Art Rio 10º edición (segunda parte)

Por Adriana Schmorak Leijnse

Primera parte

Tercera parte

A pesar de un año atípico, debido a la cuarentena por el Covid-19, ArtRio continuó con su innovadora programación. Además de regresar con los programas físicos “Panorama”, que reúne a las galerías ya instaladas en el circuito, y “Vista”, con galerías jóvenes y proyectos curatoriales experimentales, ArtRio contó con la modalidad on-line, con una intensa programación de eventos, como conferencias, mesas redondas, visitas guiadas y performances programadas para todos los días de la feria.
En el área externa de Marina da Glória, la feria Art Rio presentó por cuarto año consecutivo “Mira”, un programa de videoarte comisariado por Victor Gorgulho.
Este año 2020, el programa “Mira” invitó al público a explorar narrativas visuales, tanto de artistas consagrados como de nuevos nombres que utilizan el videoarte como plataforma. Bajo el título de “Pantallas, ventanas, horizontes”, la curaduría reunió vídeos y películas de artistas brasileños y extranjeros, cuyas producciones se desarrollan mayoritariamente en el campo audiovisual. Son narrativas contemporáneas - y contra-narrativas - que muestran las características de un presente turbulento y tejen caminos hacia futuros posibles.
Art Rio 2020 desarrolló, para su edición virtual, una plataforma que permite al coleccionador de arte experimentar la sensación de visita presencial de la feria y de las galerías participantes, incluyendo diversos detalles sobre las obras, artistas y contexto histórico. Fueron dispuestos, además, un chat para conversar directamente con los galeristas y canales para la comunicación por vídeo, con el fin de visualizar mejor los detalles de las obras y agilizar las negociaciones de compra-venta.

Selección de galerías y artistas de Art Rio 2020

Galeria Nara Roesler. São Paulo / Rio de Janeiro / New York
https://nararoesler.art/

Daniel Buren (Boulogne-Billancourt, 1938)
Prismas y Espejos nº22, 2018
Altorrelieve. Madera, pegamento, laca, espejo y vinilo adhesivo.
225 x 135 cm

Daniel Buren ha sido una figura central en el arte conceptual desde la década de 1960, cuando se desempeñó como miembro fundador del grupo BMPT. Desde entonces es ampliamente conocido por el uso de grandes franjas simétricas de colores contrastantes dispuestas en superficies o espacios arquitectónicos. En ese momento, Buren comenzó a producir intervenciones en lugares públicos. Comenzó a distribuir cientos de carteles a rayas en todo París y luego en más de 100 estaciones de metro, que rápidamente llamaron la atención del público. No tardó en centrar su atención en la influencia de la arquitectura -especialmente la de los museos- en el arte. El artista comenzó entonces a producir obras más tridimensionales y a concebir propuestas a partir de la modulación del espacio que éstas habitan.
Buren desafía las nociones convencionales de lugares donde se puede ver el arte y cómo se puede entender. Su práctica establece un entorno, no solo discursivo, sino físico, en el que el público puede recorrer el espacio y percibir la obra desde varios ángulos. Por ello, se encargó de introducir la noción de "in situ" en las artes visuales, concepto que caracteriza la práctica que conecta el trabajo con las especificidades físicas y culturales de los lugares donde se presenta. Sus intervenciones “in situ” juegan con puntos de vista, espacios, colores, luz, movimiento, entorno, corte o proyección, asumiendo su poder decorativo o transformando radicalmente los lugares, pero sobre todo interpelando a transeúntes y espectadores
A partir de la década de 1990, el artista instaló literalmente colores en el espacio mediante filtros y láminas de vidrio o plexiglás. De esta forma, la obra parece invadir nuestro espacio -una sensación que Buren intensifica mediante el uso de espejos- e invita al espectador a involucrarse con todo su cuerpo. “Prismas y Espejos” forma parte de este periodo.
Daniel Buren nació en 1938, en Boulogne-Billancourt, Francia, donde vive y trabaja. Su trabajo se distribuye ampliamente en exposiciones internacionales. Las exposiciones individuales recientes incluyen: Daniel Buren. De cualquier manera, obra 'in situ', en el Museo de Arte Italiano (2019), en Lima, Perú; Like Child’s Play, en Carriageworks (2018), en Sydney, Australia; Daniel Buren - Del medio al círculo completo: un atractivo de color, Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) (2017), en Bogotá, Colombia; Proyecciones / Retroproyecciones. Trabajo in situ, en el Centre Georges Pompidou Málaga (2017), en Málaga, España. Las exposiciones colectivas recientes incluyen: En Plein Air, High Line Art (2019), en Nueva York, Estados Unidos; Highlights for a Future, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK) (2019), Gante, Bélgica; Suspensión: una historia de la escultura colgante abstracta 1918-2018, en el Palais d'Iéna (2018), en París, Francia; Piedra en el cielo - Arte y Arquitectura de Paulo Mendes da Rocha, en el Museo Brasileño de Escultura y Ecología (MUBE) (2017), en São Paulo, Brasil. Sus obras forman parte de importantes colecciones institucionales, como: Georges Pompidou, París, Francia; Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Viena, Austria; Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York, Estados Unidos; Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio, Japón; Tate Modern, Londres, Reino Unido, entre otros.

Amélia Toledo, (São Paulo, 1926-2017)
Plano Volumen 2. 1959/2007
Chapas de acero inox espejado
100 x 30 cm
Edición de 7

Mina, de la serie “Minas de color”, 2007
Fuchsita verde y acero insoxidable
50 x ø 87.2 cm
Edición de 3 + 2 PA

Amélia Amorim Toledo (São Paulo, 1926 - ídem, 2017). Escultora, pintora, dibujante, diseñadora de joyas. Asistió al estudio de Anita Malfatti (1889-1964), en São Paulo, a fines de la década de 1930. Entre 1943 y 1947, estudió con Yoshiya Takaoka (1909-1978) y, en 1948, con Waldemar da Costa (1904-1982). Ese mismo año, trabajó con el diseño de proyectos en el despacho del arquitecto Vilanova Artigas (1915-1985). En 1958, asistió a la Escuela Central de Artes y Oficios del Consejo del Condado de Londres.
De regreso a Brasil, en 1960, estudió grabado en metal con João Luís Oliveira Chaves (1924), en Estúdio / Gravura. En 1964, obtuvo una maestría de la Universidad de Brasilia (UNB). Desde mediados de la década de 1960, ha sido profesora en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Mackenzie y en la Fundación Armando Álvares Penteado (Faap), en São Paulo, y en la Escuela de Diseño Industrial (Esdi), en Rio de Janeiro.
Durante esa misma década, Amélia Toledo comenzó a estudiar el espacio escultórico con raíz constructiva y realizó curvaturas en elementos geométricos regulares. También exploró las posibilidades que ofrece la superficie espejada de acero inoxidable. Percibió que, a través del juego de reflejos, se potencia la multiplicación de superficies y el espacio se despliega en un juego de resonancias, acercándose a la arquitectura.
Produjo, desde la década de 1970, una serie de trabajos basados en las formas de la naturaleza. Recogía materiales como conchas y piedras, sobre los que intervenía mínimamente. En “Situation Tending to Infinity” (1971), Toledo se basó en la geometría, empleando un cubo de formas cristalinas que se divide en ocho cubos más pequeños y así sucesivamente. El trabajo invita a la manipulación: se puede desmontar y volver a montar en varias configuraciones.
La artista también se dedicó a la pintura al óleo y a la acuarela, y al diseño de joyas. Creó obras para espacios públicos, como el proyecto cromático, 1996/1998, para la estación de metro Arcoverde en Rio de Janeiro. En 1999, la Galería do Sesi de São Paulo montó una exposición retrospectiva de su obra y en 2004, se publicó el libro “Amélia Toledo: As Naturezas do Artifico”, de Agnaldo Farias.
El carácter experimental, el uso de un amplio abanico de materiales -naturales e industriales- y el interés por recrear el paisaje han sido recurrentes en la obra de la artista.

Galleria Continua. San Gimignano, Beijing, Les Moulins, La Habana, Roma
https://www.galleriacontinua.com/

Michelangelo Pistoletto (Biella, Italia, 1933)
Color and Light, 2016
Yute, espejo, madera dorada.
Díptico: 180 x 120 cm cada espejo.

Michelangelo Pistoletto nació en Biella en 1933. Actualmente vive y trabaja en Turín. Es considerado uno de los principales representantes del Arte Povera. Comenzó a exponer su obra en 1955 y en 1960 realizó su primera exposición individual en la Galleria Galatea de Turín. Una investigación sobre el autorretrato caracterizó sus primeros trabajos.
En el bienio 1961-1962 realizó las primeras Pinturas Espejo, que incluyen directamente al espectador y el tiempo real en la obra, y abren la perspectiva, invirtiendo la perspectiva renacentista que había sido cerrada por las vanguardias del siglo XX. Estas obras rápidamente llevaron a Pistoletto a la fama internacional, lo que llevó, en los años sesenta, a exposiciones individuales en importantes galerías y museos de Europa y Estados Unidos.
El artista italiano utiliza materiales de todo tipo, muchos de ellos procedentes de la vida cotidiana, desde ropa, periódicos usados, madera o cartón. La utilización de espejos, sobre los que actúa, pinta imágenes o simplemente coloca de determinada forma, es uno de sus temas recurrentes, convirtiéndose en la base de su posterior producción artística y pensamiento teórico. “Color and Light” es un díptico que forma parte de una fase tardía de su producción de espejos.
En 1978, en una muestra en Turín, Pistoletto definió dos direcciones principales que tomaría su obra de arte futura: “División y multiplicación del espejo” y “El arte toma la religión”. A principios de los años 1980 realizó una serie de esculturas en poliuretano rígido, traducidas al mármol para su exposición individual, en 1984, en Forte di Belvedere en Florencia.
Durante los ‘90, con Project Art y con la creación, en Biella, de Cittadellarte - Fondazione Pistoletto y la Universidad de las Ideas, puso el arte en relación activa con diversos ámbitos de la sociedad, con el objetivo de inspirar y producir un cambio social responsable.
En 2003 ganó el León de Oro de la Bienal de Venecia a los logros de toda la vida. En 2004, la Universidad de Turín le otorgó un premio honoris causa en Ciencias Políticas. En esa ocasión el artista anunció la que se ha convertido en la fase más reciente de su obra, “El tercer paraíso”.
En 2010 escribió el ensayo “El tercer paraíso, publicado en italiano, inglés, francés y alemán”. En 2013, el Louvre de París acogió su exposición personal “Michelangelo Pistoletto, année un - le paradis sur terre” (Michelangelo Pistoletto, año uno, el paraíso sobre la tierra”. En este mismo año recibió el Praemium Imperiale de pintura, en Tokio.

Galería Aura, São Paulo, Brasil
https://www.sp-arte.com/galerias/galeria-aura/

Paula Scamparini (Araras, São Paulo, 1980. Vive y trabaja en Rio de Janeiro)
King’s Pool II, 2014
Serie: Verboten
150 x 100 cm
Impresión en pigmento mineral sobre papel Hahnemühle Photo Rag Metallic 340 gsm
Tiraje: 5 + PA

To Frederico, 2014
Serie: Verboten
150 x 100 cm
Impresión en pigmento mineral sobre papel Hahnemühle Photo Rag Metallic 340 gsm
Tiraje: 5 + PA

Paula Scamparini investiga el universo de la imagen a partir de exploraciones con el lenguaje fotográfico, escultórico, instalativo y performático. Su trabajo fotográfico sitúa figuras repetidas rítmicamente en espacios artificiales.
La Serie Verboten se compone de 16 foto-instalaciones que fueron inicialmente exhibidas en la Galería Gedok de Munich y en la Kunstlerhaus de Viena. En la Rathaus Galerie de Munich y en la GPL Contemporary de Viena.
La serie de performances realizada en Munich, expone el embate del cuerpo con la monumentalidad del espacio, sugiriendo silencio y prohibición (Verboten significa “prohibido” en alemán). Donde el rostro permanece cubierto, no existe posibilidad de comunicación verbal.
Con el fin de representar espacios monumentales y rígidos, en una estética que sugiere pequeñez del cuerpo individual, Scamparini repite secuencialmente un mismo cuerpo en diferentes posiciones (de frente, de lado y de espalda) aludiendo a un orden mecánico y supra humano, tal vez a la frialdad del orden alemán. Sus figuras femeninas sin rostro recuerdan en algo a robots que se adaptan perfectamente a las formas arquitectónicas y aluden, al mismo tiempo, al automatismo de multitudes dirigidas.
El cuerpo femenino, históricamente marginalizado, en las fotos de Scamparini se vuelve anónimo e inexpresivo, como respondiendo a un comando anónimo que no se nos muestra. Estos cuerpos desnudos ocupan los más notables y tradicionales teatros, cines, saunas y plazas públicas de Munich.

Imagens do Brasil
http://www.imagensdobrasil.art.br/

Renato Soares
Fotografías
Indios Yawalapiti.
Retrato de niños Yawalapiti.
Gaúcha do Norte, Mato Grosso, 2013

Renato Soares es un fotógrafo y documentalista paulistano, especializado en el registro en profundidad de los pueblos indígenas, así como del arte, la cultura y la biodiversidad del país. Colabora con revistas de gran expresión editorial, como National Geographic y Scientific American.
Desde 1986 realiza viajes sistemáticos por todo el territorio nacional para retratar las diferentes formas de expresión cultural de las diversas etnias brasileñas. La identificación con el universo indígena lo ha llevado a largos períodos de inmersión en aldeas y reservas, y lo estimuló a desarrollar el proyecto “Ameríndios do Brasil”, una ambiciosa documentación fotográfica de las casi 300 naciones indígenas del país. Se trata de rescatar, a través de la imagen, estos personajes ancestrales que están arraigados en tierra brasileña.
“Ameríndios do Brasil” tiene como objetivo crear y construir una gran colección etnográfica, nunca fotografiada en su totalidad en el país. Un documento precioso de inclusión de los pueblos originarios de Brasil. La colección tendrá varios usos y estará dirigida a la educación de diversas formas: libros didácticos y educativos, libros de arte, editoriales, charlas y conferencias interactivas, acciones institucionales, exposiciones fotográficas, producciones audiovisuales, tecnologías virtuales y otros medios.

Zipper Galeria, São Paulo
https://www.zippergaleria.com.br/

João Castilho (Belo Horizonte, MG, 1978)
Borde Infinito, 2020
Pigmento Mineral sobre papel de algodón
105 x 105 cm
Edición: 3
João Castilho trabaja con fotografía, video, escultura e instalación. Sus obras se inspiran en la literatura, el arte, la cultura popular, la actualidad y su propia historia, oscilando entre la memoria personal y colectiva. João explora temas existenciales y políticos de la vida y la muerte, del bien y del mal, de la inocencia y la culpa, del impulso y el miedo.
En “Borde Infinito” Castillho opera una deconstrucción de pinturas pertenecientes a diferentes periodos artísticos, desde el Renacimiento hasta el postimpresionismo. La yuxtaposición de cuadros cada vez más pequeños y la similitud de los tonos dan una sensación visual de repetición al infinito. El artista también juega con los bordes entre marco y pintura, volviendo complejo el reconocimiento de los límites, y revalorizando el primero por encima de la segunda -la cual se vuelve irreconocible de tan escindida-.
El cuadro completo resignifica las partes, al colocarlas en orden nuevo y diferente al anterior. El espacio tridimensional también se quiebra, así como la perspectiva renacentista, y en su lugar aparece un espacio-tiempo múltiple, iterativo y perpetuo. Cada cuadro es un universo, y todos los universos de “Borde Infinito” convergen en un mismo punto del espacio y del tiempo. Un punto cero imposible de definir.
El artista minero realizó exposiciones individuales en el Pampulha Art Museum (MG), en la Fundación Joaquim Nabuco (PE), en el Palácio das Artes (BH), en la Galería Zipper (SP), en la 1500 Gallery (NY), en la Galería Celma Albuquerque ( BH).
Participa regularmente en colectivos en Brasil y en el extranjero como "Perros sin plumas" (MAMAM, 2014; Galería Nara Roesler, 2013), Bienal Internacional de Curitiba (Museu Oscar Niemeyer, 2013), 1ª Bienal Fotográfica Masp (Museo de Arte de São Paulo, 2013), “Elóge du Vertige” (Maison “Européenne de la Photographie”, París, 2012), “Mythologies” (Galería Shiseido, Tokio, 2012), “Encubrimientos”, Photoespaña, Madrid (2010), entre otros.

Dan Galeria – São Paulo
https://www.dangaleria.com.br/

Franz Weissmann (Knittelfeld, Austria, 1911 – Rio de Janeiro, Brasil, 2005)
“Mondriana”, 1994-2020
Aluminio pintado.
150 x 160 x 149 cm

Franz Josef Weissmann fue un escultor, dibujante, pintor y docente, nacido en Austria, que emigró a Brasil con once años de edad. A lo largo de su vida fue transformándose en una de las principales referencias brasileñas en escultura, particularmente en aquellas pensadas para ser emplazadas en espacios públicos.
Mediante la aplicación de técnicas del figurativismo y el constructivismo, su obra se caracteriza, hasta sus últimas etapas, por los contornos de espacios huecos y el realce de las formas geométricas.
En 1921 se instaló, junto a su familia, en el interior de São Paulo. En 1927 se trasladó a la ciudad de São Paulo y en 1929, a Río de Janeiro. Ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes (Enba) en 1939. Durante dos años, realizó cursos de arquitectura, pintura, dibujo y escultura, pero no se adaptó a la formación académica y abandonó Enba en 1941. De 1942 a 1944 estudió dibujo, escultura, modelado y fundición en el taller del escultor polaco August Zamoyski (1893-1970), con quien aprendió las técnicas tradicionales.
Entre finales de 1944 y principios de 1945, Weissmann se trasladó a Belo Horizonte. En la capital de Minas Gerais, impartió clases particulares de dibujo y escultura y continuó con obras que seguían la línea figurativa, pero que tendían a aumentar la simplificación.
En la búsqueda de la esencia de la figura, realizó esculturas cada vez más geometrizantes, en las que el espacio hueco ya aparecía como elemento definitorio. A lo largo de su carrera, el “vacío activo”, como el artista definía dichos espacios, se convirtió en una obsesión. Es del juego entre el plano y sus articulaciones con el elemento hueco que nace la tridimensionalidad abierta al mundo de las esculturas de Weissmann.
A partir de la década de 1950, el escultor pasó a integrar el Grupo Frente, importante referencia del constructivismo brasileño, formado por artistas como Ivan Serpa, Lygia Clark, Décio Vieira y Aluísio Carvão. Realizó experiencias con hilos de acero, en su serie de “esculturas lineares” y formas modulares, utilizando procedimientos que eliminan cualquier tipo de base para las esculturas.
Continuó abandonando progresivamente el estilo figurativo y poco a poco fue elaborando una obra cada vez más constructivista, con una apreciación de las formas geométricas sometidas a recortes y pliegues, mediante el uso de planchas de hierro, alambres de acero, aluminio en mimbre o en hoja. Las experiencias constructivistas, decisivas para el desarrollo y consolidación de esta estética en Brasil, culminaron con su obra “Cubo Vazado” (1951), uno de los hitos iniciales del estilo.
En 1954, Weissmann ganó varios concursos de diseño de esculturas en espacios públicos. De estos, solo el Monumento a la Libertad de Expresión de Pensamiento se construyó en Quinta da Boa Vista, en Río de Janeiro. La obra, sin embargo, fue destruida en 1962, debido a las "reformas urbanísticas" del lugar.

Bibliografía
Art Rio Web Site: https://artrio.com/
Art SY. The Art World On- line: https://www.artsy.net/
Enciclopédia Itaú Cultural: https://enciclopedia.itaucultural.org.br/
Visual Art Encyclopedia: https://www.wikiart.org/
Daniel Buren em Wikipedia.org: https://es.wikipedia.org/wiki/Daniel_Buren
Amélia Toledo. Web Site: https://ameliatoledo.com/
Michelangelo Pistoletto em Wikipedia: https://fr.wikipedia.org/wiki/Michelangelo_Pistoletto
Paula Scamparini. web site: https://paulascamparini.com/
Renato Soares. Imagens do Brasil. Web site: http://www.imagensdobrasil.art.br/
João Castilho. Web Site: http://www.joaocastilho.net/v2/en/home
Franz Weissmann en Escritório de Arte: https://www.escritoriodearte.com/artista/franz-weissmann

Amelia Toledo, Plano Volume 2, Chapa de acero inox espejada (Galeria Nara Roesler foto)

Frederico Paula Scamparini (foto Galeria Aura)

Amerindios do Brasil, Renato Soares, Imagens do Brasil, 2018 (Foto Renato Soares)

Joao Castilho, Borde infinito, 2020, Pigmento mineral sobre papel de algodon (Foto Cinecritic)