11ª edición de ArtRio

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Por Adriana Schmorak Leijnse

En 2021, entre los días 8 y 12 de septiembre, ArtRio alcanzó su edición número 11. Continuando el modelo realizado el año pasado, la feria tuvo su forma presencial, en Marina da Glória, y también un formato virtual dentro de la plataforma ArtRio.com. Han participado más de 60 galerías y 16 instituciones ligadas al Arte.

ArtRio tiene un fuerte compromiso con la divulgación del arte brasileño, del trabajo de galerías y artistas. A lo largo del último año,
actuó de forma incesante en la comunicación de noticias relacionadas al mundo del arte, con la producción de un rico contenido publicado en su site, cobertura de eventos como exposiciones y muestras, y una fuerte actuación en las redes sociales.

“Tener eventos presenciales es de extrema importancia en este segmento, donde valorizamos mucho ver la obra de cerca, conversar con el artista, y estimular diferentes emociones. Al mismo tiempo, fue un periodo en el que entendimos mejor el alcance, la dimensión y las innúmeras posibilidades de la actuación digital. Art Rio online recibió en una semana, en 2021, más de 300 mil page-views, incluyendo visitantes de Estados unidos, Reino Unido, Francia, España y Portugal. Fue posible, incluso, tener una extensa agenda de debates y visitas guiadas online”, comenta Brenda Valansi, presidente de ArtRio.

El comité Curatorial, formado por los galeristas Alexandre Roesler (Galeria Nara Roesler), Antonia Bergamin (ex directora de la Galeria Bergamin & Gomide), Filipe Masini y Eduardo Masini (Galeria Athena), Gustavo Rebello (Gustavo Rebello Arte), y Juliana Cintra (Silvia Cintra + Box 4), seleccionaron las galerías participantes del evento de 2021. Dichas galerías fueron a su vez, divididas en dos programas:

Panorama, en la que participaron galerías con actuación establecida en el mercado de arte moderno y contemporáneo.

Vista: programa dedicado a las galerías jóvenes, con hasta 10 años de existencia, contando con proyectos expositivos desenvueltos exclusivamente para la feria.
Para el evento presencial, ocupando el pabellón principal de Marina da Gloria, ArtRio siguió todos los protocolos de seguridad indicados por los órganos competentes, incluyendo la exigencia de uso de máscara, la disponibilización de alcohol en gel y distanciamiento social.

El número de visitantes también ha sido limitado, con indicación de horario de entrada y tiempo de permanencia.

Varanda Art Rio, que queda en el área externa de Marina da Glória, con una increíble vista de la Bahía de Guanabara y del Pan de Azúcar, es un edificio diferente construido especialmente para la ocasión, pero que ha sido desmontado una vez finalizado el evento.

Este espacio recibió a las galerías del programa SOLO, una selección de artistas para la presentación de proyectos especiales unipersonales. En 2021, ocho artistas participaron del programa y tuvieron sus obras expuestas en el espacio Varanda Art Rio. Entre ellos podemos mencionar a: Alessandra Rehder, Nathalie Cohen, Alexandre Mazza, Evandro Soares, Osvaldo Gaia, etc.

MIRA
En 2021 Art Rio realizó la 5ª edición del programa MIRA, dedicado al videoarte. Con curaduría de Víctor Gorgulho, el programa exhibió obras audiovisuales de jóvenes y consagrados artistas de diferentes generaciones.
“Si entre las décadas de 1960 y 1980, los nuevos soportes de grabación en vídeo operaron una verdadera revolución en el campo del arte, hoy la producción de imágenes se da en un mundo saturado por ellas, rodeado por estímulos de toda suerte, disparados por pantallas de tamaños y resoluciones cada vez más vertiginosos”, indicó Víctor Gorgulho

Instituciones:
Siguiendo su compromiso de valorización del arte brasileño y latinoamericano, y de también estimular la accesibilidad al arte, Art Rio cedió espacio a importantes instituciones para que presentaran sus trabajos. Entre ellos: MAM Rio, EAV, Funarj, MT Proyectos de Arte, Secretaría de Cultura del Estado de Rio de Janeiro, etc.

Art Rio Online:
La plataforma online de Art Rio transmitió toda la agenda de conferencias y charlas entre artistas y curadores, y visitas guiadas a colecciones y talleres. También posibilitó hacer la visita virtual a los stands de las galerías participantes, viendo la selección de obras y hablando directamente con los galeristas.

A continuación, listaremos a nuestros artistas preferidos, las galerías que han exhibido sus obras y una breve descripción de sus trayectorias.

Luiz Escañuela
São Caetano do Sul, SP, 1993
Obra: Saturnália das Commodities, 2021
Óleo sobre lienzo, 195 x 384 cm
Galería Maluf, São Paulo, Brasil

Desde los 6 años, Luiz Escañuela realiza dibujos de observación y dinámica de los colores. Se formó en Diseño Gráfico y concibió su primera serie de obras autorales a los 20 años, cuando comenzó a estudiar artes visuales. En sus estudios, Escañuela entró a fondo en las teorías del arte contemporáneo, desarrollando una línea de investigación donde pasó a utilizar su técnica a favor de narrativas conceptuales.

A partir de allí, su obra tomó como directriz principal la minuciosidad de la técnica hiperrealista al óleo, unida a las experimentaciones teóricas sobre la representación anatómica, insiriendo ésta en nuevos contextos y lugares.

El artista utiliza la representación como un instrumento que converge con la iconografía brasileña, para el desarrollo de nuevas narrativas plásticas y conceptuales. Al practicar la técnica hiperrealista junto con temáticas de denuncia, logra que ambas se encuentren a partir de la fascinación y la reflexión que la pintura figurativa todavía despierta en las personas.

Su obra propone la concepción del ser humano como especie y ser social, buscando las propiedades de la piel y del cuerpo en yuxtaposición a las temáticas históricas, iconográficas y cartográficas brasileñas.

Para Escañuela, el artista precisa estar atento a las cuestiones de su tiempo, al investigar la producción de tiempos anteriores, analizando las posibilidades de proponer lo nuevo y lo disruptivo.

En “Saturnália das Commodities”, Luiz Escañuela logra hacer convivir la representación de las fiestas orgiásticas romanas con cortes de carne vacuna que tiñen de rojo un universo hendido y sangrante. Coloca estos objetos en relación con el título, con la idea de las commodities, que no son otra cosa que mercaderías, generalmente materias primas como carnes y granos, pero también metales como el oro, el hierro y el cobre, que sirven de base a la industria global.

Los cortes de carne colgando de ganchos de carnicería, quedan simbólicamente ligados, a través del color rojo-sangre, a la esfera del mundo, como si el universo del que formamos parte también estuviese siendo trozado para su comercialización.

A su vez, los objetos en la zona izquierda del cuadro se vinculan conceptualmente con los cuerpos humanos fusionados en la Saturnal del sector opuesto. La carne humana acaba convirtiéndose, de igual forma, en una materia prima funcional al sistema industrial y comercial. Las figuras de mármol, níveas esculturas romanas, ahora parecen estar teñidas de rojo y participar de la orgía como si fueran individuos de carne y hueso.

No menos importante es la manera como el artista vincula conceptualmente al Imperio Romano con la organización político-económica del mundo actual, igualmente decadente, y lo hace de una forma tanto crítica como irónica.

Flávia Junqueira
São Paulo, 1985
Obra: Engenho de Piracicaba#1, 2021
Pigmento mineral sobre papel de algodón, 150 x 206 cm
Galería Zipper, São Paulo

Flávia Junqueira trabaja principalmente con fotografía. El universo visual de la infancia y la construcción de un imaginario sobre esta primera etapa de la vida, permean la obra de la artista desde el inicio de su producción.

Efectivamente, en la fotografía presentada en ArtRio 2021, vemos en el centro de la escena un globo aerostático que llama la atención por el espacio que ocupa y por la variedad de colores saturados que ostenta, utilizados a menudo en cuentos, dibujos animados, películas infantiles y hasta en juguetes.

El globo aerostático nos recuerda de algún modo al cuento infantil “El Mago de Oz” de Lyman Frank Baum y a las novelas de Jules Verne: “Cinco semanas en globo” y “La isla misteriosa”. Dicho globo multicolor está acompañado por decenas de burbujas de jabón, un juego muy común entre los niños, pero que también podría estar aludiendo a la burbuja de lujos en la que nos encontramos en medio de la pobreza general.

Además, en la fotografía de Junqueira, llama la atención la ausencia de figuras humanas y el hecho de permanecer el globo estacionado dentro de un espacio enorme y enclaustrado, cuyos muros en ruinas amenazan desmoronar.

Este espacio vacío es el Ingenio Central de Piracicaba, construido por el Barón de Rezende en 1881 para la industrialización del azúcar, materia prima fundamental para la economía brasileña. En 1974 fue desactivado definitivamente, y en 1989 fue declarado Patrimonio Cultural. El ingenio sufrió un incendio grave en septiembre de 2019. Actualmente permanece en desuso y en estado de deterioro tal como se aprecia en la foto.

Luísa Duarte señala en su artículo “Sobre la obra de Flávia Junqueira” que “si a primera vista las obras de Junqueira pueden parecer seductoras para la mirada edulcorada del hombre contemporáneo, basta una demora un poco mayor para percibir que la superficie es engañosa. Lo que surge atrayente y evoca alegría, en las entrelíneas, revela una escasez de afecto y humanidad (...) siempre existen pistas de que en medio al colorido pulsante y a los íconos familiares hay algo insidioso listo para hacer que todo se derrumbe.”⁽¹⁾

Así, la fotografía Engenho de Piracicaba#1, alude críticamente a nuestra situación actual, una época en la que coexisten el placer visual y la posesión de objetos lujosos, brillantes, coloridos, sobre un fondo en ruinas, solitario y vacío de humanidad. Al mismo tiempo, una imagen virtual que nos llega a través de películas y cuentos infantiles, llenos de color e ingenuidad, frente a una realidad imperfecta y vaciada de sentido.

Los trabajos de Junqueira forman parte del acervo de importantes museos y centros de arte tales como el MAM-SP, MIS-SP, MABFAAP, Museo de Itamaraty, RedBull Station, World Bank e Instituto Figueiredo Ferraz.

Bosco Sodi
Ciudad de México, 1970
Vive y trabaja en New York
Obra: Sin título, 2016/2021
Esmalte cerámico sobre piedra volcánica
Galería Luciana Brito, São Paulo

Bosco Sodi es conocido por sus pinturas a gran escala de ricas texturas y colores vívidos. Deja muchas de sus obras sin título, con la intención de eliminar cualquier predisposición o conexión más allá del contacto inmediato del observador con la obra. Las influencias de Sodi van desde el arte informal de artistas como Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, hasta maestros coloristas como Wilhem de Kooning, Mark Rothko y los tonos brillantes de su propia herencia latinoamericana.

La investigación de Bosco Sodi destaca por la sencillez de materiales de origen natural, como pigmentos, aserrín, fibras, madera, tierra, etc. La combinación de estos elementos con los gestos de su producción, otorgan un carácter excepcional a cada obra que, según el artista, "hace que sea imposible de replicar", además de establecer una especial conexión entre arte y naturaleza.

Durante los siete últimos años, su interés se centra cada vez más en las rocas volcánicas. En una entrevista al periódico mexicano La Jornada, de mayo de 2013, Sodi señala: “Me gusta mucho la idea de una piedra que viene de la lava y se vuelve a calentar a altas temperaturas. Desde un principio quería usar las piedras como lienzo, un lienzo tridimensional, pero quería incorporar el concepto de la casualidad y lo inesperado. Y si hay un material así es el esmalte cerámico: en primer lugar, no tiene color cuando lo aplicas, así que tienes que imaginar los colores, contrastes y el resultado. En segundo lugar, cuando se mete al horno se funden y se mezclan los colores, por lo tanto, influyen mucho el azar y las temperaturas”⁽²⁾.

Más adelante apunta que le interesan tres características con que cuentan las rocas: “la energía de las rocas, el paso del tiempo y la influencia del clima que lograron que la lava se convirtiera en estas rocas y luego el accidente que resulta al pintarlas”.

En “Sin título” (2016/2021), Sodi propone una reflexión sobre el consumo desenfrenado, característico de nuestro capitalismo contemporáneo. Varias piedras volcánicas bañadas en oro se colocan en los estantes, aludiendo tanto a la explotación histórica del oro como recurso natural, como a su valor de mercado, pureza y perfección.

Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad del Sur de Florida, Tampa, EE. UU. (2021), CAC Málaga, España (2020), Royal Society of Sculptors, Londres, Inglaterra (2019); Museo Barracco di Scultura Antica, Roma (2019), Instituto Cultural Mexicano, Washington DC, EE. UU., 2019, Museo Nacional de Arte, México (2017), Museo del Bronx, New York (2010).

Exposiciones colectivas: Harbour Arts Sculpture Park, Hong Kong (2018), The Museum of Modern Art, Gunma, Japón (2017) y Museo Espacio, México (2016), etc.
La obra de Bosco Sodi también forma parte de importantes colecciones como JUMEX Collection (México), Harvard Art Museums (USA), Museum of Contemporary Art San Diego (USA), New Orleans Museum of Art (USA), The Scottish National Gallery of Art (Escocia), Walker Art Center (EE. UU.), etc.

Isidora Gajic
Belgrado, Servia, 1988
Obra: Havana Taxi, blues. 2016
Fotografía, 60 x 120 cm
Galería Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro

Isidora Gajic busca transformar sentimientos y relacionamientos en sus fotografías, utilizando imágenes como una forma de poesía visual que mezcla ficción y realidad. La artista explora temas como: la energía femenina, la cultura, los estados anímicos, los cuentos de hadas y el tiempo. Ella crea libros artesanales hechos a mano, collages y diálogos visuales multimedia elaborados con fotografías.

En 2016 Isidora fotografió retratos de cubanos movilizándose en autos vintage. Estas imágenes representan un tiempo propio de La Habana, detenido en el pasado, en la época a la cual estos automóviles pertenecen.

Las ventanas de los vehículos sirven como marcos para los retratos de los lugareños, y el collage terminado está dividido en dos grupos de seis fotografías yuxtapuestas. Cada grupo posee su propio marco y cada instantánea aparenta ser la imagen especular de la contigua.

Los vehículos antiguos de diferentes tonos de azul ofrecen el servicio de movilizarse en taxi por la ciudad de La Habana. Sin embargo, en “Havana Taxi, blues”, dichos vehículos no parecen estar en movimiento, al contrario, dan la impresión de estar detenidos e incluso, cercenados, tanto en sus partes posteriores como frontales.

Los autos de “Havana Taxi, blues” son estructuras atemporales, mecánicas y coloridas, que sirven como testimonio de tiempos pasados, unos insertándose en los otros, impidiéndose mutuamente la circulación. Además, el término inglés “blues” remite al color azul de las carrocerías, pero también al género musical nacido en el seno de la comunidad afroamericana del sur de los Estados Unidos y a un estado anímico caracterizado por la tristeza o la melancolía.

Isidora expuso en Brasil, en lugares como el SESC en Petrópolis, RJ (exposición colectiva). También en Holanda, Serbia y Letonia. Algunos de los premios que ha recibido incluyen el “Dutch Talent 2012” (Talento Holandés 2012). Asimismo, participó de residencias como la ISSP, en Letonia, en 2012 y Miguel Rio Branco, en Brasil (2014).

Geórgia Kyriakakis
Ilhéus, Bahia, 1961
Obra: Oeste 2, 2014
Tríptico Foto-Objeto: fotografías y marcos de madera
53 x 120 x 10 cm
Galería Clima, Brasilia DF

Geórgia Kyriakakis está formada en Artes Plásticas por la Fundación Armando Alvares Penteado (FAAP). Posee un título de Maestrado y un Doctorado en Artes de la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São Paulo.

La artista bahiana inicia su trayectoria artística, a finales de la década del ‘80, como dibujantes y a partir de allí pasa a desarrollar esculturas, instalaciones, objetos, vídeos y fotografías. Su producción está marcada por el uso de diversos medios y por la experimentación de los límites de resistencia, fragilidad, inestabilidad y permanencia de las cosas.

El interés por materiales y procesos naturales la lleva trabajar con fuego, vidrio, papel, madera y cerámica. A través de procesos de combustión, suspensión y tensión, Geórgia transforma la materialidad o la naturaleza de los objetos para crear lo que ella denomina como “situaciones de frontera”. Es cuando la obra queda ante la inminencia de su disgregación.

Las referencias usadas para la creación de sus obras son viajes y caminatas, concebidas como expediciones, y parten siempre de aproximaciones poético-visuales a la geografía en sus múltiples aspectos. Se trata de paisajes, topografía, fenómenos climáticos, mapas geopolíticos y eventos naturales, tales como procesos de desmoronamiento, sedimentación y erosión constantes y muchas veces imperceptibles.

Sus fotografías están enmarcadas de manera tal de acompañar el tema de la imagen. Así Geórgia juega con las relaciones entre la materialidad del mundo y la virtualidad de la imagen, y proyecta sus trabajos dentro de un territorio en el que la naturaleza es conceptualizada.

Desde 1986, Geórgia expone su trabajo en muestras colectivas e individuales, dentro y fuera de Brasil, habiendo recibido diversos premios de los cuales vale la pena resaltar: el Premio Iguatemi / SPArte / DF; el Premio Funarte de Arte Contemporáneo; Bolsa Vitae; El Artista Investigador / MAC / Niterói; Proyecto Brasileño / Centro Europeo de Obra Cerámica / Holanda; Salón Nacional, entre otras distinciones.

Sus obras forman parte del acervo de importantes colecciones privadas, museos e instituciones públicas, tales como: Museo Brasileño de Arte, Museo de Arte de Ribeirão Preto, Museo de Arte de Brasilia, Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, Museo de Arte Contemporáneo de Paraná, Palacio Municipal de Santo André, Museo Nacional / DF, SESC/ Servicio Social de Comercio.

La artista vive y trabaja en São Paulo y está representada por las Galerías Clima de Brasilia y Raquel Arnaud de São Paulo.

Iván Navarro
Santiago, Chile, 1972
Vive y trabaja en New York, Estados Unidos
Obras: Ipanema (verde) y Chimenea (naranja), 2020
Neón, madera de tamarindo, espejo y energía eléctrica
172 x 87,7 x 23 cm
Galería Luciana Brito, São Paulo

Iván Navarro es un escultor conceptual chileno. Para crear sus obras utiliza neones, espejos y fenómenos ópticos, con los cuales transmite ideas complejas, generalmente de naturaleza pedagógica o con carga ideológica. Sus esculturas e instalaciones minimalistas a menudo están orientadas hacia una afilada crítica social y política, que tiene su origen en la historia personal del artista, nacido durante la dictadura militar de Augusto Pinochet, en la década de 1970.

Sus recuerdos de infancia dan forma a la elección de sus temas, específicamente el de la electricidad, que se ha utilizado como una herramienta de tortura, ejecución y dominio político en Chile. El dictador Pinochet, además, adoptaba prácticas como el corte frecuente en el suministro de energía eléctrica, como un medio para fomentar el aislamiento y la subordinación de la población.

Tanto “Ipanema (verde)” como “Chimenea (naranja)” son trabajos que atraen al público a partir de la combinación de elementos que cuestionan su percepción. Por un lado, bajo un punto de vista formalista, sus obras están cuidadosamente construidas, con la luz como soporte principal, por otro, dichas luces coloridas suscitan una especie de fascinación en el espectador.

En estas dos obras presentadas en ArtRio 2021, Navarro creó espacios ilusorios, donde el juego de perspectiva provoca campos virtuales infinitos. Al mismo tiempo, los colores utilizados despiertan diferentes sensaciones: de calma y deseo de atravesar el portal, como si de una selva se tratara, en “Ipanema (verde)”, de temor a precipitarse dentro de una especie de radiador halógeno, que conecta la superficie con el centro de la Tierra, en “Chimenea (naranja)”

El trabajo del artista chileno ha atraído la atención internacional, lo cual le ha valido su participación en numerosas exposiciones, incluso en el Museo Guggenheim y la Galería Paul Kasmin en New York, la Galería Egeran en Estambul, la Galería Daniel Templon en París, el centro de exposiciones Farol Santander, São Paulo (2020), el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, Rio de Janeiro (2019), el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (2019), el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile (2015), etc.

Deborah Engel
Palo Alto, Estados Unidos, 1977
Vertigem nº4, 2021
Colagem de 15 camadas – 110 x 100 cm
Galería Portas Vilaseca, Rio de Janeiro

Deborah Engel propone en su investigación, una reinvención de la mirada, tomando como interés cuestiones ligadas a la fotografía expandida, a la experimentación de la perspectiva y del encuadre, y al arte cinético.

Así, amplía la función de la fotografía como mero registro representativo de la realidad y afirma una nueva función de la imagen fotográfica en el arte contemporáneo, a partir de la cual el espectador puede ser invitado a cuestionar el entorno en el que vive.

La artista logra producir en el espectador la ilusión de contemplar un alto-relieve o un bajo-relieve, en el espacio donde sólo existen imágenes 2D. Esta ilusión óptica, lograda mediante la superposición de imágenes planas de diferentes tamaños, es una experiencia nueva que altera nuestra percepción del mundo.

Al superponer fotos de edificios modernos, con sus ventanas y revestimientos de color dispuestos rítmicamente de mayor a menor, Deborah crea la ilusión de un plano cenital cuyo referente podríamos interpretar como un rascacielos repetido al infinito, tal vez en alusión al vértigo de vivir en grandes urbes.

Deborah Engel realizó exposiciones individuales y colectivas en Brasil y en el exterior. Entre las colectivas se destacan: "Monumento in Miniature", ABC en Rio (NY); "In Search of Territory", Centre D’Art Santa Mónica, (Barcelona, España); "Frestas, Trienal de Arte Contemporáneo de Sorocaba", SESC Sorocaba (Sorocaba, SP); "XVI e XIX Bienais de Cerveira" (Vila Nova de Cerveira, Portugal); "Diálogos de la Colección", Instituto Camões (Vigo, Galícia); "Novas Aquisições – Coleção Gilberto Chateaubriand 2007-2010", Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro; "Arte Pará", Museo Histórico de Pará (Belém, PA); y las individuales "Mergulho", Galería Portas Vilaseca; "Plano Imaginario", Galería Virgilio (São Paulo); "El espacio que se mueve", Studio X, Rio de Janeiro; "Paisajes Posibles", Artur Fidalgo Galería, entre otras.

Otros artistas reconocidos mundialmente, cuyas obras han participado de ArtRio 2021 y que vale la pena mencionar son:

Miguel Rio Branco, fotógrafo brasileño representado por la galería Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro; Leandro Erlich, artista conceptual argentino, representado por la galería Luciana Brito, São Paulo; Vik Muniz, artista plástico y fotógrafo brasileño, representado por la galería Nara Roesler, Rio de Janeiro/ São Paulo / New York.

La galería Paulo Kuczynski, de São Paulo, expuso obras de tres célebres representantes del modernismo brasileño del siglo XX: Cándido Portinari, Tarsila do Amaral y Emiliano Di Cavalcanti.

Por su parte, la galería paulista Frente presentó en su stand de ArtRio 2021, obras del arquitecto, paisajista, ceramista y pintor brasileño Roberto Burle Marx. Las galerías Mercedes Viegas y Mul.ti.plo Espacio de Arte, ambas con sede en Rio de Janeiro, pusieron a la venta obras del argentino León Ferrari.

Lista Completa de Galerías de Arte que participaron en ArtRio 2021

• Almeida & Dale Galeria de Arte – São Paulo
• Almacén Thebaldi Galeria – Rio de Janeiro
• Anita Schwartz Galeria de Arte – Rio de Janeiro
• Aura | Bailune Biancheri – São Paulo
• Bianca Boeckel – São Paulo
• Bordallo - Portugal
• C. Galeria – Rio de Janeiro
• Carbono Galeria – São Paulo
• Carcará – São Paulo
• Casa Triângulo – São Paulo
• Cassia Bomeny Galeria – Rio de Janeiro
• Central Galeria – São Paulo
• Danielian Galeria – Rio de Janeiro
• Fólio Livraria – São Paulo
• Fortes D’Aloia & Gabriel – São Paulo / Rio de Janeiro
• Gaby Indio da Costa Arte Contemporânea – Rio de Janeiro
• Galeria Athena – Rio de Janeiro
• Galeria de Arte Ipanema – Rio de Janeiro
• Galeria Base – São Paulo
• Galeria Clima – Brasília, Miami, Porto Alegre e Rio de Janeiro
• Galeria Estação – São Paulo
• Galeria Frente – São Paulo
• Galeria Inox – Rio de Janeiro
• Galeria Karla Osorio – Brasília
• Galeria Lume – São Paulo
• Galeria Mapa – São Paulo
• Galeria Millan – São Paulo
• Galeria Movimento – Rio de Janeiro
• Galleria Continua – San Gimignano, Italia
• Gustavo Rebello Arte – Rio de Janeiro
• Janaína Torres Galeria – São Paulo
• Luciana Brito Galeria – São Paulo
• Luis Maluf Galeria de Arte – São Paulo
• Lurixs: Arte Contemporânea – Rio de Janeiro
• Marcia Barrozo do Amaral Galeria de Arte – Rio de Janeiro
• Martha Pagy Escritório de Arte – Rio de Janeiro
• Matias Brotas Arte Contemporânea - Vitória
• Mendes Wood DM – São Paulo
• Mercedes Viegas Arte Contemporânea – Rio de Janeiro
• Metaverse Agency – Rio de Janeiro e São Paulo
• Mul.ti.plo Espaço Arte – Rio de Janeiro
• Nara Roesler – São Paulo / Rio de Janeiro / Nova York
• OMA Galeria – São Bernardo do Campo
• Paulo Kuczynski Escritório de Arte – São Paulo
• Pinakotheke – Rio de Janeiro / São Paulo / Fortaleza
• Portas Vilaseca Galeria – Rio de Janeiro
• Quadra – Rio de Janeiro
• Rafael Moraes – São Paulo
• Ronie Mesquita Galeria – Rio de Janeiro
• RV Cultura e Arte – Salvador
• Sé Galeria – São Paulo
• Silvia Cintra + Box 4 – Rio de Janeiro
• Simões de Assis Galeria de Arte – Curitiba
• Simone Cadinelli Arte Contemporânea – Rio de Janeiro
• SOMA Galeria - Curitiba
• Vermelho – São Paulo
• Verve – São Paulo
• Zipper Galeria – São Paulo

Notas:
-1 Duarte, Luísa. Sobre o trabalho de Flávia Junqueira
-2 Entrevista de MacMasters. “Bosco Sodi aborda la escultura con piedras volcánicas en la muestra Omni”. Periódico La Jornada. Sección Cultura. Ciudad de México. 26 de Mayo de 2013, p.6

Bibliografía:
Zipper Galería: Flávia Junqueira
Duarte, Luísa. “Sobre el trabajo de Flávia Junqueira”
Porfolio de Luis Escañuela en Galería de Arte Luis Maluf
Entrevista realizada por Mac Masters, Merry. “Bosco Sodi aborda la escultura con piedras volcánicas en la muestra Omni”. Periódico La Jornada. Sección Cultura. Ciudad de México. 26 de mayo de 2013, p.6
Bosco Sodi em Luciana Brito Galería de Arte
Bosco Sodi Sitio Web: Bio | boscosodi
Iván Navarro: Blombô Web Site
Iván Navarro: Artnet Web Site
Iván Navarro. Galería Luciana Brito
Geórgia Kyriakakis Web Site
Geórgia Kyriakakis. Galería Raquel Arnaud
Geórgia Kyriakakis. Galería Clima
Deborah Engel. Galería Portas Vilaseca
Deborah Engel. Galería Carbono

Déborah Engel- Vertigem nº4 - 2021- Colagem de 15 camadas - 110 x 100 cm

Saturnalia das Commodities - Luiz Escañuela - Oleo s tela, 2021

Geórgia Kyriakakis -Oeste 2 - 2014 - Triptico foto objeto

Flávia Junqueira - Engenho de Piracicaba#1 - 2021 - Pigmento mineral sobre papel de algodón -150 x 206 cm