LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (3) - Cinecritic

LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (TERCERA PARTE)

Por Adriana Schmorak Leijnse

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En esta tercera parte desarrollaremos el tema de la relación entre cine y pintura en orden cronológico-histórico, desde la Pintura Costumbrista en "Zama" de Lucrecia Martel hasta el art decó en las dos versiones de "El Gran Gatsby"

La América Mágica y la Pintura Costumbrista en Zama de Lucrecia Martel
Zama es una co-producción argentino-brasileña del año 2017. Escrita y dirigida por Lucrecia Martel, y protagonizada por Daniel Giménez Cacho, Lola Dueñas, Matheus Nachtergaele y Juan Minujín. El guión está basado en el libro homónimo del escritor mendocino Antonio Di Benedetto.
Asunción del Paraguay, siglo XVIII. Diego de Zama, un funcionario de la Corona española, espera una carta del Rey que lo traslade desde su puesto en Asunción hacia Buenos Aires. Algunos años transcurren y la carta nunca llega. Al advertir que en la espera ha perdido todo, Zama decide sumarse a una partida de soldados que salen hacia tierras lejanas en busca de un peligroso bandido.
Aunque el filme respeta el texto de Antonio Di Benedetto, en lo referente a los rasgos estéticos del Realismo Mágico, era necesario, para llevar a buen término la puesta en escena, estudiar pintura de la época que permitiera traducir el texto literario en imágenes, en escenarios, en vestuario, en maquillaje. La pintura costumbrista e histórica latinoamericana y las litografías de los artistas viajeros cumplieron este objetivo. No hay mención en la película sobre el papel de los jesuitas en el Paraguay, no hay cruces ni referencias a la religión católica (desconozco el motivo de está decisión de la directora Martel), por lo tanto hay que considerar los cuadros religiosos desde el punto de vista escenográfico y la tipografía de las figuras no religiosas.

Johann Moritz Rugendas: "El rapto. Rescate de una cautiva", 1848; "Familia de Cultivadores", 1835; "Aldea de Tapuyos", 1824; "Una calle de Lima", 1843; Juan Manuel Blanes: "La Paraguaya" (1879), "El baqueano" (1875), "Los tres chiripás" (1881), Raymond Monvoisin: "Matrimonio paraguayo" (1859), "Dama de Perú", 1845; "Retrato de Emilia Herrera Toro", 1843; La Captura de Caupolicán (1854); Cándido López: "Itapiru, Paraguay", 1866; "Batalla de Tuyutí", 1866; "Después de la Batalla de Curupaytí", 1866; Prilidiano Pueyrredón: "Un alto en la pulpería, 1860"; "Recorriendo la estancia", 1865, "Retrato de Manuelita Rosas", 1861. Jean-Baptiste Debret: Litografías: "Carga da Cavalaria Guaicuru", c.1834-1839, "Regresso a cidade de um dono de chácara" y "Liteira para viajar no interior", c.1834-1839. Victor Meirelles de Lima: "Batalha Naval do Riachuelo", 1882/83; "Aspecto da Guerra do Paraguai", (c.1868/1870); "Primeira Missa no Brasil", 1860

Impresionismo y post-impresionismo en Minelli y Scorsese
Un americano en París. Estados Unidos, 1951. Director: Vincente Minnelli. Reparto: Gene Kelly, Leslie Caron, Oscar Levant, Georges Guétary, Nina Foch, Ernie Flatt, Alex Romero, Dickie Humphreys
Sinopsis. Un pintor norteamericano, que vive en el París bohemio de la belle époque malvendiendo sus telas por las calles, conoce y se enamora de la empleada de una perfumería, una joven que, sin él saberlo, también es pretendida por un músico amigo suyo.

Vincente Minnelli (director) y Gene Kelly (bailarín en el rol protagónico), con la ayuda de la diseñadora de vestuario Irene Sharaff y el director de fotografía John Alton, se sirvieron del Impresionismo y el Post-Impresionismo para adentrar al espectador en el mundo bohemio del viejo París. A pesar de que la inmensa mayoría de la película fue rodada en estudio, se exhiben desde el comienzo los planos generales de la ciudad y sus detalles, los vecinos, el barrio, el mercado de flores, la vieja buhardilla de Montmartre.
El tratamiento del color es destacable, en Technicolor tricromático, en especial en el deslumbrante y apoteótico ballet final, donde la fotografía de John Alton consiguió captar con gran maestría la estética pictórica de los impresionistas, en un homenaje que el cine le ha hecho a la pintura francesa de finales del siglo XIX e inicios del XX, a la danza tap y clásica, y a la música de George Gershwin. Para los efectos especiales se utilizó la técnica del "matte painting" o pintura en máscara, una combinación de decorados reales y otros pintados sobre vidrio que, superpuestos, dan la ilusión de un ambiente único.
Con el apoyo de la música y el dinamismo de la coreografía, desfilan los lienzos de Vincent Van Gogh (el exterior del palacio de la ópera es proyectado con su célebre cielo estrellado de fondo), Pierre Auguste Renoir y Edouard Manet son visualmente citados en la escena del muelle con flores, las obras de Henri de Toulouse-Lautrec aparecen en los escenarios imaginarios del Moulin Rouge, Henri Rousseau es aludido pictóricamente en el parque zoológico, los hermanos Raoul y Jean Dufy en la Place de la Concorde, Maurice Utrillo en Montmartre, en un torbellino de formas, sonidos, luces, manchas de color y escenarios tan cambiantes como teatrales.
Para dar mayor precisión a las citas veamos los títulos de los cuadros a los que nos hemos referido más arriba:

Vincent van Gogh. The Starry Night, 1889, óleo sobre tela, MoMa, New York
Henri de Toulouse-Lautrec. Chocolat dansant dans un bar, 1896, peinture à l'essence, crayon bleu et crayon Conté. Musée Toulouse-Lautrec, Albi, France
Henri de Toulouse-Lautrec. Baile en el Moulin Rouge, 1890, óleo sobre tela, Philadelphia Museum of Art, Filadelfia, Estados Unidos
Henri Rousseau. The Sleeping Gypsy, 1897, óleo sobre tela, MoMa, New York
Raoul Dufy (1877-1953). La Fontaine de la Place de la Concorde, 1931, acuarela y gouache
Raoul Dufy (1877-1935). La Tour Eiffel. 1935, acuarela, colección privada
Jean Dufy (1888-1964). Place de la Concorde, (1950 y 1952), óleo sobre lienzo
Jean Dufy (1888-1964). La Seine au pont du Carrousel (1954-1950), óleo sobre lienzo
Maurice Utrillo. The Church of Saint-Séverin, 1913, óleo sobre lienzo. National Gallery of Art, Washington D.C.
Pierre Auguste Renoir. Picking Flowers, 1875-76, óleo sobre lienzo. National Gallery of Art, Washington DC.
Edouard Manet. Young Woman among the flowers, 1879, óleo sobre lienzo, colección privada

La edad de la inocencia (título original: The Age of Innocence) es una adaptación cinematográfica de 1993 de la novela homónima escrita por Edith Wharton en 1920. La película, dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, ganó un Oscar al Mejor Diseño de Vestuario.
Sinopsis: la película se desarrolla en la Nueva York de la década de 1870, en un ambiente aristocrático donde todos los personajes están relacionados por parentesco y normados por reglas sociales estrictas. Newland Archer (Daniel Day-Lewis) es un joven abogado descendiente de una ilustre dinastía, que está prometido con la aparentemente ingenua May Welland (Winona Ryder), una joven miembro de una de las familias más importantes y acaudaladas de los Estados Unidos, educada para aprender a controlar sus sentimientos y a realizar los ceremoniales que su entorno social espera de ella. Todo cambia cuando regresa a la ciudad la prima de ésta, la ahora condesa Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), quien acaba de abandonar Europa dejando a su infiel y abusivo esposo, para buscar refugio en su familia paterna, los Mingott. Las cualidades de la condesa Olenska atraen inmediatamente a Newland Archer, enamorándose perdidamente de ella, pero al mismo tiempo obligándolo a disimular sus sentimientos para no ser descubierto en su calidad de prometido.

Hay en la película referencias directas e indirectas a obras plásticas. En las referencias directas, reproducciones de obras conocidas aparecen en cuadro como parte de la escena para ayudar a reflexionar sobre la situación de los personajes. Scorsese presenta así un juego de imágenes en espejo que se referencian unas a otras. El fondo representacional "refleja" lo que sucede en el primer plano.
Newland Archer (Daniel Day-Lewis) camina por la espléndida mansión Beaufort de la Quinta Avenida, durante el Baile Anual de la Ópera, mientras admira la decoración de sus interiores. En el salón de baile principal, el narrador se refiere a Larry Laffers (Richard E. Grant) y a la hipocresía de los jóvenes. Detrás de Laffers hay un espejo en el qué él y su joven interlocutora se reflejan, y a la derecha una reproducción del cuadro "¡Silencio! (El Concierto)" del pintor realista francés, James Tissot. Ref: James Tissot, "Hush! (The Concert), 1875, óleo sobre lienzo, Manchester Art Gallery. Tissot representó en este cuadro un concurrido salón Kensington, en el que están prontos para dar un concierto una violinista y el pianista que la acompaña. Lo primero que llama la atención en el cuadro es que los músicos fueron relegados a un segundo plano, mientras que el público, en primer plano, da la espalda a lo que debería ser su centro de atención, mientras continúa irreverentemente conversando, distraído, entrando a la sala a destiempo o abanicándose con una expresión de indisimulable tedio en el rostro. Los concertistas, sin dudas, no ocupan el centro de la escena, la mirada se posa en ellos sólo por un segundo, para luego recorrer un semicírculo imaginario que se extiende desde la figura femenina con abanico en el primer plano (enfrentada de espalda, como en una imagen especular, con otra con los hombros descubiertos, descuidadamente sentada) hasta los invitados que quedaron rezagados en la escalinata. El público de este concierto no parece muy conocedor ni amante de la música, parece estar allí con fines puramente sociales.
Mientras Newland Archer se pasea por la misma mansión, aparecen en pantalla otras reproducciones de obras a saber: "The Duel after the Masquerade" (1859) de Jean-Léon Gérôme, cuyo original pertenece al Musée Condé en Chantilly. En el cuadro, un baile de máscaras termina trágicamente con un duelo a muerte en el que un joven disfrazado de Pierrot sucumbe en los brazos de un amigo, vestido como el Duque de Guisa. La escena transcurre en medio de un gélido invierno, el cuerpo herido de Pierrot yace sobre la blanca nieve. La obra hace referencia al mundo como un baile de máscaras o como un escenario teatral en el que cada uno de nosotros cumple un rol. Pero la muerte pone punto final a esta farsa.
Otras referencias pictóricas que se pueden hallar en los salones de fiesta de la película son "Too Early", 1873, "The Political Lady", 1885 y "Le Bal", 1879 de James Tissot.
Para las escenas al aire libre la película se inspiró en los maestros del color y la luz, los impresionistas y divisionistas. La escena de Ellen y Newland en el parque fue tomada casi literalmente de "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte" (1884) de George Seurat, aunque también hay reminisencias de otras obras como "Almuerzo a orillas del río" (1879) de Pierre Auguste Renoir, "Morning Walk" (1888) de John Singer Sargent y, por último, "Afternoon in the Park" (1887) y "Summertime" (1886) de William Merritt Chase.
En la escena del desencuentro de la pareja protagónica en el muelle, al atardecer, se pueden apreciar reminiscencias de "Femme à l'ombrelle tournée vers la gauche" (1886) de Claude Monet, "Impression, soleil levant" (1872) de Claude Monet, "Canotier à Argenteuil" (1873) de Pierre-Auguste Renoir, "A boating party" (1889) de John Singer Sargent, "Afternoon by the Sea" (1888) y "An Afternoon Stroll" (1895) de William Merritt Chase.

Tres homenajes fílmicos a Vincent Van Gogh
Lust for Life ("El loco del pelo rojo", en España, y "Sed de Vivir", en Hispanoamérica, es una película norteamericana de 1956, con guión de Norman Corwin, basado en la novela homónima de 1934 escrita por Irving Stone.
La película fue dirigida por Vincente Minnelli y contó con la actuación de Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Pamela Brown, Jill Bennett, Everett Sloane y Henry Daniell. La música es de Miklós Rózsa, la fotografía, de Russell Harlan y Freddie Young, y la dirección artística, de E. Preston Ames, Cedric Gibbons y Hans Peters. Anthony Quinn obtuvo un Premio Oscar en 1957 como actor secundario (en su rol de Paul Gauguin), Kirk Douglas fue galardonado con el Premio Globo de Oro 1957 por su actuación en el rol protagónico (como Vincent) así como el premio NYFCC (premio del círculo de críticos de cine de Nueva York), en 1956, por el mismo rol.
Clásico de los clásicos, y uno de los biopics más famosos de la historia del cine, "Lust for life" narra las tribulaciones de Vincent Van Gogh desde su predicación religiosa en las pobres regiones mineras de Bélgica, hasta su contacto con la vanguardia impresionista establecida en París, pasando por sus primeros contactos con la pintura en su país natal, Holanda, cuando retrataba a los campesinos realizando sus tareas cotidianas. El vínculo de dependencia que se estableció con su hermano Theo, quien lo ayudó durante toda su vida tanto como apoyo emocional como sustento financiero. Especial énfasis pone Minnelli y su guionista, Norman Corwin, en la relación de amistad conflictiva entre Vincent Van Gogh y Paul Gauguin.
Van Gogh se debate entre la realidad y el sueño, lucha por conseguir que sus sueños se vuelvan realidad, pero no lo consigue en vida. Minnelli se identifica con él en su pasado de artista plástico, pero sobre todo como el creador que pone alma y vida en su obra. Por primera vez Minnelli abandona la artificialidad de los estudios para desplazarse a rodar en exteriores, en la misma búsqueda por el color y la luz naturales que motivaron a los impresionistas y post-impresionistas a pintar al aire libre.
La voz en off extraída de la numerosa correspondencia entrecruzada entre Théo y Vincent Van Gogh, le otorga al film cierto aire documental, lo que no le impidió al director emplear todo tipo de trucajes, incluso dibujos animados, en una de las escenas finales donde el pintor holandés es atacado por cuervos mientras pinta en los campos de trigo, cerca de Arles.
Minnelli maneja el CinemaScope con una rara habilidad, y emplea suntuosos planos-secuencia en los momentos apropiados, para narrar la vida de Vincent van Gogh con gran delicadeza y con un alto contenido dramático, haciendo, al mismo tiempo, algunas consideraciones sobre el arte.
Las referencias a las artes plásticas en este filme son tan extensas que sería imposible enumerarlas todas en este artículo. Nos limitaremos, pues, solo a algunas de ellas:

Jean-François Millet. L'Angelus, 1857-1859, óleo sobre lienzo, Musée d'Orsay
Vincent Van Gogh. The potato eaters, 1885, óleo sobre lienzo. Van Gogh Museum, Amsterdam
Vincent Van Gogh. Autorretrato con sombrero de paja, óleo sobre lienzo, 1887. Detroit Institute of Arts, EUA
Vincent Van Gogh. Retrato del Dr. Gachet. 1890. Colección particular, Tokio
Vincent Van Gogh. La chambre de Van Gogh à Arles. 1888. Van Gogh Museum, Amsterdam
Vincent Van Gogh. Campo de trigo con cuervos, 1890, Van Gogh Museum, Amsterdam
Vincent Van Gogh. Vase with fifteen sunflowers, 1889. The National Gallery, Londres
Vincent Van Gogh. Pont de Langlois, 1888. Kröller-Müller-Museum, Otterlo
Vincent Van Gogh. Terrasse du café le soir, 1888. Kröller-Müller-Museum, Otterlo
Vincent Van Gogh. La Nuit étoilée, 1889, Moma, New York

Los Sueños de Akira Kurosawa (1990). Segmento "Cuervos".
Sueños, también conocida como Los Sueños de Akira Kurosawa, es una película producida en Japón y financiada en Estados Unidos en el año 1990. Se divide en ocho segmentos, correspondientes a ocho sueños genuinos del propio director japonés. Los ocho sueños se suceden en diferentes tramos de su vida, a juzgar por la evolución en edad de su principal protagonista.
El segmento "Cuervos" fue interpretado por Martin Scorsese en el papel Van Gogh, y trata sobre un estudiante de arte (Akira Terao) que descubre las pinturas del pintor neerlandés en un museo imaginario (no existe un museo en la vida real que albergue todas las obras de Van Gogh que aparecen en la película). Varias de las reproducciones, creadas especialmente para la ocasión, citan los siguientes originales -algunos de los cuales ya hemos enumerado en el ítem referido a "Lust for life": "Autorretrato" (1889), "La noche estrellada" (1889), "Girasoles" (1889), "El puente de Langlois" (1888), "Campo de trigo con cuervos" (1890), "La habitación de Van Gogh en Arles" (1888). Aparece también en pantalla una reproducción de "La silla de Van Gogh" (1888), cuyo original pertenece a la National Gallery de Londres.
Nuestro joven héroe, que representa al mismo Kurosawa en la ficción, vuelve sobre sus pasos y se queda observando unos segundos "El puente de Langlois". Es entonces cuando surge la magia del cine y el cuadro cobra vida. El joven entra, literalmente, dentro del cuadro, recorre los puentes, los trigales y los senderos bordeados de cipreses. En el momento en que los cuervos invaden los trigales, el preludio nº15 de Frédéric Chopin comienza a escucharse en la banda sonora. Luego de un breve encuentro, Van Gogh abandona la escena y nuestro héroe corre detrás hasta llegar al Boulevard Mirabeau de Saint Rémy, con sus robustos plátanos representados en el cuadro "Large Plane Trees" de 1889 (Cleveland Museum of Art).
Los efectos especiales se lograron gracias a la Industrial Light & Magic de George Luca. Para ello se empleó el Chroma key o "inserción croma", que consiste en rodar un personaje sobre un fondo verde, para que en posproducción se reemplace el área verde por otro fondo fijo o en movimiento (en el caso de "Cuervos", el personaje es el joven pintor, y los fondos, reproducciones de pinturas de Van Gogh). En la actualidad el proceso se lleva a cabo enteramente mediante programas informáticos.

Loving Vincent (2017) de Dorota Kobiela y Hugh Welchman
"Loving Vincent" es una película biográfica animada, co-producida en 2017 entre el Reino Unido y Polonia, sobre la vida de Vincent Van Gogh y las dudas que surgieron, durante los últimos años, sobre las circunstancias de su muerte. Fue escrita y dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, y contó con las actuaciones de Douglas Booth, Jerome Flynn, Saoirse Ronan, Helen McCrory y Eleanor Tomlinson. Cada una de las 65 000 tomas es una pintura al óleo que imita el estilo del artista neerlandés. creadas por un equipo de 115 pintores.
A diferencia de otros largometrajes animados, en los que la filmación se transforma en animación mediante un programa informático, en "Loving Vincent" el punto de partida fueron las obras de Van Gogh, después la pintura de las escenas a mano cuadro por cuadro y la grabación de las mismas, y por último la edición de todo eso. Trabajó en el proyecto un equipo de 115 pintores, un poco evocando la técnica de animación hecha a mano, durante la edad de oro de los estudios Disney.
La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, en 2017, y obtuvo el premio a Mejor Película Animada en la 30ª edición de los Premios del Cine Europeo en Berlín.
De nuevo encontramos aquí citas a cuadros famosos de Van Gogh tales como los ya mencionados: "La noche estrellada", "Campo de trigo con cuervos" y "Retrato del Dr. Gachet". También el autorretrato de 1889 que actualmente se exhibe en el Musée d'Orsay, el "Retrato de Père Tanguy" (1887) que forma parte de la colección del Musée Rodin, "Campo de trigo con Cipreses" (1889) del Metropolitan Museum, New York; "Girl in White", 1890, de la National Gallery of Art, Washington DC; "Banque de l'Oise à Auvers", 1890, Detroit Institute of Arts; "Retrato de Adeline Ravoux", 1890, colección privada; "Marguerite Gachet au piano", 1890, Kunstmuseum Basel; "Retrato de Joseph Roulin", 1889, Kröller Müller Museum, Otterlo y "Retrato de Armand Roulin", 1888, Museum Folkwang, Essen.

My fair lady: una dama "art nouveau"
"My Fair Lady" (en Latinoamérica, "Mi bella dama") es una película musical de 1964, dirigida por George Cukor e interpretada por Rex Harrison y Audrey Hepburn. Es una adaptación del musical teatral del mismo nombre de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe que, a su vez, se basa en la obra de teatro "Pigmalión" de George Bernard Shaw. También existe una versión cinematográfica británica de 1938.
Sinopsis: La acción comienza en Londres, en 1912. Una tarde lluviosa, en el Covent Garden, al salir de la ópera, un arrogante y misógino profesor de fonética llamado Henry Higgins (Rex Harrison), presume frente a su colega Hugh Pickering (Wilfrid Hyde-White), de ser capaz de enseñar a cualquier mujer a hablar con propiedad, hasta el punto de hacerla pasar por una duquesa en el baile anual de la embajada. La víctima propiciatoria se encuentra en la misma calle, una joven florista llamada Eliza Doolittle (Audrey Hepburn), con un fuerte acento de los bajos fondos londinenses.

My Fair Lady recibió ocho Premios Oscar en 1964: Mejor Película, Mejor Dirección (George Cukor), Mejor actor (Rex Harrison), Mejor Sonido (George R. Groves), Mejor fotografía (Harry Stradling), Mejor Adaptación Musical (André Previn), Mejor Dirección Artística (Gene Allen y George James Hopkins) y Mejor Diseño de Vestuario (Cecil Beaton). Lo que nos interesa aquí son estos dos últimos rubros, vestuario y escenografía, inspirados en el estilo Liberty (nombre que se le dio en la isla británica al Art Nouveau francés). El tiempo de la historia coincide con la Belle Époque y con la era eduardiana que, a diferencia del ascetismo y rigidez de la era victoriana, fue un periodo marcado por la moda de la Europa continental, la esperanza en el progreso tecnológico y el cosmopolitismo.
Entre 1890 y 1920, en toda Europa, las formas sinuosas, femeninas, arredondeadas, florales, inspiradas en la naturaleza, fueron sistemáticamente aplicadas al diseño de muebles, al vestuario, a los vitrales, a los objetos decorativos y a los carteles publicitarios. Y, por supuesto, las escenografías teatrales no escaparon a la moda, pasando más tarde al cine.
Es especialmente interesante el vestuario de Cecil Beaton en la secuencia del Jockey Club, donde los personajes aparecen vestidos de blanco y negro, aludiendo al cine clásico. Las mujeres empezaban progresivamente a independizarse del patriarcado victoriano y a luchar por el sufragio femenino, lo cual se tradujo en faldas a la altura del tobillo, que otorgaban a la mujer mayor libertad para caminar. El diseño de vestuario de Cecil Beaton, en "My fair lady" resulta llamativamente extravagante, especialmente sus sombreros de ala ancha con formas innovadoras, aderezos florales, ingentes moños y plumas, o bordes rematados con piel de animal.
La dirección artística de Gene Allen y George James Hopkins logró ensamblar y rediseñar drásticamente los cristales de Lalique, los papeles de pared de William Morris, los tapizados, cortinados y alfombras de diseños florales típicamente Art Nouveau, las bambalinas decoradas y los paneles con vitrales de la mansión del profesor Higgins, ubicada en Wimpole Street, Londres.
Otras referencias a pinturas, dibujos, orfebrería, mobiliario, arquitectura, diseño de interiores que pudieron haber colaborado en la estética de la película son:

William McGregor Paxton (EEUU, 1869 - 1941). Cherry, 1906, colección privada
George William Joy (Dublin, 1844 - Hampshire, 1925). The Bayswater Omnibus, 1895. Museum of London
Ernest Normand (1857 - 1923). Pygmalion and Galatea (1886). Atkinson Art Gallery and Library
Jean-Léon Gérôme. Pygmalion and Galatea, 1890. Metropolitan Museum of Art, New York
Victor Gabriel Gilbert (1847 -1933). Marché aux Fleurs, colección privada
Edmund Charles Tarbell (EEUU, 1862-1938) The Blue Veil, 1898, Young Museum San Francisco
Arthur Heygate Mackmurdo (1851 - 1942). Diseño floral para empapelado y textiles
Arthur Heygate Mackmurdo. Silla cuyo respaldo ha sido considerado precursor del diseño Art Nouveau y del Movimiento Arts & Crafts
Charles Rennie Mackintosh. The Wassail for the Ladies Luncheon Room. Miss Cranston's Ingram Street Tea Rooms, 1900. Glasgow Museums Collection
Walter Crane. Peacock garden corridor, 1898-1900. Museum of Applied Arts, Budapest.
Arthur Lasenby Liberty. Exterior e interior del Liberty & Co department store, Regent Street, West End, City of Westminster, Greater London
Charles Robert Ashbee. Bird Brooch, 1902
Charles Robert Ashbee. Suspension. 1902. Oro, perlas, amatista y feldespato
William Morris. Dibujo para papel pintado "Trellis", 1862. Movimiento Arts and Crafts. Imagen tomada del libro "William Morris by Himself: Designs and Writings". Gillian Naylor Editor. Time Warner Books, U.K. (2004)
John Henry Dearle. Papel pintado de "Alcaucil" para William Morris & Co., 1897. Victoria and Albert Museum

"El Gran Gatsby" y el Art Decó
"El Gran Gatsby" ("The Great Gatsby") es una adaptación fílmica de la novela homónima de Francis Scott Fitzgerald, publicada en 1925. La versión fílmica de 2013 es una producción norteamericana, dirigida por el australiano Baz Luhrmann, que cuenta con las actuaciones de Leonardo di Caprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Elizabeth Debicky e Isla fisher. Catherine Martin ganó dos premios Oscar 2014 al Mejor Diseño de Vestuario y al Mejor Diseño de Producción, por su trabajo en esta película.
Sinopsis: Nick Carraway (Tobey Maguire),-un graduado de la Universidad de Yale y un veterano de la Primera Guerra Mundial-, es un alcohólico depresivo que se encuentra en un sanatorio para tratar su alcoholismo. Él nos cuenta sobre un hombre llamado Gatsby describiéndolo como el hombre más optimista que jamás haya conocido. Su médico (Jack Thompson) le sugiere que escriba en un diario sus recuerdos, ya que a Nick la escritura le causaba un efecto catártico.
En el verano de 1922, Nick se muda desde el Medio Oeste de Estados Unidos a Nueva York, donde acepta un trabajo de vendedor de bonos. Renta una pequeña casa en Long Island en el ficticio pueblo de West Egg, siendo vecino de la increíble mansión de Jay Gatsby (Leonardo Di Caprio), un misterioso magnate de los negocios que daba extravagantes fiestas. Nick dirigió su auto hasta el otro lado de la bahía de East Egg para almorzar en la casa de su prima Daisy (Cary Mulligan) y su esposo, Tom Buchanan (Joel Edgerton). Ellos le presentan a Jordan Baker (Elizabeth Debicki), una joven y atractiva golfista a quien Daisy trata de hacer pareja con Nick.

El filme "El Gran Gatsby" refleja a la perfección la prosperidad y lujos de los años'20 en los Estados Unidos, algo que también se puede apreciar en la decoración y el vestuario. En aquellos felices años '20 reinó el jazz y el charlestón, el glamour y los excesos, incluso de alcohol, a pesar de la prohibición que existía. Hasta el crack bursátil de 1929, el país del norte vivió una época inusitada de prosperidad económica.
La decoración y del filme estn fuertemente marcada por las líneas geométricas del Art Decó, un estilo que surgió en 1920 en progresivo reemplazo de las líneas sinuosas del Art Nouveau, y cuya moda persistió hasta los años 1940. El Art Decó es un estilo ecléctico que surgió como mezcla de movimientos diversos tales como el Constructivismo Ruso, el Cubismo, el Futurismo Italiano, el Art Nouveau (antes mencionado) y la Bauhaus. Se pueden apreciar en los decorados grandes lámparas de araña, una esmerada decoración cargada de dorados con influencias cubistas y futuristas y una marcada tendencia por los trazos geométricos como el cubo, la esfera, la línea recta y los patrones en zigzag.
El descubrimiento de la tumba de Tutankamón en el Valle de los Reyes, en 1922, por parte del arqueólogo inglés Howard Carter, marcó asimismo una tendencia al exotismo en la decoración. En los motivos para alfombras, tapizados y cortinados comenzaron a verse reminiscencias egipcias, pero también hindúes, chinas, africanas y mesoamericanas.
Entre los materiales preferidos destacan metales como el aluminio y el acero, maderas como el ébano y el palisandro, y revestimientos en piedra como el mármol y el granito. El mobiliario muchas veces era cubierto con una pátina dorada o tapizado con piel de cebra o de tiburón. Otras veces se utilizaba la madera laqueada en diversas tonalidades, con preferencia por el blanco y el negro.
El art decó, además del lujo, se lo asoció con el culto a la máquina y la velocidad, los rascacielos, los transatlánticos y la radio eran considerados como las nuevas maravillas de la modernidad. En los afiches publicitarios de Adolphe Mouron (alias A.M. Cassandre) se puede apreciar muy bien este culto a la máquina moderna. La película muestra, igualmente, que los personajes se desplazan en autos de lujo o en lanchas a motor.
Las letras Art Decó del cartel publicitario de la película tienen sus antecesores más directos en las dos tipografías más utilizadas por la Escuela de la Bauhaus: la "Sans-serif" y la "Architype Bayer" (nombre procedente de su creador Herbert Bayer). Mas tarde, en 1925, Morris Fuller Benton, tipógrafo estadounidense, creó la letra "Broadway" y en 1928, la "Parisian". El diseñador gráfico y tipógrafo A. M. Cassandre (ya mencionado más arriba) inventó en 1929 la tipografía "Bifur", la cual fue utilizada en el afiche de "El Gran Gatsby". Originalmente, la letra era sólo en blanco y negro, a lo largo de los años se le fue añadiendo color y, para el afiche de "El Gran Gatsby", la letra adquirió el brillo y la textura del metal.
Además de los decorados y la tipografía, es de destacar el vestuario. La estética flapper es la que impera en los personajes femeninos. Un estilo de mujer que usaba falda corta, vestidos sueltos con plumas, flecos y transparencias, con mucho brillo y lentejuelas. Usaban mucho maquillaje y el cabello cortado en Bob Cut, recto hasta la altura de la mandíbula y con flequillo, o más radicalmente, a lo "Eton Crop", y complementaban el peinado con bandas, turbantes y tocados.
Otros accesorios muy utilizados en los años '20 eran los collares de perlas y las peinetas de carey con incrustaciones de brillantes. Estas mujeres bebían, fumaban, bailaban charleston, escuchaban jazz y conducían autos de lujo a altas velocidades. Fue en aquella época cuando apareció el Little Black Dress de Coco Chanel, Jacques Doucet inventó las medias color carne y colores pasteles, y Jean Patou desarrolló el concepto de "traje de fin de semana" para damas, ropa elegante y práctica que permitía libertad de movimiento.
Vamos a listar a continuación, edificios, pinturas, obra gráfica, vestuario y objetos decorativos emblemáticos del Art Decó que pudieron haber influido en la puesta en escena y el vestuario de Catherine Martin.

William van Alen. Edificio Chrysler: rascacielos art déco ubicado en New York. Año: 1930
Maurice Ascalon: "The Toiler of the Soil, the Laborer and the Scholar", alto-relieve en bronce que adornó la fachada del Pabellón de la Palestina Judía en la Feria Mundial de New York, 1939
Jean Dupas: "Historia de la Navegación", Panel Mural Decorativo, 1934, vidrio pintado, hoja de oro, plata y palladium, Metropolitan Museum of Art, New York
Erté (Romain de Tiroff): "Escultura de mujer recostada en un diván con una larga boquilla". Bronce con pátina aplicada a mano
Tamara de Lempicka: "Autorretrato en una Bugatti Verde", 1925, óleo sobre lienzo, colección privada
Tamara de Lempicka: "Kizette en rose", 1927, óleo sobre lienzo, Musée d'Arts de Nantes
Tamara de Lempicka: "Young Lady with Gloves", 1930, óleo sobre lienzo, Centre Georges Pompidou, Paris
Jean Dunand (1887-1942) "Gabinete de radio", 1930, madera laqueada, con patas de metal dorado
Jean Dunand: " Mesa de juego y cuatro sillones retráctiles ", 1929-1930, madera laqueada en negro. Colección del Château de Gourdon
Adolphe Mouron (A. M. Cassandre). "Nord Express", afiche publicitario, 1927
Adolphe Mouron (A. M. Cassandre). "Normandie", afiche publicitario, 1935

Existe una versión cinematográfica de "El Gran Gatsby" dirigida en 1974 por Jack Clayton, producida por David Merrick, guionada por Francis Ford Coppola y protagonizada por Robert Redford, Mia Farrow, Bruce Dern, Karen Black y Scott Wilson. Además del estrecho vínculo con el estilo art decó, este largometraje del '74 presenta una evidente impronta en su estética del pintor norteamericano Edward Hopper (1882- 1967). Listamos algunas de sus pinturas a continuación:

Gas, 1940, óleo s/tela, MoMa, New York
The Long Leg, 1935, The Huntington Library, San Marino, California
Railroad Sunset, 1929, Whitney Museum of American Art, New York
The Lighthouse at Two Lights, 1929, óleo s/tela, Metropolitan Museum of Art, New York
Room in New York, 1932. Sheldon Memorial Art Gallery and Sculpture Garden, University of Nebraska
Four Lane Road, 1956, óleo s/tela, Whitney Museum of American Art, New York
Saltillo Mansion. 1943, acuarela s/papel, Metropolitan Museum of Art, New York

Es importante mencionar, asimismo, que Edward Hopper dejó su marca pictórica en otras películas tales como "Psicosis" (1960) de Alfred Hitchock, cuya terrorífica casona, el Motel de Norman Bates, fue tomada prestada del óleo "House by the Railroad" (1925) del pintor norteamericano. Algo similar podemos decir de los paisajes desérticos, las estaciones de gas y los locales de comida rápida retratados por Hopper a lo largo de la mítica Ruta 66, que atraviesa los Estados Unidos de este a oeste, en relación a conocidas road movies como "Paris, Texas" (Wim Wenders, 1984) y "On the road" (Walter Salles, 2012).

Bibliografía:

Zama (película)
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El loco del pelo rojo en Wikipedia
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