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Instituto Inhotim (Segunda Parte)


 La perfecta combinación de arte contemporáneo y naturaleza exuberante.

Brumadinho, Minas Gerais, Brasil.
Junio de 201
 
Jorge Macchi
Piscina, 2009

Desde el inicio de su carrera, Jorge Macchi viene produciendo acuarelas que retratan objetos banales re-imaginados en situaciones surrealistas, reflejando diferentes estados psicológicos. Hasta ahora, estas obras sólo existían de manera bidimensional. Inhotim invitó al artista argentino Jorge Macchi a crear una de sus acuarelas por primera vez en forma tridimensional. Así, Piscina (2009) es una realización escultórica de un dibujo que el artista hizo de una agenda de direcciones con índice alfabético, transformada aquí en una obra concebida específicamente para el museo, y que también funciona como una piscina verdadera. 
Se trata de una obra con un costado existencialista. El agua refleja el cielo y las escaleras marcan el abecedario desde la A hasta la Z, recordando un poco el concepto bíblico de la creación como surgiendo de la palabra de Dios. No sabemos muy bien si el salvavidas colgado detrás forma o no parte de la obra, si hay una salvación de esta piscina existencial que representa el universo.
En la última película de David Cronenberg, Maps to the Stars (2014) la piscina funciona como una especie de portal al más allá, un umbral témporo-espacial por donde las almas de los muertos regresan al universo físico. La piscina de Macchi recuerda un poco a este portal que conduce a otra dimensión.   

Rirkrit Tiravanija.
Palm Pavilion, 2006-2008.
Metal, madera, materiales diversos.

Originalmente concebida para la 27ª Bienal de São Paulo de 2006, la obra Palm Pavilion (2006-2008) tiene en Inhotim su primer montaje al aire libre. El pabellón es una adaptación de la famosa Maison Tropicale (1951), del arquitecto francés Jean Prouvé (1901-1984), que desarrolló un tipo de vivienda pre-fabricada en Francia para los burócratas y comerciantes residentes en las colonias africanas. La réplica producida por Tiravanija abriga en su interior variadas especies de palmeras, vídeos, vitrinas y mesas con objetos relacionados a este árbol -símbolo de los países de clima tropical que fueron colonia en otros siglos-, además de funcionar como ícono de la historia de la arquitectura reciente. Los vídeos contenidos en la obra documentan un test nuclear en Samoa Occidental, con un grupo de palmeras filmadas en primer plano, y en las vitrinas se expone una serie de imágenes que tienen a la palmera como referencia cultural -incluyendo ilustraciones científicas, billetes y sellos postales.
Las imágenes del vídeo son realmente impresionantes, completamente teñidas de rojo como si el paisaje, otrora de una belleza exótica, ardiera súbitamente en el infierno. Es la viva imagen del Apocalipsis. Todo en el pabellón remite a las colonias europeas: un libro sobre las protestas por la explotación del petróleo en Nigeria, libros con imágenes de la naturaleza exuberante de los países colonizados, destruida o explotada por sus colonizadores. La obra de Tiravanija habla recurrentemente de la explotación indiscriminada de los recursos naturales de las colonias europeas en África y en el Sudeste asiático, adicionando así a la visión puramente científica de la palmera como especie botánica, un análisis socio-cultural de un ícono del exotismo tropical representativo de los países colonizados.

Olafur Eliasson
By Means of a Sudden Intuitive Realization, 1996
Iglú de fibra de vidrio, agua, iluminación estroboscópica, bomba de agua y plástico,

Elemento común en el paisaje islandés, el iglú es utilizado para cubrir las muchas nacientes de agua caliente que constituyen la mayor fuente de energía natural en la isla nórdica. La obra By Means of a Sudden Intuitive Realization (Por medio de una percepción intuitiva súbita, 1996), de Olafur Eliasson, es una adaptación de este elemento arquitectónico transportable. Pero en vez de una naciente, el artista nos presenta un juego simple de luz y agua, en el cual, iluminada por emisiones brevísimas de luz, el agua brota continuamente surgiendo delante de nuestros ojos como gotas de cristal suspendidas en el aire. Este efecto del tiempo, inerte por una fracción de segundo, es algo que ocurre en nuestra percepción e imaginación.
Olafur Eliasson es uno de los artistas de mayor visibilidad internacional hoy en día. Sus instalaciones, muchas veces en gran escala, recrean artificialmente fenómenos naturales para investigar la percepción de la luz, del tiempo, de la gravedad, del movimiento y del sonido. Elementos recurrentes en su producción incluyen vapor, agua, fuego, viento o luz solar. En la obra de Eliasson, el placer lúdico reside en percibirnos y comprendernos a nosotros mismos, como el título de la obra sugiere.

Doug Aitken.
Sonic Pavilion,2009
Pabellón de vidrio y acero, revestido de película plástica ; pozo tubular de 202 m de profundidad, micrófonos y equipamiento de amplificación sonora.

Sonic Pavilion (Pabellón sónico) es una obra site-specific desarrollada a partir de una idea pre-existente y resultado de un proceso de cinco años, entre investigación, proyecto y construcción. La obra se fundamenta en un principio bastante simple, aparte de ambicioso y de compleja realización. Se trata de abrir un agujero de 200 metros de profundidad en el suelo, para instalar una serie de micrófonos y captar el sonido de la tierra. Este sonido es transmitido en tiempo real, por medio de un sofisticado sistema de ecualización y amplificación, en el interior de un pabellón de vidrio, vacío y circular, que busca una equivalencia entre la experiencia auditiva y aquella con el espacio. Doug Aitken encontró en Inhotim no sólo las condiciones técnicas para el desarrollo de la obra, sino también un contexto donde el trabajo cobrara sentido. Al trabajar en relación con la naturaleza y en la escala del paisaje, la obra se torna heredera de los Earthworks de los años 1960 y 1970. Sin embargo, aquí esta afinidad se renueva al introducir elementos sonoros y tecnológicos.
Definir lo que de hecho escuchamos en el interior de Sonic Pavilion no es simple, micro ruidos son generados en el interior de la tierra, pero la enorme cavidad también crea un espacio de reverberación continua, cuyo sonido es transformado por el trabajo de ecualización. Oímos un patrón nunca repetitivo, rico en frecuencias y texturas, que remite a la música minimalista de Terry Riley y Steve Reich. Otra posible referencia sería la pieza
Pendulum music (1968), en la que el sonido es generado por el movimiento de los micrófonos en relación a las cajas de sonido. Lo que Reich dijo sobre su pieza musical parece servir como definición para el proceso siempre continuo, vivo y abierto de Sonic Pavilion: "una vez que el proceso es establecido e iniciado, funciona por sí mismo".

Mathew Barney.
De lama lâmina, 2009
Domo geodésico en acero y vidrio, tractor forestal, escultura en polietileno de alta densidad.

La instalación De lama lâmina (2009) es el último desdoblamiento de un proyecto que tuvo origen en una performance realizada en sociedad con el músico Arto Lindsay, durante el carnaval de Salvador, en 2004, y que también sirvió de base para el vídeo homónimo presentado en Inhotim en la Galería Marcenaria. En estos trabajos, Matthew Barney toma el candomblé bahiano como fuente de referencia para tejer una compleja narrativa sobre el conflicto entre Ogum, orixá del hierro, de la guerra y de la tecnología, y Ossanha, orixá de las florestas, de las plantas y de las fuerzas de la naturaleza.
Las narrativas mitológicas son una constante en la obra de Barney, que encontró en el sincretismo afro-brasileño un campo fértil para explorar su interés por la naturaleza dialéctica de las cosas. Creada especialmente para el contexto de Inhotim, la localización de la instalación es parte importante de su concepción. La elección de la zona más apartada del núcleo del parque abre la lectura de la obra hacia el campo de la ecología y refleja la preocupación ambiental del artista, pero también coloca en evidencia elementos naturales que aluden a los orixás -el óxido de hierro del suelo y los árboles de eucalipto de la selva. La coexistencia entre un plano exterior y uno interior es un elemento fundamental de De lama lâmina (2009). Afuera, en un escenario aparentemente inacabado, la devastación y lo sublime se instauran. Los domos geodésicos de acero y vidrio ofrecen un contraste futurista al paisaje ancestral de morros de mineral de hierro y árboles talados. Dentro, el espacio está ocupado por la máquina, construcción humana que yergue en el aire una escultura que representa un árbol. El tractor, aquí desprovisto de todas sus funciones, es transformado en una gran escultura "congelada" en un instante de inestabilidad. Esta tensión constituye el principio organizador de la obra, evocando el dualismo entre destrucción y creación, progreso y conservación, fecundidad y muerte.
Las dos cúpulas poliédricas espejadas por fuera y translúcidas por dentro, representan la estructura del universo. Dentro, el tractor cuyos neumáticos están impregnados de óxido de hierro, es una especie de monstruo que arranca un árbol de raíz. El árbol está completamente blanco, como un espectro o un fantasma, en su tronco aparecen clavados rifles, cuchillos, sables, herramientas para cosechar, todo tipo de instrumentos cortantes que lo hieren y matan. En lugar de copa, el árbol lleva en la parte superior un poliedro blanco que remeda al poliedro de la cúpula. En sus ramas cercenadas no crecen hojas ni flores.
La obra hace clara alusión a la poda y quema de árboles para la utilización de la tierra como campo de sembradío. Una denuncia de la destrucción de la naturaleza para fines económicos.

Tunga en Galeria Psicoativa
Palíndromo Incesto, 1990 - 1992
Hilo de cobre, imán, hojas de cobre y limadura de hierro

En esta obra, el nombre determinado por Tunga apunta en diferentes direcciones para su comprensión: un palíndromo es una frase o expresión que cuando leído de derecha a izquierda o de forma contraria, posee el mismo significado. Al término "incesto" se puede agregar, al sentido inmediato de ser un acto sexual con miembros de la misma familia, el juego con la lengua y la palabra: in cesto. Los elementos agigantados de la instalación, que aluden a los instrumentos de tejeduría como aguja, dedal, hilo y cesto, confluyen delante de la trama de significados, para un conjunto común, una alegoría contigua de una relación co-sanguínea entre los objetos y sus significados.


Obras de Galeria Psicoativa Tunga

Lezart, 1989
cobre, acero e imán

Cooking Crystals Expanded, 2009

Ão, 1980
proyección de filme b&n 16 mm en looping e instalación de sonido

A Luz dos Dois Mundos
Nosferatu, 1999
vidrio soplado, luz y seda

Laboratório Nosferatu, 1999 - 2012
Vidrio laminado, espejo, hierro, vidrio soplado, luz y papel


Tunga: en Galería True Rouge
True Rouge, 1997
Redes, madera, vidrio soplado, cuentas de vidrio, pintura roja, esponjas de mar, bolas de billar, cepillos para limpiar botellas, fieltro, bolas de cristal, 1315 x 750 x 450 cm, 1997

Desde mediados de los años 1970, Tunga crea obras de un imaginario exuberante en dibujo, escultura, instalación, filme, vídeo y performance. Su impulso multimedia está asociado a una comprensión del arte como campo multidisciplinar, en el que filosofía, ciencias naturales y literatura andan junto a las artes visuales; se trata de comprender las acciones físicas de una obra como parte del pensamiento sobre ella, evitándose la disociación entre teoría y práctica de un mismo fenómeno. Para el artista es importante también sobrepasar los límites entre ciencia y fantasía, realidad y ficción, resultando en la creación de una mitología propia. En varios de sus trabajos, el artista contrata performers para realizar algo parecido a los rituales performáticos, "inaugurando" la obra. Para denominar estas obras, prefiere el término "instauración" a performance o instalación, que definiría de manera más satisfactoria algo que, a partir de aquel acto, comienza a existir.
True Rouge pertenece a este grupo de obras. En la instalación, actores desnudos interactuaban con los objetos colgantes: recipientes que contienen un líquido viscoso, rojo, que derraman sobre sí y los vidrio, remitiendo a los ciclos vitales. El trabajo surge del poema que le da título, escrito por Simon Lane, y que describe una ocupación del espacio por el rojo, valiéndose de juegos de palabras entre la lengua inglesa y la francesa. Los objetos que cuelgan del techo, unidos por estructuras interdependientes, aluden a un gran teatro de marionetas: una escultura de manipulación que, valiéndose de la gravedad, no llega a tocar el suelo.
Las cruces que sostienen los hilos del teatro de marionetas, remiten simbólicamente a la religión cristiana, y los objetos que cuelgan de los hilos fueron tomados de objetos comúnmente utilizados en la vida cotidiana (probetas de vidrio con líquido color rojo-sangre, redes, utensilios de cocina, artículos de limpieza). Parece un laboratorio de experimentación en el que los seres humanos somos los cobayos o un teatro en el que estamos siendo manipulados por una mano invisible: ¿el destino, la religión, Dios?. La instalación está tan cargada en tonos rojos que se asemeja a la puesta en escena de un filme de horror. Hay mucho de siniestro y ominoso en la obra.

Galería Miguel Río Branco

Resultado de un largo proceso de colaboración entre Inhotim y el artista, el Pabellón Miguel Rio Branco fue construido en los últimos dos años para albergar una presentación abarcativa de su producción. Las obras reunidas presentan la imagen fotográfica en diversos soportes, como fotos individuales, polípticos, paneles, filme, instalaciones audiovisuales y multimedia, ofreciendo un gran collage multifocal de la obra del artista, enmarcada por un jugado proyecto arquitectónico. Las obras incluyen imágenes producidas en los últimos 30 años, desde sus series iniciales, como Maciel (1979), realizada en el Pelourinho, Salvador de Bahía, hasta sus instalaciones más recientes, en las cuales su búsqueda se encuentra con el impulso espacial del arte contemporáneo.

Miguel Río Branco
Fotos serie Maciel, 1979.
Cibachrome, Fujichrome

En esta sala de la galería Miguel Río Branco están reunidas 34 imágenes de uno de sus más importantes y originales trabajos: las fotografías realizadas en el barrio de Maciel, en el Pelourinho, la favela más grande de Salvador de Bahía.
Miguel Rio Branco descubrió el Pelourinho en 1979, cuando se interesó en retratar los personajes de este lugar, la prostitución y las historias de violencia. Antiguo centro social de Salvador, la región atravesó un severo proceso de decadencia en los años 1970, llevando a la ocupación informal de sus edificios y a la degradación de las construcciones antiguas. En aquel año el artista hizo sucesivas visitas al lugar y estableció una relación con sus personajes que, para dejarse fotografiar, recibían a cambio sus retratos montados en monóculos: un código de permuta que se remonta a los orígenes de la fotografía.
En el Pelourinho, la mirada descriptiva del fotógrafo documental da lugar a una posición de envolvimiento con la escena registrada. El resultado central es el encuentro entre belleza y erotismo entre las ruinas. Color y luz son utilizados como elementos expresivos y excesivos -paredes del prostíbulo cubiertas con recortes de revistas, la luz invadiendo puertas y ventanas-, los elementos táctiles y motores de las escenas parecen saltar de la imagen plana -las superficies y líneas imperfectas de la casa, la piel humana marcada, una cicatriz que parece haber sido hecha en la propia fotografía. El cuerpo de los habitantes del Pelourinho es mostrado con crudeza e intimidad.

Diálogos con Amaú, 1983.
Proyección sobre tela de diapositivas digitalizadas.

La obra es una de las primeras incursiones del artista con la instalación audiovisual, presentada por primera vez en la XVII Bienal de São Paulo. Aquí, la idea de hacer un montaje cinematográfico a partir de las imágenes fijas es llevada al límite: cada uno de los carretes de los proyectores contiene 80 fotos que se repiten y se alternan velozmente en las pantallas de tela, creando una superposición entre ellas. El hilo conductor de las imágenes es una serie de retratos de un indio caiapó, el Amaú del título, que surge reincidentemente. Al fotografiarlo, Rio Branco captó su dulzura, pero también su melancolía; este joven sordomudo era una especie de paria en su aldea (Gorotiri, Sul do Pará). Las imágenes que se alternan con los retratos de Amaú son fotografías realizadas hasta 1983, que registran un Brasil profundo de basurales, prostitución y mataderos clandestinos. El foco narrativo se disloca de las expresiones faciales y gestos de Amaú para encontrarlo que serían sus fugas o sus delirios. El sonido de la instalación forma parte de un ritual registrado en audio por el artista en la misma aldea.

Tiburones de seda, 2006.
Impresión digital sobre tela.

Se trata de una instalación en la que las fotografías fueron impresas directamente sobre un tejido, que invita al espectador a recorrerlo no sólo con los ojos sino también con el cuerpo. El aspecto amenazador de las imágenes (a pesar de que los tiburones fueron fotografiados en acuarios abiertos al público) se contradice con la levedad y la suavidad del material, produciendo en el espectador una especie de sinestesia y contraponiendo una experiencia de placer a una de miedo. La superposición de las imágenes propone un juego cromático, de luz y de texturas, creando una ambivalencia entre figura y fondo.

Entre os olhos o deserto, 1997
proyección digital en looping, sonido estéreo.

Se trata de una instalación hecha con tres proyecciones en las cuales se suceden más de 400 imágenes. La variedad de tiempos y la combinación de imágenes crean un ritmo hipnótico, acentuado por las fusiones y las superposiciones. Realizada en 1996, en In-site, una bienal que se llevaba a cabo en la frontera entre México y los Estados Unidos, la obra trata sobre la aproximación de dos géneros clásicos de la fotografía: el retrato y el paisaje. De un lado, retratos de ojos, del otro, registros del desierto y de la frontera, escenas urbanas y de ruinas, todos lugares cargados de nostalgia. La banda sonora combina canciones populares americanas con la obra Gymnopédie n.1, de Erik Satie (1866-1925).
También forma parte de la instalación, una profusión de elementos de metal, la mayoría sobrantes de la construcción del pabellón, creando un collage de objetos que se superponen al collage de sonido e imágenes.

Dan Graham
Bisected Triangle, Interior Curve, 2002.
Vidrio espejado y acero inoxidable.

La producción artística de Dan Graham data del inicio de los años 1960, desde que viene desarrollando una consistente obra, que incluye la fotografía, la escultura, la performance, las instalaciones y los vídeos, pasando por el comic y el dibujo. Parte de la búsqueda del artista se sitúa en el campo de la arquitectura, destacándose el estudio de la vivienda popular norteamericana de la post Segunda Guerra Mundial. A partir de 1987, Graham comienza a producir pabellones que se colocan en la línea tenue entre la arquitectura y la escultura, discutiendo no sólo la cuestión de la vivienda y del urbanismo en las grandes ciudades, sino también el lugar del arte y su relación con el espectador.
Sus pabellones tienen como material constitutivo básico el vidrio, casi siempre espejado, reforzado con bordes metálicos. A partir de formas simples, generalmente curvas, los espejos provocan distorsiones en sus reflejos y superponen camadas de profundidad, causando confusión en la percepción del espacio alrededor, mezclando lo de dentro y lo de afuera. El hecho de estar los pabellones muchas veces instalados en el exterior de los edificios, hace que el trabajo de Graham reflexione sobre los vínculos entre la arquitectura y su espacio circundante, lo que se evidencia en Inhotim, donde el diálogo entre arquitectura, escultura y paisaje-jardín aparece con énfasis.

Yayoi Kusama.
Narcissus Garden Inhotim, 2009.
Acero inoxidable

Narcissus garden Inhotim (2009) es una nueva versión de la escultura-llave de Yayoi Kusama originalmente presentada, en 1966, para una participación extra-oficial de la artista en la 33ª Bienal de Venecia. En aquella ocasión, Kusama instaló clandestinamente, sobre un área verde en medio de los pabellones, 1.500 bolas espejadas que eran vendidas a los paseantes por US$ 2 cada una. La placa situada entre las esferas, que decía "su narcisismo a la venta", revelaba de forma irónica un mensaje crítico en torno al sistema de arte y su mercantilización. La intervención llevó al retiro de Kusama de la bienal, a la que sólo retornó oficialmente representando a Japón en 1993.
En la versión de Inhotim, 500 esferas de acero inoxidable fluctúan sobre el espejo de agua del Centro Educativo Burle Marx, creando formas que se diluyen y se condensan de acuerdo con el viento y otros factores externos y reflejando el paisaje del cielo, el agua y la vegetación, además del propio espectador, creando, en las palabras de la artista, "una alfombra cinética".
Yayoi Kusama es una de las artistas más importantes que emergieron en Asia en el periodo de posguerra y su producción establece relación con movimientos como el minimalismo, el arte pop y el feminismo. Su obra está marcada por el uso compulsivo de motivos repetitivos circulares, algo que remite a las alucinaciones que la artista vivencia desde la infancia y que transpone en sus pinturas, esculturas, instalaciones, filmes y tejidos utilizados para diseños de moda. Diferentes versiones de Narcissus garden fueron creadas para exposiciones en museos y espacios públicos en los últimos años y, en Inhotim, la obra hace su primera aparición en Brasil. Evocando el mito de Narciso, que se fascina por la propia imagen proyectada en la superficie del agua, la obra construye un enorme espejo, compuesto por centenas de pequeños espejos convexos que distorsionan, fragmentan y, sobre todo, multiplican la imagen de quien la contempla, contemplándose necesariamente a sí mismo.

Exposiciones temporales en Galería Mata

Edward Krasinski.
Sem Título, 2001-2003
espejos, cinta adhesiva azul.

Figura central de la vanguardia polaca, Edward Krasinski comenzó a trabajar en Varsovia en la década de 1960, tomando parte del colectivo formado por artistas y críticos de arte en torno de la galería Foksal. La proximidad con algunos de los protagonistas de esta escena artística, en particular con el pintor Henryk Stazewski (1894-1988), marcó de forma decisiva su producción y su interés por el abstraccionismo geométrico. Los dos compartían el estudio en un apartamento de un bloque habitacional socialista, lugar que se tornó escenario de experimentaciones artísticas, en una puesta en escena de pinturas, esculturas, fotografías y objetos encontrados, hoy abierto al público en una especie de monumento conmemorativo al espíritu experimentalista de los artistas.
Desde el inicio de su obra, Krasinski desarrolló estrategias conceptuales que buscaban reducir la escultura a una línea. En esta pesquisa, descubrió la cinta adhesiva azul que pasó a ligar varias superficies, siempre instalada a la altura de 130 cm, convirtiéndose en el sello de autor por el que se hizo conocido. En un gesto radical, en 1970 Krasinski pegó la cinta azul en las paredes del patio del Museo de Arte Moderno de Varsovia, transformando un ready-made monocromático de uso industrial en obra de arte.
Sem título (2001-2002) es una instalación que desdobla y profundiza este procedimiento, integrando el espectador al espacio a través del uso sutil y desorientador de un juego de espejos. La línea azul que une visualmente los espejos, recorriendo el espacio expositivo y, en última instancia, el cuerpo del espectador, construye un dibujo espacial y revela las obsesiones del artista.

Marcius Galan.
Seçao Diagonal, 2008.
Pintura, cera, madera y filtros de luz.

Marcius Galán propone una relación activa con el espectador, causando una reacción inicial de descubrimiento y de sorpresa, seguida de un momento que puede variar desde el encantamiento hasta la decepción. La obra está compuesta de elementos y materiales básicos, aquellos encontrados en la sala de exposición y utilizados en su construcción: paredes, techo y piso; pintura, luces y cera. Sin embargo, la obra propone un disloque de nuestra percepción al sugerir la presencia de un elemento que, finalmente, no existe en el espacio, un vidrio creado sólo en nuestra mente. Este efecto ilusorio ha sido logrado gracias a la inclusión de una línea diagonal que divide el espacio en dos, una zona blanca y otra verde claro. La obra se confunde con la sala de exposición, que la antecede y la alberga, causando así esa confusión en nuestra percepción.
En la obra de Marcius Galan, el ilusionismo tiene un papel importante, sea en la imitación de objetos industriales con esmero artesanal, sea al imponer relaciones físicas y espaciales extrañas a los materiales, de cierta manera forjando su transformación. En Seçao Diagonal (2008), este juego extrapola la representación y el objeto y, en última instancia, hace que el espectador reexamine su propia presencia en el espacio. Después de experimentar la obra por una vez, resta el frágil recuerdo de aquel momento inicial, cuya repetición es imposible, al menos en lo inmediato.

Babette Mangolte.

Ivonne with Tape
1972-2012
Richard Serra Film Portrait- 1977-2009
Rushes Revisited, 2013
Videos y diapositivas digitalizadas

Babette Mangolte es una artista visual, pensadora, cineasta y fotógrafa nacida en Francia y establecida en los Estados Unidos hace más de 40 años. Su obra está profundamente marcada por el principio de la colaboración, lo que la llevó a reunir un extenso archivo de filmes, vídeo y fotografías que documentan trabajos de danza, performance y teatro experimental de la escena neoyorquina (específicamente del llamado Downtown Scene), de artistas como Trisha Brown, Yvonne Rainer y Marina Abramovic.
La exposición en Galería Mata es la primera presentación de la artista en Brasil y reúne obras realizadas en las últimas cuatro décadas, en una verdadera inmersión dentro de su universo y pensamiento. Hay una serie de cuestiones en común en la obra de Mangolte, que constituyen una vivificación de la idea del archivo: la relación con el modelo, la dialéctica entre fotografiar y ver, la teatralidad en la composición y en el encuadre. 

Referencias:

Instituto Inhotim: Página Web Oficial: www.inhotim.org.br
Calabrese, Omar. La era neobarroca. Ediciones Cátedra, Madrid, 1999. 
Neoconcretismo

Adriana Schmorak Leijnse
Dan Graham, Bisected triangle interior curve (Foto Cinecritic) Dan Graham
Bisected triangle interior curve
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