragedias clásicas o en las shakesperianas. Solo por poner un ejemplo: Christina, la madre de Agatha, dice que ellos no sabían, antes de casarse, que ella y Sanford eran hermanos. De la misma forma que en la célebre tragedia de Sófocles, Edipo, para llegar a ser rey, mata a su padre y se casa con su madre porque no sabe quiénes son. Su destino está marcado por los dioses (o por las estrellas, retomando la idea del filme). Los temas del incesto y de la muerte temprana no sólo aparecen en referencia a Christina y Sanford, también en lo que respecta a Havana y su madre Clarice, y a los hermanos Benjie y Agatha. El destino de todos ellos está marcado por las estrellas. El mapa del comienzo adquiere, entonces, un cariz de marca cósmica del destino humano, o mejor dicho, de la tragedia humana. En realidad es un filme con un cierto grado de esoterismo. El hecho de que  Agatha hubiese vivido 7 años en el hospital psiquiátrico en Florida y Benjie tuviese 13 años al cumplir su destino de casarse con su hermana y morir en manos de ella, significa que hay algo de cabalístico en Maps to the Stars, ya que 7 y 13 son números muy significativos para la Cábala, son ciclos al cabo y al inicio de los cuales, cosas importantes acontecen en la vida de una persona.

Jimmy's Hall (Dir.: Ken Loach. Con Barry Ward, Simone Kirby. Irlanda/Reino Unido, 2014. Dur: 106 min)
En 1921, el campesino Jimmy Gralton tiene la audacia de construir un salón de danza en un rincón rural de Irlanda. Punto de encuentro entre jóvenes idealistas, el lugar es visto con malos ojos entre los más conservadores. Diez años después, luego de un largo exilio en Nueva York, Jimmy vuelve a su tierra natal para ayudar a su madre a cuidar de su familia. Con esperanzas renovadas en el ambiente, después de casi diez años de guerra civil, Jimmy decide reabrir el antiguo salón. El éxito es inmediato, pero sus ideas progresistas no agradan a todos en la aldea, y las tensiones surgen nuevamente.
Ken Loach toca el tema de Irlanda en el periodo post-independentista, luego del tratado anglo-irlandés que estableció, en 1921, la separación de una Irlanda del Norte protestante, dependiente del Reino Unido y una Irlanda del Sur autónoma y de mayoría católica. El director británico muestra la dictadura de la Iglesia Católica en Irlanda, además de la intolerancia y la persecución contra los comunistas.
Jimmy Gralton volvió de Nueva York en plena crisis del '30 con toda la ilusión de volver a su tierra, pero sus ideas progresistas no fueron bien recibidas. El conoció en los Estados Unidos la música de jazz y las ideas progresistas sobre la defensa de los derechos de los trabajadores, los derechos civiles, en los que los Estados Unidos estaban por aquella época mucho más desarrollados que Irlanda. Sus ideas novedosas molestaron a tal punto al establishment de la Irlanda católica, que finalmente el Obispo y el poder político decidieron expulsarlo definitivamente del país. Jimmy fue forzado a aceptar un segundo exilio en Nueva York, donde murió en diciembre de 1945.
La última imagen del filme muestra a los jóvenes despidiendo a Jimmy. Esos jóvenes son el futuro, el cambio en Irlanda que llegó bastante tardíamente, recién a mediados de los años '80. El filme muestra lo hermética y cerrada que se mantuvo la sociedad irlandesa, resistiendo al cambio durante más de 50 años, y el atraso al que la Iglesia Católica la tuvo sometida durante ese extenso periodo de tiempo.

Mommy (Dir.: Xavier Dolan. Con Anne Dorval, Antoine Olivier Pilon, Suzanne Clément, Patrick Huard, Alexandre Goyette. Canadá, 2014. Dur: 134 min)
Del director Xavier Dolan (Yo maté a mi madre, 2009 y Los Amores Imaginarios, 2010), se proyectó, durante el Festival do Rio 2014, Mommy, largometraje ganador del premio del jurado en el Festival de Cannes 2014. 
Diane es una mujer viuda que vive constantemente malhumorada. Madre soltera, se ve sobrecargada con la guarda de Steve, su hijo de 15 años, que sufre de un síndrome conductual denominado TDAH (Trastorno por Déficit de Atención con Hiperactividad). Mientras ellos intentan sobrevivir y luchar en medio de esta situación difícil, Kyla, una profesora de secundaria que vive justo enfrente de la casa de Diane, se ofrece para ayudar. Juntos, los tres encuentran un nuevo equilibrio y la esperanza renace.
Para mostrar la estrechez de visión, la poca perspectiva en esas vidas, el director optó por un formato cuadrado 1:1, muy atípico en cine. Los colores son apagados y la luz opaca, grisácea. En la única secuencia donde se vuelve al formato rectangular normal 1.85:1 es aquella de la ensoñación de Diane, en la que además los colores y la luz recobran su brillantez.
Diane firma con la apócope "Die" la salida de su hijo de la clínica. "Die" en inglés significa morir. Es como que si madre, al llevar a su hijo a casa, en lugar de ayudarlo, lo estuviera empujando a la muerte. Da la impresión, a lo largo del filme, que ella culpa a su hijo de todas sus desgracias y que, en realidad, ella es la más desequilibrada de los dos. La situación general parece ir mejorando durante un tiempo hasta que Die decide internar a Steve por segunda vez, en un nuevo intento de quitarse el problema de encima, y es entonces que la situación de ambos vuelve a caer en el vacío.
Mommy es un filme extremadamente pesimista y nihilista. La madre, en la filmografía de Dolan, no es un ser que da vida sino muy por el contrario, aparece representada como la Muerte personificada, como alguien que está allí para destruir, para matar a su hijo. Hay un conflicto generacional muy fuerte en este y otros filmes anteriores del joven director canadiense. Algunos de estos conflictos aparecen también en Yo maté a mi madre (2009): la pugna entre un adolescente en busca de su identidad sexual y una madre soltera sobreprotectora y desamparadora a la vez, la relación simbiótica de amor-odio entre esta madre y su hijo, agravada por un padre ausente y el tema de la internación como una manera poco efectiva de poner distancia en esa relación simbiótica. Sin duda los filmes de Xavier Dolan requieren un completo conocimiento de la obra de Freud para ser cabalmente comprendidos.  

El misterio de la felicidad (Dir.: Daniel Burman. Con Guillermo Francella, Inés Estévez, Alejandro Awada, Sergio Boris. Argentina/Brasil, 2014. Dur: 92 min)
De Daniel Burman, el mismo director de El hijo de la novia, El abrazo partido y El nido vacío,  pudo verse en el Festival do Rio El misterio de la felicidad, una película que habla sobre el amor, la amistad y la lealtad.
Santiago y Eugenio son socios en un negocio de electrodomésticos y amigos de mucho tiempo. Un día, y sin previo aviso, Eugenio desaparece. Santiago se da cuenta de la gravedad del problema cuando Laura, la esposa de Eugenio, le cuenta que su marido se ha llevado todas sus pertenencias sin dejar pistas. Juntos, Santiago y Laura, viajan a Brasil para buscar a Eugenio y así descubrir los motivos de su desaparición, pero entonces un nuevo sentimiento nace entre ambos.
En la primera secuencia, con mucho sentido del humor, los dos socios actúan como si uno fuese el fiel reflejo del otro. Los movimientos cuidadosamente sincronizados, como en un espejo, dan a uno la impresión de estar presenciando una vida en pareja más que la de socios de una empresa. Sin embargo hay como una especie de quiebre en esa relación simbiótica cuando uno expresa su intención de vender el negocio de electrodomésticos y el otro, lo contrario. Eugenio es un hombre que parece tener poco carácter y ser fácilmente manipulado por su esposa y su socio. Es como si mantuviese una existencia ajena, duplicada, como si viviera enajenado sin tener en cuenta para nada sus propios deseos y sueños. La película habla de qué pasa cuando un miembro de una sociedad (conyugal o de negocios) decide romper con lo establecido, con el contrato matrimonial y comercial, poniendo fin de esa forma al vacío de una vida impostada.
En la entrevista colectiva que dieron Daniel Burman e Inés Estévez durante el festival, Burman habló de un tema recurrente en sus filmes: "yo hablo de los vínculos, de cómo nos relacionamos con el otro para sobrevivir a la angustia existencial que todos tenemos". El joven director argentino recordaba que existe una relación directa entre melancolía y comedia, ya que "la vida es básicamente una tragedia y la reacción a esta tragedia es la comedia, es una forma de sobrellevar esa tristeza, esa melancolía", decía. A pesar de ello, en sus filmes siempre hay una salida, una esperanza.
Para Inés Estévez, en cambio, el filme habla de "cómo el ser humano sostiene situaciones que van en detrimento de su propia felicidad". 
Daniel Burman retrata en sus películas a la sociedad porteña de clase media, generalmente representada a través de sus colectividades. Hasta ahora sus personajes centrales pertenecían la comunidad judía, pero en éste, su último largo, son los armenios los que aparecen retratados en la piel del "investigador privado" Odukian (Alejandro Awada), que más parece un médium o un adivino que un investigador. Como bien marcaba el director durante la entrevista colectiva, Odukian ocupa el lugar de la pitonisa en el Oráculo de Delfos, quien a su vez remite a la tragedia griega. "Odukian tiene una visión diferente. Justamente por ser armenio, él ve un poco más allá que los demás".

El Presidente (Dir.: Moshen Makhmalbaf. Con Misha Gomiashvili, Dachi Orvelashvili. Georgia/Francia/Reino Unido, Alemania, 2014. Dur: 105 min)
Del mismo director de Gabbeh y El silencio, el iraní Moshen Makhmalbaf, llegó a las pantallas del Festival do Rio, El presidente.  Un dictador y su familia gobiernan un país imaginario con puños de acero, disfrutando de una vida de lujo y de placer a costa de la miseria del pueblo. Cuando un Golpe de Estado derriba el régimen, la familia del líder huye del país en avión, dejando en tierra  al ex mandatario y a su joven nieto de cinco años. Disfrazados de músicos callejeros, cruzan el país y se enfrentan cara a cara con el odio unánime que despertaron en el pueblo durante tantos años de dictadura.
El filme habla de un mandatario hipotético en un país hipotético. Sin embargo podemos reconocer allí algunos rasgos de la historia política de Irán. Es como si Makhmalbaf estuviese repasando la historia de Irán de los últimos 50 años.
El dictador -no se entiende muy bien por qué lo llaman Presidente, si él mismo se hace llamar Su Majestad, y a su nieto, el Príncipe Heredero- posee ciertos rasgos de Mohammad Reza Pahlavi, el último Shá de Persia. Como respuesta a una de sus órdenes arbitrarias y caprichosas, el pueblo declara la revolución. La película muestra, básicamente, cómo una dictadura derrocada por la fuerza, termina en otra dictadura más violenta y arbitraria que la anterior porque toda la maquinaria del poder sigue intacta y porque se basa en el odio y no en el respeto al otro. Ese círculo vicioso de venganza parece no tener fin, pero en algún punto tiene que cortarse para dar cabida a un estado de derecho.
La ciudad capital de este país imaginario recuerda un poco a París. Es una ciudad construida al estilo occidental, tal vez en alusión a la orientación pro-occidental del Shá de Persia. Luego de la revolución, el ex "presidente" se viste con ropas de campesino y vaga por el país guitarra en mano, disfrazado de músico ambulante. Esto, claro, no fue lo que ocurrió con Reza Pahlavi, se trata de una licencia poética para mostrar la fragilidad del poder absoluto: el mismo que un día creía encontrarse en la cima del mundo, al día siguiente puede descender al mismo nivel que un pordiosero. Lo bueno de esto es que así, quien otrora sustentaba el poder, entra forzosamente en contacto con la realidad.
El final queda abierto, no sabemos si el dictador muere decapitado o "danza por la democracia", como se lo escucha decir a un opositor recientemente liberado de prisión. La elección entre venganza o democracia está en manos del pueblo, este es el mensaje que Moshen Makhmalbaf quiere dejar al pueblo iraní y a todos los pueblos del mundo, de cara al futuro.

Documentales


Salt of the Earth (Dir.: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado. Con Sebastião Salgado. Francia/Italia/Brasil, 2014. Dur: 109 min)
En 40 años de carrera, el fotógrafo Sebastião Salgado recorre el mundo como testimonio de una humanidad en plena transformación, registrando eventos trágicos de nuestra historia reciente. Actualmente, se dedica al descubrimiento de territorios vírgenes y sus grandes paisajes, al encuentro de una fauna y una flora salvajes en un gigantesco estudio fotográfico que contempla la belleza del planeta. Los bastidores de este nuevo proyecto son revelados por las lentes cinematográficas del consagrado director alemán Wim Wenders y del hijo de Sebastião, Juliano Ribeiro Salgado.
El documental de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado comienza con fotos de Sebastião Salgado -de las minas de oro de Serra Pelada, en el Estado de Pará, norte de Brasil- y un primer plano del fotógrafo en sobreimpresión. Resulta muy impresionante la imagen de 50 mil personas subiendo y descendiendo de la ladera de la montaña en una busca desesperada por oro. Parecen esclavos pero no son, están allí por su propia voluntad. Su única esclavitud es la ambición. A partir de allí el documental muestra que la fotografía de Sebastião Salgado es esencialmente una fotografía de retrato social.
En el largometraje prima el blanco y negro simplemente porque Salgado evita el color en sus fotografías por una elección estética. Hay dos narradores: uno extra-diegético que narra en inglés, el director Wim Wenders, y otro intra-diegético que narra en francés, Sebastião Salgado. Sin embargo Wenders, de vez en cuando entra en de la diégesis, en un juego muy interesante de observador observado; aparece en escena cuando Sebastião saca fotos de él mientras éste lo filma. Se ve la cámara de Wenders en la foto de Sebastião y la cámara de Sebastião a través de la cámara de Wenders. Este juego de miradas surge del hecho de estar filmando a un colega que realiza el mismo trabajo de registro.
El fotógrafo brasileño estuvo exiliado en París desde 1969, durante el régimen militar, y volvió a Brasil en 1984 con el retorno de la democracia. Cuando volvió a su hacienda se encontró con que la sequía no había dejado tierra fértil para cultivo, su esposa Lélia Wanick tuvo la idea de replantar la mata en la hacienda reestableciendo así todo el ecosistema del lugar. Crearon en esa época el Instituto Terra para la preservación del medio ambiente. Hoy día las tierras de los Salgado son una Reserva Natural protegida por el Estado Nacional Brasileño.
El documental repasa todas las expediciones fotográficas de Salgado en África, Latinoamérica y este de Europa para dar cuenta de los dramas sociales, la extrema pobreza, las guerras civiles en África -que sólo acaban con el exterminio de uno de los grupos en pugna-, la guerra étnica en el este de Europa, los éxodos masivos, la hambruna, la muerte infantil por inanición y falta de agua en el nordeste brasileño, y así podríamos continuar. 
Tiene una serie de obras de 1993 que, bajo el nombre de "Trabajadores, una arqueología de la era industrial", muestra las consecuencias ambientales de la explotación indiscriminada de recursos. A esa serie pertenecen las fotos de "garimpeiros" de Serra Pelada y el registro fotográfico obtenido justo después de la guerra del Golfo, en 1991, de las explosiones de petróleo en Kuwait.
Entre 2004 y 2013 la preocupación de Salgado se centró en la ecología, de allí surge su último libro "Génesis", en el que retrata los santuarios naturales vírgenes, en los que la civilización apenas hizo mella: las tribus aborígenes en Pará, norte de Brasil, las Islas Galápagos en Ecuador, las ballenas de Puerto Madryn en la Patagonia Argentina, las comunidades esquimales en Alaska, forman una colección de fotos de una belleza sobrecogedora. El mensaje del documental es positivo y esperanzador: "la destrucción de la naturaleza es reversible" dice Wim Wenders en voz off. El director alemán logra captar el espíritu de la obra de Sebastião Salgado a quien trata como amigo y colega, con cariño y profunda admiración.

Nan Goldin. I know your face (Dir.: Sabine Lidi. Con Nan Goldin, Clemens Schick, Käthe Kruse, Joachim Sartorius, Piotr Nathan. Alemania/Australia/Suiza, 2013, Dur: 62 min)
Este documental es un retrato personal de la fotógrafa neoyorquina Nan Goldin. Acompañamos a la artista con su cámara durante un viaje entre París y Berlín, donde Goldin se reencuentra con viejos amigos y, con ayuda de ellos, reflexiona sobre diferentes fases de su vida transformadora. El ejercicio le trae profundos insights, llegando a momentos melancólicos sin dejar de lado el peculiar buen humor de la artista. Con una estructura narrativa construida por slide shows y fotografías de Goldin, los momentos íntimos y la relación con sus amigos ganan en intensidad.
El documental es interesante pero formalmente poco original. Se ve el granulado de la película y no innova demasiado en la forma de tratar el género. Muestra a cada persona en plano y contra-plano, fotos de Nan Goldin, su voz en off, imágenes captadas por la fotógrafa y ya. El único mérito de este documental es hacer conocer un poco más la vida de la artista.
Nan Goldin tuvo una vida familiar muy desgraciada, no tuvo una buena madre y su hermana se suicidó a los 18 años. Ella era bisexual y usó drogas pesadas durante muchos años, consecuencia de lo cual quedó con una lesión cerebral que le provocaba desmayos súbitos sin causa aparente. Sus fotos retratan marginales, homosexuales con sida en etapa terminal, drogadictos y alcohólicos, travestis, el mundo de la noche en barrios marginales.
El filme daba para más, pero por una falta de experiencia de la directora, no conmueve, no sorprende, no innova ni estética ni temáticamente. Es un documental demasiado simple para la complejidad del personaje tratado.

Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca (Dir.: Julien Temple. Con Hermano Vianna, Fernando Gabeira, Eduardo Paes, Narcisa Tamborindeguy, Wilson das Neves. Reino Unido/Brasil/Alemania, 2014, Dur: 95 min)
El premiado documentalista Julien Temple -director de filmes como The Filth and the Fury (2000) y Joe Strummer: The future is unwritten (2007)-, ofrece una mirada sobre la historia social y cultural de Río de Janeiro, desde el fin de la esclavitud hasta los preparativos para la Copa Mundial 2014 y las Olimpíadas 2016, revelando una radiografía de una ciudad de extremos, en todo su encanto y peligro. A través de imágenes de archivo y entrevistas inéditas, el filme cuenta con las participaciones de ciudadanos ilustres como Ronnie Biggs, Fernando Gabeira, Eduardo Paes, Narcisa Tamborindeguy, Sany Pitbull, entre otros.
Es un documental que muestra el lado oculto de la ciudad, el Río marginal, el Río de las favelas, los travestis, la noche. La ciudad dividida en Zona Sur y Zona Norte, de forma que parecen dos ciudades paralelas donde los que viven de un lado no conocen nada de lo que pasa del otro.
El Río violento de la guerra entre narcos, el Río de los 20 años de dictadura y torturas, el Río de los tiroteos en las favelas y de los "arrastões" (saqueos masivos) en las playas. 
Muestra como los sucesivos gobiernos intentaron dar una imagen de cartón postal para atraer al turismo, pero esa imagen se evidencia hoy muy limitante y falsa. El cine americano de Hollywood estereotipó a la ciudad como un lugar de eterna alegría, sensualidad y samba. Seguramente una proyección de sus propios deseos y carencias, olvidándose de la imagen real. El documental muestra asimismo que, desde 2008, el gobierno central está llevando a cabo un plan de seguridad tendiente a cambiar el aspecto de la ciudad de cara al Mundial y a las Olimpiadas.
Otro tema tratado en el documental son las religiones ocultas, como el candomblé, traído al Brasil desde África por los esclavos negros, y que continúa siendo practicado en algunos barrios periféricos de Río de Janeiro (y por supuesto, en el interior del país), un tanto a escondidas de las dos religiones mayoritarias, la Católica y la Evangelista.
Por último, muestra las protestas por el aumento del boleto de colectivo en 2013 y por la corrupción creciente del Estado.
El documental tiene mucho valor en mostrar el lado oculto de Río de Janeiro, y de romper la imagen de cartón postal que tanto atrae al turismo mundial, mientras que en el aspecto formal, se ve la mano experta del realizador. Sin embargo, Julien Temple intenta, no sé si con éxito, dar cuenta de la diversidad de opiniones, a favor y en contra, de cada tema tratado. Tengo dudas de que haya logrado plenamente este equilibrio, necesario en un documental que aspira a la objetividad. 

Cathedrals of Culture (Dir.: Wim Wenders, Michael Glawogger, Michael Madsen, Robert Redford, Margreth Olin, Karim Aïnouz. Alemania/Austria/Dinamarca/ Noruega, 2014. Dur: 165 min)
"Si los edificios pudiesen hablar, ¿qué dirían sobre nosotros?". En este documental, seis cineastas ofrecen sus respuestas para la pregunta a partir de seis marcos de arquitectura mundial. Filmado con tecnología 3D, el documental explora la forma de la Filarmónica de Berlín, de la Biblioteca Nacional de Rusia, del presidio de Halden y de la Ópera de Oslo  en Noruega. Continúa luego con el Instituto Salk en la costa californiana y con el Centro Pompidou en París, reflexionando en todos los casos sobre la manera en la que cada una de esas edificaciones resguarda la cultura de su pueblo y la memoria colectiva.
Este interesante documental colectivo rescata el alma de seis edificios culturales paradigmáticos. El mismo edificio hace las veces de narrador a través de una voz en off, y cuenta sobre sí mismo, su historia y el significado que posee para la gente que lo visita, que vive o que trabaja en él. Habla de cómo el edificio representa la utopía del país que lo construyó, su idiosincrasia y sus aspiraciones. La cámara muestra los pasillos y recorre los espacios por dentro, develándonoslos en tres dimensiones.

La Filarmónica de Berlín, Alemania (Dir.: Wim Wenders)
La Filarmónica de Berlín fue diseñada por Hans Scharoun - exponente del grupo expresionista Die Brücke y de la arquitectura orgánica-  y construida entre 1960 y 1963. La excentricidad de sus formas y sus techos alados, terminados en puntas, son muy atípicos para una sala de conciertos.  La planta, con una distribución basada en el concepto de "música en el punto central"(1) aspira a una sociedad igualitaria y a un individuo que forme parte de un conjunto sin perder su punto de vista personal, de allí la idea de diseñar un escenario central con asientos dispuestos en círculo, rodeando a la orquesta.  Las escaleras, que salvan los desniveles dentro de la sala de conciertos, permiten recorrer la misma de una punta a la otra en forma circular, sin necesidad de salir a los pasillos externos. Es un espacio integrado e integrador, donde no hay puntos de vista jerarquizados, sí diferentes. Este tipo de disposición rompe con el efecto "caja de zapatos" del teatro tradicional, en el que el escenario queda frente al público y los asientos se disponen en hileras de adelante hacia atrás.

El presidio de Halden, Noruega
(Dir.: Michael Madsen)
El presidio de Halden, en Noruega, representa la utopía escandinava de orden y limpieza absolutos. Diseñado por Erik Møller, es la segunda prisión más grande de Noruega y la más lujosa del mundo. El gobierno noruego gastó un millón de dólares en pinturas murales de artistas contemporáneos, fotografías y decoración para reducir la presión psicológica sobre los internos. La mitad de los guardias son mujeres y están desarmados. Casi parece un hotel de lujo. Sin embargo, el director norteamericano Michael Madsen lo presenta como una jaula de oro, y como lo que realmente es: un presidio en el que todo está reglamentado. Nada puede penetrar ni huir de esos gruesos muros sin ser visto, oído o estrictamente controlado. El presidio Halden es un vivo ejemplo del panoptismo foucaultiano, un monumento arquitectónico que todo lo observa y todo lo sabe. De hecho, el corto comienza con una referencia al texto de Michel Foucault: "Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión"(2) , en el cual el filósofo francés analiza la estructura del poder en la sociedad occidental y cómo las escuelas, los hospitales y las prisiones cumplen una función de coerción. A esta estructura edilicia que permite vigilar a todos sus ocupantes en cualquier momento del día, Foucault ha denominado "panóptico".

Biblioteca Nacional de Rusia, San Petersburgo (Dir.: Michael Glawogger)
El recorrido de la cámara por la Biblioteca Nacional de Rusia, en San Petersburgo, da la impresión de una infinitud temporo-espacial construida con libros. La narración del corto es circular, puesto que comienza y termina en el mismo punto. Una cámara subjetiva del narrador  nos introduce en el espacio y la historia de este monumento cultural ruso, mientras sale de la estación de metro, observa el tránsito que bocina en la gran avenida Nevsky, y nos da una vista general de la Biblioteca por fuera.
La Biblioteca Nacional de Rusia contiene la colección más grande del mundo de libros en ruso. Actualmente resguarda unos 34 millones de ejemplares, muchos de los cuales son antiguos y muy valiosos. Sus joyas incluyen obras maestras como el Evangelio de Ostromiro (1056-1057) -el libro más antiguo existente en Rusia, los fragmentos del Codex Sinaiticus (siglo IV) y el denominado "Códice de Leningrado" (año 1008), la Biblia Hebraica manuscrita más antigua entre las fechadas.  
Otro tesoro de la Biblioteca Nacional de Rusia es la biblioteca de Voltaire.  Adquirida en 1778 por Catalina II, se compone de 6814 volúmenes, de los cuales 2000 tienen notas escritas a mano por el propio Voltaire. Se trata de una gran colección de libros dedicados a la historia y a la literatura de Francia. Contiene muchos libros raros y valiosos, obras de filósofos enciclopedistas del siglo XVIII como Locke, Newton, Mandeville,  de escritores franceses como Montaigne, Bayle, Descartes, Malebranche y Pascal, y una gran cantidad de volúmenes sobre viajes a China, India y Estados Unidos. También hay muchos libros dedicados a Rusia, así como una excelente selección de libros sobre economía, ciencias naturales y medicina, diccionarios, periódicos en varios idiomas, así como una gran cantidad de ediciones raras o prohibidas en aquella época en Francia.
Diseñada por Yegor Sokolov, el edificio posee numerosos pasillos y niveles que nos recuerda un poco a "La Biblioteca de Babel" de Jorge Luis Borges: "Quizá me engañen la vejez y el temor, pero sospecho que la especie humana -la única- está por extinguirse y que la Biblioteca perdurará: iluminada, solitaria, infinita, perfectamente inmóvil, armada de volúmenes preciosos, inútil, incorruptible, secreta. Acabo de escribir infinita (…) la biblioteca es ilimitada y periódica."(3) La biblioteca nacional de Rusia representa la utopía humana del saber total, de la atemporalidad, del conocimiento infinito -o mejor, ilimitado, como diría Borges-.

Instituto Salk, Los Angeles, (Dir.: Robert Redford) 
El Instituto Salk, en Los Ángeles, fue diseñado por Louis Kahn bajo la dirección del Dr. Jonas Salk. Se trata de un edificio que rompe con la idea de monoblock para convertirse en un complejo de unidades que permiten a la luz y al aire penetrar. Estas unidades edilicias son laboratorios que se extienden a derecha e izquierda de una plataforma central ancha que desemboca en una fuente de agua. La idea de esta plataforma es facilitar la circulación a los investigadores que allí trabajan.  Los sótanos poseen aire y luz, y cada unidad está conectada con la siguiente por medio de tuberías de agua y ventilación. La arquitectura es funcional, orgánica, inspirada en la biología humana y animal.
Es interesante cómo Redford utilizó imágenes en fundido que le da al cortometraje un efecto muy original en 3D. También podemos destacar la utilización de un fondo musical que remite a  los latidos del corazón, buena elección para acompañar el recorrido de un centro de investigaciones médicas y biológicas.

Opera House de Oslo, (Dir.: Margreth Olin)
La Opera House de Oslo, diseñada por Tarald Lundevall y construida en 2007, posee un diseño muy contemporáneo. El techo del edificio desciende hasta el suelo en una bajada que invita a los transeúntes a caminar por ella, observando una panorámica de Oslo. Para el diseño general del edificio, Lundevall se inspiró en la forma de un iceberg, y para los materiales escogió granito blanco y mármol de Carrara para los revestimientos, y aluminio blanco para la torre que da al escenario. Los grandes ventanales de cristal permiten una perfecta vista panorámica y en el interior predomina el roble para dar mayor calidez al ambiente.
La directora del corto, Margreth Olin, prestó su voz al teatro y aprovecha el 3D para lograr máximos acercamientos de los personajes de ballet con el espectador de cine. Excelente el efecto de los bailarines, aún caracterizados, saliendo del edificio y caminando por la nívea plataforma exterior (que, dicho sea de paso, podría compararse con una pista de aterrizaje para naves interestelares). La directora utiliza congelados de los bailarines suspendidos en el aire y muestra la actividad teatral tras bambalinas. "El teatro es una casa", repite una y otra vez la voz de Margreth en off, "son los artistas y el público los que le dan vida, los que le dan alma a esta casa".

Centro Georges Pompidou, París
. (Dir.: Karim Aïnouz)
El Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou, en París, abrió sus puertas por primera vez en 1977. El diseño del inglés Richard Rogers y del italiano Renzo Piano recuerda a una refinería de petróleo, a un transatlántico o a una fábrica. Por fuera se asemeja a una fábrica, por dentro, las pasarelas recuerdan a las de un barco de gran porte y lo mismo sucede con el sótano, semejante a una sala de máquinas. 
En todo caso, el Centro de Arte más famoso del mundo es uno de los principales ejemplos de arquitectura High-tech(4), una tendencia de los años 1970 y que continua hasta hoy día, inspirada en la arquitectura industrial y las nuevas tecnologías. Fue concebido como una máquina de cultura, como una estructura ultramoderna en medio de una ciudad en la que prima la arquitectura Haussmann, por ello provocó reacciones contrarias en un comienzo. El edificio representa la utopía del progreso tecnológico, al utilizar los elementos tecnológicos como objetos estéticos. En el Centro Pompidou esto puede ser observado en el sistema de tuberías (ductos de aire acondicionado, por ejemplo), en las escaleras mecánicas y en las estructura de acero. También se puede observar en las corrientes artísticas expuestas: Futurismo, Dadaísmo, Constructivismo, Arte óptico y Cinético desfilan por sus salas como un culto al progreso técnico.
El director coloca en primer plano sonoro la voz del altoparlante anunciando el cierre del Centro al final del día: "el Centro cierra a las nueve, los invitamos a emprender la salida, mañana el museo y la biblioteca abrirán a las once, les agradecemos su visita y esperamos volver a recibirlos próximamente…", parece que el edificio tuviese vida y hablara por sí mismo. Esa idea del museo como un ser vivo es algo bien logrado por el director Aïnouz.

Adriana Schmorak Leijnse

Notas:

-1 Wikipedia.org. Filarmónica de Berlín
-2 Michel Foucault. Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión. 1a ed.-Buenos Aires: Siglo XXI Editores Argentina, 2002. 314 p.
-3 Borges, Jorge Luis. La Biblioteca de Babel. Ficciones. Alianza Editorial. 10ª ed. (1981).
-4 "La Arquitectura High Tech, o de Alta Tecnología, es una corriente de la arquitectura, emergente en los años '70, muy centrada en el empleo de materiales de tecnología avanzada en las construcciones, como el propio nombre lo indica. Los historiadores lo clasifican dentro de un llamado tardo-modernismo, juntamente con otras actitudes estéticas, como el Slick-tech, en una alusión a los valores contrapuestos a las actitudes posmodernas asociadas a este tipo de intervención, que caracteriza al High Tech". Wikipedia: Arquitectura High- Tech


Bibliografía:

Michel Foucault. Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión. 1a ed.-Buenos Aires: Siglo XXI Editores Argentina, 2002. 314 p.
Borges, Jorge Luis. La Biblioteca de Babel. Ficciones. Alianza Editorial. 10ª ed. (1981).
Wikipedia.org. Filarmónica de Berlín
Blog Maravillas de San Petersburgo
Wikipedia: Oslo Opera House
Wikipedia: Centro Georges Pompidou
Wikipedia: Arquitectura High- Tech
Rio 50 graus
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The president
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El misterio de la felicidad
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Cathedrals of culture
Cathedrals of culture

 

 


Festival do Rio 2014 - Premios


   
Después de 15 días, entre el 24 de Septiembre y el 8 de Octubre de 2014, se conocieron los ganadores de la presente edición durante la noche de clausura en la que se entregaron los Premios Redentor.
De los diez largometrajes de ficción nominados, de los diez largos documentales seleccionados y de los 16 cortometrajes en competencia, fueron premiados los siguientes:  

Sección Première Brasil

Jurado Oficial

Presidente del Jurado: Karim Ainouz. Miembros del Jurado:  Andrea Barata Ribeiro, Malu Mader, Maurizio Braucci y Mike Downey.

Mejor Largometraje de Ficción:  Sangue Azul, de Lírio Ferreira
Mejor Largometraje Documental: À Queima Roupa, de Theresa Jessouroun
Mejor Cortometraje: Barqueiro, de José Menezes e Lucas Justiniano
Mejor Director de Ficción: Lírio Ferreira por Sangue Azul
Mejor Director de Documental: Theresa Jessouroun por À Queima Roupa
Mejor Actriz: Bianca Joy Porte por Prometo Um Dia Deixar Essa Cidade
Mejor Actor:  Matheus Fagundes por Ausência
Mejor Actriz de Reparto:  Fernanda Rocha por O Último Cine Drive-In
Mejor Actor de Reparto: Rômulo Braga por Sangue Azul
Mejor Fotografía:  André Brandão por Obra
Mejor Montaje: Luisa Marques por A Vida Privada Dos Hipopótamos
Mejor Guión: Murilo Salles por O fim e os meios
Premio Especial del Jurado: Ausência de Chico Teixeira
Premio por la Integralidad de la Obra:  Othon Bastos

Novos Rumos (Nuevos Rumbos)
 
Jurado presidido por Felipe Bragança y compuesto por Bianca Comparato e Cavi Borges
Mejor filme:  Castanha de Davi Pretto
Mejor Cortometraje:  Bom Comportamento de Eva Randolph
Premio Especial del Jurado: Deusa Branca de Alfeu França

Prêmio Fipresci
Jurado compuesto por Ernesto Diez Martinez, Luiz Zanin e Roni Filgueiras
Obra de Gregorio Graziosi

Jurado Voto Popular:

Melhor Longa Ficção: Casa Grande de Fellipe Gamarano Barbosa
Mejor Largometraje Documental: Favela Gay de Rodrigo Felha
Mejor Cortometraje: Max Uber de André Amparo

Otros Premios:

Muestra Generación: Finn de Frans Weisz

Premio Félix: (dedicado al mejor filme de temática LGBT dentro de toda la programación del Festival. Ceremonia de entrega realizada el día 6 de Octubre en el CCBB):

Mejor Documental: De gravata e unha vermelha de Miriam Chnaiderman
Mejor Ficción: Xenia de Panos H. Koutras
Premio Especial del Jurado: Toda terça-feira de Sophie Hyde

El Festival do Rio cerró su 16ª edición con una estimativa de público de 250 mil espectadores. 

Adriana Schmorak Leijnse
Premiacion Festival do Rio 2014

 


52º Festival de Cine de Nueva York


71 


Como la realidad en la que nos hallamos inmersos, el 52º Festival de Cine de Nueva York, dirigido por Kent Jones, en su segundo año al frente de este evento, ha sido un Festival en transición. Todavía no se visualiza -nunca mejor dicho- una política definida en cuanto...

Jauja
 

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59ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci)


Nacho Ruiperez 


La Seminci o Semana Internacional de Cine de Valladolid ha tenido lugar este año, del 18 al 25 de octubre. El Festival, nacido en 1956, es uno de los más importantes de España y su vocación ha sido, desde sus inicios, mostrar el mejor cine de autor del momento, siempre con...

Entrevista a Nacho Ruipérez
Entrevista a Antonello Novellino

Antonello Novellino
 

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7º Festival de Cine Italiano de Madrid


Il capitale umano 


El 7º Festival de Cine Italiano de Madrid ha tenido lugar del 27 de noviembre al 4 de diciembre de 2014. La selección de la muestra ha estado compuesta, como viene siendo habitual por una sección de largometrajes que no va a competición (aunque tiene un premio del público), por otra de documentales y...

Le maraviglie
 

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33º Festival Internacional de Cine de Vancouver


33º Festival Internacional de Cine de Vancouver 


Este año, muchos espectadores asistieron a la 33ª edición del Festival Internacional de Cine de Vancouver. Durante quince días, muchas películas han sido proyectadas en distintas salas de la ciudad. Con obras de todos los géneros cinematográficos y procedentes...

Otro artículo

El vientre
 

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31a Bienal de São Paulo


Errar de Dios 


El lema de la 31a Bienal de São Paulo: Como (…) cosas que no existen, es una innovación poética del potencial del arte y de su capacidad de actuar e intervenir en lugares y comunidades donde el mismo se manifiesta. El abanico de posibilidades para esta acción e intervención es abierto, anticipando las acciones que podrían tornar presentes las cosas que no existen. Comenzamos por hablar sobre ellas, para luego vivir con ellas, y entonces usar, pero también luchar por y aprender de esas cosas, en una lista sin fin.

Ruru
Infierno

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Premios Oscar 2015


 Una vitrina de realidades apremiantes  
Las guerras, la enfermedad, el racismo y el acoso a las diferencias, centraron la temática de las películas nominadas para los premios Oscar de este año, trayéndonos ecos de temas cuya urgencia se hace más apremiante hoy, con el incremento de las intolerancias a nivel global. Una realidad previsible, dado el empobrecimiento creciente de las naciones menos favorecidas, y el aumento de la desigualdad socioeconómica que concentra, en el uno por ciento de la población mundial, mayor riqueza, que en el noventa y nueve por ciento restante.
En este sentido, "American Sniper" y "Boyhood" se constituyeron en una apología a los valores familiares, desde producciones marcadas por la representación monolítica de la familia tradicional, indispensable para garantizar tanto el flujo de jóvenes dispuestos a pelear las guerras norteamericanas, como el contingente de trabajadores explotados por el sistema corporativo mundial que maneja, controla e impone.
La película de Clint Eastwood, conocido por su ambigüedad a la hora de definirse políticamente, está basada en la figura de un conocido francotirador, y quizás por ello no ahondó en la crítica al sistema, sino justificó más bien la violencia contra la población civil iraquí. Una población que se constituye en "collateral damage" o víctimas circunstanciales, en el entramado de unas guerras sin esperanza de fin, producto fundamentalmente de las propias políticas imperialistas de los países ricos. Pareciera que decir "lo siento" o acudir al despliegue mediático donde se documenta el terror, fueran suficiente para lavarse las culpas. Lo que Susan Sontag, refiriéndose a las torturas en Abu Ghraib, definió como el acto de focalizar el arrepentimiento en el daño causado por tales hechos a la supuesta superioridad moral norteamericana.
"American Sniper" no mantiene una actitud imparcial y crítica, a fin de desentrañar los pormenores de los enfrentamientos, sino más bien repasa el daño sobre dicha superioridad moral, centrándose en Chris Kyle, cual mártir y "héroe" real, por haber matado a más de doscientos "subversivos" y quien, paradójicamente, fue asesinado por un compañero de armas. No es de extrañar entonces que la película haya roto records de taquilla en la América profunda, donde el manipulado y manido concepto de "patriotismo" ha sido llevado al kitsch por una población, en su mayoría blanca y de escasa formación, que alimenta la xenofobia, el racismo y la homofobia dentro de los Estados Unidos, siendo, justamente, del interior de sus propias disfuncionalidades de donde surge lo peor de esta cultura.
Tal es entonces el material con el cual contó el director para armar la diégesis de una producción, que sin embargo no convenció y solo obtuvo la estatuilla por mejor sonido. Una "injusticia" que la prensa destacó, al señalar la brecha entre el público mayoritario y la Academia de Hollywood; cual si el número de millones recaudados fuera el mejor barómetro para otorgar los premios. De hecho, un  film como "The Hurt Locker" de Kathryn Bigelow, que obtuvo el galardón a la mejor película y mejor dirección en 2010, mostró con mayor ecuanimidad y tino, los temas que "American Sniper" abordó desde los estereotipos y el sentimentalismo gratuito.
"Boyhood", por su parte, documenta la banalidad de la existencia de esos mismos contingentes, haciendo un seguimiento durante doce años del niño Manson (Ellar Coltrane), con Ethan Hawke y Patricia Arquette (Oscar a la mejor actriz secundaria) como sus padres. Lo inusual de la película reside en ver a los actores cambiar físicamente en el tiempo que dura el film, si bien no existe un propósito más allá de esa documentación. En tal sentido, documentales como "Seven UP!"  (1964-hoy) o series de televisión como "Cuéntame cómo pasó" (2001-hoy) resultan más sugerentes, pues nos permiten ubicar a sus protagonistas en el contexto sociocultural e histórico, además de poner en perspectiva la época que les ha tocado vivir desde un punto de vista mucho más crítico.
La producción de Richard Linklater explotó la voracidad actual por registrar, frente a la cámara casera, los pormenores de la cotidianeidad y colgarlos en las redes sociales. El film funciona entonces como un "reality show", puesto a subrayar episodios de la cronología de Manson y su familia, pero no profundiza en la psicología de ninguno de los caracteres. De hecho, poco sabemos de ellos finalmente, pese a haberlos seguido, por doce años, las dos horas y media que dura la película. Algo que el director mismo reconoció, al señalar en una entrevista que "para mí la vida es lo que ocurre entre los grandes momentos de la existencia. Esta película es, sobre todo, acerca de la vida en el presente".
La ausencia de argumento y lo predecible y reiterativo de las existencias de los personajes, dentro y fuera de la casa, diluyeron, no obstante, lo que de original pudo tener la propuesta, de un director más conocido por los proyectos de animación y las comedias ligeras, en detrimento de sus documentales de mayor densidad como "$5.15/hr." (2003) y "Fast Food Nation" (2006). El hecho de incluir a su propia hija (Lorelei Linklater), en el papel de la hermana de Manson, agudizó la sensación de encontrarnos frente al teléfono inteligente o la computadora, escaneando los insustanciales momentos privados de quienes pululan por el ciberespacio.
"Whiplash" de Damien Chazelle, centró la carrera hacia el éxito y la competencia para ser el mejor, como premisa fundamental en la sociedad norteamericana. Aquí Andrew Neyman (Miles Teller) sueña con ser el mejor baterista del conservatorio, empujado por un sádico instructor interpretado por J.K. Simmons (Oscar al mejor actor secundario). Las dinámicas de poder y sometimiento que se establecen entre los protagonistas, movilizaron la diégesis y tiñeron, con el sudor y la sangre de los músicos, la cinematografía. Una cinematografía que privilegió los espacios cerrados, la luz artificial y los colores cálidos, bajo cuyos reflejos la banda del conservatorio ensaya y sufre los abusos verbales y físicos del instructor.
Los juegos de plano-contraplano entre Neyman y el instructor, donde se enfrentan el deseo de superarse con la violencia de una figura muy común en el cine de acción, cual es el cruel entrenador deportivo o el violento sargento del pelotón, resultaron ser lo más poderoso del film. Todo ello puntuado por las escenas, hasta cierto punto gratuitas por su falta de conexión con la idea central, donde Neyman corteja a una joven, a quien finalmente dejará por sus tambores, o asiste al cine con el padre, más ausente que presente en el devenir de este artista cuyo único objetivo es su instrumento. El hecho de que la película abra y cierre con Neyman frente a su herramienta de amor y tortura, imprimió un ritmo circular a la producción, enclaustrando alegóricamente al personaje en un espacio donde nada tiene cabida más allá de sí mismo.
Esta autocomplacencia y egotismo, propios de una sociedad tan individualista como la norteamericana, se crece en "Foxcatcher", dirigida por Benett Miller. En ella la figura del "tycoon" o multimillonario solitario y obsesivo, explorada por Hollywood desde "Citizen Kane" de Orson Welles a "There Will Be Blood" de Paul Thomas Anderson, se puso al servicio del deporte, espejeando, en su comportamiento, la interpretada por J. K. Simmons en "Whiplash".
El film está basado en la historia real de John du Pont (Steve Carrell. Nominado como mejor actor), quien construyó, en los años ochenta, un gimnasio para entrenar a luchadores de peso pesado y, sobre todo, para liberar la paranoia y violencia internas que los desajustes familiares le habían causado en la niñez. El joven prospecto de luchador Mark Schultz (Channing Tatum), igualmente inestable y neurótico, será el perfecto interlocutor para que los egos choquen y los conflictos estallen. Unos conflictos que, sin embargo, solo quedan en la superficie del sentido, pues Miller tampoco ahondó en los pormenores del desgaste: únicamente lo más obvio aparece en pantalla, restándole solidez al argumento y dejando al espectador indiferente, siguiendo los pormenores de las peleas tanto dentro como fuera del ring.
Otras luchas mucho más complejas y atávicas, en el engranaje de la cultura norteamericana, fueron poderosamente enfrentadas por "Selma", dirigida por Ava DuVernay (primera mujer afroamericana cuya película ha sido nominada para los Oscar). La brutal represión contra la marcha pacífica, desde Selma hasta Montgomery, liderada por Martin Luther King en 1965, a fin de que el presidente Lyndon B. Johnson firmara el decreto que permitiera a la población negra votar, imantó la diégesis, constituyéndose además en bandera para rechazar la violencia racial reciente. Una violencia que se ha cobrado ya varias vidas de jóvenes de color, y está fundamentalmente protagonizada por las fuerzas policiales, en su afán de constreñir la disidencia contra el sistema; especialmente de las minorías.
El estado de Alabama, donde tuvieron lugar los hechos, es el lugar donde, 50 años después, se vuelven a revivir, al tiempo que nos permiten revisitar los cambios, o no, en la percepción de la población negra dentro del país. Y aquí es necesario apuntar que, actualmente, más de la mitad de los presos que pueblan las cárceles son de color, lo cual nos indica cuánto largo es aún el camino que queda por andar, antes de que exista igualdad racial en los Estados Unidos. De hecho, los índices de pobreza, analfabetismo, desempleo, enfermedad y crimen dentro del grupo, tampoco han disminuido desde aquella histórica confrontación, abriendo un espacio más para la reflexión y la protesta.
Ello es lo que, en última instancia ha pretendido "Selma", apoyada por actores, directores, políticos y celebridades, a fin de que las voces se alcen y sean finalmente escuchadas. Si bien el film solo obtuvo la estatuilla a la mejor canción original, su importancia seguirá resonando en el imaginario norteamericano, pues cuenta con los elementos indispensables para ello: excelentes actuaciones, una cuidada producción, fiel ambientación y, especialmente, imparcialidad y mesura, a la hora de llevar a la ficción la realidad histórica.
"Mi película es acerca de la diversidad, la inclusión y la representación", señaló la directora, abriendo una ventana a la discusión y la reflexión, a la luz de muertes de jóvenes desarmados por parte de la policía, como Tryvon Martin y Michael Brown, que han vuelto a llenar las calles de odio y violencia, cual si el tiempo no hubiera pasado, y el país siguiera congelado en el tiempo cuando ocurrió "Selma".
Las intransigencias del poder y el acoso a las minorías constituyen también el núcleo de "The Imitation Game" de Morten Tyldum, basado en la biografía de Alan Turing (Benedict Cumberbatch), el matemático inglés que desentrañó el código nazi Enigma y es considerado el padre de la computación moderna. La película sigue los altibajos de Turing y su equipo, a lo largo del lapso que les costó entender Enigma, puntuados por la presión del buró de inteligencia militar británico sobre el protagonista y el abuso psicológico sufrido por su condición homosexual, criminalizada entonces en Inglaterra. Flashbacks a la infancia y los años de la guerra, se combinan con el presente del científico, cuando fue hostigado y obligado a seguir un tratamiento de castración química que acabó llevándole al suicidio.
El guión adaptado de Graham Moore, quien obtuvo el Oscar y, en su discurso de aceptación, reconoció que también había querido suicidarse en su adolescencia por ser homosexual, supeditó el drama personal de Turing a su obsesión por descodificar Enigma, y a la carrera del equipo del científico hacia el triunfo, a fin de salvar millones de vidas y acortar los años de guerra. Ello dejó en blanco, sin embargo, muchos aspectos de la biografía del protagonista, que el espectador debió llenar con sus propias percepciones de los eventos políticos e íntimos sobre los que se sustenta el texto de Moore.
La detallada producción y elaborada fotografía, características del cine de época británico, contribuyeron a revivir con gran precisión un período turbulento en la historia occidental, además de reavivar el diálogo en torno al importante papel de las minorías sexuales en la historia universal, pese al acorralamiento del cual siguen siendo víctimas, cuando no hay nada que justificar ni nada que perdonar en su manera de ser y de vivir. En palabras del director: "quise revelar que el ser gay no definió quién era él. Para mí Alan Turing es, primero, un genio y uno de los más importantes pensadores de nuestra era y, después, un hombre gay que fue erróneamente perseguido y juzgado por ello".
Otro científico británico perseguido y apresado, pero en un cuerpo enfermo, es el conocido astrofísico Stephen Hawking. Sus inicios y juventud han quedado consignados en "The Theory of Everything" de James Marsh. Eddie Redmayne, quien obtuvo la estatuilla como mejor actor, le ha dado vida en pantalla, estableciendo una intensa inmediatez con el espectador, e imbuyéndolo en la mente y la existencia de quien, con sus teorías sobre el tiempo, ha salido del laboratorio y llegado a un público mayoritario que lee sus libros, escucha sus entrevistas y sigue sus intervenciones en la televisión y la prensa internacional.
El avance de la enfermedad neurofisiológica que lo ha ido paralizando sirve de telón de fondo para realzar sus hipótesis y adentrarse en la vida personal de Hawking, basándose en el libro de su esposa Jane (Felicity Jones. Nominada como mejor actriz). Por ello son los obstáculos que la pareja debe superar a fin de seguir adelante, lo que motorizó la diégesis y sirvió de sustrato a la evolución de Hawking como científico y ser humano. El uso de los primeros planos para focalizar al protagonista, y del plano-contraplano para puntuar la dinámica de pareja, subrayaron la importancia de Jane en la creación de un ambiente favorable, donde Hawking pudiera enriquecerse y enriquecer el universo que nos rodea.
Pero ha sido "Birdman" (Oscar a la mejor película) de Alejandro González Iñárritu (Oscar a la mejor dirección) el film que con mayor precisión ha balanceado lo personal y lo universal. Ello, dada la intensa actuación de Michael Keaton (Riggan Thomson), quien fue nominado como mejor actor, y el ágil trabajo de cámara; en especial la cámara subjetiva. Ya desde la primera escena, el ojo del espectador seguirá a Thomson, por los camerinos y el laberinto de pasillos del teatro donde dirige y protagoniza la obra, dable de llevarlo a desarrollar un potencial como actor, que su papel de superhéroe no logró nunca, frustrándolo y encasillándolo en el panteón de los príncipes del cómic.
Y es que, en el guion original de Iñárritu, también premiado con la dorada estatuilla, transpira parte de la biografía del mismo Keaton, recordado fundamentalmente por su interpretación de "Batman" en las producciones de Tim Burton. Ello, agudizó la sensación de fracaso del protagonista, quien no logra escapar a su papel de hombre pájaro, persiguiéndolo y asediándolo hasta llevarlo a la autodestrucción.
La inclusión de escenas de acción, puestas a espejear aquellas películas del superhéroe, contribuyó a penetrar en lo tragicómico de Keaton y Thomson, superponiéndolos en el imaginario del público hasta borrar las fronteras entre realidad y ficción. El narcisismo, la inseguridad, el miedo al fracaso, el terror escénico, la inadecuación como esposo y padre del personaje, se arremolinaron en un crescendo hasta el clímax final, quedando abierto un espacio para la condena o la redención de ambos, según el ojo de quien los mire.
Un amplio lugar para el divertimento y la fiesta de los sentidos lo ha constituido "The Grand Budapest Hotel" de Wes Anderson. Combinando espléndidamente realidad y fantasía, este director creó un ingenioso universo, al interior de un gigantesco hotel sobreviviente a la decadencia y las destrucciones de la postguerra europea. Con magia y humor, Anderson revivió el ambiente cosmopolita de los grandes paradores intercontinentales anteriores a las dos guerras mundiales, por donde millonarios, aventureros, viudas alegres y jóvenes herederos circulaban incansablemente.
Premios Oscar a la mejor dirección de arte, vestuario, maquillaje y banda sonora refrendaron el poder del film para recrear la grandiosidad, no solo de una era, sino de una manera de hacer cine, espejeando las producciones de los años treinta como "Grand Hotel" de Edmund Goulding y "A Night at the Opera" de Sam Woods. De hecho, el film recobra la nostalgia por los grandes gestos y gestas del pasado, donde el glamour servía de escapismo a los difíciles años de la Gran Depresión, que en nuestra contemporaneidad se han volcado hacia el terrorismo y las guerras étnicas.
Todo ello operó entonces como un espacio cerrado a la realidad exterior, donde el director, los actores y el equipo de producción mostraron un universo ideal, dentro del cual plasmaron su particular visión de la existencia. Según el mismo Anderson: "generalmente siendo la necesidad de inventar un mundo para que así los caracteres puedan vivir en las películas que hago". Una certeza, puesta a devolvernos la confianza en el cine, como arte y pasión por la vida que desde él se proyecta.

Alejandro Varderi

Birdman
The grand Budapest hotel
The theory of everything

 

 


17o BAFICI - 2015


Bafici 17 


Como marca la tradición desde hace ya diecisiete años, durante el mes de abril la ciudad de Buenos Aires puso en marcha su Festival Internacional de Cine Independiente, el BAFICI, que este año tuvo lugar del 15 al 25 de ese mes.
La cita anual con lo último en materia de cine independiente...

Isabelle Huppert
 

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17º Festival de Cine Alemán de Madrid


17º Festival de Cine Alemán de Madrid 


¿Pero, cuáles ha sido los "platos fuertes" de este año? Sin duda alguna, la película de Christoph Hochhaüsler, "Las mentiras de los vencedores", interpretada por Florian David Fitz y Lilith Stangenberg fue una de las más apreciadas. De hecho, se llevó el Premio del Público...

El fin de la paciencia
 

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IV edición de la muestra de cine más pequeña del mundo


IV edición de la muestra de cine más pequeña del mundo 


Si a veces los festivales de cine pueden ser puramente un mercado donde lo que prima es comprar y vender cine comercial, sin más expectativas, este no es, sin lugar a dudas, el modelo del certamen cinematográfico de Ascaso. Esta original muestra encuentra su título de "la más pequeña del mundo" en su espíritu de cultura artesana y en el hecho de desarrollarse en Ascaso, una pequeñísima y encantadora aldea de la provincia de Huesca (Aragón), que cuenta con muy poquitos habitantes. Aragón, de hecho, es una tierra de cine que ha visto nacer a algunos de los más grandes maestros de la cinematografía universal como Luis Buñuel o Carlos Saura.

IV edición de la muestra de cine más pequeña del mundo
 

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Novocine 2015


Novocine 


Novocine llega a Madrid, como siempre con ilusión y este año, especialmente, con energías renovadas. Del 12 al 22 de noviembre se desarrolla un festival que ya hace parte de la oferta cultural cinematográfica de la capital de España. Debido al éxito de Novocine en ediciones anteriores, se amplía, además de los 7 largometrajes de ficción habituales, a un ciclo documental en el que se rinde homenaje al más famoso de los documentalistas brasileños, Eduardo Coutinho, y a un seminario cinematográfico sobre la producción de cine en Brasil.

Muitos homens num so
 Sos mulheres ao mar

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53° Festival de Cine de Nueva York (NYFF) Un recorrido por la biografía y la historia


Miles ahead 


Adaptándose a los tiempos que vivimos, este Festival ha dejado de ser una vitrina donde mostrar únicamente los films recientes, críticamente más interesantes, para abrirse a las nuevas tecnologías.

Arabian nights
 

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Rendez-Vous with French Cinema


Dheepan 


El Festival de Cine Francés ha traído este año a la ciudad de New York un conjunto de películas recientes donde los cineastas abordan el crisol de temas y culturas propios del país de hoy. Aquí la idiosincrasia decimonónica gala, ha dado paso a una...

La belle saison
 

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22ª Mostra de Cine Latinoamericano de Cataluña


22ª Mostra de Cine Latinoamericano de Cataluña 


Durante el pasado abril, del 8 al 15, la ciudad catalana de Lleida acogió, la 22ª edición de la Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña. Este festival es unos de los certámenes más asentados dentro del panorama cinematográfico español. Organizado por el Ayuntamiento de Lleida y el Centro Latinoamericano de la ciudad, el festival es punto de encuentro necesario entre las cinematografías hispanas. Diez largometrajes de...

La delgada linea amarilla
 

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Cine italiano en Río de Janeiro


 

Fuego en el mar

 

 

Durante el mes de mayo de 2016, hubo una seguidilla de estrenos de películas co-producidas entre Italia y otros países europeos. El Cuento de los Cuentos, de Mateo Garrone, es un largometraje de género fantástico y está basado en cuentos del siglo XVII; Maravilloso Boccaccio, de los Hermanos Taviani, son relatos que transcurren en la Baja Edad Media en Florencia, durante las epidemias de peste negra. Estos dos filmes tienen en común cierta tendencia actual a llevar a la pantalla la puesta en escena de...  Maravilloso Boccaccio

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18º Festival de Cine Alemán de Madrid

 

Freistatt

 

 

El Festival de Cine Alemán de Madrid ha cumplido su mayoría de edad este año. El certamen, que se desarrolló del 7 al 12 de junio pasado, demostró una vez más su lugar preferente en España como escaparate del mejor cine alemán tanto actual como de hace unas décadas. Entre largometrajes, documentales y cortos, el Festival, organizado por German Films con la colaboración del Goethe Institut y... Ha vuelto

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ArtRio 6ª edición


Daisy Xavier, Quando ela nasce 


La sexta edición de ARtRio terminó este domingo 2 de octubre, y recibió público de cerca de 49 mil personas.

ArtRio se viene consolidando en el calendario internacional de arte y también afirmándose como un evento con resultados positivos para las galerías. Este año organizó una feria con foco en los coleccionistas y curadores, y presentó un buen panorama del arte brasileño y mundial.

Pablo Atchugarry, Sin titulo
 
 

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Olafur Eliasson en Versalles


Waterfall 


El artista danés-islandés Olafur Eliasson aborda el palacio y el jardín de Versalles como un campo de experiencias visuales y sensibles. Allí no sólo instala objetos sino que concibe dispositivos que atrapan al espectador en una relación activa. Todas las obras expuestas están pensadas y situadas respecto a los espacios que las contienen, y se subdividen en dos grandes conjuntos: las exteriores y las interiores.
Las instalaciones exteriores forman un tríptico alrededor del tema del agua cuya presencia es bien conocida en los jardines clásicos franceses. La cascada erigida en el Grand Canal (Waterfall, 2016) toma su lugar en el eje mayor de la perspectiva, mientras que los jardines albergan dos obras: un velo circular de fina neblina (Fog Assembly, 2016) y una alfombra de...

Solar compression
 The curious museum
 

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54° Festival de Cine de Nueva York


Elle 


El Festival de este año ha privilegiado las historias de familias alternativas construidas desde la precariedad de las vidas de sus miembros, como una manera de crear un frente unido contra la soledad, la violencia y las injusticias del mundo circundante...

Hermia y Helena
 
 

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9ª edición del Festival de Cine Italiano de Madrid


An afterthought 


El pasado jueves 1 de diciembre de 2016, tuvo lugar la Gala de Clausura del 9º Festival de Cine Italiano de Madrid (que se ha desarrollado entre el 23 de noviembre y el 1 de diciembre),..

In guerra per Madrid
 
 

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Premios Oscar 2017


Oscar 2017 


Un cálculo entre la corrección y la incorrección

 

Los Oscar de este año se han caracterizado por la tensión entre lo políticamente correcto y lo políticamente incorrecto, como consecuencia de las críticas en años anteriores a la falta de nominaciones para la comunidad afroamericana, por un lado, y por otro, del repudio de gran parte de Hollywood, al asedio hacia los medios de comunicación y la cacería de brujas de la nueva administración...

Oscars 2017 Indicados
 
 

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Incerteza Viva


Carolina Caycedo, Cosmotarrafas con-Cosmotarrayas, Instalacion 2016 


32ª Bienal de São Paulo
Del 7 de septiembre al 11 de diciembre de 2016

 

Bajo el título de Incerteza Viva, la Bienal de São Paulo propuso en 2016 una Mirada sobre las nociones de incerteza y las estrategias ofrecidas por el arte contemporáneo para abrazarlas o habitarlas ...

Dalton Paula, Rota do tabaco, Pintura al oleo y hojas de oro y plata sobre barreno, 2016
 
 

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III Muestra de Cine Francófono de Madrid


La montagne magique 


La III Muestra de cine francófono de Madrid se acaba de clausurar con gran éxito de crítica y público. El festival se ha desarrollado del 10 al 12 de marzo, en la Cineteca del Matadero de Madrid, uno de los lugares más emblemáticos de la capital, para ver cine. Una selecta programación que nos ha traído algunos de los mejores títulos del cine francófono actual

...

La sirene de Faso Fani
 
 

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IV Premios Platino del Cine Iberoamericano


El ciudadano ilustre 


El cuidadano ilustre

22 de julio de 2017. Madrid, España

 

  • La coproducción hispano-argentina, El Ciudadano Ilustre, se llevó los premios Platino a mejor película, actor y guión; mientras Un monstruo viene a verme acaparó las cuatro categorías técnicas (Montaje, Arte, Fotografía y Sonido)
  • Pedro Almodóvar fue distinguido como mejor dirección por Julieta, Sonia Braga, por Aquarius, obtuvo el reconocimiento a mejor interpretación femenina y Oscar Martínez a la masculina.
  • Edward James Olmos recogió el Premio Platino de Honor y en su discurso de agradecimiento destacó la necesidad de estos galardones como "plataforma internacional para nuestras películas, actores, directores y productores"
  • La V edición de los Premio Platino se celebrará en Cancún, México
Julieta
 
 Julieta
 

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Bill Viola - Retrospectiva


Bill Viola - Heaven and earth (1992) 


Heaven and earth (1992)

 

Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra 2, 48009 Bilbao, España
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Del 30 de junio al 9 de noviembre de 2017

Bill Viola - Going forth by day (2002)
 
 Going forth by day (2002)
 

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Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva


Luis Felipe Noe NMBA - El ser nacional (1965 instalacion) 


MNBA  - El ser nacional (1965 - Instalacion)

 

Cierre de la muestra: 20 de septiembre de 2017

Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes
Av. del Libertador 1473, Buenos Aires


Horario: de martes a viernes, de 11 a 20, y sábados y domingos, de 10 a 20

Sitio Web: www.bellasartes.gob.ar


Entrada libre y gratuita

Luis Felipe Noe - MNBA - Festival de Newport 1964 - Oleo y esmalte sobre tela y madera (1964)
 
 MNBA - Festival de Newport 1964
Oleo y esmalte sobre tela y madera (1964)
 

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La forma del agua, de Guillermo del Toro, inaugurará Sitges 2017


Sitges 2017 

 

 

Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya


Sant Honorat, 32-34
08870 Sitges, Barcelona


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Del 5 al 15 de octubre de 2017

La forma del agua

 

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Dan Graham + Tomie Ohtake


Sin titulo (2016) 

Sin Titulo (2016)

 

Galería Nara Roesler

Av. Europa 655
São Paulo, Brasil

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La Galería Nara Roesler de São Paulo está presentando, desde el 14 de agosto y hasta el 23 de septiembre de 2017, la primera exposición individual de Dan Graham (n. Urbana, Illinois, EUA, 1942) montada en este espacio.

Galeria Nara Roesler

 

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ArtRio (7ª edición)


Candido Portinari 

Candido Portinari

Del 14 al 17 de septiembre de 2017
Marina da Glória. Rio de Janeiro. Brasil


www.artrio.art.br
www.twittwr.com/artriofair
Instagram: @artrio.art.br

 

Entre los días 14 y 17 de septiembre de 2017, la Feria Internacional de Arte de Rio de Janeiro presentó su séptima edición en su nueva sede en Marina da Glória. El espacio, que abarca un área de 10.600 m2, albergó a más de 70 galerías y fue visitado por cerca de 48 mil personas, además de funcionar como sede de un ciclo de palestras y visitas guiadas, todo lo cual indica que el mercado de arte en Río está dando señales de recuperación de la actual crisis.

Cicero Dias

Cicero Dias 

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Nueva edición de La Muestra del Cine Europeo de Segovia (MUCES)


MUCES 

 

De 15 al 21 de noviembre tendrá lugar la Muestra de Cine Europeo Ciudad de Segovia (MUCES), que celebrará su 12ª edición tras haberse consolidado como uno de los festivales de cine europeos por excelencia, al ofrecer en su Sección Oficial (SO) 37 películas de gran calidad no estrenadas comercialmente aún en España y refrendadas por premios internacionales, por el público y la crítica, representando, además, ejemplos relevantes de la realidad cinematográfica de las distintas nacionalidades europeas. Además, este año la Sección Oficial de MUCES tendrá el privilegio de contar, por quinto año consecutivo, con el Premio Lux. La Muestra ofrecerá casi la totalidad de los largometrajes seleccionados para competir por el Lux. MUCES,  constituye una oportunidad única de ver películas de gran calidad que en muchos casos difícilmente llegan a su distribución en España, volverá a mostrar, durante 7 intensos días en Segovia, el buen cine del oeste y del este europeo, con la acogida de cineastas de primer nivel en el panorama del cine y un total de 197 proyecciones de 112 películas pertenecientes a 37 países.

El nino que fue rey

 

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Festival do Rio 2017


Festival do Rio 2017 

 

Rio de Janeiro
Del 5 al 15 de octubre de 2017
http://www.festivaldorio.com.br/

Del 5 al 15 de octubre de 2017, Rio de Janeiro se convirtió en la sede del cine mundial. La 19ª edición del Festival de Cine trajo a las salas de proyección de la "cidade maravilhosa" 250 títulos de 60 países. Además de las muestras ya tradicionales como "Expectativa", "Première Brasil", "Midnight", "Première Latina", "Panorama do Cinema Mundial", "Mostra Geração", "Docs" y "Fronteiras", el festival presentó programas y muestras especiales tales como "Foco Itália", que proyectó nueve de las principales películas producidas en ese país durante los últimos años.

La importancia de apoyar la cultura y el repudio a la censura fueron algunos de los temas clave de la apertura del festival que tuvo lugar durante la noche del jueves 5 de octubre en el Cine Odeón. La crisis económica por la que atraviesa Brasil y, en particular, el Estado de Rio de Janeiro, también fue mencionada durante la noche de apertura. "La Forma del Agua" de Guillermo del Toro, largometraje vencedor del León de Oro en el Festival de Venecia 2017, ha sido el elegido para ser proyectado esa noche.

Zama

Zama

 

Le redoutable
 Le redoutable

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Exposición: La generación del 87. Orígenes y Destinos 1987/2017


Felix Cabez y Roberto Oltra 

 

Del 18 de enero al 9 de abril.
Sala Sur del Conde Duque- Madrid    
http://tresmontruos.com/generacion87/

 

Si ha habido una época en España recientemente que se puede denominar como clave o fundamental, esta es, sin lugar a dudas, el período de la llamada "Movida". Un momento que se desarrolló durante los años 80 y en los que España recuperó el orgullo de pertenecer a un país moderno, el ansía de salir al mundo, apostando por una sociedad industrial y más libre, después de 40 años de franquismo, atraso cultural y sombras de todo tipo.
Chantal Grande

 

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Cineteca Madrid: éxitos y proyectos


Cineteca Madrid 

 

El equipo de Cineteca Madrid presentó el pasado día 11 de enero, el balance del 2017 así como, también, adelantó los proyectos estrella del 2018. Durante el acto de presentación, se hizo gran hincapié en el esfuerzo realizado por mantener un nivel cinematográfico de calidad, fundamentalmente en el género documental, así como una defensa de la cultura como vía de enriquecimiento social en un afán de acercamiento a toda la ciudadanía y sobre todo, la voluntad de crear un espacio privilegiado para la expresión de todos los cineastas.
Pamela Yates

 

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Premios Oscar (90ª edición)


Oscars 2018
 

El poder de la diferencia

Dolby Theatre, Los Angeles, Estados Unidos.
4 de marzo de 2018

Si algo ha destacado la ceremonia de este año ha sido la visibilidad que la Academia le ha dado a las minorías, además de lanzar un claro mensaje contra el acoso masculino, que el otro poder, el de los antaño intocables como Harvey Weinstein....

 

The shape of water
 

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Cuando el Oscar se llena de México


Oscars 2018
 

90ª entrega de los Premios Oscars


La 90´va entrega de los Premios Oscars fue distinta debido al gran número de mexicanos que participaron en la ceremonia y en el despliegue de cultura mexicana que apareció en la gala. Desde la presentación para la canción "Recuérdame" con la interpretación de Natalia Lafurcade, Miguel y Gael García con acompañamiento y una coreografía que iluminó el escenario; y aunque la interpretación de...

 

The shape of water
 

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Ciclo “Doc portugués: fugas y variaciones” en la Cineteca de Madrid


Cineteca Madrid 

 

El ciclo de documentales portugueses "Doc portugués: fugas y variaciones", en el que colabora la Embajada de Portugal, se celebrará del 18 de mayo al 28 de junio, en la Cineteca de Madrid.

El ciclo ofrecerá una selección de los documentales más significativos de las últimas dos décadas realizados en el país luso cuyo cine documental está considerado como uno de los más vibrantes del panorama global. Un recorrido cultural, político, social, artístico e histórico por el país vecino, abarcando temas como la dictadura de Salazar, las colonias portuguesas, la Revolución de los Claveles o la concepción del arte, por solo citar algunos. 

ciclocineportuges

 

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Proyección de cine argentino en el MoMA, Nueva York


Daniel Rosenfeld 

 Daniel Rosenfeld

 

El celebrado autor y realizador argentino, Edgardo Cozarinsky, regresa al MoMA con una selección Carte Blanche, que yuxtapone cine argentino clásico y contemporáneo.

El 13 de junio a las 7:00 pm será proyectado "Al centro de la tierra" de Daniel Rosenfeld. Edgardo Cozarinsky, Fernando Martin Peña y Daniel Rosenfeld presentarán la película.

Al centro de la tierra

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XV Festival Internacional de Cine Documental


Documenta Madrid 

 Documenta Madrid

 

El celebrado autor y realizador argentino, Edgardo Cozarinsky, regresa al MoMA con una selección Carte Blanche, que yuxtapone cine argentino clásico y contemporáneo.

El 13 de junio a las 7:00 pm será proyectado "Al centro de la tierra" de Daniel Rosenfeld. Edgardo Cozarinsky, Fernando Martin Peña y Daniel Rosenfeld presentarán la película.

Good Luck
 
Good Luck

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20° edición del BAFICI


La flor 

 La Flor

Entre el 11 y el 22 de abril de 2018 se llevó a cabo una nueva edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, que este año celebró su vigésimo año de vida. Con Javier Porta Fouz nuevamente ocupando el rol de Director Artístico, el festival programó unas 107 premieres mundiales e internacionales y otras 99 americanas y latinoamericanas. A su vez recibió, como de costumbre, a un conjunto de invitados especiales.
Las hijas de fuego
 
Las hijas de fuego

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MADRID ACOGE EL PRIMER CICLO DE CINE SOBRE COSTA RICA

(CICIC 2018)


ciclocostarricense
 

MADRID ACOGE EL PRIMER CICLO DE CINE SOBRE COSTA RICA (CICIC 2018)


Organizado por la productora Tres Monstruos (responsables de la reciente exposición, en el Centro Conde Duque de Madrid, "La Generación del 97" sobre la Movida Madrileña), surge el primer ciclo sobre cine costarricense con la idea de apoyar al nuevo talento costarricense y a la industria potencial creciente, dando la oportunidad al espectador de poder ver las obras más punteras de los últimos años de dicha cinematografía, en pantalla grande. Del 7 al 10 de junio se presentará por primera vez en Madrid, en la sala Berlanga (c/ Andrés Mellado, 53), el CICIC 2018, con el apoyo de la fundación SGAE, Fundación José Sancho y la Embajada de Costa Rica, Procomer.

ciclocostarricense
 
 

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Art Rio 2018


Abraham Palatnik, Sin titulo, Athena galeria 

 Abraham Palatnik, Sin titulo

(Athena galeria)

Reconocida como uno de los principales eventos de arte de América Latina, Art Rio es una oportunidad de ver, en un mismo espacio, obras de grandes maestro y también el trabajo de nuevos artistas en una selección especial de las principales galerías del país y del mundo. La Feria de Arte de Rio de Janeiro presenta su octava edición entre los días 26 y 30 de septiembre de 2018, en Marina da Glória.


En 2018, Art Rio presenta ocho programas. PANORAMA reúne las galerías ya establecidas en el circuito internacional de arte.

Carla Guagliardi, Anita Schwartz
 
Carla Guagliardi
(Anita Schwartz)

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20º Festival do Rio


Festival de Rio 2018
 
En esta 20ª edición del Festival Internacional de Cine de Rio de Janeiro, se exhibieron, entre el 1º y el 11 de noviembre de 2018, más de 200 películas producidas en cerca de 60 países. El desfile en pantalla comenzó con la Gran Gala de Apertura en el Cine Odeon Net Claro donde se proyectó "Widows" de Steve McQueen, y terminó con "O grande circo místico" de Cacá Diegues, largometraje elegido para la noche de clausura.
Festival de Rio 2018

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33ª Bienal de São Paulo - Afinidades afectivas


Ihola Amira Philisa - Hlala Ngikombamthise (2018)
 
Como indica el título Afinidades afectivas - inspirado en la novela Afinidades Electivas (1809) de Johann Wolfgang von Goethe, y en la tesis "De la naturaleza afectiva de la forma en la obra de arte" (1949), de Mario Pedrosa -, la 33ª Bienal de São Paulo valorizó en 2018 la experiencia individual del espectador en la apreciación de las obras, en lugar de un recorte curatorial que habría condicionado una comprensión preestablecida.
Lucia Nogueira (1992)

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Los premios Oscar 2019 - Una lección de inclusión y buen entendimiento


A star is born
 
Si la ceremonia de este año no tuvo un presentador que amenizara o, en algunos casos, amenazara el evento, tampoco se echó en falta. La agudeza y el humor de gran parte de los participantes que anunciaron las nominaciones y a los ganadores, bastaron para mantener la fluidez del espectáculo y la atención de los espectadores durante más de tres horas de función. Además..
Oscars 2019

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La 25º Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña

premiada por ACPI


La Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña
 
La Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña/Mostra del Cinema LLatinoamericà de Catalunya, que celebrará su 25 edición, del 6 al 13 de junio próximos en la ciudad de Lleida, será galardonada por ACPI (Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana) con el Premio COOPERACION 2018. Se le premia por...
 

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Bafici 2019


Bafici 2019
 
"El BAFICI es un festival que tiene la renovación grabada a fuego en su identidad. Y este año se renueva como nunca". Con estas palabras, firmadas por Javier Porta Fouz (director artístico del evento), se abre la grilla de programación del 21° Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires.  El texto es breve pero conciso y certero: en efecto, si algo caracterizó a la edición 2019 del Bafici fue la transformación profunda de varias de sus características históricas.
Bafici 2019 

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La Palma del Festival de Cannes para Delon


Alain Delon
 
Este año 2019, en el festival de Cannes, el actor francés Alain Delon (1935) será galardonado con la Palma de Oro en homenaje a toda su carrera. El próximo 8 de noviembre cumplirá ochenta y cuatro años.
Mito del cine francés, actor fetiche del Visconti de los años sesenta, solo hay que recordar El gatopardo (1963) o Rocco y sus hermanos (1960), películas en las que dejó no solo su galanura, sino también su carácter de gran actor, de hombre con personalidad y fuerza.
Alain Delon 

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El Ayuntamiento de Alicante y el Festival de Cine promueven

'Cine en la calle'


Cine en la calle
 
El Festival de Cine de Alicante, en colaboración con el servicio de Coordinación de Proyectos del Ayuntamiento de Alicante, ha organizado un nuevo ciclo de películas para todos los públicos en las plazas incluidas dentro de la Estrategia de Desarrollo Urbano Sostenible Integrado (EDUSI), del Plan Integral Barrios Zona Norte y del Plan de Recuperación Integral del Centro Tradicional. 'Cine en la calle' se desarrollará los días 11, 17 y 18 de mayo de forma gratuita.
Festival de Cine de Alicante 2019 

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Exposición PI´XELES: Arte y tecnología por la Galería GBG Arts

 


Exposición Pi'xeles
 
Por primera vez llega a España, en la recientemente inaugurada galería Incasa Studio de Kika Payares y Ana María Sánchez (que es también, tienda de decoración y estudio de interiorismo vanguardista de referencia en Madrid), la Exposición PI'XELES, que se realiza simultáneamente en Caracas y Miami, es decir a ambos lados del Atlántico. La organizadora de la iniciativa, la prestigiosa galería GBG Arts, lleva, con este proyecto.
Pixels Miguel Murgas (segunda por la derecha) 

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Festival Rizoma


Festival Rizoma
Del 22 al 25 de mayo, Rizoma inaugura su VII edición con 4 días de cine y actividades en diversas sedes de Madrid y abre la convocatoria del VII Premio Rizoma de Cine para este 2019. En colaboración con la Embajada de Canadá en España, se estrenará en Madrid el documental Anthropocene: The Human Epoch, tras su exhibición en los festivales de Toronto, Sundance y Berlín, el 22 de mayo en Cineteca a las 20h, y contará con la presencia de Jennifer Baichwal, una de sus directoras.
Antropoceno 

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21º Festival de cine alemán en Madrid


Festival Aleman de Madrid
Tras el éxito de sus anteriores ediciones, vuelve el Festival de Cine Alemán a Madrid con su 21ª edición, del 4 al 9 de junio en los Cines Palacio de la Prensa, para ofrecer la última hornada de largometrajes, cortometrajes y documentales del cine germano. Este Festival es una iniciativa de German Films con la colaboración del Goethe Institut y el apoyo de la Embajada de la República Federal de Alemania de Madrid.
Adam und Evelyn 

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Roma, gran triunfadora de la noche Platino 2019


Premios Platino 2019

La cinta Roma es la gran premiada de la noche y obtiene el PLATINO a Mejor Película Iberoamericana de Ficción. La producción mexicana se ha hecho también con el premio a Mejor Dirección, Mejor Guion, Mejor Dirección de Fotografía y Mejor Dirección de Sonido; sumando cinco premios en la gran noche del cine Iberoamericano.

13 de mayo de 2019. La VI Edición de los Premios PLATINO ha sido una noche mágica, llena de sorpresas y emociones. La Mejor Película Iberoamericana de Ficción ha sido Roma, dirigida por Alfonso Cuarón. La producción mexicana se alzaba además con el premio a Mejor Dirección, Mejor Guion...

Roma 

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La película 'Asamblea' se alza con la Tesela de Oro del 16º Festival de Cine de Alicante


Festival de cine de Aicante
El Festival de Cine de Alicante ha dado a conocer los premios del palmarés de su 16º edición. La ópera prima de Àlex Montoya 'Asamblea' se ha alzado con la Tesela de Oro a la Mejor Película, un premio dotado con 3.000 euros. El largometraje, interpretado por Cristina Plazas, Francesc Garrido, Nacho Fresneda, Lorena López, Sergio Caballero, Maria Juan, Jordi Aguilar, Marta Belenguer, Greta Fernández y Pablo Sánchez narra la última asamblea antes del verano, en la que Josep quiere sacar adelante a toda costa la propuesta de Texto Definitivo referente al concierto. Todos a una, respetando tanto la pluralidad ideológica como el turno de palabra…
Festival Alicante - Palmares 2019 

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V Muestra Internacional de Cine Lago de Iznájar de Córdoba (España)


Cartel V Muestra Internacional Lago de Iznajar
Del 24 al 31 de agosto, tendrá lugar en Iznájar (Córdoba), la V edición de la Muestra Internacional de Cine. La manifestación tendrá numerosas actividades gratuitas para toda la familia: proyecciones al aire libre, talleres con profesionales del séptimo arte, música, cine para niños, exposiciones, sesiones de cine con música en directo, etc., convirtiéndose en una gran Escuela de Cine y Artes Audiovisuales.
Muestra Internacional de Cine Lago de Iznajar 

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Exposiciones 2019. Buenos Aires y Río de Janeiro


Ai Weiwei, Sunflowers seeds (2010)
 
A lo largo de las últimas dos décadas, Leandro Erlich (1973, Buenos Aires) ha creado un cuerpo de esculturas y grandes instalaciones en el que la apariencia arquitectónica de lo cotidiano funciona como una especie de trampa perceptiva: conduce al espectador desprevenido a una paradoja visual que desafía los presupuestos del orden y las reglas del mundo material.
Carlos Vergara - Prospectiva (2019)

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Exposiciones en París 2019


Van Gogh - Atelier des lumieres
 
Cinecritic.biz estuvo en París y te cuenta cuáles fueron las exposiciones de arte más relevantes del año 2019
Franz Marc - Le rêve (1912)

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Llega la VII edición del Festival Rizoma Doppelgänger de Madrid


Agnes Varda

Del 13 al 17 de noviembre, tendrá lugar, en Madrid, entre otras sedes, en la Cineteca, la VII edición, del Festival RIZOMA. Un estreno especial, una singular exposición homenaje y la presencia de una personalidad arrolladora son algunas de las novedades de esta edición. La filosofía del festival gira en torno al concepto de Doppelgänger.

Muestra Internacional de Cine Lago de Iznajar 

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Festivales

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