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Entrevistas

Julio - Agosto 2019

Entrevistas de Cinecritic.biz

Como parte fundamental de la actualidad cinematográfica, ofrecemos a nuestros lectores entrevistas realizadas a los directores, productores y actores de las películas que Cinecritic.biz visiona y analiza en cada uno de sus números.

Os rogamos nos hagáis saber vuestra opinión sobre los artículos llenando el formulario de valoración de los usuarios y especialmente si tenéis observaciones, opiniones sobre las películas o alguna pregunta que queráis compartir con nosotros, no dudéis en contactarnos a nuestra dirección e-mail Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

El equipo de Cinecritic.biz

Entrevista a Ognjen Glavonic, director de "La Carga"

"La carga", primer largometraje del director Ognjen Glavoni?, es una historia de Yugoslavia narrada desde el interior de un camión, y el pesado y oscuro cargamento que su conductor lleva a sus espaldas.
Vlada trabaja como conductor de un camión durante el bombardeo de Serbia por parte de las fuerzas de la OTAN en 1999. Su último encargo consiste en transportar una misteriosa carga...

Entrevista a Michel Ocelot

A raíz del estreno de " Dilili en París " en las salas de cine españolas, el 31 de mayo, presentamos una sinopsis de este film, merecedor del Premio César 2019 a Mejor Largometraje Animado, y una entrevista a su director, Michel Ocelot, creador de las recordadas "Kirikou" y "Azur y Asmar".

Fanny Ardant: “Lo que de verdad define a un personaje es su carácter, no su sexo”

Fanny Ardant-Cortesía del Insitut Français de Madrid

Fanny Ardant: "Lo que de verdad define a un personaje es su carácter, no su sexo"

Fanny Ardant es una de las grandes damas del cine francés. Elegante, "chic", bella, encarna a la perfección el prototipo de gran actriz con carisma. La que fue musa y esposa del gran director François Truffaut, con el que trabajó en films como "La mujer de al lado", junto a Gérard Depardieu o en "Vivement dimanche!", ha sabido, después, labrarse una carrera de calidad y de largo recorrido, con títulos como "8 mujeres" de François Ozon o "Ridicule" de Patrice Leconte. Ahora, a sus 69 años, que nadie diría, se mete en el papel de un transexual en "Lola Pater" de Nadir Moknéche, una hermosa y tierna película sobre el reencuentro de un padre y su hijo. Con motivo del inminente estreno del film en España, Fanny Ardant nos ha hablado en el Instituto Francés de Madrid, sobre su trabajo y sobre la película.

Fanny Ardant-Cortesía del Institut Français de Madrid

Héctor Herce: “La emoción es lo más importante en el cine”

Héctor Herce: "La emoción es lo más importante en el cine"

Cinéfilo, moderno y con los "pies en la tierra", Héctor Herce es un joven director, lleno de ímpetu e ilusión,que ya ha firmado dos cortos brillantes, "Las flores de plástico no se marchitan" y "No odies al jugador",éste último, seleccionado para el Festival de cine de Tel-Aviv 2018. Guionista y director, Herce compagina su labor de dirección de cortos con la realización de videoclips y de fashion films, algunos de ellos premiados, buscando siempre un sello o un lenguaje particular y original. En esta entrevista a cinecritic.biz, el joven director madrileño nos revela su forma de ver el cine, sus pasiones y sus inquietudes.

Elena del Pozo: "Mi aspiración es que mi cine pueda llegar a los demás"

Elena del Pozo

Elena del Pozo es una joven cineasta española que acaba de firmar su segundo cortometraje, Sé feliz como guionista y codirectora junto a Josemanuel Escribano. Una historia de maltrato entre dos mujeres, en la que la realizadora ha volcado sus sentimientos y su ilusión. El corto, escrito de forma muy realista, como suele hacer Elena del Pozo en sus obras, demuestra un talento muy prometedor tanto en el enfoque narrativo como en el aspecto visual. La guionista, actriz y directora nos ha concedido una entrevista en Madrid, en la que habla de sus vivencias, no siempre fáciles, de sus esperanzas, sus pasiones y de las dificultades de hacer cine para los jóvenes que empiezan en la profesión.

Elena del Pozo

Entrevista a Blandine Lenoir y Agnès Jaoui, realizadora y actriz de "Aurora" ("50 primaveras")

Agnes Jaoui

"Aurora" (" 50 primaveras ") es una comedia muy bella de Blandine Lenoir, interpretada por Agnès Jaoui, una de las actrices, realizadoras y guionistas más interesantes de Francia. Para Blandine Lenoir, es el segundo largometraje, después de "Zazou". Agnès Jaoui, conocida por " On connaît la chanson ", " Smoking / no smoking " o por su película como realizadora," Le goût des autres ", crea, aquí, a un personaje inolvidable, lleno de ternura y de humanidad. Se trata de Aurora, una mujer que alcanzó los cincuenta años y que debe enfrentarse con una crisis vital y luchar contra la soledad, los cambios físicos debidos a la menopausia y una cierta negativa de una parte de la sociedad. Sin embargo, tendrá el coraje de renacer y de encontrar un nuevo sentido en su vida. Con un mensaje de optimismo y de alegría, Blandine Lenoir estampa su firma en una película sensible y femenina donde invita a todas las mujeres a reafirmarse frente a los azares de la edad. Entrevistamos, en el Instituto Francés de Madrid, a ambos cineastas.

Blandine Lenoir

Thomás Kruithof: "La película habla de pactos entre la política y los servicios secretos pero es sobre todo una película de un personaje que aprende a pelear"

El primer filme del realizador francés Thomas Kruithof es un thriller político titulado " La mécanique de l'ombre" ("Testigo"). Una ópera prima acertada y eficaz que nos devela, con tensión y suspenso, el mundo escondido y complejo del espionaje político, a través de Duval, un hombre solitario y anodino que es contratado por los servicios secretos y que aprenderá a sobrevivir en esta red de espionaje. Thomas Kruithof vino a Madrid para presentar su película. En la sede del Instituto Francés de Madrid, el realizador nos habló de su primer largometraje.

Julien Rappeneau: Rosalie Blum es una película que hace bien

Julien Rappeneau, hijo del célebre realizador Jean-Paul Rappeneau (Cyrano de Bergérac) acaba de presentar en España su primera película como director. Se trata de Rosalie Blum, una historia hermosa y original, entre comedia y drama, que cuenta la historia de Vincent Machot, un joven peluquero que reside en un pequeño pueblo de la provincia francesa, que descubre, un día, por casualidad, a una mujer extraña, Rosalie Blum, a la que decide seguir por todas partes. La primera película de Julien Rappeneau es muy prometedora. Nos habló de eso en Madrid.

Ivan Calbérac: L´étudiante et M. Henri es una comedia profunda, conmovedora y universal

El realizador francés Ivan Calbérac (Irène) presentó en el Instituto Francés de Madrid su nueva película, L´étudiante et M. Henri (El Sr. Henri comparte piso). Se trata de una comedia dramática, conmovedora y emotiva, que ahonda en los sentimientos humanos más profundos, con humor e inteligencia. M. Henri, encarnado por el excelente actor francés Claude Brasseur alquila un cuarto de su casa a Constance, una joven que se muda a París para estudiar. La relación entre ellos, al principio conflictiva, se volverá diferente en el curso de los acontecimientos. Ivan Calbérac nos habló de su película.

Entrevista a Eric Lavaine La risa o la comedia es mi modo de comunicar.

Eric Lavaine vino a Madrid para presentar su última película, Vuelta a casa de mi madre, brillante e hilarante comedia, interpretada por Josiane Balasko. Pero si el nombre de Eric Lavaine no le dice gran cosa, es, sin embargo, el responsable de algunas de las comedias más populares que encartelaron recientemente a Francia, como Bienvenidos a bordo (acaba de rodar la segunda parte) o Barbecue...

Entrevista con Fernando Trueba

Cinecritic.biz entrevistó a Fernando Trueba en el marco del Festival de Rio 2012, que se desarrolló entre el 27 de septiembre y el 11 de octubre de 2012. El director español estuvo de visita en Rio de Janeiro para presentar su último largometraje, El artista y la modelo, y esto fue lo que nos contó.

¿La película está basada en hechos reales o es completamente ficcional?

La película es completamente ficcional, pero sí me he inspirado en algunos artistas, desde Maillol hasta Picasso y Matisse, quiero decir, siempre tienes un tren de cosas que conoces, que has leído, pero no es la biografía de nadie. Es un personaje de ficción al cual le hacemos hacer o decir lo que nosotros queremos, lo que nosotros pensamos que ese personaje debe hacer y decir. Pero qué duda cabe que hubo personajes que han tenido unos más influencia que otros. Incluso se nombra a Matisse y hay un agradecimiento a David Hockney. Se cita a Maillol en la medida en que usamos una de sus esculturas, La Mediterranée, como la obra final que el escultor hace. El guión es original escrito con Jean Claude Carrière, una historia que hace años me apetecía contar, se lo comenté a Jean Claude Carriére, a él le gustó mucho y nos pusimos a escribir.

¿Qué fue lo que le atrajo más de la historia para llevarla a la pantalla?

Yo creo que una mezcla de elementos, por un lado ya el enunciado mismo, El artista y la modelo, que yo siempre digo, fue el primer cuadro de Picasso que vi de niño, con trece años. Fue la primera vez que vi un Picasso no en fotografía, sino que lo vi delante y eso para mí fue una gran emoción, porque Picasso era para mí una especie de dios que yo tenía idealizado en unos niveles tan grandes cuando era niño. Y entonces El artista y la modelo, como enunciado, que ha sido un tema no sólo de Picasso sino también de otros artistas, es mirar hacia la intimidad del artista con su modelo en un lugar casi sagrado que es el estudio, donde él se encierra y trabaja, la sensación de que ahí ocurre algo, que se celebra un misterio y querer contar o interpretar una historia de ese misterio. A la vez utilizar eso para contar un artista que ha limitado su universo a algo tan concreto y a la vez tan abstracto como es la mujer y el cuerpo de la mujer, y que prácticamente ese es su único tema, su único paisaje, su única cosa, eso me atraía, y que eso fuera en un hombre viejo, un hombre que ha dedicado a eso su vida, esa especie de búsqueda del Santo Grial del arte que es esa belleza encarnada en la mujer. Todas esas cosas se cruzan unas con otras, también. La cercanía de la muerte, el cruce entre una persona joven y otra persona vieja, esa especie de fundido encadenado entre una vida que acaba y otra que empieza, un poco la película es eso, ese fundido encadenado. Una película nunca es una cosa, es una amalgama de sensaciones, todas juntas te piden que cuentes esa historia.

Si bien en gran parte la historia transcurre en un estudio, hay mucho de la Naturaleza también…

Sí, todo el entorno del estudio. Es una película donde el arte y la Naturaleza, el arte y la vida van juntos, no son elementos separados.

En muchas de sus películas hay un fondo histórico-político, y sobre ese fondo siempre hay un personaje sobreviviente. Es el caso de El artista y la modelo, y de El baile de la victoria, por ejemplo

A mí siempre me gusta tener un telón de fondo histórico interesante y contar la peripecia o la historia de unos personajes, centrándome en ellos, no en la historia. Uno busca poner a sus personajes en un momento interesante, un momento en el que se están dirimiendo cosas o cuestiones tales. Por ejemplo en El artista y la modelo, en el fondo se está contando la depresión de un hombre que vivió una guerra y lo más increíble es que está viviendo otra, es demasiado para una vida humana, asistir a dos carnicerías tan irracionales y tan delirantes, eso ha acabado con toda su fe en el ser humano, e incluso en el hecho artístico, en el trabajo, ha acabado con su capacidad de comprensión, entonces cómo la vida de repente irrumpe por la ventana en la figura de esta niña que se cruza ahí. Eso a lo mejor tiene que ver también con El baile de la victoria, donde también hay unos personajes hechos polvo que de repente se reenganchan con la vida. Yo soy un pesimista que intenta encontrar siempre algo a lo que aferrarse y algo que haga que la vida merezca la pena, creo que el arte es eso, esa es una de sus funciones. Y esto de buscar siempre un contexto histórico viene de lejos, esto lo hacía Shakespeare antes que nadie, nunca hacía nada que ocurriera en su Inglaterra del teatro isabelino, siempre se buscaba algo en la Roma antigua, en la Escocia anterior, donde fuera, un contexto histórico y dentro de eso él contaba lo que le interesaba, una gran historia de amor, de ambición, de poder, de traición. Siempre buscaba un momento interesante donde contar esa historia.

Otra cosa que llama la atención son sus finales trágicos

Yo no considero un final trágico al de El Artista y la Modelo, lo considero un final vitalista, de alguna forma en esta película yo quería hablar de la muerte como parte de la vida, y de la muerte también como una opción personal, no necesariamente algo hiperdramático. Yo creo que este personaje ha vuelto a tocar la vida y la plenitud, y hasta sentir el deseo y vivir cosas que pensaba perdidas ya para él, páginas de su libro que él consideraba vueltas, y entonces creo que de alguna manera su muerte es un acto de vitalismo y amor a la vida también. A la vida se la puede amar de muchas formas, se la puede amar viviendo hasta el último instante, apurándola como una botella que te bebes hasta el tapón, o también a veces uno puede amar la vida decidiendo ponerle un final. Cuando uno escribe una novela, y cada uno es responsable de la novela de su vida, uno tiene que saber dónde acabarla, y es lo que hace este personaje. Para mí no es un final triste, nunca quise que fuese un final triste, es un final que lo reivindica como ser humano, como un ser libre, independiente, que toma sus decisiones y las toma con serenidad, no con desesperación. Hay más desesperación al principio de la película, cuando vive, que al final, cuando muere. Eso para mí era muy interesante en esta historia.

¿Por qué eligió filmar en blanco y negro?

Siempre estuvo ahí eso, desde antes de escribir ya era en blanco y negro, antes de que pusiera en una página "El artista y la Modelo, exterior día", ya era en blanco y negro. Yo creo que fue por esa fascinación mía por los estudios de los artistas, por ese escenario para mí casi mágico. Venía de todas las fotografías de estudios de artistas hechas por fotógrafos como Brassaï y Cartier-Bresson, todos aquellos fotógrafos que eran amigos de Picasso, Giacometti, Matisse, y que convivieron con ellos y los retrataron, y que, al igual que yo, tenían esa fascinación por el estudio del artista como uno de los paisajes más maravillosos que hay. Entonces mi cabeza estaba llena de todas esas imágenes en blanco y negro.

¿Esta elección pudo tener que ver también con los directores de cine clásico?

Tiene que ver con los franceses, con Renoir, con Bresson, con Truffaut, con directores que para mí están muy presentes, pero también con John Ford o con Ozu. Toda la gente que te gusta te alimenta y te hace quien eres. Cuando oigo hablar de la identidad cultural y tal, siempre me da un poco de risa, porque mi identidad cultural tiene trozos de Francia, de Japón, de Brasil, de Estados Unidos, de Cuba, esa es mi identidad de verdad, ese es mi país. Tú estás hecho de todo lo que has amado a lo largo de tu vida. De lo que has leído, del cine que te ha hecho amar al cine y dedicarte a esto. Las películas no las haces con referencias, lo que pasa es que esas referencias sí te hacen a ti. Hace años me acuerdo, cuando yo era joven, se atacaba al cine americano con una frase que me gustaba mucho que decía "han colonizado nuestro subconsciente". Pues a mí me encanta eso, porque creo que esa es la magia del cine, tú en tu cabeza, en tu memoria, no tienes toda tu vida, montones de momentos de tu vida se han olvidado, pero quedan momentos, una caricia, una vez que miraste a una persona por primera vez, un día que estabas en un lugar determinado y te emocionaste y se te saltaron las lágrimas, esos momentos son tu vida y están ahí sueltos, no hay un relato lógico, no tienes tus memorias de principio a fin en tu cabeza, y en medio de todo eso hay trozos de películas, trozos de libros, canciones. Lo más maravilloso del cine es poder dejar trozos de tus películas en la cabeza de los demás y que se queden mezclados con sus recuerdos, que sean parte del pasado de los espectadores. Eso es lo más grande a lo que puede aspirar una película. Porque de las películas, como de nuestra vida, solo recordamos pedazos y sensaciones.

¿Cómo fue trabajar con Claudia Cardinale y Jean Rochefort?

Ha sido una relación fantástica, Claudia tenía pocos días, sólo la primera semana y media de rodaje, pero fue muy fácil, es una persona simpática, y no tiene ningún tic ni exigencia de gran diva ni de estrella. Podría tenerlas y no las tiene. Hace bromas con todos los del equipo, cada mañana charla hasta con el maquinista, con el electricista, con todos. Y luego todos estamos siempre preguntándole por aquella película de Monicelli, o cuando estaba con Richard Brooks. Es que te puede hablar de Hollywood, del cine italiano, del cine francés, o contarte sus aventuras con Herzog y Klaus Kinski en el Amazonas, o sea una vida realmente impresionante. Cuando piensas que su primera película fue I soliti ignoti de Mario Monicelli, que es una obra maestra, de cuando yo tenía 18 años, es bastante asombroso todo lo que ha vivido, y ella disfruta mucho pasando las hojas de su álbum de fotos, sus recuerdos, recordando y contando sus anécdotas, eso le gusta mucho y claro, a todos nos encanta escucharla.
Jean Rochefort es un genio, es uno de los actores más complejos y ricos con los que yo he trabajado en mi vida y yo digo que el más arriesgado, poca gente he visto tomar tanto riesgo y más a su edad. Siempre está buscando algo nuevo, diferente, inexplicable, algo que se consigue no con el trabajo y con la razón, sino que se consigue haciendo surgir la magia en un momento determinado, y para que eso ocurra te tienes que arriesgar. Si sólo está tu oficio, tu inteligencia, tu análisis del personaje o lo que tú quieres hacer, puedes lograr una interpretación perfecta, incluso magistral, pero siempre va a faltar el punto de locura, el punto de inspiración, el punto de azar, y Rochefort siempre está a la búsqueda de eso, y eso es muy bueno. Eso lo hace, para mí, un grande. Como un músico de jazz que está improvisando y se tira sin paracaídas y sin red a hacer un solo y a dejarse llevar, eso es muy bonito.

¿Usted ya está preparando su próxima película?

Estoy trabajando en varios proyectos, en dos guiones y en un documental sobre el cine ibérico y latinoamericano. Creo que hemos descuidado mucho nuestro patrimonio y nuestro pasado. Los españoles no saben qué películas buenas se hicieron en Colombia, el colombiano no sabe las que se hicieron en Argentina, el argentino no sabe las que se hicieron en Portugal, el portugués no sabe las que se hicieron en Argentina, y eso me ha torturado durante años. Estoy trabajando en un documental sobre eso, sobre ese patrimonio común que tenemos, que en la literatura lo conocemos y en el cine, no.

Entrevista realizada por Adriana Schmorak Leijnse
Río de Janeiro, 8 de octubre de 2012

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Entrevista a Isabella Cascarano

Cinecritic.biz entrevistó a Isabella Cascarano, Premio del Eurofilm Festival a la Mejor a Actriz por su rol protagónico en el cortometraje Our Vows

Isabella Cascarano se ha llevado, el sábado 26 de noviembre de 2011, de Marbella a Los Ángeles, la estatuilla que otorga el Eurofilm Festival a la Mejor Actriz, por su trabajo en el intenso y perturbador cortometraje Our Vows (Ryan Le Masters, 2011)

Nacida en Valencia, Venezuela, Isabella comenzó una temprana carrera en la industria del entretenimiento, participando en múltiples espectáculos de danza a lo largo del territorio venezolano. Su belleza la llevó a convertirse en la cara de Revlon en Venezuela y a trabajar en varios comerciales televisivos y en anuncios impresos. Es una persona espiritual que se involucra en la filantropía, dedicando parte de su tiempo como presentadora y colaboradora de la Fundación de Niños Starlight de ayuda a chicos con enfermedades terminales.

Como actriz, ha trabajado en roles protagónicos y secundarios en series televisivas, telenovelas y películas tales como Walk Hard: The Dewey Cox Story, El Padrino 2, Black Water Of Echo's Pond, 30,000 Leagues Under the Sea, National Lampoon's Cattle Call y La Vida Por Un Rato de Placer, sólo para destacar algunos títulos.

Acabas de recibir el premio del Eurofilm Festival a la mejor actriz en Marbella ¿qué sentiste o qué ha sido lo primero que pasó por tu mente cuando recibiste esa llamada telefónica avisándote del premio?

Cuando recibí la noticia no lo podía ni creer, era muy temprano en la mañana, y pensé, esto es un sueñooooooooooo! Qué???? Yooooo???? Pero sííííí!!!!!… Es verdad. Repetí mil veces gracias por esta realidad. Fue tan emocionante que solo quería gritar y correr por todo el apartamento, no podía contenerme, no sabía si quería salir y gritarlo y por supuesto me sentí tan orgullosa y feliz de poder compartir algo tan soñado con mis padres, hermanos y seres queridos que siempre me han apoyado. Sobre todo los que han visto Our Vows siempre me dijeron lo excelente que lo hice yo y mi compañero David Bianchi, incluyendo las críticas de revistas importantes del cine Americano como The Film Talk y The Film Threat, que tienen unas críticas excelentes de nuestro trabajo actoral.

Los lectores se preguntarán muchas cosas sobre ti, sobre cómo se despertó tu vocación actoral, sobre tus inicios como actriz, sobre cómo llegaste a Hollywood, algo que no debe haber sido nada sencillo.

Yo te puedo asegurar que nací con esta vocación, nací queriendo ser actriz, me sentí actriz desde que era niña, ¡estaba dentro de mí! Vivía siempre en mi propia película, así siempre lo sentí, suena un poco extraño pero sentía la pasión de actuar y estar en frente de las cámaras al igual que lo siento ahora, claro, con más madurez. Lo soñaba cada día, jugaba y siempre quería imitar a los artistas y cuando veía una película que me gustaba yo veía y visualizaba al personaje en mí, siempre creía ser el personaje de la pantalla grande, tanto así que llegaba a casa y armaba todo como lo veía en las películas y jugaba a ser esa persona. He sido siempre muy soñadora, siempre estoy soñando despierta. Empecé bailando y modelando para tiendas de ropa donde mi madre compraba su ropa de fiesta, luego tuve la oportunidad de audicionar para trabajar como modelo de una marca muy reconocida de cosméticos llamada Revlon y tuve la suerte de ser seleccionada y así empecé, pero en realidad lo que me apasionaba era la actuación en cine y fue cuando tuve la oportunidad de visitar a mi hermano Nico en Estados Unidos y me quedé haciendo un tipo de montajes de baile con coreografías y metiendo música y expresiones que combinaran con el montaje de una obra de teatro. Pero eso no fue suficiente para mí y entonces emprendí mi viaje a Hollywood donde me siento agradecida enormemente porque luché y sigo luchando duro para aprender y llegar a una meta de mi carrera que me llene de orgullo. Yo nunca paro porque quiero llegar más lejos y seguir adelante todo lo que se pueda, nunca parar, siempre buscar más y más de esta apasionante carrera que me ha dado la oportunidad de seguir mis sueños.

Cómo te definirías a ti misma como actriz y cuál ha sido, a tu entender, el camino evolutivo que has seguido desde tus primeros trabajos hasta "Our Vows"

Yo me defino como una actriz apasionada en todos los sentidos de la palabra. Mis aspectos positivos son: ser positiva, entregada, escuchar a los demás, respetar al prójimo, ser colaboradora, paciente. Yo intento que mi trabajo sea ameno, por supuesto para los demás también. Soy creativa, me gusta ayudar a los demás, soy espiritual. Aspectos negativos: Ya de por si no me gusta esa palabra, trato de evitar todo lo que venga o derive de ella. Tal vez soy muy exigente, me pone de mal humor la hipocresía, tengo poca tolerancia con el sarcasmo, me fastidia alguien que mastique chicle mal, muchas veces me siento insegura, me pongo de mal humor cuando pasan cosas injustas y cuando algo no me gusta no lo puedo disimular. A la hora de actuar me gusta ser intensa, soy muy arriesgada, me gusta el desafío actoral y experimentar propuestas interesantes para que se desarrolle mi personaje con más fuerza. Mi camino evolutivo es el trabajo constante que he dedicado como actriz a través de los años, nunca paro de estudiar, aprender de otros y seguir buscando papeles interesantes para caracterizar personajes como lo que hago en Our Vows. Los años de trabajo hacen que te sientas más segura interpretando cualquier personaje, la actuación es una herramienta que se puede utilizar al máximo si mantenemos la práctica y constancia, aunque lleves la actuación en tus venas, debes seguir alimentando la técnica con la práctica y las herramientas que aprendas durante todo el trayecto actoral.

¿Our Vows se ha estrenado comercialmente en Estados Unidos? ¿Cómo ha sido la recepción que ha tenido en el público?

Our Vows se ha estrenado en festivales muy importantes como Hollywood Film Festival 2010, que es uno de los más difíciles de entrar, ya que lo llaman el Festival de la antesala a los Golden Gloves y los Oscar, es el Festival que reúne más celebridades y premia a los mismos antes de estos dos eventos tan importantes de Hollywood. El Diario Hoy de Los Ángeles nos dio por dos semanas seguidas una página completa de reportaje, porque solo nosotros y un corto de animación mexicano fueron los seleccionados en este festival tan importante, donde no es común ver películas o cortos hispanos como Our Vows, hablada con una mezcla de español e inglés. También estuvimos en el Downtown Film Festival de Los Ángeles, en Santa Fe Film Festival, Downtown Boca Film Festival en Florida, por nombrar algunos. Hemos sido orgullo de apertura de películas importantes como Bedrooms, dirigida por tres directores importantes de Hollywood y actores de alta categoría, también estuvimos en las salas del Film Independent Downtown, así como el logro de estar en el Festival Europeo de Cine en Marbella. Por otro lado la recepción del público en los Estados Unidos ha sido muy positiva y han quedado encantados con esta pieza tan artística. Como verás, es bastante fuerte y oscura pero hemos tenido muy buenas críticas tanto del público como de los críticos que la han visto.

¿Cómo te sentiste trabajando con el equipo de Our Vows: actores y director, en particular?

Trabajar con el equipo de Our Vows ha sido increíble. Son chicos de un talento muy innovador y único, el actor David Bianchi particularmente es muy buen amigo mío y aparte de eso es un actor de primera. Gracias a nuestro trabajo de equipo logramos eficazmente la química y el desafío actoral que todo actor busca a la hora de personificar un papel tan difícil como lo es el de una adicta. El director Ryan LeMasters es muy directo y bastante serio a la hora de trabajar, su capacidad de ver las cosas en frío lo hace ser muy original en sus piezas, me gusta mucho su trabajo, es muy talentoso. El director de fotografía Tyler Jackson es muy visual y se destacaron mucho sus características de inquietud, lo cual hizo que se sintiera la parte de desesperación en sus leves movimientos de cámara, su manera de trabajar se distingue enormemente. También René Rosado es otro actor de primera y aunque su participación fue muy corta, ha sido sobresaliente, en fin todos los que hicieron posible Our Vows son talentosos en el cine y de verdad que estoy orgullosa de haber sido parte de este gran proyecto.

En Our Vows podríamos decir que el crack controla la vida de la pareja protagónica hasta el punto de poner en peligro su amor y destruir sus vidas. ¿Cuál crees que es el mensaje que intenta dejar el cortometraje en los espectadores?

Our Vows deja un mensaje muy directo, o lo tomas, o lo dejas, simplemente te hace ver la cruda y oscura realidad de la adicción, que a muchos les toca aceptar, y quizás otros no lo quieren ver, pero te muestra lo mal en que puedes terminar si no lo paras a tiempo, simplemente el mensaje es reflexionar y saber que nunca es tarde para dejarlo atrás. Muchos espectadores se sintieron identificados con el corto ya que quizás su pasado tuvo algo que ver con drogas o adicción, y otros solo por el hecho de pensar que eso es algo que viven muchas personas o familias. Algunos me comentaban lo mucho que conectaron mientras veían el film y hasta se identificaron tanto, se transportaron de tal manera, que sintieron estar de regreso en esa realidad, y los que solo sintieron el desespero de esta pareja aunque nunca hubieran pasado o experimentado nada de eso, me confesaron llorar mientras lo veían, fue muy emocionante sentir que pudimos llegar al público de una manera muy real y de diferentes puntos de vista.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Tengo dos proyectos empezando el año 2012: un largometraje y un cortometraje, y les contaré más de ellos apenas termine de grabarlos. Ojalá que pueda estar pronto con ustedes y contarles con detalles mis próximas películas.

Entrevista realizada por Adriana Schmorak Leijnse
5 de diciembre de 2011

Isabella Cascarano, Premio a la Mejor Actriz, Eurofilm Festival, Noviembre de 2011

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Lo que nos regala la realidad - Tizza Covi y Rainer Frimmel - La Pivellina

Tizza Covi y Rainer Frimmel nos hablan en el festival de cine de Austria Diagonale sobre "La Pivellina"

Tras haber recibido una lluvia de premios entre los que se encuentran el Principado de Asturias de Gijón o el Premio de la Quincena de Realizadores de Cannes, La Pivellina ha recibido el mayor galardón en la duodécima edición del festival de cine austriaco Diagonale (Graz) que acaba de cerrar sus puertas. Justo antes de que fueran a recoger el premio, tuvimos la oportunidad de hablar con sus directores, Tizza Covi y Rainer Frimmel, y con Walter Saabel, uno de los protagonistas.
La Pivellina narra con ayuda de actores amateurs la emotiva historia de una niña pequeña que es abandonada por su madre en un parque romano. La pequeña es recogida por Patti (Patrizia Gerardi), una artista circense y encuentra un nuevo hogar en el microcosmos de un campamento a las afueras de Roma. Es una película que habla de pérdida y solidaridad, de la necesidad de tener que madurar demasiado pronto, de abandono, pero también de humanidad, y nos permite lanzar una mirada tierna y sensible a una forma de convivencia inusual. Una película de ficción que se encuentra en la frontera del documental, una cualidad típica del cine austriaco con la que nos tropezamos constantemente en el festival de cine Diagonale, ya que como diría Tizza Covi: "Lo que nos regala la realidad no puede recrearse".

"La Pivellina" es vuestra primera película de ficción, pero para ella habéis elegido una forma muy cercana al documental. ¿Por qué?

-Tizza Covi: Porque somos documentalistas en cuerpo y alma, es decir, lo que realmente nos interesa a la hora de hacer cine es el realismo y el elemento documental. En ese aspecto no hemos evolucionado. Ya con "Babooska" (2005) nos dimos cuenta de que empezábamos a tener ganas de dirigir la acción; ya en "Babooska" guiamos de alguna manera los acontecimientos: "ahora vamos a ese bar donde bailan porque se puede desarrollar algo", o "ahora podéis hablar sobre tal o cual tema", lo que no habíamos hecho en trabajos anteriores. Nos dimos cuenta de que nos divertía extraordinariamente trabajar con gente que no siente timidez, ni tiene problemas delante de la cámara, que aceptan abiertamente su cercanía, y así surgió la idea de hacer "La Pivellina", que conserva una forma muy documental, pero que cuenta una historia ficticia. Lo que nos regala la realidad no puede recrearse, pero llegamos a un punto en el que no nos hacía gracia no poder intervenir en lo que estaba pasando.

Este camino, la mezcla de documental y película de ficción, se ha hecho muy presente en el cine austriaco de los últimos años, pero aparece también en el neorrealismo italiano, ¿con cuál os sentís identificados?

-Tizza Covi: Yo me identifico sin duda, mucho más con el neorrealismo, que no solo me encanta, sino que también venero. También nos han influenciado considerablemente películas posteriores como "Mamma Roma" de Pasolini ya que, además, en el neorrealismo italiano los niños juegan un papel determinante, y para nosotros era importante poder trabajar con uno. Bueno, para mi la afinidad con el neorrealismo está clara.

-Rainer Frimmel: Además en nuestro caso los actores son exclusivamente amateurs. En "La Pivellina", por ejemplo, no hay ni un sólo actor profesional, en cambio Ulrich Seidl, por citar a uno, los mezcla constantemente. Nuestra forma de trabajar quizás pueda explicarlo mejor: como nuestro equipo es minúsculo, compuesto solo por nosotros dos, somos mucho más flexibles a la hora de trabajar con los actores y de desarrollar la historia.

Retratáis con muchísima ternura a las personas que aparecen en vuestras películas y el espectador tiene la sensación de que forma parte de su familia. ¿Cómo lograsteis encontrar a los niños Asia, Tairo y a todos los demás?

-Rainer Frimmel: La primera vez que vimos a Patti y a Walter fue en 1997.

-Tizza Covi: Rainer y yo nos conocimos en la Academia de Fotografía e hicimos nuestro primer trabajo fotográfico juntos sobre pequeños circos ambulantes en Austria e Italia. Fue durante ese viaje, en el que nos dedicamos a fotografiar en gran formato a mucha gente delante de una pantalla blanca, cuando conocimos a Patti, a su marido Walter, a Babooska y a mucha más gente que nos impresionó profundamente y con la que nunca hemos perdido el contacto. Personas por las que sentimos una fascinación absoluta. Nos atraían su vida y sus vivencias aunque aún no tuviéramos la idea específica de querer rodar una película sobre ellos. En nuestros trabajos es primordial que primero nos conozcamos bien para haber adquirido confianza antes de hacer algo juntos. Todos los proyectos surgen del interés extraordinario que sentimos por las personas con las que trabajamos.

Se dice que trabajar con niños no es precisamente sencillo. ¿Realmente es tan difícil?

-Tizza Covi: Con Asia (Asia Crippa) no pasamos las escenas antes ni nada por el estilo, lo que suponía un riesgo muy grande ya que nunca sabíamos si íbamos a conseguir algo o no. A una niña de dos años no le puedes dar órdenes porque simplemente no funciona. Pero nosotros estuvimos 6 semanas rodando en ese recinto día y noche. Así conseguimos ganarnos la confianza de Asia y que nos aceptara, con o sin cámara, como parte de su entorno. El hecho de ser sólo un pequeño equipo de dos personas y haber estado todo el tiempo en el campamento simplificó mucho las cosas. Pasé muchísimas horas con ella, necesité tres semanas antes de conseguir que la niña se durmiera en mis brazos y eso es una cosa que normalmente no consigue un director. Más tarde se atrevió a dormirse con Patti y ahora se ha acostumbrado de tal manera que se va a echar la siesta a su roulotte. Las dos viven en la vida real, también en el mismo campamento.

Trabajando con amateurs, ¿cuánto de la película es improvisación o hasta qué punto se sigue un guión?

-Tizza Covi: Los diálogos se improvisaron totalmente. Teníamos una sinopsis de 30 páginas con un principio y un final definidos y la parte central bastante concretada, aunque realmente el concepto era el siguiente: contamos ésta historia, tomamos a los personajes, los ponemos en un lugar determinado y esperamos con la cámara a ver lo que pasa. No queríamos dejar de ser documentalistas. Rodamos muchísimo material documental, escenas que prácticamente son mis preferidas, en las que Walter le enseña a Tairo (Tairo Caroli) a lanzar cuchillos, o en las que Tairo está con su padre o sus amigos, muchas situaciones cotidianas. Pero a la hora de cortar nos dimos cuenta de que teníamos que mantener la historia de la niña, sin permitirnos hacer muchas escapadas, para concretar, ya que el público espera que la narración avance.

-Rainer Frimmel: Quizás habría que añadir que, a pesar de que los diálogos son improvisados, siempre les indicábamos una palabra o un tema en el que basarse. En todo momento había algo prefijado.

-Walter Saabel: Siempre nos decían: la escena tiene este tema determinado, pero dejándonos la libertad de decir o hacer lo que realmente queríamos.

-Tizza Covi: A mi es lo que me parece más lógico, ya que no le puedo decir a Walter qué tipo de expresiones tiene que utilizar cuando realiza escenas de su propia vida, como cuando viene la policía. Nosotros no contratamos a actores y les entregamos un papel para representar, sino que si necesitamos, por ejemplo, a un policía, pues les preguntamos si conocen a uno, y este viene y actúa tal cual. Porque para nosotros lo realmente interesante es el elemento real, somos observadores que dejamos que las cosas sigan su cauce.

-Walter Saabel: Los dos policías que vienen a controlar los papeles son también policías en la vida real, se dedican a la protección de animales. Uno de ellos es un muy buen amigo mío al que conozco desde hace muchos años.

-Rainer Frimmel: En nuestro trabajo nos tomamos la libertad de integrar y añadir escenas que aparecen espontáneamente. La escena de boxeo surgió porque el día anterior Tairo había tenido problemas en el colegio, y realmente quería aprender a boxear, así que aprovechamos y la rodamos. Esta historia está llena de improvisaciones.

-Tizza Covi: A lo largo de las seis semanas que vivimos en el campamento tuvimos la oportunidad de ser testigos de muchas situaciones inesperadas que integramos en la película. Precisamente por ello consideramos tan importante tener una sinopsis abierta que se preste a incorporar lo que aparece.

¿Cómo definiríais lo esencial en vuestras películas?

-Tizza Covi: La humanidad es definitivamente lo esencial en ellas. Queremos devolver a las personas una parte de la dignidad y el respeto que en Italia les está siendo arrebatado por los artículos de algunos periodistas.

¿Y en ésta en concreto?

-Tizza Covi: En esta película queríamos hablar simplemente de la infancia reflejada desde distintas facetas. La infancia de Tairo nos interesaba muchísimo. Quizás habría que enfatizar que, para un actor, traspasar los límites entre ficción y realidad puede resultar muy duro. La escena en la que se cuenta que Tairo quería suicidarse a los tres años es verdadera, es su historia, porque, de alguna manera, sus padres también le abandonaron.
Queríamos rodar esa escena, le preguntamos y aceptó. Pero un día en el que estaba sintiendo lástima por la Asia de ficción, Patti le dijo: "¿Pobre criatura?, pobre de ti, porque tus padres hicieron exactamente lo mismo contigo. Te dejaron solo de un día para otro y se fueron". Esto le afectó tanto que ya no quería interpretarla. Pero al final del rodaje nos dijo que estaba preparado, hicimos la escena y funcionó maravillosamente. Lo comento sólo por incidir en la dificultad que entraña desvelar tanto de tu propia historia. Y para Tairo eso era a menudo muy difícil, y lo es también para Walter ahora con la nueva película, ya que tiene que enfrentarse a su pasado. Creo que es tan difícil porque pierdes los límites entre realidad y ficción.

Walter, ¿cómo se sintió la primera vez que vio la película?

-Walter Saabel: La primera vez fue en la proyección de Cannes, conforme iba avanzando la película, me iba hundiendo en la butaca. Pero cuanto más la veo, más me gusta. Es una película bonita. Y cuando en Cannes escuché que hablaban de mi mujer como la nueva Anna Magnani… no puedo negar mi orgullo. Pero es difícil verse a uno mismo. Poca gente se mira al espejo y dice: ¡qué guapo soy!

-Tizza Covi: Lo excepcional de nuestros protagonistas es que no fingen delante de la cámara, y eso es difícil de encontrar ya que tendemos a transformarnos cuando hay una cámara. Hablamos de forma más culta, nos comportamos de otra manera. Eso es lo habitual, con ellos es diferente. Patti no tiene ningún problema en ser natural siempre, no importa si no está maquillada, o está dormida. Tiene el valor de ser como es.

¿Cuál es vuestro próximo proyecto?, ¿un paso más en dirección al cine de ficción convencional?

-Tizza Covi: Trabajamos en un proyecto que se va a convertir de nuevo en una película de ficción con muchos elementos documentales. No queríamos aumentar ni nuestro presupuesto, ni nuestro equipo. Lo único que ha cambiado es que ahora contamos con un técnico de sonido.

-Rainer Frimmel: Y además hemos añadido a un actor profesional. Un actor de teatro bastante conocido que se interpreta, eso si, a él mismo. Eso nos da la oportunidad de obtener buenas escenas documentales también entre bastidores o en los ensayos.

-Tizza Covi: Y en esta película Walter es nuestro protagonista.

-Rainer Frimmel: Si, él es prácticamente el polo opuesto de nuestro actor. Walter representa la "vida real" en contraposición con la vida de una persona en el escenario.

¿Cuándo vamos a poder verla?

-Tizza Covi: Hemos estado rodando todo febrero y marzo y después queremos tomárnoslo con calma. En "La Pivellina" fue todo muy estresante porque la queríamos tener terminada para Cannes y lo conseguimos, pero sin haber visto la copia antes del estreno. Como la copia era malísima, estuvimos unos meses hechos polvo. ¿Sabes?, después de haber trabajado tan duramente en un proyecto, esas cosas te desesperan. Y ese es el error que no queremos volver a repetir. Esta vez no vamos a hacer las cosas a prisa y corriendo, como se dice aquí en Austria.

Por Mónica Ibarz

Tizza Covi y Rainer Frimmel

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El cine es de esencia realista

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Cinecritic.biz inaugura su sección de entrevistas con el joven director mexicano Aarón Fernández cuya ópera prima, Partes Usadas, ganó el premio especial del jurado en la tercera edición del Festival de Cine Latino de París, además del premio a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Guadalajara y el Premio "Glauber Rocha" a la mejor película latinoamericana en el Festival des Films du Monde de Montreal.
A lo largo de nuestra charla surgieron temas tan amplios como los comienzos de su vocación por el cine, sus referentes estéticos, cómo surgió la idea de escribir un guión sobre el robo de autopartes en México y cuál es su próximo proyecto.

¿Cómo empezó tu vocación por el cine?

Mi vocación empezó como cinéfilo cuando tenía entre 14 y 15 años. Iba unas tres veces por semana a la cineteca con un gran amigo mío que también es muy cinéfilo y luego debatíamos. A mí también me interesaba mucho la fotografía. Tuve la suerte de que mi madrina me regalara una cámara réflex para mis 15 años. Estaba interesado, sobre todo, en la imagen por la cuestión de la fotografía, pero luego me di cuenta de que también estaba la cuestión de la narrativa y los ambientes. Vi dos o tres películas que me marcaron mucho en mi adolescencia.

¿Cuáles fueron?

Una fue Nostalgia de Tarkovski. Estaba yo en pleno esplín adolescente y ésta era la típica película que le puede llegar a los adolescentes así medio punketos como era yo en ese entonces. Y Las Alas del Deseo de Wim Wenders, casi del mismo año, fue como descubrir todo un mundo. A partir de allí dije: -yo quiero hacer cine. Todavía no estaba muy convencido, era algo difícil porque mis padres no trabajan en el medio, pero me aventuré.

¿Estudiaste cine en México?

No, estudié cine aquí en Francia, en Paris III en la Nouvelle Sorbonne, ahí tengo una licenciatura y luego hice un máster en Paris I. Allí se estudia más la parte teórica del cine que la parte práctica. El aspecto técnico lo aprendí leyendo manuales y practicando con cámaras de vídeo.
Lo que yo le saqué a Paris III son cursos interesantes de estética del cine, de historia del cine, de economía del cine, de guión. Los profesores muy intelectuales pero al mismo tiempo tenían un discurso muy interesante. Y sobre todo el hecho de estar aquí en París me permitió descubrir todo un cine que no conocía, y no sólo francés. Yo creo que esas fueron mis verdaderas clases de cine, en la cineteca que entonces estaba en el Palais de Chaillot.
En México hay dos escuelas de cine buenas, el CCC y el CECC, son las dos más antiguas, más arraigadas, hay luego toda una serie de escuelas privadas. No estudié cine en México porque yo tenía ganas de exilarme, tengo la nacionalidad francesa por parte de mi madre, aunque siempre me crié en México y fuera del gueto francés, me crié como mexicano. Tenía ganas de descubrir Europa, Francia, estando aquí vi que podía inscribirme en la facultad y me inscribí.

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¿Habiendo vivido tanto tiempo en Francia, por qué el tema de tu filme tiene tanto que ver con México?

Yo regresé en el '97 a México, hace ya 11 años, siempre pensé en México, estando en París hice dos cortos, empecé a trabajar como tercer asistente de dirección pero no me sentía bien aquí, no tenía nada qué decir, era un medio muy cerrado donde no tenía palancas que son vitales para poder empezar a trabajar aquí en Francia. Muy pronto volteé mi cámara hacia México. De hecho llegué a México con un proyecto de corto que había comenzado a escribir aquí y al año ya lo había dirigido, me recibieron muy bien.

¿Cómo surgió la idea de Partes Usadas?

Tenía ganas de hacer un largometraje, empecé a pensar en varias cosas y sobre todo pensé en algo que se pudiera hacer con un presupuesto mediano y en una estética que yo estaba buscando. Se me ocurrió que podía abordar el tema de las autopartes, de las refacciones robadas, y al mismo tiempo tenía ganas de hacer una película con jóvenes de entre 12 y 15 años, en una etapa un poco indefinida cuando no son adolescentes pero tampoco son niños, en un punto de cambio. Me los imaginé como una pareja de amigos con una amistad muy fuerte, haciendo travesuras, muy insolentes, rebeldes y llenos de vida, porque quería que mi película fuera así, que tuviera ese espíritu. Entonces embonaron bien esas dos ideas porque, de hecho, los pequeños ladrones de partes usadas son de esa edad.

¿Este tipo de situaciones se da en los barrios en los que has ido a filmar?

Sí, filmamos en La Ronda, un barrio que está en el centro-norte de la ciudad de México, en la frontera con Tlatelolco. Es un barrio donde uno puede conseguir todo tipo de refacciones. Ahí filmamos la gran refaccionaria del principio, del amigo del tío, cuando andan en bicicleta y dos o tres secuencias más, la pelea con el tío, todo eso fue filmado en La Ronda, un barrio de puras refaccionarias.

Es impresionante cómo las refacciones están colgadas casi hasta el techo…

Sí, es casi una instalación artística. Una fachada de esas la pones en el museo de Nueva York o de París, y parece una obra de arte contemporánea. Era un poco también eso lo que me gustaba, el atractivo visual, estos montones de fierros son visualmente muy atractivos y junto a ellos, la figura humana.
Filmamos también mucho en la Narvarte, un barrio de clase media, media baja, justo debajo de una colonia que se dedica mucho al robo y a la reventa de partes, que es la Buenos Aires. Los rateritos se van a la Narvarte a buscar piezas, las roban ahí y las van a revender al lado.
Esa sería la parte documental.

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¿Este lado documental, tiene que ver con el hecho de que esté filmado en exteriores, con poco decorado, sin mucha música?

Es una estética realista sin ser tampoco naturalista. Está mi visión de las cosas, hay un poquito de poesía por ahí, también. Es una ficción, hay personajes, hay un drama, pero es una ficción muy cercana a la realidad por el tema, por los personajes y porque es una estética que me gusta. Para mí el cine es de esencia realista, pero en ese realismo hay que encontrar también un poco de poesía. Por ejemplo Pasolini a mí me gusta mucho, es una gran referencia, y él hacía eso, películas muy realistas con actores no profesionales y profesionales, mezclaba un poco los dos por una cuestión de presencia de los cuerpos, sobre todo. Esas son mis fuentes. Es una película muy anclada en la realidad, los lugares existen y los intervinimos muy poco. Me gusta un cine que no modifica la realidad sino que la película se adapta a la realidad, a los lugares, a la gente.

En un principio pensé que te pudiste haber inspirado en Ladrón de Bicicletas de Vittorio de Sica.

Sí, un poquito, pero Ladrón de Bicicletas es un melodrama puro. Es muy realista pero es un melodrama. Mi película no es melodramática, sí le debe un poco al neorrealismo pero las películas neorrealistas como Ladrón de Bicicletas, Umberto D y otras, tienden mucho al melodrama, hay mucha música, muchos sentimientos que son padrísimos. Yo pensé en otras referencias más contemporáneas como los hermanos Dardenne, en cuyo cine está además la cuestión moral y en mi película también, sin ser moralista.
En Partes Usadas, hay un drama, o podríamos decir que es un melodrama sin los violines, sin las lágrimas, sin los desgarramientos que suele haber en el cine mexicano. A los mexicanos les encanta el melodrama, yo aborrezco eso.

Partes Usadas me recordó también un poco a Los Olvidados, de Buñuel.

Bueno, eso no es un melodrama, es una película muy cruda. La referencia venía en el paquete, de hecho hay un pequeño guiño en mi película. Pero son dos películas muy diferentes en el tono. Creo que la película de Buñuel es mucho más cruda, porque sus personajes son realmente de calle, son niños abandonados, los míos, no. Son niños que todavía tienen un marco familiar, no se drogan, tienen un oficio que los mantiene. No son marginales. Están en contacto con este submundo del vandalismo porque está ahí, al lado de su casa, porque los adultos los inducen un poco, pero son niños "buenos", los robos que hacen son travesuras. Hay una progresión en sus fechorías hasta que quieren entrar en el crimen organizado y tienen que pasar una frontera, y ahí la realidad los atrapa.

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¿Si tus personajes no son del todo marginales, cuál sería para ellos la motivación para robar?

El ladronzuelo ahí es Iván, más que Efraín. Efraín sigue los pasos de Iván porque Iván lo manipula un poco. Iván lo hace por irse a Estados Unidos, porque es la única manera que él cree tener para conseguir dinero. También por rebeldía, porque no tiene ningún marco ni escolar ni familiar que le diga que está mal, o que las cosas no son así. Yo en la película no digo que esté mal lo que hacen ni tampoco hago la apología del robo. Los pequeños robos que hace Iván al principio en el auto-lavado son pequeñas cositas. Lo hace por rebelde, algo de la edad, por despecho, su manera de afirmarse.

En los personajes de Partes Usadas está un poco esa mirada idealizada que tenemos los latinoamericanos sobre el primer mundo…

Mi película no es una película sobre inmigración, sí se aborda el tema de manera muy escueta porque es la motivación de los personajes para conseguir el dinero, es más un resorte dramático que otra cosa. No trato realmente el tema de la inmigración. Es una realidad cotidiana que vivimos los mexicanos y muchos latinoamericanos, y no creo que sea un sueño, creo que es una realidad porque la economía, por lo menos en México, no va bien, no hay trabajo y cuando tienes un trabajo se te paga mal, entonces la gente quiere ganar más dinero y vivir mejor. Estoy hablando de todas las clases sociales, incluso las clases medias.
Es una tragedia porque no podemos ser felices en México, es la tragedia de toda inmigración. La inmigración mexicana en Estados Unidos mayoritariamente es gente que se va únicamente para el dinero, no se van con el sueño de instalarse allá. La gran mayoría es una inmigración temporal, ir allá, mandar el dinero para la familia que quedó en México, construir la casa y luego regresar. Porque las raíces son muy fuertes y no se adaptan a Estados Unidos, no quieren adaptarse.

¿Hay una intención de crítica social en tu película?

No abiertamente, digamos que hago preguntas, pero no critico. No quería hacer una película panfletaria, creo que no lo es. Es una película descriptiva, pero no hay un discurso sobre sociología ni política. Hay preguntas que están ahí, sutilmente. Yo no quise marginar a mis personajes para no estigmatizarlos ni decir que sólo son los que viven en la miseria los que roban. También existe una clase media baja que está ahí, que es muy frágil. No sólo los niños de la calle que se drogan son los que roban, no es cierto.
No es una crítica social, es una descripción, es darle espacio a estos personajes en una película para que sean vistos y que nosotros veamos una parte de nuestra realidad, eso no te lo van a enseñar en las telenovelas y si te lo enseñan es de forma muy caricaturesca, muy burda, muy melodramática, irreal. Yo quería mostrarlo lo menos falseado posible.

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Con qué tipo de cámara se filmó.

Se filmó en Súper 16 mm y luego hicimos un hinchado a 35 mm. Se utilizó cámara al hombro y también agarrada con cinchos. Esto lo armamos con un tripié y un brazo, para luego agarrar la cámara a unos tensores. Es como si fuera cámara en mano porque permite la movilidad. Yo le describía perfectamente al operador los movimientos que quería y él se las ingeniaba para que fuera flexible y al mismo tiempo no fuera tan pulcro como lo puede ser una steady cam, con movimientos muy lisos. Yo quería que fuera así, rudo.
Se armaba con los actores como una coreografía, yo dejaba que ellos se apropiaran de los lugares, ensayábamos, veíamos cuáles eran los movimientos, improvisábamos un poco y yo le decía al fotógrafo -cuando hace ese gesto, sigue su mano, luego te vas al rostro, luego aquí. A mí me gusta mucho fijarme en los gestos, seguir los gestos con la cámara, eso es visualmente atractivo, le da riqueza visual, ritmo, un cine de gestos. La cámara en mano que me gusta es la de los Dardenne.

En cuanto a la música, hay un cuarteto de Beethoven que aparece en algunos momentos clave.

Yo al principio no quería usar nada de música por una cuestión de sobriedad. Detesto las películas que abusan de la música, es una herramienta muy fácil para dictar sentimientos, para ponerle ritmo a una secuencia. No digo que no me gusten las películas con música, hay películas que usan mucho la música de una manera muy interesante, no forzosamente como música de fondo. Después pensé en el cuarteto de Beethoven, una pieza que me gusta mucho, el segundo movimiento se me hace como muy cinematográfico, tiene un ritmo repetitivo y siempre quise usarlo en una película y dije: -bueno, ahora es cuándo. Las otras piezas de rock, la película me las fue pidiendo, le dan un toque lírico también.
La música está para dar un toque de gracia, de sutilidad en contraste con la frialdad, la rigidez de la ciudad, de la vida que llevan los personajes. La música aparece en momentos clave. Primero cuando están atrapando una lata, es un momento de soledad muy fuerte entre los dos amigos. Después cuando comienzan a trabajar juntos, hay un sentimiento de amistad muy fuerte allí y después cuando bailan, son momentos de puro lirismo, en todo caso es lo que yo quería.

Cuál es tu próximo proyecto

Se llama Las Horas Muertas, es una película que sucede en México pero no en la ciudad de México sino en la costa y es la historia de un joven de entre 20 y 25 años que empieza a trabajar en un motel perdido en medio de la nada, en la temporada baja durante el turno de día, en los momentos en los que no pasa gran cosa.
Se trata un poco de los encuentros que ocurren en ese motel, las parejas que van ahí regularmente de manera un poco clandestina y todos los personajes que están alrededor, y él se va a enamorar de una de las chicas. Es una película de un tema totalmente diferente, también va a tener un ritmo diferente, un poco más contemplativo pero igual va a ser una película descriptiva, con una estética también realista, con actores profesionales y no profesionales, muy anclada en la realidad.

Entrevista realizada por Adriana Schmorak Leijnse
París, 4 de noviembre de 2008.

Lisandro Alonso

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Lisandro Alonso - Liverpool

El tiempo de la narración en tus filmes, que coincide muchas veces con el tiempo de la historia, recuerda un poco al Neorrealismo italiano. Mientras que los diálogos aparentemente intrascendentes, donde prima el silencio, lo no dicho, parecen estar inspirados en las vanguardias sesentistas francesas e italianas ¿Son estas corrientes tus referentes? Y si no, ¿cuáles son?

Hay algunas películas del neorrealismo que me han inspirado mucho, Ladrón de bicicletas, Humberto D, etc. Algunas más también, pero lo que me atrajo de esas películas era la forma en que eran producidas, casi sin tocar tanto la realidad, sin ponerle demasiado la mano encima, sino tratando de provocar un extrañamiento sobre la información registrada en las calles, con actores no profesionales, actores sin perfume. Esos modelos son los que hoy en día me gusta encontrar y con los que me gusta pasar algunos meses, creo que en el mejor de los casos todos salimos aprendiendo sobre nosotros mismos y de cómo es el entorno en que vivimos, que en la mayoría de los casos es muy diferentes a los sets de filmación. Claro que también Bresson me parece un genio y Godard inigualable, pero para eso no tengo el tiempo ni el conocimiento para escribir en forma adecuada.

Durante el Festival Paris Cinéma, en el cine Le Nouveau Latina, el productor Lluís Miñarro te ha comparado con un chamán, por esa relación casi mística que se establece entre los personajes de tus filmes y la Naturaleza. De hecho esos largos planos generales en los que las figuras humanas quedan empequeñecidas no hacen más que apoyar aún más esta idea. ¿Es la Naturaleza la verdadera protagonista en "Liverpool"? ¿Por qué el interés tuyo de mostrar esta particular relación entre el hombre y su entorno?

Mis personajes, lo que imagino de mis personajes, es que fueron marcados fuertemente por el entorno en el que se criaron, en algunos casos de manera violenta, una agresión que avanza desde lo quieto y silencioso del día a día. Casi sin brusquedad pero tampoco sin opciones de cambio de rumbo. Es ese el peor entorno para educarse y vivir los primeros años de cualquier vida, son esos también los entornos donde no hay oportunidad de cambio, no hay posibilidades de elección, donde no hay libertad. Quizás aprendiendo a través de la producción y realización de las películas, al menos parte de mi equipo y algunos espectadores podrán ayudar o al menos acercarse con otro punto de vista, quizás el solo hecho de no omitir que esos lugares y esa familias existen y sienten ya es un buen punto de partida.

Es notable la falta de iluminación en el filme, tanto natural como de foco. ¿Esto se debe a que a que la historia transcurre en pleno invierno en una zona tan cercana al polo sur? ¿O es una forma de representar estéticamente la hostilidad, la soledad y el abandono de esa familia?

Había solo cinco horas de luz natural y generalmente estaba el cielo cerrado y plomizo. Seguramente eso marcó el trabajo del fotógrafo de la película Lucio Bonelli, evidentemente es algo que quisimos explotar de manera conciente, de modo que ayude al deambular de los personajes y a acentuar la falta de claridad y comunicación que los rodea, el clima no es el más aconsejable para ningún tipo de encuentro humano.

¿Qué premios ha ganado el filme y cómo colaboraron los mismos en su distribución internacional?

La película una vez terminada no ha ganado casi premios ni menciones, el que ha ganado soy yo como ser humano, me divertí mucho haciendo mi trabajo, calculo que aprendí sobre los otros también un poco. Ahora solo le queda a la película no morir en los cajones de nadie, seguir existiendo de la manera que pueda, por lo menos algunos años más. El futuro es desconocido.
Entrevista realizada por Adriana Schmorak Leijnse

Lisandro Alonso

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George Ovashvili - The Other Bank

La situación en Georgia y Abjasia no es muy conocida por la mayoría de la gente. ¿Quiere llamar la atención sobre esta situación concreta o su intención es mostrar de manera más general las consecuencias de un conflicto según la visión de un niño?

No considero que el asunto sea un tema para hacer conjeturas. Desafortunadamente este tipo de conflicto no es raro en el mundo, y yo comencé mi película sabiendo que no iba a decir nada nuevo o único. Mi objetivo principal era mostrar al público desde otro punto de vista, la mirada de un niño, lo que ellos ya conocen, incluso mejor que yo. Quería recordarle a la gente lo que les estamos provocando a los niños cuando desatamos ese tipo de conflicto.

"Sin guerra ni paz" parece ser una descripción que mucha gente hace de la situación en ese lugar. ¿Puede aplicarse esta descripción a otros conflictos en el mundo?

Como yo lo veo, estos conflictos son típicos. Existen a un nivel nacional y son fáciles de controlar. Estos conflictos se constituyen en la mejor arma de un sector interesado. Supongo que estos grupos de interés existen en todo este tipo de conflicto.

Para comprender mejor la situación de Tedo en Tbilisi, ¿tienen los refugiados georgianos que vienen de Abjasia el mismo status legal en Georgia?

El argumento de la película se desarrolla a finales de los 90, un período muy duro para nuestro país. Después del llamado primer conflicto georgiano-abjasio en 1992, 300.000 personas se convirtieron en IDPs [Desplazados internos]. La mayoría encontró refugio en la capital Tbilisi. No había garantías sociales para ellos en ese momento. Luego de la última guerra con Rusia en agosto de 2008, el número de IDPs ha crecido en 80.000 personas. El gobierno se las está arreglando para brindarles los mínimos beneficios sociales, pero en el momento en que sucede la historia de Tedo no había esas garantías.

Para ir de Georgia al pueblo en Abjasia donde él espera encontrar a su padre, Tedo necesita cruzar un puente sobre un río (la frontera) vigilado por soldados rusos. ¿Cómo ve el rol de Rusia en este conflicto?

Rusia demostró su parcialidad en la última guerra, no fue solamente una fuerza pacificadora. Al final todo el mundo estaba convencido de que los abjasios no tenían nada que ver y que Rusia seguía sus propios intereses en la región. Los territorios que eran casi la razón de que comenzara el conflicto con los abjasios están controlados actualmente por las fuerzas armadas rusas. Abjasia se ha encontrado con que es subsidiaria de Rusia. Existe el peligro de que la nación abjasia desaparezca pronto bajo la así llamada protección rusa.

¿Cuáles son los dos territorios que están separados por el puente que se sugiere en el título? ¿O es sólo una metáfora de la situación de los refugiados "separados" del resto de la población?

El puente realmente existe en el río Enguri, en la frontera administrativa entre Georgia y la República Autónoma de Abjasia (Así se llamaba en la época soviética). La historia de Tedo también es real. Pero el puente que aparece en la película también tiene un significado metafórico para mí.

Robo, drogadicción, prostitución, violaciones, ejecuciones y una falta casi total de compasión. La zona en la que se desarrolla la película parece ser tierra de nadie, sin ninguna protección de la ley o de las autoridades: es ésta la peor consecuencia de una zona que está en conflicto permanente?

Más allá de eso, la realidad es aún peor. Un montón de gente condenada, que perdió su futuro, sus casas, su tierra, su país natal. Las generaciones futuras que no pueden luchar contra esta crueldad debido a su temprana edad.

La conversación de los niños se relaciona con un paisaje con cebras, jirafas y leones: ¿es para mostrar que para un niño la única salida posible de esta realidad insoportable es a través de su imaginación? ¿o esta es una forma de establecer un paralelo entre las regiones en conflicto y la jungla donde sobrevive sólo el más fuerte?

Esta es la única salida para esos niños. Donde no hay lugar para uno en el mundo real, uno empieza a encontrar un camino en sus ilusiones.

El tipo de fotografía que usted eligió es oscura, con colores opacos y con poca luz solar (especialmente en las escenas donde la nieve lo cubre todo). Estas condiciones atmosféricas, ¿son un reflejo del estado de ánimo de los personajes?

Puede ser que la proyección que usted vio haya sido mala, y por eso encontró la película oscura. No era mi intención obtener esos resultados. Al contrario, pienso que la vida es maravillosa, a pesar de todo, la vida sigue…

¿La película deja un mensaje positivo, finalmente? ¿Espera que pronto haya alguna mejora en la situación?

Mi intención en hacer esta película era dejar una esperanza para la gente, a pesar de la sensación desesperanzada. Si lo conseguí o no, no lo puedo decir yo. Espero una mejoría en los eventos, pero no en un futuro cercano. Creo que los abjasios se darán cuenta de lo que están enfrentando en lugar de la libertad. Estoy seguro de eso.

¿Qué piensa del premio que le otorgó el jurado del Festival de Cine de París? ¿Este reconocimiento puede ayudarlo a encontrar un distribuidor que haga posible ver su película en el circuito comercial?

Estoy muy agradecido con los organizadores del Festival que consideraron esta película digna de ser vista allí. También estoy agradecido con el jurado por haber elegido mi película. Supongo que esto ayudará a la película, pero es mejor esperar y ver qué pasa.
Entrevista realizada por Adriana Schmorak Leijnse

George Ovashvili

George Ovashvili y Tedo Bekhauri

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Entrevista con Mathieu Denis

Mathieu Denis tiene lo que a él le gusta llamar "un trayecto estándar". Apasionado por el cine, desde su más temprana edad sueña con convertirse en realizador. Estudia cine en la Universidad de Quebec en Montreal y al final de sus estudios, "no sabiendo muy bien cómo navegar en esas aguas", se hace montajista. Los años pasan, Mathieu Denis vuelve a su primer deseo y realiza en 2006 el cortometraje "El silencio nos hará eco". Firma, un año más tarde, su segundo cortometraje "Código 13". En 2011, correaliza y coescribe su primer largometraje "Laurentie" con Simon Lavoie. La película se lleva el premio al mejor largometraje internacional en el Festival de Cine de Raindance, en Londres, y el premio a la mejor realización en San Petersburgo. "Laurentie" también tuvo una repercusión fuerte en su país de origen, ya que la película trata sobre la búsqueda identitaria de un joven quebequés. Aunque para su primer largometraje solista, Mathieu Denis repite, por así decir, el mismo tema, "Corbo" corre el riesgo de sorprender a más de uno por la precisión de su realización.
Con su segundo largometraje, el joven realizador nos hace descubrir acontecimientos notables y poco conocidos de la historia canadiense. Promediando los años '60, Jean Corbo se encuentra con dos miembros del Frente de Liberación de Quebec y decide participar activamente en el grupo. El F.L.Q y sus jóvenes activistas sueñan entonces con una nación independiente, la Quebec libre, muy lejos de la dominación británica que no les deja ninguna perspectiva de futuro. Jean y sus dos cómplices distribuyen panfletos, pegan slogans sobre las paredes de Montreal, mientras que se perpetran los primeros atentados en las administraciones canadienses. Jean Corbo, entonces de tan solo 16 años, avanza hacia su destino trágico: el de poner su primera y última bomba.

Estoy intrigada por el título de su primer largometraje " Laurentie", realizado junto con Simon Lavoie. ¿Puede explicarme su elección?
Utilizamos este título por dos razones. Si se dice "Laurentie" hoy a un quebequés, no sabe realmente lo que esto significa, pero piensa en St Laurent (un distrito importante de Montreal) y entonces esto hace alusión al territorio de Quebec. También había un grupo de intelectuales en los años '30, '40 y '50 que se pusieron a soñar con un Quebec libre y querían llamarla "La Laurentie". Eran de extrema derecha. Entonces, evidentemente, no utilizamos este título para avalar ese punto de vista, muy por el contrario, el título actúa más como un contrapeso a las personas que hablan de independencia, pero que hablan de eso en términos completamente obsoletos. Hoy en día, el debate de los independentistas hace caso omiso de aquello en lo que Quebec se ha convertido. Pienso que hay que encontrar un medio de contemplar nuevas discusiones sobre la independencia, pero pensando en la Quebec actual y no en la de los años '30.

¿Usted piensa que los quebequeses sufren actualmente de una crisis identitaria?
Los quebequeses no se definen a sí mismos, actualmente no saben con exactitud quiénes son. Esto genera un gran sufrimiento, Quebec es la sociedad que registra la tasa más alta de suicidios del mundo... Hay una lucha de afirmación nacional, pero en dos ocasiones los quebequeses dijeron "no" al referéndum sobre la independencia. La continuación lógica habría sido la de abrazar la cultura canadiense, ¡asumamos, entonces, que somos canadienses! No es eso lo que pasó, los quebequeses continúan considerándose y sintiéndose diferentes.
Hoy día, estamos perdidos, no somos quebequeses, no somos canadienses, entonces, ¿qué somos? Esto genera sufrimiento y dificultad en relación a la inmigración, por ejemplo. Esta dificultad, este miedo a la inmigración, proviene, para mí, de este problema de identidad. Los quebequeses, no sabiendo quiénes son, se sienten amenazados por la llegada de nuevas personas con una identidad clara. "Laurentie" abordaba estos interrogantes a través de un personaje emblemático de este quebequés de hoy que tiene miedo.

Usted sufrió eso también, imagino, porque es su segunda película que aborda la cuestión de la independencia y que nos habla de una búsqueda identitaria.
Sí. Quebec, para mí, es un adolescente de 35 años de edad que vive en él subsuelo de sus padres. En los años '60, los quebequeses eran todavía considerados ciudadanos de segunda. Todas las colonias conocidas se liberaron, reclamaron su independencia, pero Quebec, no. Canadá liberó a los quebequeses. Este recorrido histórico, a través del cual jamás colectivamente hemos dicho "nosotros somos", generó una ligereza identitaria. O bien nos asumimos y reclamamos nuestra independencia, o bien somos canadienses y pues renunciemos a una parte de nuestra cultura. Yo no veo otra opción.

Es tu primer largometraje individual, escogiste escribir un guión sobre la historia de Jean Corbo y el F.L.Q. ¿Por qué la decisión de contar esta parte de la historia canadiense?
No es tanto una película sobre el F.L.Q como sobre Jean Corbo. Jean encarna, para mí, esta ligereza identitaria y esto hizo eco con lo que observo hoy. Él queda tironeado entre su herencia italiana y su herencia quebequesa y pues necesitó escoger, afirmar quién es, decidir. Encontré también interesante estudiar el contexto que incitó a estos jóvenes a tales actos. No quería condenarlos sin buscar comprender. Me gustaba también esta impresión de aquella época de que todo era posible, que todavía podíamos cambiar el mundo… y hemos perdido esto completamente hoy en día. Somos una generación medianamente cínica y descomprometida. Descubriendo lo que estos jóvenes habían hecho, encontré esto pertinente de decir: hoy no estamos obligados a decir "bueno, bah, es así".

Tu película transcurre en los años '60, pero es terriblemente actual cuando se piensa en los jóvenes que se enrolan, en el mundo entero, en organizaciones terroristas...
También tenía ganas de hablar de eso. Algunas personas me dicen, viendo mi película " Con esto abres una caja de Pandora, no hay que hablar de esto, hay jóvenes que van a verlo y que van a decirse: bah, yo también voy a ir a poner bombas"... Pero no podemos contentarnos con decir que la gente del F.L.Q eran solo unos locos de atar y negarnos a intentar comprender cómo llegamos a tales extremos. Con esta actitud, nos condenamos a que tales grupos existan y resurjan de todas partes. En mi película, estas personas vivían en un mundo donde sus horizontes estaban completamente obstruidos, los quebequeses francófonos no tenían acceso a la educación superior y ganaban sueldos de hambre. Estos hechos generaron sufrimiento y cólera. Hoy día, hay que tratar de comprender esta cólera actual, no viene de la nada. Tenía ganas de hablar de eso también, porque pienso que Quebec está próximo a ver aparecer de nuevo este tipo de grupo extremista. Está escrito en el cielo que esto va a volver... Solo se está colocando la tapa sobre la olla.

Tu película relata hechos históricos y usted hizo numerosas investigaciones. ¿Cómo trabajó con sus actores?
Antony tenía 15 años cuando rodamos la película (Antony Therrien, el intérprete de Jean Corbo). Quedé impactando haciendo mi investigación, de ver hasta qué punto la gente del F.L.Q eran jóvenes. Era un aspecto terminante para mí. Pues era importante encontrar actores que tuviesen la edad de sus personajes. Pienso que hay una cierta ingenuidad y una inocencia que se pierde al envejecer. Evidentemente, los actores no conocían estos acontecimientos, pues sí, vieron películas y leyeron libros para comprender el período que iban a tener que interpretar. Para mí, era más importante abordar la película desde un punto de vista humano e íntimo. No quería sosias de los personajes históricos, quería ver la esencia de estos personajes, quería encontrar actores que encarnasen y llevasen esto en sí mismos. Luego, a través de cada una de las escenas, abordábamos las cosas desde un punto de vista dramático y humano, cómo el ser humano se siente en aquel momento, y no cómo el personaje histórico habría reaccionado. Trabajábamos mucho las apuestas dramáticas con los actores.

¿Ensayó mucho?
Sí mucho. Durante el rodaje, siempre hay una segunda escritura con los lugares, los trajes… Llego siempre muy preparado, pero puedo echar todo a la cesta de la basura. Si algo más verdadero y más interesante surge, seguimos totalmente esta nueva dirección.

¿Qué películas le han inspirado en sus elecciones de puesta en escena para "Corbo"?
Sabía que no quería una película anecdótica, que sólo hablara de un acontecimiento pasado. Quería que fuera algo contemporáneo. Tuve ganas de abordar la película con este espíritu, no quería reproducir la estética de las películas de época: cámara al hombro, granulado... Sin embargo las películas que me inspiraron no son verdaderamente recientes. Está "Adiós a los Niños" de Louis Malle. Quería recobrar esta rectitud humana y esta sencillez. También está "Desierto Rojo" de Michelángelo Antonioni, "Yi yi" de Edward Yang y "El Destierro" de Andrei Zviaguintsev. En la película de Antonioni existe un repliegue, un freno, no estamos siempre cerca de los personajes. Yo tampoco quería que estuviésemos cerca de ellos, no quería hacer de Jean, un mártir. Amo a mis personajes, no quería condenarlos, pero no quería glorificarlos o que uno se identificase con ellos. Además, soy una persona con un cierto pudor. Estas elecciones de puesta en escena son próximas a mí. Para la película de Zviaguintsev, me gusta la puesta en escena fluida y es una película sumergida en una melancolía. Tenía ganas de recobrar esta melancolía en mi película, porque en la historia de Jean, hay algo interrumpido, es como este aspecto de la historia de Quebec que queda actualmente en suspenso... Me dijeron sobre la película " hay una nostalgia de un futuro que jamás llegó". Me gusta esta expresión.

¿Cuál es su película preferida?
Pregunta difícil porque esto cambia... La película que más me marcó y que continúa inspirándome es "Platform" de Zhang-ke Jia.

¿Una frase que podría resumir a"Corbo"?
Es una frase de René Lévesque: " el terrorismo no es una enfermedad en sí, es el síntoma de una enfermedad".

"Corbo" recibió una acogida muy calurosa en Festival Internacional de Cine de Vancouver, sin haber sido, para nuestro gran pesar, seleccionada en una de las categorías del festival.
En Quebec, el estreno comercial de "Corbo" está programado para marzo de 2015.
La película prosigue hoy su camino hacia los festivales europeos.

Entrevista realizada por Maud Ducré Pugliese durante el Festival Internacional de Cine de Vancouver 2014

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Entrevista a Antonello Novellino

Antonello Novellino nace en Cava de Tirreni (Italia) y se licenció en Antropología por La Sapienza de Roma. Ha dirigido los cortos "Intercambio", "La pianta", "Dietro le cose" o "White pages". Es uno de los seis directores de la coproducción hispano-argentina "Bluelips", presentada en el pasado Festival de Cine de Valladolid, en la sección "Punto de Encuentro", donde ha sido muy bien recibida. Una obra ágil, bien narrada que muestra la calidad de toda una nueva generación de nuevos realizadores. Novellino es el director de la historia titulada "Vittorio", una de las más emotivas y profundas de este conseguido film coral.

¿Qué hace un director italiano en el cine español? ¿Cómo ha sido trabajar en España?
Sobrevive! (Es una broma). Hace ocho años que vivo en España y he producido y dirigido muchos trabajos aquí. Me gusta mucho vivir en Madrid, es la ciudad donde creo que he puesto mis raíces actualmente. Grabar en Pamplona en Sanfermin fue una locura, pero la organización de nuestras productoras, Maitena y Candela, nos ha permitido poder rodar en condiciones. Grabar en la fiesta le da a la película un realismo increíble, no es un documental, es ficción, pero con un fondo real que es la fiesta.

"Blue Lips" es su primera incursión en el largometraje. ¿Qué tal la experiencia?
Soy el director de una parte, del personaje italiano, Vittorio, el de las partes en codirección con otros de los directores de Blue Lips. La experiencia positiva, fue un aprendizaje y un logro grabar el film. He aprendido mucho del equipo, de las productoras y de los otros directores, confrontando nuestras ideas en la realización del proyecto.

¿Cómo surge la idea de su historia "Vittorio"? Junto a "Sagrario", su historia es seguramente la más dramática de "Blue Lips", con un personaje atormentado por tragedias familiares de las que no conocemos del todo los orígenes.¿Por qué este lado dramático?
La idea viene ya hecha. El guion es de Amaya y David, y la idea original era para otro de los directores del grupo de amigos que se conocieron en Los Angeles. Finalmente, cuando él no pudo grabar la parte de Vittorio, me contactaron de Cronopia por grabar su parte. Yo te puedo decir que he aportado al personaje. Lo primero: elegir a Simone Castano en el papel. Simone es un actor teatral, ha hecho poco en cine, pero, al verlo en foto, dije "Es él!" y fui a Matera, en el sur Italia, a conocerle y a grabar un corto para ver que tal y sí, era él que estaba buscando. Es un actor fenomenal y no puedo imaginar otro "Vittorio". Segundo: grabando a Matera con Simone con las productoras decidimos cambiar la ciudad de Vittorio, que en origen era Roma, por Matera, le daba al personaje aun mas dramatismo, una ciudad antigua, preciosa, de piedra, con este sabor a antiguo y como que el tiempo se ha parado, y así es la historia de Vittorio, atrapado en su pasado, las escenas grabada en Matera son como fotografías del pasado de Vittorio, son escenas estáticas, sin movimientos de cámara, son planos generales que se cierran siempre más hasta un plano muy cerrado de la mirada di Vittorio. Matera es una ciudad de piedra amarilla, esto le da un tono duro, de una tierra dura. Decir también que esta ciudad fue elegida capital de la cultura de 2019. Tercero: Los dialogos. Recortè mucho los dialogos, casi no habla, no es necesario, es un personaje cerrado, no se relaciona mucho con lo demás. Observa. Cuatro: El vestuario. Pensado junto a Aiora Ganuza, nuestra jefa de vestuario. Vittorio anda vestido de negro, es una mancha negra en el blanco de Sanfermin. Pero sus colores se van aclarando en el trascurso de su historia. Es negro también en contraste con Oliver que viste de blanco. Podría seguir contándote de toda las partes pero creo que con esto va bien, ¿no? Vittorio es un personaje dramático y bellísimo,

¿Cuál es su tipo de cine favorito? ¿Qué le gustaría rodar?
¡A mi gusta el Cine! Te puedo decir que directores me gustan Fellini, Greenaway, John Frankenheimer, Kalatozov, Sam Fuller, Sergio Leone, Parajanov, Billy Wilder, Russ Meyer, Hitchcock, Pietro Germi, Ferreri, Berlanga, Julio Medem, Miyazaki, Terry Gilliam, Wes Anderson, Chaplin, Peter Weir, John Carpenter, Elio Petri, Spike Lee, Mario Monicelli y muchos más. Y me gustaría poder hacer películas que se acerquen, aunque sea solo un poquito, a las grandes obras de estos directores. Me gustan mucho las películas de género

¿Cómo se ha coordinado con el resto de sus compañeros directores para dar esa sensación de coherencia y uniformidad a la historia?
Trabajando mucho antes del rodaje tramite skype e mail, confrontándonos, sabíamos que era un trabajo de equipo, y en parte viene también da nuestro equipo, al compartir equipo entre nosotros, el director de foto, los montadores, arte y lo demás han ayudado a que la película sea uniforme. También el respeto y la amistad que tenemos ahora, o será que tenemos poco ego todos :)

¿Dónde trabajará en un futuro, en España, en Italia? ¿Cómo ve la situación cinematográfica en ambos países?
Yo trabajo en España desde hace años, trabajo poco en Italia. Y la situación la veo complicada, es siempre más complicado sacar adelante proyectos, aunque se inventan soluciones. El cine no puede contar solo con la ayuda pública, aunque esta es muy importante o no habría mucho del cine español que existe, habría que ver como hacen otros países donde el cine tiene éxito dentro y fuera del país, como Francia y UK, y entender dónde está el problema. Italia esta hasta peor, hay grandes producciones, como La gran bellezza, y no hay mucho más, ya no es el cine Italiano de hace tiempo. Lo que veo ahora es que están empezando a trabajar muchos nuevos directores, que llegan de videos en internet o de pequeños cortos autoproducidos, tienen éxito, jóvenes productores como Matteo Rovere y su Ascent Film estan produciendo a jovenes directores de talento realizando películas muy buenas que espero levanten un poco el cine nacional, como por ejemplo "Smetto quando voglio" di Sydney Sibilia o "La foresta di ghiaccio" di Claudio Noce o videomaker desde youtube como son The jackal, the pills o Giancarlo Fontana y Giuseppe Stasi.

¿Cuáles son sus proyectos cinematográficos?
Muchos. Actualmente estoy acabando varios proyectos pendientes: la producción y el montaje del nuevo corto de Ivan Ruiz Flores, "Teatro", y estoy en preproducción con un corto, "Hasta Luego Cariño", producido da Zampano que ha recibido el ICAA. Estoy escribiendo un guion nuevo con Antonio Quintanilla con el cual realicé el corto "Intercambio" hace unos años

Entrevista realizada por Carmen Pineda

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Entrevista a Nacho Ruipérez

Nacho Ruipérez es uno de los directores de la película coral "Bluelips", coproducción hispano-argentina, recientemente presentada en el Festival de Cine de Valladolid, en la Sección Punto de Encuentro, con gran éxito. Ruipérez es el autor del capítulo "Sagrario", excelentemente realizado e interpretado soberbiamente por la actriz Mariana Cordero. Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Escuela Politécnica Superior de Gandía, estudió Arte Dramático y Música y ha dirigido varios cortos. Ruipérez nos habla de "Blue Lips" y de su participación en dicho film.

¿Cómo se incorpora al proyecto de "Blue Lips"?
Leí la convocatoria que lanzaba la productora Cronopia Films, buscaban al 6º director para su próxima película y se trataba de un proyecto de talante colectivo. Los demás directores ya se conocían por su estancia en la escuela de cine de Los Ángeles y yo me incorporé a través de una especie de concurso. Primero hubo que entregar un vídeo como presentación y de ahí la productora eligió a 7 candidatos a quienes nos pidieron rodar una secuencia de la película que mostrara a la audiencia cómo sería nuestra propuesta de dirección. De alguna manera, si estoy en la película es gracias a toda la gente que votó mi trabajo y también al grupo de amigos con quienes lo rodé.

¿De dónde surge la idea de su historia "Sagrario"?
La idea vino ya muy elaborada por parte del estupendo guion que escribieron Amaya Muruzábal y Daniel Mediavilla, Sagrario es una mujer solitaria que perdió a su marido tiempo atrás y de pronto se enfrenta a su fantasma al introducirse de nuevo en la festividad de los Sanfermines. De un modo simbólico, Sagrario representa la ciudad de Pamplona, lugar donde todos los personajes van a parar por diversos motivos, por lo que podríamos decir que se trata de una especie de madre suprema. Mariana Cordero y yo pasamos mucho tiempo hablando de ella y de su peso en la historia, y pienso que fruto de esas conversaciones con la actriz y las productoras ha quedado un personaje complejo y maravilloso en la película, lleno de vida a pesar de tener que soportar la pérdida de un ser querido. Creo que este es uno de sus rasgos más característicos: la fortaleza.

¿Cómo consiguió contratar a Mariana Cordero, una de las mejores actrices españolas de la actualidad?
En realidad fue más complicado en la primera fase, pues teníamos que rodar una especie de cortometraje pero que tampoco era exactamente un cortometraje, sino una secuencia de una película cuyo guion aún no estaba en nuestras manos y que nos permitiría ser candidatos a ambos a acceder al equipo artístico de la misma. Dicho así suena más a un juego que al hecho de rodar una película en el sentido convencional, pero es que "Blue Lips" tiene una parte muy lúdica y así lo entendió Mariana y supongo que es también lo que la empujó a hacerlo, de la misma manera que nos atrajo a los directores. No era una película tradicional, este era su punto más atractivo y diferenciador, y todos nos dejamos seducir por esta manera tan novedosa de hacer cine.

¿Sus cortos han sido premiados en numerosos festivales internacionales? ¿Piensa que los festivales son un trampolín fundamental para los directores nóveles? ¿Qué espera de Valladolid?
Sí, por supuesto. Los festivales son una parte muy importante en la cadena del A.D.N. de una película, ya sea un corto o un largometraje: sirven de encuentro para muchos amantes del cine y para profesionales del medio, son un altavoz perfecto de las películas hacia su futura audiencia y, por si fuera poco, posibilitan acceder a un tipo de cine que, de no ser por los festivales, sería difícil o directamente imposible encontrar en cines convencionales. De Valladolid espero ver buen cine y compartirlo con colegas del sector, disfrutar junto al público también de nuestra película y, de paso, comer bien y disfrutar de un buen vino con buena compañía... ¿pido mucho?

Si no estoy equivocada, imparte clases de cine en Valencia. ¿Seguirá compaginándolo con la dirección cinematográfica?
Sí, siempre que la agenda lo permita. Dar clases es una de las actividades más estimulantes que he hecho en la vida. A veces incluso más que el propio hecho de hacer cine. Los alumnos están muy despojados de los miedos y de los prejuicios que arrastramos nosotros y eso te enseña muchas cosas a ti también. Para seguir creando es importante dejarte contagiar casi como si fueras un vampiro de esa energía vital y renovadora. Si todo va bien, dentro de muy poco abriremos en nuestro estudio Virtual Art una escuela de guion, algo de lo que ahora mismo Valencia carece.

¿Qué tipo de cine le gustaría realizar en un futuro?
De todo tipo, aunque preferiblemente de Género pero con un toque personal. Y, a ser posible, algún proyecto más de corte experimental en la línea de "Blue Lips", que es un alimento perfecto para el alma.

¿Cómo ve la situación del cine español en la actualidad?
Igual que la economía, o sea, mal. No podemos depender íntegramente de la ayuda pública, pero sin esa ayuda directamente no existiríamos. Es por ello que la gente se las está ingeniando de mil maneras para poder sacar una película adelante, y yo lo admiro muchísimo, es un trabajo realmente creativo, el productor de cine ya no es ese tipo del puro que todos hemos visto alguna vez parodiado, ahora hay gente con muchas ganas y rebosantes de originalidad con la que defender un proyecto y sacarlo adelante, y eso merece el reconocimiento y el aplauso de todos los que siguen amando el cine. El tema es que, cuando el barco se hunde, al primero que lanzan por la borda es al músico, ahora bien: ¿alguien se ha parado alguna vez a pensar cómo sería una sociedad sin música?

¿Tiene algún proyecto inminente de rodaje?
En estos momentos me encuentro en la fase inicial de dos largometrajes: un thriller ambientado en la Barcelona de los años '60 y una película de animación para público familiar.

Entrevista realizada por Carmen Pineda

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