Art Rio 10º edición (tercera parte)

Por Adriana Schmorak Leijnse

Primera parte

Segunda parte

La 10ª edición de Art Rio recibió un total de 8100 visitantes en Marina da Glória. De entre ellos, el 60% tiene entre 30 y 60 años, el 80% vive en Rio y el 20% restante proviene de otras ciudades de Brasil o del exterior.
Con el fin de resguardar la salud de este caudal de público, se tomaron todas las medidas de seguridad obligatorias, incluyendo la exigencia del uso de tapabocas, la disponibilización de alcohol en gel y la verificación del distanciamiento social. Además, se dispuso un horario de ingreso y un límite de tiempo de permanencia para cada uno de los huéspedes.
En el espacio virtual ingresaron 69 mil visitas, lo que se tradujo en 550 mil vistas de página durante el periodo comprendido entre el 14 y el 25 de octubre. Los principales países que visitaron la feria on-line, aparte de Brasil, fueron: Estados Unidos, Reino Unido, Francia, España y Portugal.
Art Rio 2020 exhibió obras con una amplia gama de precios que iban desde los R$ 1500 (U$D 278.8) hasta los R$ 6,5 millones (U$D 1.2 millones). Por ejemplo, Paula Scamparini, artista de la galería paulista Aura, puso en venta sus fotografías a precios que rondan los R$ 27mil (U$S 5 mil). Otros valores para mencionar, son los de las esculturas hiperrealistas de Jorge Mayet, cuyo importe promedia los R$ 70 mil (U$D 12,700) y las esculturas de neón de Regina Parra, ofertadas en alrededor de R$ 18 mil (U$D 3,300).
En comparación con el año 2019, las ventas se incrementaron en un promedio del 20%, según indicación de las galerías participantes. Entre las que más vendieron se ubica la portuguesa Bordallo Pinheiro, que comercializó más de 170 piezas en su stand de Marina da Glória.

Selección de Galerías y Artistas Participantes en la Feria Art Rio 2020

Almeida & Dale Galeria de Arte – São Paulo
https://www.sp-arte.com/galerias/almeida-e-dale-galeria-de-arte/

Beatriz Milhazes
“Lovers in the air”, 1993
Acrílico sobre tela
170 x 180 cm

Beatriz Ferreira Milhazes (Rio de Janeiro, 1960). Pintora, grabadora, columnista. Su obra se caracteriza por el uso del color, estructuras geométricas, arabescos y motivos ornamentales para crear composiciones de intenso dinamismo óptico.
Se graduó en comunicación social en las Facultades Integradas Hélio Alonso (FACHA), en Rio de Janeiro, en 1981, y en artes plásticas en la Escuela de Artes Visuales de Parque Lage (EAV / Parque Lage), en 1983. En la escuela, se desempeñó como profesora de pintura hasta 1996.
Las obras creadas por ella en los años ‘80 revelan una tensión entre figura y fondo, entre representación y ornamentalismo.
La artista participó, en aquellos años, en las exposiciones que caracterizaron a la Generación ‘80, grupo brasileño que, a través de la búsqueda de nuevas técnicas y materiales, produjo pinturas contrarias al aspecto conceptual de la década de 1970.
Milhazes hace referencia, en sus acrílicos sobre tela, al barroco, al art decó y a los patrones ornamentales presentes en la obra de Tarsila do Amaral (1886-1973) y Roberto Burle Marx (1909-1994). En opinión del crítico Frederico Morais (1936), Beatriz Milhazes revela desde el inicio de su carrera, la voluntad de enfrentar la pintura como hecho decorativo, acercándose a la obra de artistas como Henri Matisse (1869-1954). Asimismo, se interesa por la profusión de la ornamentación barroca, especialmente en el ritmo de los arabescos y motivos ornamentales presentes en la obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962).
De 1995 a 1996 estudió grabado en metal y linóleo en el Atelier 78. Las obras de esa época revelan sensibilidad en el uso del color, como en “El Príncipe Real” (1996) y “Las cuatro estaciones” (1997). Desde la década de los ‘90, Milhazes se ha destacado en ferias internacionales en Estados Unidos y Europa; su obras integran colecciones de museos como el Museo de Arte Moderno (MoMa), el Museo Solomon R. Guggenheim y el Museo Metropolitano de Arte (Met), en Nueva York, además del Museo Reina Sofía de Madrid.
Milhazes a menudo trabaja con formas circulares, lo que sugiere desplazamientos que son concéntricos o expansivos. El material pictórico obtenido por numerosas superposiciones no presenta ningún espesor, ya que la ornamentación y los motivos arabescos se colocan en primer plano. La mirada del espectador es dirigida a recorrer todas las imágenes, siguiendo la exuberancia gráfica y cromática de las pinturas.

Tunga (Antonio José de Barros Carvalho e Mello Mourão, Palmares, PE, 1952, Rio de Janeiro, RJ, 2016).
Fracción de luz, 2010
Hierro, alambre trenzado y resina
150 x 200 x 170 cm

Escultor, desenhista, artista performático. Filho do poeta e escritor Gerardo Melo Mourão (1917-2007), convive desde cedo com a literatura, experiência que marca sua formação. Muda-se para o Rio de Janeiro e, em 1974, conclui curso de Arquitetura e Urbanismo na Universidade Santa Úrsula. No mesmo ano, exibe um conjunto de desenhos em sua primeira mostra individual, sob o título Museu da Masturbação Infantil, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ).
Colabora com a revista Malasartes e o jornal independente A Parte do Fogo, ambas de curta duração [1]. Nesse período, participa de mostras no Canadá, Estados Unidos e Itália. Em 1981, integra a 16ª Bienal de São Paulo, onde apresenta a instalação Ão. No ano seguinte, participa da 40ª Bienal de Veneza, Itália.
Escultor, dibujante, artista performático, Tunga fue hijo del poeta y escritor Gerardo Melo Mourão (1917-2007), gracias a ello, convivió desde temprana edad con la literatura, experiencia que marcó su formación. Se mudó desde su Pernambuco natal a Rio de Janeiro y, en 1974, realizó un curso de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad de Santa Úrsula. Ese mismo año expuso un conjunto de dibujos en su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro (MAM / RJ).
Colaboró con la revista Malasartes y con el periódico independiente A Parte do Fogo, durante un breve periodo. Al mismo tiempo, participó en exposiciones en Canadá, Estados Unidos e Italia. En 1981 participó de la 16ª Bienal de São Paulo, donde presentó la instalación Ão. Al año siguiente, expuso su obra en la 40ª Bienal de Venecia, Italia.
“Fracción de Luz” forma parte de un grupo de obras, que aportan un repertorio de elementos conectivos y que enlazan al objeto con un sujeto omiso, al igual que un títere queda unido a la mano de su titiritero, aún siendo éste invisible. Estos elementos conectivos están formados por cables, varillas, ganchos, cadenas, redes y ventosas. La diferencia entre el cuerpo de una marioneta y un contrapeso elevado, está en la ilusión de que la marioneta sostiene su propio cuerpo, haciendo que los conectores (las cuerdas), a veces, se vuelvan imperceptibles.
Estos conectores, en la obra de Tunga, no solo son perceptibles, sino que han sido realzados. Sus obras fueron generadas a partir de toda o alguna relación entre tres elementos similares: tres ejes, tres mechas, tres niñas, tres velas o tres pompas de jabón. En “Fracción de luz” se trata de tres calaveras unidas por una red negra y colgadas mediante varillas y ganchos. En toda esta serie de obras, tres son tres y uno al mismo tiempo. El tres, cifra fundamental tanto para la Cábala Judía como para el Cristianismo, representa unión y consistencia.

Cassia Bomeny Galeria – Rio de Janeiro
https://cassiabomeny.com.br/

Hilal Sami Hilal (Vitória, ES, 1952)
Serie Alepo. Alfombras Voladoras, 2020
Papel de algodón hecho a mano con pigmento metálico
250 x 200 cm

Artista multimedia, Hilal Sami Hilal estudió Bellas Artes en la Universidad Federal de Espírito Santo (Ufes). Estudió grabado en metal en Minas Gerais, en los Festivales de Invierno organizados por la Universidad Federal de Ouro Preto, UFOP-, a comienzos de los años 1970.
En 1977, un año después de graduarse, comenzó a dar clases en la universidad y a investigar el papel artesanal como técnica artística.
El trabajo de Hilal Sami Hilal, presenta una amplia variedad de materiales y significados. Comenzó a pintar acuarelas, pero pronto pasó a fabricar papel artesanal a partir de una pasta de algodón hecha con ropa vieja de amigos y familiares. Los papeles son gruesos y tienen camadas, lo que sugiere una arqueología, pero se presentan como pinturas, ya que poseen colores y profundidad. Su trazado recuerda a la caligrafía y la arquitectura árabes, en alusión a su origen familiar. Dibuja letras, números y nombres de personas en papel cuadriculado y usa ácido para corroer las partes en blanco. Al superponer las hojas, el artista crea huecos, enfatizando los espacios vacíos.

Galeria de Arte Ipanema – Rio de Janeiro

Carlos Cruz-Diez (Caracas, Venezuela, 1923 – París, Francia, 2019)
Physichromie nº 1929, 2014
Cromografía sobre aluminio
100 x 200 cm

Carlos Cruz-Diez es considerado uno de los principales exponentes del arte contemporáneo. Comenzó su investigación sobre el color con el movimiento cinético de la década de 1950-1960. Pasó su carrera profesional trabajando y enseñando entre París y Caracas. Vivió en París desde 1960 hasta su muerte, acaecida en 2019. Fue un teórico contemporáneo de los colores y su propósito artístico se basó en cuatro condiciones cromáticas: color sustractivo, aditivo, inductivo y reflectante.
El desarrollo de su reflexión plástica ha ampliado nuestra comprensión del color, demostrando que la percepción del fenómeno cromático no está asociada a la forma. En sus obras demuestra que el color, al interactuar con el espectador, se convierte en un evento autónomo capaz de invadir el espacio sin el uso de la forma, sin anécdotas, desprovisto de símbolos. Su obra está representada en museos y lugares de arte público internacional. Se le considera una de las principales figuras del arte cinético.
Fue premiado en Francia, Argentina y Venezuela, y sus obras se encuentran en diversas colecciones como: Daros Latinamerican Collection (Zurich); Museum of Modern Art (New York); Irish Museum of Modern Art (Dublin), Musée d’Art Contemporain de Montréal; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Musée national d’art moderne – Centre Georges Pompidou (Paris); Museo de Arte Contemporáneo (Bogotá); Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber; Museo de la Solidaridad Salvador Allende (Santiago); Museum of Contemporary Art (Sydney); Museum of Fine Arts, Houston; Museum of Modern Art (Sydney); Muzeum Sztuki (Lodz); National Taiwan Museum of Fine Arts (Taichung); Neue Pinakotheke (Munich); Palais de l’Unesco (Paris); Tate Gallery (Londres); entre muchos otros...

Galeria Inox – Rio de Janeiro
http://galeriainox.com.br/

Jorge Mayet (La Habana, Cuba, 1962)
Sin título, 2020
Hilo de cobre, biscuit, poliuretano, fibra sintética, pintura acrílica
110 x 54 x 39 cm

Jorge Mayet nació en La Habana (Cuba) en 1962, vive y trabaja en Palma de Mallorca (España). Es Licenciado en Pintura (1993) y Magíster en Artes Visuales (1995) de la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, La Habana, Cuba.
Los recuerdos de los paisajes de su tierra natal son parte fundamental de su búsqueda artística. Sus obras se despliegan en pinturas, esculturas e instalaciones que mezclan imágenes realistas con la poesía de su imaginario. Mezclando su memoria afectiva, el sentimiento de pérdida y la idealización de lo dejado atrás en el tiempo, el artista crea una especie de relicario para mantener vivo el vínculo con su tierra natal.
Otra característica interesante de sus esculturas es el empleo de materiales comunes como hilos de cobre, esponjas pintadas y papel, de forma tal de dar un aspecto realista a sus esculturas. Al acercarnos, nuestros ojos son seducidos de tal forma que deseamos poder tocas las piezas.
Mayet ha realizado exposiciones individuales en importantes galerías e instituciones como: RFT Fine Art (Miami, Estados Unidos); Saatchi Gallery (Londres, Inglaterra); Leo Gallery (Hong Kong, China); Galería Horrach Moyà (Palma de Mallorca, España); Galería Inox (Rio de Janeiro); Centro de Arte de Hong Kong y Galería Leo (Hong Kong, China); Olivier Houg Galerie (Francia); Museu de Art Modern i Contemporani Es Baluard (Palma de Mallorca, España); MC Gallery (Seúl, Corea); Triumph Gallery (Moscú, Rusia); Mario Mauroner Galerie (Salzburgo, Austria); Galería Lluçià Homs (Barcelona, España); entre otras. Sus obras forman parte de importantes colecciones como Saatchi Gallery (Londres), MAD Museum (Nueva York) y Leo Gallery (Shanghai).

Galería Carbono
https://www.carbonogaleria.com.br/

Regina Parra (São Paulo, 1984)
“Poder Hablar”, 2020
Escultura de neón
13 x 60 cm

La joven artista paulistana, Regina Parra, se dedica a la pintura, la fotografía y el vídeo. Su poética actual establece relaciones entre teatro, cuerpo y vulnerabilidad física. Investigando el erotismo como un medio para crear nuevos poderes, la artista trata temas como, opresión, insubordinación y resistencia femenina.
En los últimos años realizó exposiciones individuales en: Galeria Millan, São Paulo, SP (2016); Pivô, São Paulo, SP (2014); Galería Effearte, Milán, Italia (2012), Centro Cultural São Paulo, SP (2011); Fundación Joaquim Nabuco, Recife, PE (2010).
En 2012 fue galardonada con el Premio al Video Arte de la Fundación Joaquim Nabuco y nominada al Premio Artistas Emergentes, Fundación de Arte Cisneros Fontanals, Miami, EE. UU. En 2018 participó del programa de residencia de artistas Residency Unlimited en Nueva York, Estados Unidos

Bergamin & Gomide – São Paulo
https://bergamingomide.com.br/

Camila Sposati (São Paulo, 1972)
Trompete Liber, 2018
Escultura en cerámica esmaltada
76 cm de diámetro
De la Serie Phonosophia, esculturas en cerámicas que recrean el proyecto “Teatro Anatómico de la Tierra”.

Camila Sposati se graduó en Historia en la Pontificia Universidad Católica de São Paulo (PUC / SP) y, en 1998, realizó estudios de posgrado en fotografía en el Centro di Ricerca y Archiviazione de la Fotografia, en Italia. Entre 2001 y 2003, asistió al curso de posgrado en Goldsmiths, Universidad de Londres, donde tiene una maestría. Ese mismo año recibió una beca Aschenberg-Unesco como residente del Helsink International Art Program (HIAP), en Finlandia.
La artista trabaja en varias áreas de estudio, como geología, arqueología y química. En 2004, en sociedad con Tonico Lemos Auad (1968), creó el proyecto Fluxo de Arte Belém Contemporâneo, un programa de intercambio de artes visuales entre la ciudad de Belém e Inglaterra, en el formato de residencia artística. Como alma mater, Sposati enfatiza la necesidad de que los artistas brasileños tengan la oportunidad de intercambiar experiencias con artistas extranjeros, en su tierra natal.
En 2007, realizó una residencia artística en Gasworks, una organización de arte visual contemporáneo en Londres. En 2008, participó en el Tokyo Wonder Site, un centro de arte tokiota dedicado a la generación y promoción del arte y la cultura. En 2009 formó parte de la 7ª Bienal del Mercosur, en Porto Alegre, y de la Seoul Platform, Corea del Sur. En el mismo año, fue incluida en el 8º Premio Sergio Motta de Arte y Tecnología. En 2012, expuso en el Musée de la Chase et de la Nature, en París, y en la III Bienal de Bahía en 2014.
Desde 2006, Camila Sposati entrelaza el arte y sus desarrollos estéticos con los procedimientos científicos, a través de colaboraciones con científicos de la Universidad de Londres, Inglaterra. Surgen, así, las obras Lithium Sculpture (2006), Sodium Chlorate Sculpture (2007) y Sodium Nitrate Sculpture (2009), todas sobre la formación de cristales. Con el desarrollo de estas investigaciones, Sposati crea esculturas, instalaciones y fotografías, como la serie Violet Sunday (2009). La investigación y la realización de sus obras establecen vínculos entre lo que podemos dimensionar concretamente y a simple vista, y los universos microscópico y utópico.
El proyecto Teatro Anatômico da Terra (2014), desarrollado para la Bienal de Arte de Bahía, establecía relaciones entre superficie e interior. Estaba conformado por un cráter hecho en un lugar elegido a partir de cálculos y una cuidadosa investigación. El trabajo se inspira en el anfiteatro anatómico de Padua, Italia, un espacio circular y subterráneo, creado en el siglo XVI, que permitía a la audiencia observar el proceso de disección de cuerpos humanos. De esta forma, Sposati propone un punto de vista colectivo para descubrir el interior de la propia tierra y otros organismos, además de las performances que allí se presentan. La obra se convierte, así, en una plataforma de observación y activación.
“Trompete Liber” (2018) es una escultura en cerámica esmaltada, que forma parte de la Serie Phonosophia, obras recreadas por Sposati a partir de conceptos del proyecto “Teatro Anatómico de la Tierra” tales como gravedad, voz y amplificación del sonido.

Bibliografía
Art Rio Web Site: https://artrio.com/
Art SY. The Art World On- line: https://www.artsy.net/
Enciclopédia Itaú Cultural: https://enciclopedia.itaucultural.org.br/
Visual Art Encyclopedia: https://www.wikiart.org/
Beatriz Milhazes en Escritório de Arte: https://www.escritoriodearte.com/artista/beatriz-milhazes
Hilal Sami Hilal em Escritório de Arte: https://www.escritoriodearte.com/artista/hilal-sami-hilal
Carlos Cruz-Diez web site: http://www.cruz-diez.com/es/
Jorge Mayet en Galería Inox: http://galeriainox.com.br/artista/jorge-mayet/
Jorge Mayet en Galería Carbono: https://www.carbonogaleria.com.br/artistas/jorge-mayet-cat.html
Regina Parra en Galería Carbono: https://www.carbonogaleria.com.br/poder-falar-prod.html
Camila Sposati em Enciclopédia Itaú Cultura: https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa275945/camila-sposati

Jorge Mayet, Sem titulo, Hilo de cobre biscuit poliuretano fibra sintética y tinta acrílica, 2020 (Inox gallery foto)s

egina Parra, Poder falar, Escultura de neon, 2020, 13x60 (Galeria Carbono foto)