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Reitman Ivan (1946-_)
No Strings Attached (Sin compromiso) (2011: 3.5)
 
Ivan Reitman es, posiblemente, uno de los peores directores de la historia del cine. Suya es, por ejemplo, Evolution, una de las mayores tonterías que han presenciado mis ojos. A su lado, Ed Wood parece Orson Welles.
Entre 1984 y 1994, de Cazafantasmas a Junior (¡con Schwarzenegger embarazado!), pasando por Cazafantasmas 2, la simpática Los gemelos golpean dos veces y Poli de guardería, Reitman fue uno de los directores más exitosos del planeta Cine. Ni Spielberg podía competir en taquilla con un Reitman especializado en mezclar comedia gruesa con puntos de partida atípicos (el gigante Arnold hermanado con el pequeño DeVito; el gigante Arnold rodeado de niños, etc.).
El punto de partida de Sin compromiso es, como todo Reitman, algo de trascendencia intergaláctica: los guapos Natalie Portman y Ashton Kutcher se conocen, se gustan, se enrollan y comienzan una relación sexual. El asombroso conflicto es que deciden no enamorarse (como si eso pudiera decidirse). ¡Pero la cosa no termina ahí! Pues, obviamente, esa amistad "con derecho a roce" no puede durar demasiado, tan liberales no son. Y surgen dificultades, malentendidos, piques melodramáticos o cómicos, antes de desembocar en el previsible final: Portman y Kutcher, jóvenes, guapos, juntos, triunfadores y enamorados. ¡Qué grande es Reitman! Con tan poderosos mimbres dramáticos, es normal que el resultado sea el que es. La banalidad es casi absoluta.
Me dice alguien que Sin compromiso es como una comedia del Hollywood clásico con inclusión de elementos modernos. ¿Por la presencia de teléfonos móviles, Internet o el carácter más explícito del sexo…? Tal explicación no me convence. Sin compromiso carece de cualquier empaque artístico o envergadura cómica. Sin compromiso carece, justamente, de cualquier tipo de compromiso: ¿reírse dos veces y media durante una comedia así justifica los ocho euros empleados en la entrada?
Es obvio que, hace décadas, en comedias románticas como (pongamos) Sucedió una noche (Capra, Gable, Colbert) o Once Upon a Honeymoon (McCarey, Grant, Rogers), los protagonistas no podían hablar de sexo con descaro, ni al director le era permitido mostrar desnudos ni encuentros de alto contenido erótico. Pero las diferencias, a mi modo ver, no se acabarían de ninguna manera ahí: aquellas películas tenían a una personalidad talentosa y fuerte (aunque fuese sutil, como McCarey) detrás de la cámara, y por ello participaban de (tradicionales) cualidades como la sutileza dramática, la gracia interpretativa o la elegancia compositiva. Y además el cine era, obviamente, más independiente de la "mass culture" reinante.
Uno ve ahora La pícara puritana o, qué se yo, la Sabrina de Wilder, y no tiene la sensación de que le quieran vender "nada más" que un argumento. Uno ve Sin compromiso y tiene la sensación de que le están intentando vender vaqueros, "fast food", móviles, productos de belleza y, sobre todo, ideas "light". No Strings Attached parece un largo anuncio publicitario de niños pijos cuyos problemas existenciales son tan complejos y profundos como un cuadro de Warhol o un bolígrafo Bic.
Es cierto que en las generaciones más o menos jóvenes actuales (de mi edad, los treinta y tantos) hay un mayor recelo respecto de la idea de compromiso amoroso; pero montar una película sobre tal premisa para mostrarnos lo guapo que es Kutcher y lo lista (y guapa) que es Portman resulta excesivo. La película no escarba en ni uno solo de los subtemas que podrían haber gozado de algún interés: la importancia del ocio en el Occidente contemporáneo; el apogeo de lo "joven" y "estético" en el mundo (y cine) en que vivimos; el talante quejumbroso de buena parte de la sociedad acomodada; la explotación laboral legalizada (el personaje que encarna Portman trabaja en un hospital durante 80 horas semanales, según dice); la incorporación acrítica de tantas personas a todos los hábitos de consumo existentes (inyectados en vena por la publicidad omnipresente), etc.
La coartada moderna, liberal y hasta "progresista" es el sexo: las continuas alusiones al mismo es más que sospechosa. Hombre, ¡que ya no estamos en Woodstock ni en el Concilio Vaticano II! El sexo aparece así como un artículo más, una "commodity", un ingrediente que añade (escaso) picante y ensimismamiento (conceptual) a una trama irrelevante, que combina las fórmulas de las televisivas Friends y Melrose Place con un cine cómico del Hollywood reciente (Meet the Fockers y en ese plan).
Por cierto, Kevin Kline también aparece por la película: despistado, talludito, prescindible. Un pez llamado Wanda es prehistoria.

Almodóvar Pedro (1949-_)
La piel que habito (2011: 4.0)

Entrar o no. La piel que habito es, con sencillez, una de esas películas herméticas e impredecibles. O entras en ellas y te deslumbra o te quedas fuera: chafado, mosqueado, enfadado incluso. Por ejemplo: a una de mis hermanas le encantó, le impactó, le emocionó; a mí en cambio no me ha dicho gran cosa. La considero fallida: porque no pude, o no supe, entrar.
Mi decepción. En relación a la inmensa expectativa provocada, La piel que habito es una de las mayores decepciones cinematográficas recientes que he sentido. Aunque, es obvio, no hay consenso.
Salto. ¿Hemos de admirar a un director por sus saltos al vacío? No necesariamente. Depende del vacío en sí… O a lo mejor no existe tal vacío. ¿No se cae siempre en algún sitio?
Forqué, Almodóvar, por qué. ¿La Kika de su (digamos) Época Profunda? Opino: quizá la peor película de toda la carrera del gran director. ¿Más desacertada que Entre tinieblas o La mala educación? Sí, peor: más desnortada y farragosa y sin ritmo ni pasión. O será una pasión gélida. O será una pasión que a mí no me apasiona.
Capicúa. Imaginemos una analogía Medem-Almodóvar: ¿Es ésta la Lucía y el sexo del manchego, la Caótica Ana de nuestro director más internacional?
Del laberinto a dónde. Almodóvar en su lúgubre y torturado laberinto. Un realizador que (se diría) ya no pisa la calle y que, por consiguiente, ha perdido la perspectiva razonablemente humana, encerrado en su habitación; ensimismado, respirando ya sólo Séptimo Arte con sus decenas de alusiones. ¿Pero es suficiente con ser intertextual? ¿Dónde están las ilusiones? Almódovar lanzado a una piscina: o bien vacía o (aquí hay teorías) bien desbordada… Almodóvar notando que no hace pie pero, como es un competente nadador, nada y nada y nada… hacia ningún sitio. Nada hacia la nada.
Post. El debate post-película, con mi chica y sus amigas, es mucho más entretenido que la película en sí. ¿Película de terror con reminiscencias (como siempre) de Hitchcock y Buñuel? Acaso. ¿Tributo a la tortura, un disparatado Saw de arte y ensayo? ¿Película sobre secuestros, un Átame en un Apocalipsis post-alegría? ¿Nueva vuelta de tuerca sobre el tema de la identidad sexual, en nuestra época de apogeo de la cirujía estética?
Shelley. ¿Frankenstein y Los ojos sin rostro? Escribí sobre la de Franju hace seis o siete años: "¡…para qué experimentar con la muerte: somos vida!". Almodóvar, yo te bautizo como: El rostro sin ojos.
Primavera de Praga. ¿Cómo consigue ahora Almodóvar que su última obra parezca una especie de (plúmbea, descorazonadora) película checa de los años setenta fusionada con cierto espíritu gamberro (Anaya en su uniforme de piel, Anaya peleando con Banderas escaleras abajo, etc.) de Tarantino? ¿Te llegará de nuevo, Pedro, tu primavera?
Frase. Banderas a Anaya: "Desde hoy ya no podré seguir llamándote Vicente". Pobres actores, Anaya, Banderas, Paredes. Se esfuerzan, con enorme intensidad, en un film sin apenas pies y cabeza. Sin sustancia… o con exceso de sustancia. Un artificio de una solemnidad irritante. Papelones, los suyos.
Momento cumbre. Aparece Agustín Almodóvar en la tienda e irrumpe el (Pedro) Almodóvar más querido, absurdo, costumbrista y posmoderno; el hermano de Pedro queriendo vender la ropa de su mujer, porque los ha abandonado. Divertidísimo instante. Demasiado breve. La piel que habito es un hipertrofiado Breve encuentro. Pero: todos hablaremos de Almodóvar cuando haya muerto. Ojo. Un respeto.


Phillips Todd (1970-_)
The Hangover Part II (Resacón 2: ¡Ahora en Tailandia!) (2011: 6.0)

Para quien busque crítica profesional de calidad, le recomiendo lo que tanto Sergi Sánchez (La Razón) como Jordi Costa (El País) han escrito al respecto de The Hangover Part II.
Por mi parte, sigo.
El prestigio de lo políticamente incorrecto ha alcanzado cotas inimaginables, ya sospechosas. Sexismo, racismo, crueldad con el débil (nunca con el fuerte), vulgaridad, escatología, sexo explícito y vergonzante. En vertiente humorística, claro está. A ratos, incluso, "muy" humorística.
Resacón 2: ¡Ahora en Tailandia! es otro desahogo masculino y treintañero (casi cuarentañero). Como ya hice para su "precuela" o cinta previa, Resacón en Las Vegas, le aplico el siguiente lema político-cultural de una canción de Beastie Boys: "You gotta fight for your rights… to party!". Es el único derecho que, en una ciudadanía cansada y rendida al Mercado, parece quedarnos: luchar por nuestro derecho a... salir de fiesta. Hedonismo obligatorio, hedonismo de riesgo, hedonismo estresante. Piénsese que en España los famosos macro-botellones han sido fomentados por políticos y empresarios.
Gamberrismo militante fundamentado en una adolescencia no ya ampliada sino eterna, como comprobamos en el mejor momento de todo el film: la ilustración, en "flashback", de algunos momentos de la noche loca de estos adultos, pero encarnados (mucha atención) por niños que no tienen ni acné. Brillantísimos segundos o minutos. Nada de metáforas: tal cual es.
Película veraniega, excitante y sordomuda ante cualquier asomo de seriedad, compromiso o autenticidad (y con boda hollywoodiense incluida), Resacón 2 contiene cuatro o cinco momentos (calcados de la primera parte) de humor glorioso, inesperado (pero menos), hilarante, salvaje. Ya digo: un desahogo de la rutina. Y en Bangkok, además, con todo su exotismo de "gente rara".
Pero se trata de un desfogue, en todo caso, hipócrita e incluso reaccionario, cabe decir. Así quieren los poderes (políticos, sociales, económicos) que vehiculen las energías apáticas e insatisfechas sus ciudadanos adultos: corriéndose una monumental juerga que deje a sus protagonistas (votantes y consumidores, al fin y al cabo) en estado catatónico, sin memoria, sin neuronas, sin placer. Reinando la confusión, en suma: ese resacón (aquí) tailandés. Y, por cierto, con tías buenas por aquí y por allá, como cuando Pajares y Esteso reinaban por estas tierras pero con mayor ambigüedad (que no complejidad).
Uno, que es treintañero (tengo 35 en junio de 2011), ve esta película con desigual deleite, se carcajea varias veces y se siente al final (sí, sí) liberado. Apaciguado, ciertamente, al tiempo que aplanado. Sin ninguna gana, por ejemplo, ni de leer un libro ni de asistir a un debate sobre cualquier tema semi-sesudo ni a un maldito concierto (en la película, significativamente, una de las mofas recae sobre el hermano de la novia: un joven que, oh elitismos, es un virtuoso de la música clásica, el gilipollas). Sin más ganas, vaya, que de beberme unas cervezas: y no hablo ni de una ni de tres, chatos. 
¿Me he divertido, pues, con Resacón 2? Sí, por supuesto, bastante. ¿Cómo ser inmune a sus indudables (y originales, en la primera parte) encantos? Doy por bien gastados esos ocho euros.
Pero quiero olvidarla ya mismo.
Y aclararé que, entre esta Tailandia peligrosa, tórrida, banalizada y prostituida que nos pinta Todd Phillips, y la estática, sensorial, árida y misticoide de Apichatpong, me quedaré siempre con la primera, pese a todo. Por cierto, señor Phillips, le sugiero un nuevo título: ¿por qué no rodar Resacón 3: ¡Ahora con Torrente en Marbella!? Sería la hostia.


Borensztein Sebastián (1963-_)
Un cuento chino (2011: 8.0)

La ferretería de las sorpresas. Como en el clásico antiguo de Lubitsch El bazar de las sorpresas, o en ese clásico moderno de Wayne Wang llamado Smoke, también en Un cuento chino la escasa acción de la película se limita casi en exclusiva a una modesta tienda, en este caso una ferretería regentada por un refunfuñado y rutinario Roberto.
Minimal. Un cuento chino es un lindo cuento dickensiano enmarcable dentro de una corriente que querría denominar "minimalismo sudamericano contemporáneo" (películas como Historias mínimas o Whisky) y que nos muestra a personajes emocionalmente tímidos que, pese a todo, buscan su lugar sentimental en el mundo. Resquebrajando el cascarón del día a día. 
Moral. El mensaje tonto de la película podría ser: "Ponga a un chino (Huang Sheng Huang) en su vida". El menos frívolo podría rezar: "Es imposible prescindir del afecto" (como señala el director en una entrevista para La gran ilusión, junio de 2011). O, en versión de Eduardo Punset: "Hay que comprometerse con algo".
Darín/Eastwood/Castellitto. Un cuento chino es una obra que Sebastián Borenzstein regala para el talento inabarcable de Ricardo Darín. Y se propone como una especie de relectura simpática del Gran Torino de Eastwood, al que se le añade un toque divertido de choque entre culturas (eso tan difícil de ponerse en el lugar de "el otro"); esto último me recordó bastante a la admirable película italiana La estrella ausente (de Gianni Amelio). Pero en versión argentina, más cascarrabias, ligera y bonachona. Y graciosa: solté buenas carcajadas no menos de diez veces. La escena del hilarante banquete en casa de Mari (la sonriente actriz Muriel Santa Ana) es antológica.
Los 3 mejores. Me reafirmo en que Darín, junto con Mathieu Amalric y Viggo Mortensen, son mis tres actores favoritos de los últimos años.


SAMPIERI Luis (1971-_)
Fin (2010: 5.0)

¿Estamos ante un Antonioni con acné?
En esta película apenas ocurre nada. Tres chicos están sentados o de pie, meditando o andando de un lado para otro. Hay, en cambio, algunos planos peculiares: de abejas y ovejas, de hormigas, árboles o nubes. El conjunto es impresionista. Y el final, frío y atroz, nos deja con el corazón encogido y la cabeza confundida. ¿No habrá querido el director Luis Sampieri simplemente epatarnos con este audiovisual ritualizado en torno a la angustia juvenil y existencial? ¿O es que la única salida actual frente al "no future" es un estético, ensimismado y rendido pesimismo?
En un artículo sobre las nuevas generaciones en XL Semanal ("Juventud aplastada", agosto de 2011), Juan Manuel de Prada escribe: "El joven ve la meta antes que los obstáculos; y su ardor y coraje lo empujan a sobrevolar los obstáculos, o a dinamitarlos".
No sabemos cuáles fueron los obstáculos que llevaron a los tres adolescentes que protagonizan Fin a tomar la decisión que toman. No parecen especialmente ardorosos o corajudos sino, más bien, resignados a su suerte. Como si lo que han elegido hacer (que es terrible) no tuviese marcha atrás.
Apáticos, mustios, sin iniciativa. Son adolescentes lánguidos o incluso pánfilos (término que utilizó con agudeza mi madre, profesora de Secundaria durante 36 años, que vio la segunda parte de la película con mi hermana y conmigo). Apenas hablan: Fin podría ser una obra muda. Son muchachos que carecen de cualquier entusiasmo o humor. No se comunican. Vagan por un monte de las afueras de una ciudad. Hasta que, al final de la película, llevan a cabo lo que habían acordado. Quizás por una inercia terrorífica tras una decisión que, a través de Internet, ha tomado cuerpo por razones que desconocemos.
El dolor, como dice la narradora de la estupenda novela El amor del Rey (Begoña Aranguren), "une las almas y los cuerpos". ¿Cuál es el dolor de estos chicos? Nada sabemos pero sospechamos que algún tipo de dolor ha de estar detrás de todo esto y que, en todo caso, de trata de un dolor vital que ha unido sus almas y cuerpos en un destino ¿trágico?
La falta de datos que caracteriza a la película va diseñando un extraño suspense: un suspense construido por defecto, ya que no sabemos (o sólo vamos intuyendo) lo que va a ocurrir al final. Que no es ninguna maldición sagrada, por cierto, sino la consecuencia de una opción personal y, seguramente, irresponsable de tres jóvenes tristones. Quizá la clave nos la ofrezca el propio de Prada en su artículo: "…el estado de desesperación que origina el aplastamiento y embrutecimiento de la juventud es tierra abonada para los estallidos violentos".
Esta película del director argentino Sampieri se enmarca dentro del cine (más o menos) independiente catalán del siglo XXI: con una tendencia acusada hacia el retorno a la naturaleza, para bien o para mal (se ve en Recha, A. Serra, C. Gay, Villaronga, Farnarier, etc.). Sampieri, es obvio, conoce y admira al Van Sant de Last Days, al Haneke de El vídeo de Benny y El séptimo continente, a los hermanos Dardenne o incluso a Kiarostami (por algunos elementos: los silencios, los planos desde el coche…).
El problema, dentro de la curiosidad indudable que reviste la cinta, es que hay escasa sustancia. La imprecisión dramática no es sinónimo de hondura. La ausencia de aclaraciones sobre los motivos que llevan a estos chicos a actuar como actúan no es necesariamente un cheque en blanco. El radical y puro esquematismo "indie" no es siempre suficiente. El problema es, vaya, que una propuesta atractiva como Fin puede incluso aburrirnos… mortalmente.
Fin. Sampieri, antes de Fin, dirigió spots y trabajó para la MTV, una cadena audiovisual especializada, justamente, en el aplastamiento y embrutecimiento juveniles. ¿No será Fin una ceremonia de expiación derivada de la mala conciencia?


ESPINOSA Daniel (1977-_)
Snabba Cash (Dinero fácil) (2010: 6.5)

Sin pretender ser paternalista: no sería un disparate sostener que para Daniel Espinosa, el director sueco (de origen chileno) de Dinero fácil, la historia del cine comienza con Tarantino. O puede que con el Scorsese de Uno de los nuestros.
O, siendo optimistas, quizá con Brian de Palma, como él mismo señala (en las "notas del director" del folleto del cine Renoir): admite la influencia del Scarface que protagonizó Pacino. Y se dispone a diseñar (sin ser, claro, De Palma) otro cóctel sabroso de mafias, asesinatos, tráfico de drogas, chantajes, traiciones.
Pongamos, pues, que Espinosa (partiendo de una novela del escritor sueco Jens Lapidus) bebe de Reservoir Dogs, Goodfellas y Scarface para construir esta potente película de acción y cine negro ambientada en Estocolmo y protagonizada por gentes suecas, chilenas, árabes, serbias, albanas, etc. Una peligrosa "melting pot" que, en la supuestamente paradisíaca Suecia, nos sigue recordando cómo la codicia es el mayor pecado del hombre.
El fin último es el dinero, y los medios importan menos: morales relativas y leyes frágiles. Matar para conseguir dinero, pues, no es cosa rara. Todo vale para obtenerlo, eso se comparte globalmente: da igual la nacionalidad, ni siquiera la clase social es un factor clave. Aunque, eso sí: el mundo del crimen sigue siendo cosa de hombres.
Acaso subiéndose a la ola del boom de la literatura sueca de intrigas, detectives y crimen, tan popular en el siglo XXI (a la cabeza, la exitosa trilogía de Stieg Larsson), Dinero fácil es una muy desigual pero atractiva muestra de acción, violencia y drama jugada a tres bandas (con tres estupendos actores).
El personaje más interesante es el sueco "trepa" y guapillo llamado JW (Joel Kinnaman), que de pequeños trapicheos va pasando, sin casi darse cuenta, a convertirse en un miembro de una banda de narcotráfico. Al contrario que el Joe Montana de Pacino y De Palma, JW no parece en principio un hombre con grandes ambiciones. Pero sigue al dedillo el consejo de un profesor de universidad, cuando les dice en el aula que "crisis" en chino también significa "oportunidad". ¿Lo pillas?
Y también está Jorge (Matias Padin), chileno que se escapa de la cárcel y que quiere marcharse de Estocolmo con mucho dinero. Y, finalmente, Mrado (Dragomir Mrsic), un criminal serbio ya veterano que, al quedar al cuidado de su hijita, se replantea la vida y decide dar su último golpe.
A ratos Dinero fácil parecería un extraño homenaje a series televisivas variopintas (Corrupción en Miami, Falcon Crest, 24…). Y casi todo su metraje se sustenta en el impacto de la imagen agresiva y veloz, en la estela de algún cine americano reciente, como American History X de T. Kaye (con la que comparte el asunto carcelario).
Impacto, decimos. En efecto: no dudamos del talento y la habilidad del director Espinosa, pero clama al cielo el escaso apego que una mayoría de cineastas jóvenes de la actualidad le tienen a la puesta en escena. Todo este poderoso tinglado audiovisual se fundamenta en el montaje, el constante movimiento de cámara y las distorsiones. Así, resulta algo paradójico que películas como Dinero fácil sean alabadas por su "realismo", pues en la vida real, al menos desde la posición subjetiva de cualquier observador de lo que pasa, nada está nunca tan distorsionado, ni va tan rápido ni es tan fragmentario. ¿Tengo razón?

Luis Serrano Fernández
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