LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (5) - Cinecritic

LA INFLUENCIA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL CINE (QUINTA PARTE)

Por Adriana Schmorak Leijnse

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En esta quinta y última parte desarrollaremos el tema de la relación entre cine y pintura en el posmodernismo. Como epílogo incluiremos un apartado sobre biopics de artistas célebres, ordenados cronológicamente según su año de producción.

Pintura y cine posmoderno
El cine, la pintura y la literatura entraron en el posmodernismo en el año 1979, con la publicación de "La Condition Postmoderne. Rapport sur le savoir" de Jean-François Lyotard, y continúan desarrollándose hasta la actualidad. Sus características se asemejan y se interrelacionan. Por eso, en este artículo, hablaremos específicamente de las características del cine posmoderno y de cuatro de sus representantes: Peter Greenaway, David Lynch, David Cronenberg y Lars Von Trier.
El posmodernismo se define por su oposición a la estética y a los valores de la modernidad, que creía en la idea de progreso, de conocimiento mediante la razón y en la posibilidad de alcanzar un conocimiento objetivo y total. Para el posmodernismo la única verdad posible es la subjetividad y, por ende, la realidad no viene dada sino que es una construcción personal y social.
A la época moderna, marcada por los grandes ideales, le siguió la posmoderna, de descreimiento y auto-ironía, de negativa a crear por considerar que no queda nada nuevo por ser inventado, entonces sólo queda el collage, el montaje y el intertexto como estilos creativos. En otras palabras, solo queda el reciclado y el pastiche, conceptos que ya se manifestaban fuertemente en los ready-made y en los fotomontajes dadaístas. El cine posmoderno está basado en el eclecticismo y en la mezcla de estilos ya creados, y se define por la tolerancia, la diversidad y los temas considerados tabús por la sociedad moderna.

Algunas características del cine posmoderno:

Alteración de la estructura clásica temporal. Se intenta romper con el tiempo lineal y la lógica narrativa clásica. Se invierte la relación causa-efecto, se presentan acciones en diferentes momentos y lugares como si fueran simultáneas o sucedáneas, se mezclan formatos y efectos de montaje (Quentin Tarantino, Christopher Nolan, Francis Ford Coppola, Oliver Stone, Sam Mendes)
Se mezclan diferentes géneros en una misma película (Joel y Ethan Coen)
El realizador ya no tiene interés por mostrar una realidad creíble, evidenciando la naturaleza artificial del cine por medio de una iluminación, escenografía, vestuario o maquillaje artificiosos. (Rob Marshall, Woody Allen, Pedro Almodóvar)
Ruptura de la llamada "cuarta pared" que separa la obra proyectada (cine) o representada (teatro) del espectador. Son los casos en los que, por ejemplo, un personaje "escapa" de la pantalla para interactuar con un espectador dentro de la película. También cuando un narrador o un personaje apela al público directamente, observando a cámara. (Woody Allen, Roman Polanski, Peter Weir). Recursos del lenguaje cinematográfico que tienden a desvanecer los límites entre realidad y ficción (David Lynch, Arnaud Desplechin, François Ozon, Alejandro Amenábar).
Deconstrucción de los esquemas sociales y familiares modernos, así como de los convencionalismos y tradiciones culturales (Sam Mendes, Pedro Almodóvar)
Intertextualidad: relación y diálogo de un texto con otros. La obra intertextual es aquella que utiliza imágenes, expresiones, temas, rasgos, citas, personajes, recreaciones, referencias, ironías o alusiones de cualquier otro tipo de texto, ya sea literario, teatral, cinematográfico o pictórico (David Lynch, David Cronenberg, Peter Greenaway, Pedro Almodóvar)
Intratextualidad: es la relación entre textos del mismo autor. El mismo autor literario o cinematográfico introduce elementos o personajes pertenecientes a obras propias anteriores, estableciendo una especie de autorreferencia (David Lynch, Woody Allen, Lars von Trier)
Metatextualidad: el lenguaje cinematográfico se convierte en protagonista. El cine posmoderno cita, ironiza, critica, parodia al propio cine, convirtiendo al lenguaje cinematográfico en su propio referente (Martin Scorsese, David Lynch, David Cronenberg, Wes Craven, Leos Carax, Jay Roach)
Desmistificación de los héroes o humanización de los mismos (Alejandro González Iñárritu, Christopher Nolan)
Montaje rápido -sucesión rápida de planos cortos- y utilización de sobreimpresiones, fusión de imágenes y Split Screen para dar la idea de collage, pastiche o montaje dentro de un plano (Peter Greenaway, Darren Aronofsky, Danny Boyle, Curtis Hanson)
Visión pesimista o desencantada respecto a la realidad cotidiana. Nihilismo reflejado en los finales abiertos o trágicos (Quentin Tarantino, Jim Jarmusch, Ang Lee, Arnaud Desplechin, Yorgos Lanthimos)
Creación de seres, existencias o estados que superan a los reales (Matteo Garrone, Guillermo del Toro, Christopher Nolan, David Cronenberg)
Hiperrealismo: Nuevas tecnologías destinadas a anular en el espectador la distinción entre realidad y ficción, tales como los dispositivos de Realidad Virtual (VR), IMAX, proyecciones 3D, 4D, etc. (James Cameron, Tim Burton, Andy y Larry Wachowski, Adam Wingard, Guillermo del Toro, Christopher Nolan, Ang Lee, Alejandro Amenábar)
Priorización del aspecto estético de una película por encima del contenido (Peter Greenaway, Derek Jarman, Ang Lee, Baz Luhrmann, Todd Haynes, Nicolas Winding Refn, Hayao Miyazaki)
El sexo y la violencia son mostrados sin tapujos. También hay tendencia a utilizar un vocabulario soez sin censura y no se ocultan las pasiones desenfrenadas y los tabúes sociales como las drogas, la antropofagia y otras situaciones humanas extremas (Peter Greenaway, Yorgos Lanthimos, David Cronenberg, Quentin Tarantino, Arnaud Desplechin, Luc Besson, Paul Verhoeven, Danny Boyle)
Plasmación de las preocupaciones de la actual aldea global, como la multiculturalidad, la diversidad sexual, nuevos tipos de familia y la ecología (Pedro Almodóvar, Alejandro González Iñárritu, Frank Oz, Luca Guadagnino, Todd Haynes, Ang Lee, James Cameron)
Popularización de los remakes, secuelas y continuación de sagas, así como adaptaciones de obras de medios artísticos populares como el cómic, la televisión y el videojuego (Martin Scorsese, Luca Guadagnino, Paul Anderson, Tim Burton, Quentin Tarantino, Sam Mendes, Joseph McGinty Nichol)
Relativización y distanciamiento moral que llevan a diluir los límites entre héroe y villano, o a convertir a este último en un personaje atractivo para el público, sin ningún juicio de valor por parte del director (Jonathan Demme, Quentin Tarantino, Alejandro Amenábar, Pedro Almodóvar, Alex de la Iglesia)
Sustitución de los grandes relatos, es decir, de relatos abarcadores, trascendentales y universalizantes, que intentan organizar y explicar la realidad como una totalidad, por "pequeños relatos", lo cotidiano, las historias simples (David Lynch, Aki Kaurismäki, Greta Gerwig, M. Night Shyamalan, Carlos Sorín, Damián Szifrón)

Peter Greenaway y su fusión entre cine y pintura
El cineasta galés, Peter Greenaway se formó como pintor durante cuatro años en el Walthamstow College of Art. The Falls, su primer largometraje ambientado en un futuro que sufre una terrible catástrofe, fue estrenado en el Reino Unido en 1980, y aunque no tuvo distribución más allá de su territorio, el filme le permitió a Greenaway emprender su larga carrera cinematográfica.
The Draughtsman's Contract (1982), nominada al León de Oro en Venecia, le valió el reconocimiento internacional como un cineasta original; su consolidada reputación llegó con The Cook, the Thief, his Wife & her Lover (1989), Prospero's Books (1991), The Baby of Maçon (1993), The Pillow Book (1996), 8 ½ Women (1999). Recientemente, Greenaway filmó en México Eisenstein in Guanajuato (2015), biopic sobre el legendario cineasta ruso que en 1930 estuvo en territorio mexicano. Además Greenaway ha escrito libretos de ópera y colaborado con compositores y músicos como Michael Nyman, Philip Glass, Louis Andriessen, Borut Krzisnik y David Lang, entre otros.
Sus películas, en particular A Zed & Two Noughts (1985), The Belly of an Architect (1987) y Nightwatching (2007) evidencian una marcada influencia de la pintura renacentista y barroca en los decorados, en las temáticas, en las referencias históricas y artísticas, y en la firmeza de la composición y del encuadre, en la iluminación. Son constantes las referencias a pintores como Caravaggio, Rubens, Vermeer y Velázquez. En Nightwatching, la referencia a la pintura de Rembrandt van Rijn es inmediata. En The Belly of an Architect hay una línea directa que comunica la arquitectura de la Roma antigua, la arquitectura renacentista y el Neoclasicismo de Étienne-Louis Boullée.
Hay representaciones en Tableaux Vivants de pinturas de Vermeer en A Zed & Two Noughts, así como también referencias a sus obras en algunos diálogos. Por ejemplo: Alba, la amante de los zoólogos gemelos Oliver y Oswald Deuce, regala una reproducción de "Mujer en azul leyendo una carta", obra de Vermeer de 1662 a 1665. En otra escena, los gemelos aparecen desnudos frente a dos cuadros de Vermeer que representan a dos hombres de ciencia: "El astrónomo" (1668-1669) y "El geógrafo" (1668-1669).
Pero no solo eso, Greenaway intenta durante todo el film mantener un encuadre y una iluminación afines a los utilizados por Vermeer en sus pinturas. El objetivo de Greenaway ha sido claro desde hace varios años: disolver las fronteras entre las disciplinas artísticas para desarrollar un género que "permita fusionar pintura y cine en virtud de las referencias y asociaciones cruzadas", sentenció Greenaway en una conferencia celebrada en 2010 en Berkeley, donde se centró principalmente en los límites del cine.

"Inland Empire". David Lynch, 2006. Intérpretes: Laura Dern (Nikki Grace/Sue Blue), Jeremy Irons (Kinsley Stewart), Justin Theroux (Devon Berk/Billy Side), Harry Dean Stanton (Freddie Howard) y Julia Ormond (Doris Side)
La historia de "Inland Empire", compleja y con tintes pesadillescos, habla sobre un filme, sobre una actriz y sus conflictos matrimoniales. Habla sobre el mundo del cine, hecho de reflejos y engaños, de creación de una realidad paralela, especular, donde pasado, presente y futuro se actualizan constantemente.
La narración desarrolla distintos niveles argumentales entremezclados, sin aclarar nunca los nexos lógicos entre ellos. Abunda en primeros planos expresionistas (especialmente de Laura Dern), el sonido es distorsionado y envolvente, y los efectos especiales producen un gran impacto visual.
David Lynch recurrió a una serie de técnicas surrealistas para la creación de esta película, como la autonomización de planos, la suspensión del tiempo lineal, la supresión de las transiciones en los encadenamientos de secuencias y, principalmente, la fusión del mundo consciente y del mundo de los sueños, provocando confusión en el espectador entre ficción y realidad.
El humor, la ironía y el absurdo, reflejados en las numerosas escenas cómico-grotescas, son elementos heredados del surrealismo pero también de las figuras caricaturescas, grotescas y deformes del expresionismo alemán y de pintores más contemporáneos, como Francis Bacon.
Se percibe, asimismo, la influencia de clásicos del cine como "Un perro andaluz" (1925) de Luis Buñuel, "Ocho y medio" (1963) de Federico Fellini, "Sunset Boulevard" (1950) de Billy Wilder, "Persona" (1966) de Ingmar Bergman y "Vértigo" (1958) de Alfred Hitchcock. Lynch tomó la escena de la familia con cabeza de roedor de una serie de cortos de terror que él mismo produjo y dirigió para la Web en 2002.

Obras pictóricas que contribuyeron a la estética de "Inland Empire":

David Hockney: "Henry Geldzahler & Christopher Scott", 1969, acrílico s/tela, colección privada.
René Magritte, "Le Principe du plaisir", 1937, óleo s/tela, colección privada
René Magritte, "La réponse imprévue", 1933, óleo s/tela, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas.
Edward Hopper: "Room in New York", 1932, óleo s/tela, Sheldon Museum of Art, Lincoln, Nebraska, EEUU.
Francis Bacon: "Study for a Portrait", 1952, óleo y arena sobre lienzo, Tate Britain, Londres.
Francis Bacon: "Portrait of a Man with Glasses III", 1963, óleo y arena sobre lienzo, colección privada.
Francis Bacon: "Female nude standing in doorway", 1972, óleo y pastel s/ tela, Centre Pompidou, Paris
Francis Bacon: "Seated Figure", 1961, óleo s/tela, Tate Liverpool, Liverpool.

"Naked Lunch" (1991) de David Cronenberg. Intérpretes: Peter Weller (William Lee), Judy Davis (Joan Lee/Joan Frost), Ian Holm (Tom Frost), Roy Scheider (Dr. Benway), Julian Sands (Yves Cloquet).
El guión de "Naked Lunch" está basado en la obra homónima de William S. Burroughs, la cual tiene una larga y siniestra historia de fondo. En 1951, en la época cuando vivía en México, durante una jornada de alcohol y drogas, Burroughs disparó en la cabeza a su mujer Joan Vollmer mientras jugaban al "William Tell". Huyendo de una pena de prisión, Burroughs escapó a Tánger, ciudad importante de Marruecos donde, en los años '50, era fácil el acceso a las drogas y al mundo de la prostitución. Allí escribió "The Naked Lunch" bajo la influencia del majoun (una sustancia preparada a base de marihuana) y Eukodol, un opioide alemán.
El personaje principal del libro y de la película, William Lee, es el alter ego de Burroughs. Cronenberg muestra en su adaptación de la pieza literaria, que Burroughs tenía pánico de aceptar su homosexualidad y de haber asesinado inconscientemente a Joan Vollmer por ser un impedimento para cumplir sus deseos homoeróticos. Además, que su obsesión con la máquina de escribir denotaba terror a la página en blanco. Esos miedos surgían del inconsciente del escritor, liberados por las sustancias psicotrópicas, y eran desde allí vertidos en sus textos.
En la película de Cronenberg, una historia que analiza racionalmente un universo irracional, la máquina de escribir aparece transformada en un ser viviente y monstruoso, insectos y extrañas criaturas muestran los más bajos instintos humanos, un personaje masculino vive oculto debajo de un disfraz de mujer; máquinas, bichos y humanos mutan, se transforman, se metamorfosean.
Como en el caso de Lynch, en la película de David Cronenberg asoman referencias a la literatura, al teatro, al cine y a la pintura. Los casos más evidentes son: la novela de Franz Kafka, "La Metamorfosis", de 1915, las piezas de teatro del absurdo de autores como Eugène Ionesco (1909 - 1994), Samuel Beckett (1906 - 1989), Harold Pinter (1930-2008) y Jean Genet (1910-1986), las películas surrealistas de Luis Buñuel y el cine negro norteamericano. Pero como nuestro interés se centra principalmente en las artes plásticas, listaremos a continuación algunas obras pictóricas que pudieron haber contribuido a la concepción estética del filme "Naked Lunch".

Hieronymus Bosch. "El Jardín de las Delicias", 1500-1505, óleo s/tabla. Museo del Prado, Madrid.
Otto Dix. "Wounded Veteran", 1922, acuarela y lápiz, colección privada.
Salvador Dalí. "El Gran Masturbador", 1929, óleo s/tela, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Salvador Dalí. "Construcción blanda con judías hervidas", 1936, óleo s/lienzo, Museo de Arte de Filadelfia, EEUU.
Meret Oppenheim. "Object", 1936, taza, plato y cuchara cubiertos con piel de animal, MoMa, New York, EEUU.
Max Beckmann. "Bird's hell", 1938, óleo sobre lienzo. St. Louis Art Museum, St. Louis, Missouri, EEUU.
Max Ernst, "La Toilette de la Mariée", 1940, óleo s/tela. Peggy Guggenheim Collection, Venecia, Italia.
Max Ernst, "The temptation of Saint Anthony", 1945, óleo s/tela. Lehmbruck Museum, Duisburg, Alemania.
René Magritte. "Le bouquet tout fait", 1957, óleo s/tela, colección privada.
Meret Oppenheim, "The Squirrel", 1960, vidrio, poliuretano, piel de animal. Museo de Israel, Jerusalem.
René Magritte. "Le fils de l'homme", 1964, óleo s/tela, colección privada.
René Magritte: "Man in a bowler hat", 1964, óleo s/tela, colección privada.
Francis Bacon. "Three Figures and Portrait", 1975, óleo y pastel s/lienzo. Tate Liverpool, Reino Unido.

"Melancholia" (2011) de Lars Von Trier. Intérpretes: Kirsten Dunst (Justine), Charlotte Gainsbourg (Claire), Kiefer Sutherland (John), Charlotte Rampling (Gaby), John Hurt (Dexter).
En las tomas en cámara lenta de la secuencia de apertura, Lars Von Trier rinde homenaje a cuatro maestros de la cinematografía mundial: a Ingmar Bergman con un primer plano de Kirsten Dunst, que remite a un plano similar de "Persona" (1966), a "L'année dernière à Marienbad" de Alain Resnais, con un jardín a la francesa pero, esta vez, con árboles y figuras humanas que proyectan tres sombras; rinde homenaje a "2001, Odisea en el Espacio" de Stanley Kubrick, con planetas que se mueven en el espacio al ritmo del preludio de "Tristán e Isolde" de Richard Wagner, al "Solaris" (1972) de Andrei Tarkovki, a través del óleo "Los cazadores en la nieve" (1565) de Pieter Brueghel el Viejo, cuya imagen también fue insertada por Tarkovski en su película, y a "El Espejo" del mismo director ruso, con la escena de objetos cayendo en cámara lenta y una fogata vista a través de una ventana. Toda la secuencia de apertura de "Melancholia" es un reflejo de la secuencia de apertura de "Anticristo" (Lars Von Trier, 2009), también filmada en cámara lenta, en una clara cita autorreferencial a su propia obra.

A lo largo de la película hay referencias a pinturas, algunas de las cuales mencionaremos a continuación:

Pieter Brueghel, "Los cazadores en la nieve", 1565, óleo s/madera, Kunsthistorisches Museum Wien, Viena, Austria.
Sir John Everett Millais: "Ophelia", 1851- 1852, óleo s/tela, Tate Britain, Londres
Edvard Munch: "The Storm", 1893, óleo s/tela, MoMa, New York, EEUU
Edvard Munch: "Separation", 1894, óleo s/tela, Munch Museum, Oslo, Noruega.
Edvard Munch: "Melancholy", 1894-96, óleo s/tela. Bergen Kunstmuseum, Bergen, Noruega.
Edvard Munch: "Young woman on the shore", 1896, óleo s/tela. Munch Museum, Oslo, Noruega.
René Magritte: "La condicion humaine", 1933, óleo s/tela. National Gallery of Art, Washington, EEUU
René Magritte: "L'empire des lumières", 1954, óleo s/lienzo, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas.
René Magritte: "Les mystères de l'horizon", 1955, óleo s/tela, colección privada.
René Magritte. "Le bouquet tout fait", 1957, óleo s/tela, colección privada.
René Magritte. "Le Banquet", 1958, The Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois
René Magritte. "La Bataille de l'Argonne", 1959, óleo s/tela, colección privada
René Magritte. "La grande guerra", 1964, óleo s/tela, colección privada.
Paul Delvaux: "Le Mirage", 1967, óleo s/tela, colección privada
Paul Delvaux: "Le sacrifice d'Iphigénie", 1968, óleo s/tela, colección privada.
Paul Delvaux: "La robe de mariée", 1976, óleo s/tela, colección privada
Paul Delvaux: "La route de Rome", 1979, óleo s/tela. Fundación Paul Delvaux, Saint-Idesbald, Bélgica

Vida y obra de artistas célebres:
Las películas que citaremos a continuación reflejan la vida y obra de artistas célebres. En algunos casos, la estética de se basa en el estilo del artista referido, en otros, hay un tratamiento más clásico de la puesta en escena. Los títulos pertenecen en su mayoría al género biográfico ficcional, más conocido como biopic, mientras que otros son documentales.

"Utamaro y sus cinco mujeres" (1946) es un filme japonés dirigido por Kenji Mizoguchi. Está basado en la novela homónima de Kanji Kunieda y protagonizado por Minosuke Bandô (Utamaro), Kinuyo Tanaka (Okita), Hiroko Kawasaki (Oran), Kyôko Kusajima (Oman) y Eiko Ohara (Yukie). Se trata de la vida de Kitagawa Utamaro, pintor de estampas japonesas de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Se especializó en escenas de la vida cotidiana y paisajes, además de retratos de mujeres en los que se resalta su sensualidad a través de un linearismo sinuoso. Una de las escenas clave de la película es aquella en la que Utamaro pinta directamente sobre el cuerpo de su modelo.

"Moulin Rouge" (Reino Unido, 1952) es un filme anglo-americano del género drama biográfico, dirigido y guionado por John Huston. Con José Ferrer como Toulouse-Lautrec, Zsa Zsa Gabor como Jane Avril, Suzanne Flon en el rol de Myriamme Hyam y Christopher Lee en el papel de Georges Seurat. Cuenta la vida del artista francés post-impresionista Henri de Toulouse-Lautrec y muestra la subcultura bohemia que giraba en torno al cabaret Moulin Rouge.

"Sed de Vivir" ("Lust for Life") es una película estadounidense de 1956, dirigida por Vincente Minnelli, con guión de Norman Corwin, basado en la novela homónima de Irving Stone. Este clásico biopic contó con la actuación de Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald y Pamela Brown.

"El Misterio Picasso" ("Le Mystère Picasso") es una película documental francesa de 1956, dirigida por Henri-Georges Clouzot, con música de Georges Auric. El filme busca retratar al artista Pablo Picasso en ejercicio de su proceso creativo. Clouzot muestra la producción de cerca de veinte telas, habiendo sido utilizado un vidrio transparente para exhibir la evolución de cada obra desde una hoja en blanco hasta la pincelada final, sin mostrar al artista. La película es en blanco y negro para las escenas que muestran dibujos a lápiz, carbonilla o pintura en esos tonos, y en color, para las pinturas al óleo. Aparecen en escena por breves momentos el propio Picasso, el realizador Henri-Georges Clouzot y el director de fotografía Claude Renoir.

"El tormento y el éxtasis" ("The Agony and the Ecstasy", Carol Reed, 1965), film que trata sobre la ejecución de los murales de la Capilla Sixtina por parte de Miguel Ángel, ostenta una aparatosa puesta en escena en la que la pintura y la arquitectura son protagonistas. El relato se sustenta casi exclusivamente sobre el enfrentamiento entre Miguel Ángel (Charlton Heston) y el papa Julio II (Rex Harrison).

"Caravaggio" (1986) largometraje británico dirigido por Derek Jarman, escrito por el mismo Jarman, Suso Cecchi d'Amico y Nicholas Ward-Jackson, y protagonizado por Nigel Terry, Sean Bean y Tilda Swinton. Se trata de una biografía ficcionalizada de la vida del pintor barroco Michelángelo Merici da Caravaggio. Jarman plantea un juego constinuo entre la vida real, el tableau vivant que los modelos forman para ser plasmados en la tela y el cuadro reproducido en la película. El resultado es una interpretación muy personal, por parte de Jarman, de la vida y obra del pintor italiano.

"Frida, naturaleza viva" (México, 1984) es una película dirigida por Paul Leduc, co-guionada por el mismo Leduc y José Joaquín Blanco, y protagonizada por Ofelia Medina como Frida Kahlo, Juan José Gurrola como Diego Rivera, Max Kerlow en el papel de León Trotski, Salvador Sánchez en el rol de David Alfaro Siqueiros, Claudio Brook como Guillermo Kahlo y Cecilia Toussaint en el rol de Cristina Kahlo. La historia se centra sobre la artista mexicana Frida Kahlo (1907-1954), sus dolorosos recuerdos de infancia, marcada por la poliomielitis, su terrible accidente de autobús en 1925, sus abortos involuntarios y sus cirugías recurrentes. Su matrimonio con Diego Rivera, su adhesión a las ideas comunistas y la relación con León Trotski, forman parte del argumento del filme.

"Camille Claudel" es un biopic de 1988 sobre la vida de la escultora del siglo XIX Camille Claudel, hermana del poeta, dramaturgo y diplomático Paul Claudel y musa de Auguste Rodin. La película está basada en el libro de Reine-Marie Paris, nieta del hermano Paul Claudel. Fue dirigida por Bruno Nuytten y protagonizada por Isabelle Adjani y Gérard Depardieu.

"Vincent & Theo" (1990) es un filme biográfico del director estadounidense Robert Altman, protagonizado por Tim Roth, Paul Rhys, Kitty Courbois y Wladimir Yordanoff. La historia se centra en Vincent Van Gogh y su hermano Theo. Fue realizado en formato de miniserie para la televisión, y una versión acortada de 138 minutos fue lanzada en las salas de cine. La historia se centra en el periodo comprendido entre 1883 y 1891, comenzando con la decisión de vincent de trabajar exclusivamente como artista y terminando con su muerte y la de su hermano, pocos meses más tarde.

"Basquiat" es una película biográfica estadounidense de 1996, dirigida por Julian Schnabel. Se basa en la vida y obra del artista del grafiti y el collage sobre telas, nacido en Brooklyn, Jean-Michel Basquiat.
Jeffrey Wright interpreta a Basquiat y David Bowie a Andy Warhol, su amigo y mentor. El reparto incluye también a Gary Oldman como Albert Milo (personaje ficticio, alter ego del director Schnabel), Michael Wincott como el poeta y crítico de arte René Ricard, Dennis Hopper como Bruno Bischofberger y Claire Forlani como la novia de Basquiat.

"El amor es el diablo: estudio para un retrato de Francis Bacon" ("Love Is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon") es un biopic producido en el año 1998 por la cadena televisiva BBC, sobre la vida y obra del pintor británico Francis Bacon (1909-1992). Fue dirigido y escrito por John Maybury y protagonizado por Derek Jacobi (Francis Bacon), Daniel Craig (George Dyer) y Tilda Swinton (Muriel Belcher). El film se centra en la complicada y trágica relación que establece con su máxima inspiración, George Dyer.

"Goya en Burdeos" es un filme español de 1999, escrito y dirigido por Carlos Saura, protagonizado por Francisco Rabal, Maribel Verdú y José Coronado, trata sobre la vida del pintor y grabador español Francisco de Goya, desde su exilio en Francia hasta su muerte. Fueron utilizados efectos especiales 3D y numerosos "tableaux vivants" que dan vida a algunos de sus cuadros.

"Pollock" es una película estadounidense del año 2000, producida, dirigida y protagonizada por Ed Harris. Los demás roles están a cargo de Marcia Gay Harden como Lee Krasner, Val Kilmer como Willem de Kooning y Amy Madigan como su mecenas, Peggy Guggenheim. El film narra la vida del principal representante del Expresionismo Abstracto, Jackson Pollock, desde que busca el éxito en el mundillo artístico en la década de 1940 hasta su muerte en 1956.

"Frida", largometraje dirigido por Julie Taymor y estrenado en el año 2002. Está basado en el libro de Hayden Herrera, sobre la vida de la famosa pintora Mexicana Frida Kahlo. Salma Hayek protagonizó y produjo la película. Además contó con las actuaciones de Alfred Molina (Diego Rivera), Geoffrey Rush (León Trotski), Ashley Judd (Tina Modotti), Mía Maestro (Cristina Kahlo) y Roger Rees (Guillermo Kahlo). La película relata la tormentosa vida de Frida Kahlo y la complicada relación su su marido, Diego Rivera, su controvertido e ilícito affaire con el político y filósofo ruso León Trotski. Se nos muestran momentos e impresiones de su vida que han quedado reflejados en sus obras.

"La joven de la perla" ("Girl with a Pearl Earring") es la adaptación cinematográfica de la obra homónima de la escritora estadounidense Tracy Chevalier. Producida en 2003, dirigida por Peter Webber, guionada por Olivia Hetreed y protagonizada por Colin Firth, Scarlet Johansson, Tom Wilkinson y Judy Parfitt, la película gira en torno al cuadro "Muchacha con turbante" (1667) del pintor Johannes Vermeer, uno de los más importantes de la época de oro holandesa. La puesta en escena intenta reflejar el universo pictórico de Vermeer sobre el fondo de Delft, de su ciudad natal.

"Modigliani" es una película ficcional del año 2004, que se basa en la vida del artista Amadeo Modigliani. Dirigida y guionada por Mick Davis y protagonizada por Andy García y Elsa Zylberstein. La película es biográfica, pero contiene una gran cantidad de elementos ficcionales.

"Klimt" es una película biográfica de 2006 sobre la vida del pintor austríaco Gustav Klimt (1862-1918). Fue escrita y dirigida por Raoul Ruiz, con una adaptación del guión en inglés de Gilbert Adair. Su director de fotografía es Ricardo Aronovich y la música fue compuesta por Jorge Arriagada. En los roles protagónicos encontramos a John Malkovich como Gustav Klimt, Verónica Ferres como Midi, Saffron Burrows como Lea de Castro y Nikolai Kinski como Egon Schiele. Gran parte del filme se centra en la relación de Klimt con Lea de Castro, una bailarina que Georges Méliès le había presentado.

"La ronda nocturna" ("Nightwatching") es una película del Reino Unido dirigida por Peter Greenaway y estrenada en 2007. Con Martin Freeman en el papel de Rembrandt, Emily Holmes como Hendrickje, Michael Teigen en el rol de Carel Fabritius y Anja Antonowicz como Catharina.
La historia transcurre en el año 1642, cuando Rembrandt Van Rijn era ya un pintor respetado en toda Holanda. La milicia de arcabuceros de Amsterdam le encarga la ejecución de un retrato de grupo. A medida que se adentra en ese mundo, descubre un entramado conspirativo que terminará en un crimen. El artista denuncia esa intriga en su obra, sin saber que significará el inicio de su declive personal y profesional.

"La pintura de Gerhard Richter" ("Gerhard Richter painting") es un largometraje documental de 2011, sobre la vida del pintor alemán Gerhard Richter. La directora alemana Corinna Belz narra el proceso creativo de este artista, galardonado y con numerosas exposiciones en todo el mundo, desde su etapa más joven hasta la inauguración de sus muestras en New York.

"Renoir" es un largometraje biográfico francés de 2012, dirigido por Gilles Bourdos y basado en los últimos años de Pierre-Auguste Renoir. Con Michel Bouquet como Auguste Renoir, Christa Theret en el papel de Andrée Heuschling y Vincent Rottiers como Jean Renoir.

"Nan Goldin. I remember your face" (2013). Aunque este apartado se encuentre dedicado a la biografía fílmica de artistas plásticos, vamos a hacer una excepción con el documental de Sabine Lidl sobre la fotógrafa neoyorquina Nan Goldin. La cámara acompaña a la célebre artista visual durante un viaje entre París y Berlín, donde Goldin se reencuentra con viejos amigos y, con ayuda de ellos, reflexiona sobre diferentes estadíos de su vida. Con una estructura narrativa construida con slide shows y fotografías exclusivas de Goldin, los momentos íntimos y la relación con sus amigos ganan una intensidad especial.

"Camille Claudel 1915" es un filme biográfico francés realizado por Bruno Dumont en 2013, con Juliette Binoche en el rol de Camille Claudel y Jean-Luc Vincent, como Paul Claudel. Muestra la tortuosa vida de la escultora tras su internación en un hospicio psiquiátrico, por decisión de su madre y hermano. Allí, aislada del mundo e impedida de expresarse a través de la escultura, vivió tres décadas, desde 1913 hasta 1943, año de su muerte.

"Mr. Turner" es una biografía ficcional del año 2014, coproducida entre Gran Bretaña, Francia y Alemania, escrita y dirigida por Mike Leigh y protagonizada por Timothy Spall (J.M.W. Turner), Dorothy Atkinson (Hannah Danby), Lesley Manville (Mary Somerville) y Roger Ashton-Griffiths (Henry William Pickersgill). La película hace referencia a la vida y la carrera del genial y excéntrico pintor británico J.M.W.Turner, tan celebrado como denostado por la opinión pública y por la realeza.

"Con amor, Van Gogh" ("Loving Vincent") es una película biográfica animada del año 2017, coproducida entre Gran Bretaña y Polonia, sobre la vida del pintor neerlandés Vincent van Gogh, particularmente sobre las dudosas circunstancias de su muerte. Escrita y dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, y protagonizada por Robert Gulaczyk, Douglas Booth, Jerome Flynn y Saoirse Ronan, la película está formada por 65 mil tomas de pinturas al óleo, recreadas a la manera de Van Gogh por un equipo de 115 artistas plásticos.

"Gauguin" (Francia, 2017). Película biográfica dirigida por Edouard Deluc, con las actuaciones de Vincent Cassel (Paul Gauguin), Thueï Adams (Tehura) y Malik Zidi (Henri Vallin). Corre el año 1891, el pintor francés Paul Gauguin se exilia en Tahiti, buscando un entorno creativo fuera de la civilización europea y sus códigos morales, políticos y estéticos. Allí conoce a Tehura, quien se convertirá en su mujer y musa inspiradora.

"Beuys" (2017). El documental alemán "Beuys", dirigido por Andres Veiel, presenta una parte de la vida y trayectoria del excéntrico artista alemán Joseph Beuys, quien osó en su época producer obras en varios medios y técnicas, como escultura, videos e instalaciones. El documental reúne material de archivo y entrevistas con personas próximas a Beuys, así como narraciones sobre algunos de sus aspectos personales.

"El arte de la amistad" ("Final Portrait") es un largometraje biográfico británico de 2017, escrito y dirigido por Stanley Tucci, y protagonizado por Geoffrey Rush (como Alberto Giacometti), Armie Hammer (en el rol de james Lord), Clémence Poésy (como Caroline), Tony Shalhoub (como Diego Giacometti)y James Faulkner (en el papel de Pierre Matisse). En París, 1964, el famoso pintor y escultor Alberto Giacometti le propone al escritor y crítico de arte estadounidense James Lord, que pose para él para un retrato en su estudio. Halagado por la propuesta, Lord acept y altera sus planes de regresar a casa. En el estudio, Lord ve pasar los estados de ánimo del artista de la alegría a la frustración, siempre influido por su musa, Caroline, una joven prostituta parisina.

Bibliografía:

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