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Septiembre - Octubre 2019


Novocine


Novocine

La sexta edición del Festival de Cine Brasileño de Madrid se ha desarrollado del 7 al 14 de noviembre con gran éxito de público. Promovido y organizado por la Embajada de Brasil en España y la Fundación cultural Hispano-Brasileña, la muestra ha congregado a un enorme número de público, a cinéfilos, brasileños residentes en España y periodistas especializados.

Novocine

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15º Bafici - Documenta Madrid 2013


X Festival Internacional de Documentales de Madrid  
Madrid, España
Del 5 al 12 de mayo de 2013

"Mujer Lobo" de Tamae Garateguy, la directora de "Pompeya" -el film ganador en la competencia argentina en el festival de Mar del Plata en 2012- presentó en la edición número 15 de Bafici. El film comienza con una fuerte escena de sexo violento dónde se vislumbra claramente un cuerpo femenino atado. Hasta ese instante no se termina de comprender si se trata de una violación o no, pero sí se sobreentiende que hay niveles de violencia elevados sobre el cuerpo.  El blanco y negro vuelve más digerible todo lo que desde allí y en adelante sucederá en la vida de esta mujer.
El guión de Diego A. Fleischer,  actuado por Mónica Lairana, Guadalupe Docampo y Luján Ariza, va a narrar la vida de una mujer, de una metamorfosis constante de la reacción correspondiente al sometimiento sexual que sufre, y como dice el título, la Mujer Lobo. La película además de homenajear a aquel film de clase B del año 1942, dirigida por Jacques Tourneur, La mujer pantera o Cat people, imagina todos los sucesos no narrados en los tiempos perdidos de dicho film o al menos le exige al espectador de este tiempo comprender plenamente el sentido de la obra del año '42.
Así perfila sus personajes femeninos disociándolos para otorgarles tres facetas diferentes, la niña tierna, la mujer audaz y la femme fatale, que provocan diferentes relaciones con los hombres que cruzan: relaciones que llegarán a enojar y a metamorfosear a este complejo personaje.
Los asesinatos se suceden, ella(s) los envenenan, los muerden, los desprecian con motivos consistentes. Inevitablemente el espectador se siente identificado con la(s) protagonista(s) y espera pacientemente que encuentre a su próxima víctima. El espectador como voyeur también es perverso, también es asesino por la hora y media del film.
Pero el mismo complejiza a su personaje lo hace amar maternalmente recuperar una de sus facetas: la de la niña tierna. Lo hace conocer un amor que une a las tres mujeres, las femmes fatales. Y entonces allí también es loba, cuida a su cría, a su único amor puro y cambia, así, su causa. Pero la directora y el guionista la(s) castiga(n) e interpela al espectador identificado hasta aquél instante, el film le lleva lo único amable. Entonces, siembra la duda, ¿es posible identificarse? ¿Es merecido el castigo por alguna causa?

Ficha técnica

Mujer Lobo
Argentina, 2013
Duración: 92, Blanco y Negro,  DCP
Dirección: Tamae Garateguy
Guión: Diego A. Fleischer
Elenco: Mónica Lairana, Guadalupe Docampo, Luján Ariza, Edgardo Castro, Nicolás Goldschmidt
Fotografía: Pigu Gómez
Edición: Catalina Rincón
Dirección de Arte: Marina Spinelli
Sonido: Erico Schick
Música: Sami Buccella
Producción: Jimena Monteoliva, Tamae Garateguy
Producción ejecutiva: Jimena Monteoliva
CP: Crudo Films

La búsqueda del Edén

"La Paz" de Santiago Loza, dramaturgo y director de cine, creador de múltiples obras que rescatan los tiempos inertes -como el instante que condensa el pensamiento del personaje antes de su acción- fue ganadora de la Selección oficial Argentina del Bafici.
Liso, el joven que encarna Lisandro Rodríguez acaba de salir de una internación. Sus padres lo buscan, lo quieren de regreso en su hogar. Una familia acomodada, con traumas y tiempo de más, o mal canalizado.
En la poética de Loza los tiempos dilatados proponen generar esa angustia que atraviesa el personaje. Un personaje que busca constantemente  la calma que perdió, quizás en esa sobreprotección  maternal o en la indiferencia de su padre.  En la llenura extrema de tener todo resuelto y de no encontrar motivos para seguir adelante,  los tiempos detenidos son parte de observar un hogar roto, que se emparcha o intenta hacerlo desde lo material, desde aquella motocicleta que le regalan.
La doble función de la moto resulta un arma de doble filo para su madre. Es regalo, pero es motivo para huir de ese hogar. Es la posibilidad de vincularse con su abuela y la chance de ir a pasear con Sonia, la mujer de origen boliviano con la que comparte los tiempos libres cuando ella no trabaja en su casa.
El film con sus primeros planos y planos medios logra establecer un estadio de intimidad con cada uno de los personajes  y desarrolla una atmósfera opresiva en determinadas instancias de la historia. Del mismo modo, se desarrolla el ambiente por medio de grandes silencios que se alternan con sonidos fuertes que cortan el letargo del personaje.  
"La Paz" utiliza al personaje Liso, a su vez, para otorgar un cambio que no es planteado puramente desde la angustia existencial de alguien que no sabe qué hacer con su vida, sino que además plantea una inquietud en el personaje que debe huir socialmente del lugar en el que ha crecido. Así el film establece no sólo una inquietud filosófica en el protagonista sino también social y política.

Ficha técnica

La Paz
Dirección y guión: Santiago Loza
Argentina, 2013
73 minutos, DCP, Color
Elenco: Lisandro Rodríguez, Andrea Strenitz, Fidelia Batallanos Michel, Ricardo Félix, Beatriz Bernabé.
Fotografía: Iván Fund
Edición: Valeria Otheguy, Lorena Moriconi
Dirección de arte: Adrián Suárez
Sonido: Leandro de Loredo
Música: Javier Ntaca
Producción: Iván Eibuszyc, Santiago Loza
Producción ejecutiva: Iván Eibuszyc
Productoras: Frutacine, Morocha Films, Tres Sonido, Alta Definición Argentina

Pendejos

Raúl Perrone, ganador como director de la Competencia Argentina, presentó su nuevo film "Pendejos", el cual vuelve a tomar la temática de los jóvenes que andan en skate (tal como en Bonus Track), con sus problemáticas sociales, la ausencia paterna, o una presencia poco consistente, y el desamparo en el que deambulan por sus vidas. Pero esta vez lo hace a partir del blanco y negro y del cine silente; donde los intertítulos revelan el escueto diálogo que emiten entre sus pares y con sus padres.
Perrone muestra, en esta cumbiópera en tres actos y una coda, la historia de varias parejas de jóvenes que viven esquivando el daño que la sociedad le imprime día a día. Los pendejos aquí vistos, intentan conectarse con los padres y en los pocos diálogos se puede vislumbrar cómo estos, síntoma de algo mayor, rechazan la presencia de ellos.
Perrone los homenajea a ellos y al cine al vincularlos con el rostro puro de la Juana de Arco de Dreyer, al establecer con su cine una íntima relación con los géneros cinematográficos tales como  Bretton, Roselini o los cineastas de la Nouvelle Vogue. Así, es imposible no ver en alguno de sus rostros a Antoine Doinell.
Asimismo la estructura de la película, no es exclusivamente contenido, ya que reflejan la utilización de las imágenes repetidas y la musicalidad que compone desde ese resurgir toda una identidad que define a los personajes.  Es un montaje por momentos vertiginoso que hasta reproduce en algún punto cierta similitud con la sensación de andar en skate.
Ade"Mujer Lobo" de Tamae Garateguy, la directora de "Pompeya" -el film ganador en la competencia argentina en el festival de Mar del Plata en 2012- presentó en la edición número 15 de Bafici. El film comienza con una fuerte escena de sexo violento dónde se vislumbra claramente un cuerpo femenino atado. Hasta ese insta
Metamorphosen
Metamorphosen
Terra de ninguem
Terra de ninguem
The act of killing
The act of killing
Documenta Madrid 2013




 






 

 


Blancanieves triunfa en la gala de los Goya 2013


Goya 2013

El pasado 17 de febrero, tuvo lugar en Madrid la ceremonia de los Goya 2013 durante la cual se entregaron los máximos galardones del Cine español. Este año, la gala se ha dividido entre la alegría de una temporada repleta de buen cine,  muy taquillera además gracias a dos de las películas premiadas, Lo imposible y  la cinta de animación Las aventuras de Tadeo Jones, y por otro lado, un cierto pesimismo...

Blancanieves
 
 

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Los premios Oscar 2013 De la Historia a la pequeña historia


Lincoln

Las nominaciones y premiaciones de este año cubrieron un espectro amplio de temas, propósitos y geografías mostrando la apertura de la Academia de Hollywood en los últimos años. Si bien las películas de acción y las comedias ligeras constituyen el grueso de la producción para el gran público, el criterio comercial no marcó completamente la selección, balanceando de manera inclusiva el juicio de críticos y espectadores con la importancia de los asuntos tratados. Por ello Amour (Oscar a la mejor película extranjera), un film hecho en Francia por un director austro-alemán, fue escogido junto a Zero Dark Thirty, acerca del terrorismo global y dirigida por una mujer. Además: Lincoln y Djanjo Unchained sobre la esclavitud en Estados Unidos, Argo (Oscar a la mejor película) basada en un caso real durante la revolución iraní, Life of Phi y Beasts of the Southern Wild dentro...

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Django Unchained
Silver linings playbook
Life of Pi

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Cinema by numbers: redescubriendo a Amir Naderi


La última edición del Festival Internacional de Cine de Xixón (FIC) ha ofrecido en su programa una amplia retrospectiva del director iraní Amir Naderi. El realizador, tras abandonar su país de origen por la asfixiante política censora impuesta por el régimen de Jomeini, decidió radicarse en Estados Unidos, convirtiendo Nueva York y Las Vegas no solo en sus nuevos domicilios, sino también en el escenario inconfundible y recurrente de sus nuevas propuestas fílmicas.

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5º Festival de Cine Italiano de Madrid


   

Un año más, y ya van cinco, el Festival de Cine Italiano de Madrid ha cosechado un gran éxito. La capital de España ha acogido una selecta muestra de cine italiano, del 22 al 29 de noviembre pasado. Alrededor de 5000 espectadores han querido acercarse hasta la sala Verdi de Madrid, sede del Festival, junto al Instituto Italiano, para descubrir o recuperar películas de una cinematografía, que, hace ya algunas décadas, fue especialmente brillante con la corriente del Neorrealismo y con directores de la talla de Visconti, De Sica, Rosselini Antonioni, Zampa, por citar sólo algunos de los más relevantes. Después de una época un poco anodina, parece que el cine italiano, poco a poco, está reviviendo. Buena muestra la hemos tenido durante este certamen. El Festival ha permitido conocer, más allá de las fronteras italianas, a notables y jóvenes directores que en la actualidad están teniendo un gran éxito. Varios de ellos, han venido a Madrid para tener un contacto más cercano y personal con los espectadores, tanto antes de la proyección de sus films, presentándolos, como en amenas e interesantísimas charlas informales,  en torno a un buen café italiano, que se han celebrado en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid, cuyo director Carmelo di Gennaro impulsa, desde hace años, con brío y pasión este encuentro. Pero, no solo hemos descubierto nuevos talentos sino que se ha podido recordar a autores consagrados, como los octogenarios Hermanos Paolo y Vittorio Taviani, homenajeados en el V Festival a toda su carrera, así como se han podido ver films de grandes mitos de la cinematografía italiana como Michelangelo Antonioni y Marco Belocchio.
El Festival es muy completo no solo a nivel de esa mezcla de generaciones de directores sino también en el formato de los films. Hay tres secciones compuestas respectivamente por Largometrajes, Documentales y Cortos. Estas dos últimas son competitivas y han sido especialmente brillantes.
La sección de Largometrajes ha compaginado obras de grandes maestros, como el excelente film Cesar debe morir, última obra realizada por los Hermanos Taviani, que han sido, de hecho, homenajeados en el Festival. Paolo Taviani (Vittorio se quedó en Roma) acudió a Madrid para recibir su galardón, donde afirmó que existe una nueva generación de cineastas muy interesantes en Italia como por ejemplo, Ivano de Matteo (Roma, 1966) cuyo film Gli equilibristi (2012), crónica de la crisis económica a través de una pareja, se ha podido ver estos días o Luigi lo Cascio (1967), actor y director, cuyo original film La città ideale también ha cosechado gran éxito en el Festival. Paolo Taviani hizo gala de una maestría y de una agilidad mental, increíble para sus años, rememorando su extensa filmografía, entre las que destacan obras inolvidables como Padre Padrone (1977), La noche de San Lorenzo (1977), que pudimos ver durante el certamen, o Kaos (1984), por citar solo algunas de las más sobresalientes. La obra de los Taviani permite trazar la historia de Italia, a través de los escenarios campesinos más pobres y atrasados, las luchas de clase, la mafia, los diferentes conflictos que han ido asolando el país transalpino, como las Guerras Napoleónicas o la II Guerra Mundial. Todo ello, con un vigor y una teatralidad notables. Su último film, César debe morir, nominada por Italia al Oscar 2013 a la mejor película extranjera, y que inauguró el certamen, está ambientada en la cárcel de Rebbibia, cercana a  Roma. Narra la historia de unos presos auténticos que son solicitados para interpretar la obra de Shakespeare, "Julio César". Un film enérgico e inteligente, que no olvida las raíces sociales del cine de los Taviani, y que demuestra que, a pesar de tener más de ochenta años, son esencialmente jóvenes.  Otro de los grandes directores de la historia del cine italiano es Michelangelo Antoninio. El Certamen le rindió un Homenaje pasando sus cortos Gente del Po, Sicilia y Lo sguardo di Michelangelo así como el mediometraje Fare un film è per me viviere de Enrica Fico Antonioni.
Para completar los largometrajes presentados, cabe reseñar, el estupendo film L´industriale de Giuliano Montaldo, un sólido director de larga trayectoria, cuya obra más importante es Sacco e Vanzetti (1971) y el film Bella addormentata, una interesante reflexión sobre la eutanasia, firmado por unos de los más grandes, más premiados y más prolíficos directores italianos, Marco Bellocchio (1939), autor de I pugni in tasca (1965), La Cina è vicina(1967), Il diavolo in corpo (1986) o Buongiorno notte(2003). Para coronar la sección de largometrajes y, como no podía ser menos, se proyectaron dos films en la línea de la gran comedia italiana de los años 50 y 60: Il comandante e la cicogna del guionista y director Silvio Soldini, y la película que clausuró el Festival, Posti in piedi in paradiso de Carlo Verdone, cineasta de gran popularidad en Italia. Dos muestras más que respetables de un estilo de cine italiano divertido e ingenioso, muy característico de esa cinematografía.
Respecto a los Cortos, hubo una gran variedad en la temática: desde temas genuinamente italianos relacionados con las costumbres campesinas (Dell´ammazzare il maiale), la isla de Sicilia (Terra) o la Mafia (Convitto Falcone), hasta cuestiones más intimistas (Il turno di notte lo fanno le stelle). El primer premio recayó en Terra de Piero Messina, una soberbia reflexión sobre los sentimientos y la nostalgia y la Mención Especial del Jurado fue para Dell´ammazare il maiale de Simone Massi, un retrato muy conseguido sobre el ambiente campesino.
Todas las secciones del Festival son interesantes y se complementan entre sí. En la correspondiente a los Documentales, se han podido ver grandes muestras del talento de los nuevos cineastas italianos. A través de estos films, hemos hecho un recorrido por Italia, a través de su geografía y de su historia con Il risveglio del fiume segreto, sentido homenaje al río Po, clave en la vida italiana, Le cose belle, sobre la idiosincrasia napolitana o Terramatta sobre la historia de Sicilia. Otros documentales como Tahrir, la plaza del Cairo, Medici con l´Africa, sobre la ayuda al tercer mundo o La nave dolce, crónica de la llegada al puerto italiano de Bari de miles de albaneses, han tocado temas más políticos. El jurado de documentales otorgó, con todo merecimiento, el Primer Premio a Terramata de Costanza Quatriglio, un soberbio documental que narra la vida de un humilde peón siciliano, prácticamente analfabeto, que a lo largo de su vida, escribió un libro de 2000 páginas con un lenguaje propio. Además, el film va contando a través de su vida, la historia de Sicilia y de Italia entre 1899 y 1981. Se trata de una obra apasionante y emotiva. La mención especial fue para la demoledora La Nave dolce de Daniele Vicari, uno de los jóvenes directores italianos más prometedores en la actualidad, autor del largometraje Diaz, no limpiéis esta sangre. La nave dolce cuenta cómo, en 1991, llegaron miles de albaneses, huyendo de la miseria, al puerto italiano de Bari, y la manera en cómo reaccionaron las fuerzas vivas del país anta tal avalancha humana. La obra de Vicari, al narrar la tragedia humana de la inmigración, es contundente, demoledora, impactante y crítica.
En suma, el V Festival de Cine Italiano ha conseguido hacernos vibrar y abrirnos a una cinematografía, que por desgracia, no siempre, se exporta tanto como desearíamos, más allá de sus fronteras. Un país, que no olvidemos, está, por legítimo derecho en las páginas más brillantes de la Historia del Cine Mundial. Afortunadamente, como ha demostrado el Festival, tenemos, ante nosotros, un plantel de jóvenes y buenos cineastas que están haciendo un más que honroso trabajo en el cine actual italiano. Como dijo el embajador italiano, Leonardo Visconti di Modrone, al inaugurar el Festival, "Italia no es una gran potencia ni económica ni política. Más bien, intermedia. Pero, en lo que sí somos una gran potencia es el ámbito cultural".

Carmen Pineda

Antonioni


14º Festival do Rio - Los-premios


Del 27 de Septiembre al 11 de Octubre de 2012
Rio de Janeiro, Brasil.
http://2012.festivaldorio.com.br/
 

Los premios Redentor 2012

En una ceremonia realizada en el Cine Odeon Petrobras, el jueves 11 de Octubre de 2012, fueron revelados los vencedores de la 14ª edición del Festival de Rio.
O Som ao Redor, primer largometraje de ficción del pernambucano Kleber Mendonça Filho, se llevó los premios Redentor 2012 al Mejor filme y al Mejor Guión dentro de la Sección Première Brasil. Producido y ambientado en Recife, el filme cuenta una historia sobre las milicias y la vida cotidiana de la clase media en esa importante ciudad del nordeste. El filme Hélio Oiticica, dirigido por el sobrino del artista César Oiticia Filho, fue galardonado como Mejor Largometraje Documental, mientras que el Premio al Mejor Director fue entregado a Erik Rocha por Jards. Coincidencia o no, Jards Macalé y Hélio Oiticia son tropicalistas de la primera hora y los filmes que los retratan huyen de la clásica secuencia de entrevistas del género documental. En cuanto a las interpretaciones, Leandra Leal fue escogida como Mejor Actriz por Edén, mientras que Otávio Müller y Alessandra Negrini obtuvieron sendos premios de Mejor Actor y Mejor Actriz de Reparto por sus interpretaciones en O Gorila.  Caco Ciocler fue el Mejor Actor de Reparto por Disparos, película que además obtuvo los premios Redentor 2012 al Mejor Montaje (Pedro Bronz e Marília Moraes) y Fotografía (Gustavo Hadba). El investigador Antônio Venâncio recibió un homenaje especial por haber participado en cuatro documentales de la muestra competitiva de largometrajes y en cinco otros que ya se estrenaron en el circuito comercial.

Premios Redentor 2012

Mejor Largometraje de Ficción
O som ao redor, de Kleber Mendonça Filho

Mejor Largometraje Documental
Hélio Oiticica, de César Oiticica Filho

Mejor Cortometraje

Realejo, de Marcus Vinicius Vasconcelos

Mejor Dirección
Eryk Rocha, por Jards

Mejor Actor
Otávio Müller, por sua atuação em O Gorila

Mejor Actriz
Leandra Leal, por su actuación en Edén

Mejor Actriz de Reparto
Alessandra Negrini, por su actuación en O Gorila

Mejor Actor de Reparto
Caco Ciocler, por su actuación en Disparos

Mejor Guión
Kleber Mendonça Filho, por O som ao redor

Mejor Montaje
Pedro Bronz e Marília Moraes por Disparos

Mejor Fotografía

Gustavo Hadba, por Disparos

Premio Especial del Jurado

Antonio Venâncio, por el trabajo de investigación en los filmes Hélio OiticicaDossiê Jango, Sobral -el hombre que no tenía precio y El día que duró 21 años, además de la extensa presencia en documentales brasileños recientes como Palavra Encantada, Vinicius, O homem que engarrafava nuvens, Raul, Uma noite em 67, A música segundo Tom Jobim, entre muchos otros.

Miembros del Jurado Oficial: Lucy Barreto (productora), Marcos Prado (productor y director),  Renato Falcão (director) y Rajendra Roy (director del departamento de cine del Moma)

Nuevos Rumbos

Mejores Largometrajes

Super Nada, de Rubens Rewald  
A batalha do passinho, de Emílio Domingos

Mejor Cortometraje
Canção para minha irmã, de Pedro Severien

Homenaje Especial del Jurado
Jair Rodrigues, en Super Nada
Gambá, en A batalha do passinho

Miembros del Jurado: Roberto Berliner (director e productor), Eduardo Nunes (director) y Maria Ribeiro (actriz y directora)

Premio Fipresci:

Mejor filme de América Latina: Nosilatiaj. La Belleza (Argentina)

Personajes Latinoamericanos del Año: Lucy y Luiz Carlos Barreto

Voto popular:
A Busca, de Luciano Moura. Largometraje ficcional
Dossiê Jango, de Paulo Henrique Fontenelle. Largometraje documental
Zéfiro Explícito, de Sergio Duran y Gabriela Temer. Cortometraje.
Death of a Superhero: Mejor filme dentro de la Mostra Geração.

Los más vistos

El largometraje César debe morir, de los hermanos Vittorio e Paolo Taviani, quedó primero en la taquilla de esta 14ª edición del Festival de Rio. Detrás vinieron: Moonrise Kingdom, Great Expectations, Holy Motors, Elefante Blanco, Pietá, Nós e Eu, Indomável Sonhadora, Ruby Sparks y Magic Mike.

Adriana Schmorak Leijnse

Trofeo Redentor Foto de Andre Maceira
Trofeo Redentor
Foto de Andre Maceira
Otavio Muller Foto de Davi de Almeida
Otavio Muller
Foto de Davi de Almeida
Cesar Oiticica filho Foto de Felipe-Felizardo
Cesar Oiticica filho
Foto de Felipe-Felizardo
Marcos Palmeira entrego premio a Alessandra Negrini Foto de Felipe Felizardo
Marcos Palmeira entrego premio a Alessandra Negrini
Foto de Felipe Felizardo
 Rajendra Ray, Erik Rocha, Jards Macale Foto de Renata Abreu
Rajendra Ray, Erik Rocha, Jards Macale
Foto de Renata Abreu
Kleber Mendonca filho Foto de Felipe Felizardo
Kleber Mendonca filho
Foto de Felipe Felizardo


14º Festival do Rio - Las peliculas


Del 27 de Septiembre al 11 de Octubre de 2012
Rio de Janeiro, Brasil.
http://2012.festivaldorio.com.br/
 

Los temas del Festival do Rio 2012 han sido diversos y parecidos a la vez. En algunos filmes predominó un tema, en otros los temas se entrecruzaron. La xenofobia, el racismo y el clasismo en el mundo contemporáneo, la violencia de género, ya sea física o psicológica, los orígenes de la inspiración artística y el proceso creativo, fueron los temas que predominaron en la sección Panorama Internacional, pero hubo muchos más.

Largometrajes

Catalunya Über Alles. De Ramón Térmens. Con Joel Joan, Jordi Dauder, Gonzalo Cunill,  Babou Cham, Vicky Peña. España, 2011, 101 min.

Catalunya Über Alles denuncia la hipocresía detrás de la xenofobia y el racismo en Cataluña y, por extensión, en Europa. De ahí el título en alemán aunque la acción se sitúe en España, aludiendo a la crisis económica en la Alemania pre-nazi que llevó a Europa a un brote de xenofobia, antisemitismo y racismo sin precedentes. De hecho "über alles" está tomado de una frase del himno nacional alemán, reinterpretado por los nazis para justificar su voluntad de dominación: "Deutschland, Deutschland über alles, über alles in der Welt" (Alemania, Alemania por encima de todo, por encima de todo en el mundo).
Son tres historias que transcurren paralelamente. En la primera, un joven, probablemente mudo o con un retraso mental, sale de prisión después de cumplir una pena de 19 años, por estupro. Cuando vuelve a casa, comienza a percibir los cambios sociales que se fueron operando en el periodo en el que estuvo apartado. En ningún momento del filme aparece la prueba de su culpabilidad, al contrario, da la impresión de que el pueblo lo utiliza como chivo expiatorio y quiere hacer justicia por mano propia.
En la segunda historia,  inmigrantes africanos, afectados por la crisis, buscan desesperadamente cualquier tipo de empleo. Cuando al padre de una de las familias comienza a tener éxito en su trabajo y decide crear su propia empresa, gana las elecciones para alcalde, el candidato de ultra derecha que brega a favor de la expulsión de los inmigrantes. El negocio vuelve a mano de los blancos, no por mérito propio, sino por favoritismo político.
Y en la tercera, una familia de clase pudiente vuelve de vacaciones antes de lo planeado y se encuentra con un ladrón de origen albanés robando en la casa. Tras una persecución por parte del padre de la familia, el ladrón muere de tres tiros. El motivo por el cual el padre remata al ladrón en lugar de llamar a la policía, lo compromete ante la Justicia. Pero la Justicia es adicta al poder político, no es ciega e imparcial, ni mide a todos con la misma vara.

Dentro de casa (Dans la maison). De François Ozon. Con Fabrice Luchini, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Denis Menochet. Francia, 2012, 105 min.

Ozon dirigió, una vez más, una excelente película, Dentro de casa, una historia basada en la obra teatral "El chico de la última fila" del autor español Juan Mayorga.
Claude es un adolescente discreto que toma a su compañero de clase Rapha, como inspiración para sus deberes de Literatura. A pesar de ser tímido, consigue tener acceso a la casa de su amigo Rapha, sintiéndose especialmente atraído por la madre de éste. Su profesor de Literatura, Germain, ve en Claude un gran talento, un descubrimiento que hace reavivar en él, el deseo de enseñar. Pero la intrusión de Claude y su mirada voyerista comienzan a traspasar los límites. El talentoso estudiante revela una personalidad manipuladora. Su perversión se deriva de una carencia de contención familiar y de una vida vacía que él llena con fantasías. Como tiene talento para la escritura, comienza a dominar al profesor de literatura, quien se ve obligado a dar clases, en realidad, porque no tiene talento suficiente como para convertirse en un escritor famoso. Ve en el chico a un discípulo con potencial y  al hijo que nunca tuvo.
Desde un comienzo se percibe que el matrimonio del profesor Germain es disfuncional. Además a Jeanne, su mujer, no le va del todo bien con su galería de arte contemporáneo. Ellos dejan entrar a Claude en sus vidas, y éste los lleva al divorcio y a la ruina laboral. Pero hay algo del orden del voyerismo también en el profesor y su esposa, que estimulan al chico a continuar con sus búsquedas creativas invadiendo la intimidad ajena. El filme habla del trasfondo del mundo del arte, del origen del impulso creativo que no siempre es sano y transparente.  El arte como una forma de perversión voyerista. Pero también habla de la relación profesor-alumno, que con el correr de los años fue perdiendo esa base de respeto y admiración que existía en otros tiempos. Germain pierde autoridad frente a su alumno a medida que la trama avanza.
Es interesante la forma como está organizada la historia, en una especie de relato enmarcado donde un narrador extradiegético habla de otro narrador intradiegético, quien a su vez narra las historias de los demás personajes "reales" para él, como si fueran personajes ficcionales, en un juego muy barroco de teatro dentro del teatro, de relato dentro del relato. Luego la realidad y la fantasía comienzan a confundirse, los límites del marco del relato se desvanecen, arte y vida se fusionan.
Otro punto muy destacable es el agudo sentido del humor y la ironía en la obra original de Juan Mayorga, y que han sido muy bien traducidos al séptimo arte por François Ozon.

Trishna
. De Michael Winterbottom. Con Freida Pinto, Riz Ahmed, Roshan Seth. Reino Unido, 2011. 117 min.

Se trata de una joven que vive en Rajastán y un día se ve obligada a salir en busca de una nueva fuente de ingresos para su familia. Para ello acepta un empleo en un hotel en Jaipur administrado por Jay,  un prominente joven británico de origen indio. Los dos se terminan involucrando sentimentalmente y Trishna, yendo contra las costumbres tradicionales de su familia, va a vivir con él en Bombay. Mientras tanto Jay se revela muy diferente de lo que ella imaginaba.
Trishna es un ejemplo, dentro del Festival do Rio 2012, sobre el tema de la dominación de género. La violencia psicológica y física del hombre hacia la mujer, combinada con un tema de clasismo tan profundo en India como lo es la rígida estratificación de castas.
La joven se ve obligada a enviar dinero a su familia y, para eso, tiene que soportar toda clase de humillaciones y renunciar a su sueño de bailar en Bollywood. Mientras Jay vivía en Londres parecía haber adoptado las costumbres occidentales, pero en cuanto volvió a vivir en la India, se transformó en un típico hindú de casta superior, llegando a tratar como a una esclava a la que era su novia. En este sentido es paradigmática la escena en la cual Jay le enseña a silbar a Trishna mientras ésta alimenta a los pájaros enjaulados. Él permanece fuera de la jaula, mientras que el rostro de Trishna se ve surcado por la sombra de la malla metálica, como si ella fuese uno más de esos pájaros enjaulados,  mientras que su amo-novio permanece libre. Esa situación sin salida sólo podía presagiar un final trágico.

Marie Krøyer. De Bille August. Con Birgitte Hjort Sørensen, Søren Saetter-Lassen, Tommy Kenter, Sverrir Gudnason. Dinamarca, 2012. 103 min.

Otro ejemplo sobre maltrato de género es Marie Krøyer, película dirigida por el danés Bille August. Aquí ese tema se entrecruza con el vínculo entre enfermedad mental y creación artística. La historia transcurre a finales del siglo XIX, en Skagen, Dinamarca, en pleno auge del movimiento impresionista en toda Europa. Marie es una artista plástica, hasta ese momento desconocida, que cumple la función de esposa y modelo del famoso pintor, noruego de nacimiento y danés por adopción, Peder Severin Krøyer.  El matrimonio es cada vez más infeliz a causa de la sífilis que padece Peder, enfermedad que además le origina un creciente desequilibrio mental y que finalmente lo deja ciego. Para salir de la rutina y reconstruir sus fuerzas, Marie va de vacaciones con una amiga y conoce al compositor sueco Hugo Alfvén, por quien se enamora apasionadamente. Luego de un largo periodo de dudas, de abandono y retorno al hogar, en el que también queda involucrada su pequeña hija Vibeke, Marie decide dejar definitivamente a su esposo aceptando las consecuencias de su decisión.
Años más tarde, en una época en la que una mujer casada casi no tenía derechos civiles fuera del matrimonio, Marie tomó la decisión de criar sola a su segunda hija y convertirse en una artista de renombre, lejos de las sombras de su primer esposo Peder Severin Krøyer y del segundo, Hugo Alfvén, ambos artistas reconocidos. El filme no muestra el casamiento con Hugo y el posterior divorcio, deja este periodo abierto, y comete algunas imprecisiones como la de situar las vacaciones con su amiga en Suecia cuando en realidad ocurrió en Taormina, Sicilia.
El filme de Bille August retrata con crudeza la destructiva relación entre P. S. Krøyer y su esposa-modelo, poniendo énfasis en la forma como él la dominaba y la destruía psicológicamente, menoscabando su autoestima como artista, mujer y madre. No es un detalle menor el hecho de que la ley en la Dinamarca del siglo XIX no defendía a la mujer que hacía abandono de hogar, quitándole incluso los derechos de tenencia de los hijos. La mujer era prácticamente un objeto de pertenencia del hombre. De ahí que Marie Krøyer se convirtiese en un caso de vanguardia para la época. 
En cuanto al aspecto formal del filme, esta adaptación de Bille August de la novela "Balladen om Marie" de Anastassia Arnold, con guión de Peter Asmussen, se aleja mucho de las épocas doradas de Pelle el Conquistador (1988)  y Las Mejores Intenciones (1992). La actuación de Birgitte Hjort Sørensen en el papel principal es digna de destacar, aunque las interpretaciones secundarias son apenas aceptables. Otro tanto podríamos decir del guión, que en un principio promete grandes cosas, pero que por momentos se vuelve chocante, al intentar resolver las situaciones de una forma exagerada, tal vez un tanto efectista. Cuando el filme arranca uno tiene la sensación de estar por ver una película de Bergman y cuando finaliza, le parece haber asistido a un melodrama que no logra huir de los estereotipos y en el cual el espectador no termina de sentirse identificado con la heroína. Una lástima teniendo en cuenta lo interesante del tema.

El artista y la modelo. De Fernando Trueba. Con Jean Rochefort, Aída Folch, Chus Lampreave, Claudia Cardinale, Götz Otto. España/Francia, 2012. 101 min.

Volviendo al origen de la inspiración creativa, El artista y la modelo de Fernando Trueba nos transporta  hasta un pueblito en el interior de Francia, no muy lejos de la frontera con España. Allí vive Marc Cros, un renombrado escultor de unos 80 años, desilusionado de las guerras y los hombres. En su casa-taller vive con su esposa Lea, quien en su juventud le servía como modelo. Cierto día de verano de 1943, Lea ofrece refugio a una mujer española, de nombre Mercè, fugitiva del gobierno franquista. Ellos permiten que la joven viva en el taller de Cros, de manera que ella se gane el sustento posando para él. Poco a poco, nace una próspera relación entre la modelo y el artista quien, durante un tiempo, recupera el deseo de crear nuevamente.
Es interesante el trabajo de fotografía en blanco y negro con mucho claroscuro. Como en todos los filmes de Trueba, hay una historia en primer plano y otra de fondo, y esa Historia de fondo es la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Civil Española. Los personajes de Trueba parecen estar siempre escapando de algo o de alguien, en situación de supervivencia o buscando su libertad. Pero los finales quedan abiertos, son ambiguos o netamente trágicos. En la entrevista de Cinecritic.biz con Fernando Trueba, él ponía en duda el dramatismo de sus finales, pues para él la muerte forma parte de la vida y Marc Cros recupera la alegría de vivir antes de su muerte.
En ese sentido es destacable en el filme el tema de la vejez frente a la juventud, cómo funciona esta combinación y cómo uno influye en el otro, dándole una energía renovada en apariencia perdida. En el caso de El artista y la modelo, esta energía joven de Mercè funciona como motor y fuente de inspiración para el adormecido don artístico de Cros.
Muy acertada la elección de grandes actores de trayectoria como Claudia Cardinale y Jean Rochefort, así como también el de Aida Folch en el papel de Mercè.

César debe morir (Cesare debe morire). De Paolo y Vittorio Taviani. Con Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca. Italia, 2011. 76 min.

El telón se cierra abruptamente por detrás de César, Bruto y los otros personajes. Después de los aplausos, los actores, todos detenidos en la prisión de máxima seguridad de Rebibbia, en Roma, se sienten orgullosos y conmovidos. La dupla de directores realizó los ensayos de la pieza de teatro "Julio César" de Shakespeare en la prisión durante seis meses. La puesta en paralelo de esa tragedia shakesperiana y el mundo contemporáneo muestra la universalidad del dramaturgo inglés y ayuda a los detenidos a entender sus propios cuestionamientos, sus dudas, miedos y dramas personales.
La puesta en escena teatral frente al público fue filmada en colores, mientras que la vida real en la cárcel y los ensayos fueron rodados en blanco y negro, excepto al final, cuando Cosimo Rega dice: "Desde que descubrí la cultura, esta celda se transformó en una prisión". Sólo entonces la cárcel se ve en colores. Porque en el filme de los hermanos Taviani, el blanco y negro funciona en el mismo sentido que las sombras en la Caverna de Platón. Es un estado interior de penumbra, la ceguera de una prisión espiritual, mientras que la cultura abre puertas y ventanas dejando entrar la luz con todos sus matices y tonalidades, el arte es liberador, transforma a las personas porque los personajes permiten que cada uno entienda mejor su propia situación, ayudándolos a hacer catarsis. El arte los libera interiormente y al mismo tiempo hace que cada uno de valor a esa libertad.
De hecho el filme hace especial hincapié en el tema de la libertad. La trama de la obra de Shakespeare habla de la conspiración de Casio y Bruto para asesinar a Julio César, a raíz de la decisión del Cónsul romano de transformar la República en una tiranía, cediendo a la tentación del poder absoluto. Hay todo un conflicto de consciencias y de ideas en la obra, que no cae en la simplicidad maniquea de separar buenos de malos. Desde el punto de vista de Casio y Bruto, la muerte del César significaba la salvación de la República, es decir, la defensa de la libertad. Pero César fue astuto y compró al pueblo con favores. Los Taviani muestran bien en su película cómo al principio el pueblo (interpretado por los demás presidiarios) apoya a los conjuradores, pero cambia de parecer inmediatamente al saberse beneficiario del testamento del César. Luego se vuelve un simple trámite para Octavio y Marco Antonio unirse y ganar la batalla contra las fuerzas de Casio y Bruto, estableciéndose a continuación lo más temido para éstos, un Imperio que significó la muerte de la República Romana.
El pueblo es cambiante y no actúa por principios sino por intereses materiales. Y eso interesa aquí porque esa es la base de toda dictadura. Así como lo expresa Cosimo Rega, en el papel de Casio, cuando pronuncia las célebres frases de la obra de Shakespeare: "¡Oh, época, qué vergüenza la tuya! ¡Y tú Roma, has perdido el engendro de tus más nobles sangres! (…) ¿Cuándo podrían decir hasta ahora los que hablaban de Roma, que sus anchas murallas no encerraban más que a un hombre? (…) Oh, vos y yo hemos oído relatar a nuestros antepasados cómo hubo antaño un Bruto que habría permitido al sempiterno demonio sentar sus reales en Roma, antes que a un rey"(1) para luego reflexionar fuera del texto: "Podríamos estar diciendo lo mismo de Nápoles en la actualidad". Cabría preguntarnos si los Taviani no están aludiendo también a la política italiana contemporánea, a los Andreotti, a los Berlusconi, a la mafia enquistada en el poder.
Algunas escenas son sobrecogedoras y no precisan explicación, hablan por sí mismas, maravillan y conmueven. El filme de Paolo y Vittorio Taviani ganó merecidamente el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2012.

La puerta (Die Tür)
. De István Szabó. Con Helen Mirren, Martina Gedeck, Károly Eperjes. Hungría/Alemania, 2012. 97 min.

Magda Szabó es una escritora húngara cuyas novelas, antes censuradas por el régimen comunista, comenzaron a ser reconocidas por la crítica y el público en los años '60, cuando el régimen ya estaba atenuando la persecución a los intelectuales disidentes.  El filme La Puerta, de István Szabó, lleva el mismo título que la novela autobiográfica de Magda Szabó, sobre la cual se ha basado el guión. Comienza cuando el personaje femenino principal, Magda, se muda a una nueva casa con su marido y comienza a buscar una persona que la ayude a realizar las tareas domésticas. Luego de algunas indicaciones, entra en contacto con la misteriosa Emerence Szeredas, una mujer de edad que vive en el barrio. A la vida acomodada de clase media que lleva Magda, en su casa de dos pisos, se contrapone la dura infancia campesina, llena de experiencias dolorosas y traumáticas de Emerence. En un comienzo, Magda rechaza las maneras rudas de su nueva empleada, quien además mantiene su casa y su pasado en completa reserva. Pero a medida que el tiempo pasa, las dos establecen una relación de afecto, confidencia y solidaridad inusual entre un ama de casa y su empleada doméstica.
El filme es atrapante y emotivo, y cada elemento tiene un sentido dentro de la trama. Las tres veces que se rompen objetos de cerámica -el plato blanco del principio, la figura del perro promediando el relato y el juego de loza al final- son alusiones en imágenes a la creencia popular expresada por Emerence según la cual: "cuando un perro ladra y se quiebra una loza, alguien muere". Finalmente el perro ladra y la loza se quiebra a la hora de la muerte de Emerence. También hay vínculos entre imágenes del pasado y del presente. El recuerdo de Emerence de sus dos hermanas calcinadas por un rayo en medio del campo, causa del suicidio de la madre, entra en relación directa con la imagen del final de Magda (Szabó) y Evike Grossmann paradas en el cementerio debajo de la lluvia, paraguas en mano, pidiendo perdón a Emerence, una por haberla traicionado revelando su secreto, la otra por no haberle agradecido en vida por salvarla de los campos de exterminio. Allí es cuando el sol comienza a surgir por entre las nubes, y es entonces que comprendemos que el perdón ha sido concedido.
El filme es un poema en imágenes, y las interpretaciones, soberbias.

Documentales sobre el mundo del arte

La pintura de Gerhard Richter (Gerhard Richter Painting). De Corinna Belz. Con Gerhard Richter, Norbert Arns, Hubert Becker. Alemania, 2011. 97 min.
Un documental que registra el proceso creativo de uno de los más importantes artistas vivos. Fascinado por las rivalidades entre diferentes técnicas de pintura, desde hace 50 años, el artista alemán experimenta con una serie de métodos e ideas que remiten a crisis históricas y a los medios masivos de comunicación. Imágenes raras de archivo y entrevistas con críticos y colaboradores traducen un poco de su universo. Corinna Belz logra un retrato acabado de Gerhard Richter luego de dos años de acceso inédito al taller del artista.

Ouvir o Rio. Uma escultura sonora de Cildo Meireles
. De Marcela Lordy. Documental. Brasil, 2012, 79 min.
La cineasta brasileña Marcela Lordy retrata al consagrado artista plástico Cildo Meireles en su búsqueda de los sonidos de las principales cuencas hidrográficas de Brasil, para la construcción de la escultura sonora "Rio Oir", creada a partir del juego y la articulación entre palabras y conceptos. Cildo Meireles registró los sonidos del agua de una punta a la otra del país para después, en un estudio de sonido, combinar los fragmentos con el sonido de las aguas procesadas por el hombre y las carcajadas humanas. El filme revela la simplicidad del artista, la relación de los habitantes del interior del país con el agua, y potencializa nuestra percepción entre el sonido y la imagen.

Julius Shulman. Fotógrafo de Arquitectura Moderna (Visual Acoustics). De Eric Bricker. Documental. Estados Unidos, 2009. 83 min.
Un documental de Eric Bricker que muestra cómo Julius Shulman registró con su cámara fotográfica las construcciones de algunos de los más importantes arquitectos modernos y contemporáneos, incluyendo a Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, Hohn Lautner y Frank O. Ghery. Las icónicas y bellas imágenes de Shulman retrataron el optimismo de la arquitectura moderna en América de posguerra, impulsando la apreciación y la popularización de este movimiento en los Estados Unidos y en el mundo. Dustin Hoffman narra la vida y la carrera de este importante fotógrafo de la arquitectura.

Marina Abramovic. Artista presente (Marina Abramovic the artist is present). De Matthew Akers. Con Marina Abramovic, Ulay. Estados Unidos, 2011. 106 min.
Marina Abramovic es una de las influencias más decisivas en el arte de la performance. En ellas, el artista pone a prueba los límites de su propia resistencia física y mental. En 2010, el Moma de Nueva York organizó una gran retrospectiva de su obra. Para la ocasión, Marina no sólo volvió a montar obras pasadas, también creó una nueva performance por la cual interactuó intensamente con el público durante todo el periodo de la muestra. El documental muestra la creación y el periodo de esta exposición, más allá de entrevistas con curadores, coleccionistas y artistas. Matthew Akers obtuvo el Premio del público al mejor documental en Panorama Berlín 2012.

Hélio Oiticica. De Cesar Oiticica filho. Documental. Brasil, 2012, 94 min.
Oiticica e Bressane hablan de la idea de hacer un filme de tapes históricos o, como dijo Haroldo de Campos, Heliotapes: cintas K7 en las que Hélio dialoga y envía proposiciones a amigos personales, como Wally Salomão, Carlos Vergara, Antônio Dias, entre otros. El documental junta tales tapes históricos con filmes del propio Hélio y de otros que lo filmaron con sus obras, creando ese delirio ambulatorio en el cual el propio artista nos cuenta su vida. Un caleidoscopio de la cultura de los años 1960 y 1970 que nos permite, finalmente, ser presentados a Hélio Oiticica por él mismo.

Adriana Schmorak Leijnse

Notas:

1 - Shakespeare, William. Julio César. Universidad Nacional Autónoma de México, México DF, 1992, Pág. 66

14º Festival do Rio
Catalunya Über Alles
Catalunya Über Alles
César debe morir
César debe morir
Dentro de casa
Dentro de casa
El artista y la modelo
El artista y la modelo
Trishna
Trishna
La puerta
La puerta
Helio Oiticica
Helio Oiticica
La pintura de Gerhard Richter
La pintura de Gerhard Richter
Marie Krøyer
Marie Krøyer
Marina Abramovic. Artista presente
Marina Abramovic. Artista presente
Julius Shulman. Fotógrafo de Arquitectura Moderna
Julius Shulman.
Fotógrafo de Arquitectura Moderna
Holy motors
Holy motors
Ouvir o rio, Cildo Meireles
Ouvir o rio de Cildo Meireles


14º Festival do Río


14º Festival do Río

Durante quince días, entre el 27 de septiembre y el 11 de octubre de 2012, el Festival do Rio presentó 400 filmes de más de 60 países, exhibidos en salas de cine, plazas e incluso la playa, lugares a los cuales concurrieron alrededor de 280 mil espectadores. La fiesta del cine comenzó con una noche de gala en el Cine Odeón Petrobras, con la proyección de Gonzaga, de Pai pra Filho, del director brasileño Breno Silveira, y continuó con filmes inéditos, clásicos y rarezas.

Las peliculas
Los premios

14º Festival do Río

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14º Festival de Cine Alemán de Madrid


14º Festival de Cine Alemán de Madrid 
 
 

El pasado mes de junio, del 5 al 9, se celebró en Madrid la 14º edición del Festival de Cine alemán. El evento, auspiciado por varias instituciones alemanas, es ya es un clásico en la capital de España y permitió ver una muestra de un cine que desgraciadamente no siempre se exporta lo suficiente y que solo en muy pocas ocasiones consigue llegar a las pantallas del resto de países. Por ello, este Festival permite descubrirnos una serie de directores muy interesantes que de otro modo nunca se conocerían más allá de sus fronteras. En el cine alemán no solo existen Rainer Fassbinder, Werner Herzog o Wim Wenders, sino que hay nuevos realizadores como Christian Schwochow o Andreas Dresen...

 

Rainer Fassbinder
 

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Los premios Oscar 2012: Un recorrido global del cine actual


The artist Entre las nominaciones para los premios Oscar de este año cabe apuntar que las más interesantes no han correspondido a directores norteamericanos o, como en el caso de Woody Allen con Midnight in Paris, el distanciamiento del patrón hollywoodense ha resultado ser siempre una característica de su filmografía.

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13° Bafici: Balance de un festival en movimiento


13° Bafici

 


 

Del 6 al 17 de abril de 2011 se llevó a cabo en la ciudad de Buenos Aires la edición número 13 de su ya clásico Festival Internacional de Cine Independiente. Lo que empezó siendo un pequeño festival con intenciones modestas en 1999 apunta cada vez más a ganar un público amplio y diverso. La multiplicación de las propuestas año tras año da fe de esto, y esta última edición del festival no fue la excepción.

 

Otros festivales

 

- Fest. Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria 2011
- Fest. Internacional de Cortometrajes de Clermont-Ferrand 2011
- Fest. Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) 2011

Qu'ils reposent en révolte (des figures des guerres)

 

La carrera del animal

 

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La ruina en diálogo


12º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria
1 al 9 de abril de 2011

 
El cine, la imagen en movimiento, es en sí misma una suerte de memoria, un testigo que incluso en su naturaleza ficticia,  responde de una manera casi análoga a la construcción del recuerdo por parte del individuo. La creación de imaginarios y la propia reflexión de uno mismo y de su tiempo es la base de casi todas las historias.
Cuando descuidamos el tiempo, cuando dejamos de habitarnos, de reconstruirnos, cuando miramos sólo hacia delante, con el miedo terrible de convertirnos en sal, nace la ruina. La ruina convierte los edificios deshabitados en fantasmas, ánimas sin descanso de lo que no termina de ser. Cómo si, el pasado más inmediato, el tiempo reciente, no pudiera  morir en paz; entonces la  herida mal curada, el dolor del desarraigo, la violencia.
Crecer sobre la ruina es elegir de entrada un mal cimiento y eso parece  que ocurre con este futuro esquizofrénico, por lo poco que tiene de referente y medio loco, en una deriva total, amnésica.
Otro tipo de ruinas, menos obvia en el paisaje pero que configura sociedades enteras, es la ruina moral, la falta de atención a nosotros mismos como individuos plenos.  En este punto el crecimiento es imposible, el ser humano mutilado en la moral se convierte en animal y, otra vez la herida que no cicatriza, hace que simplemente envejezcamos sin que la experiencia haya pasado por nosotros de una manera distinta a la erosión.
Parece que en casi todas las nuevas películas que concurrían a concurso en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, esta reflexión estuviera presente, aunque puede que en muchos de los casos de forma involuntaria, como una manera de dialogar con el pasado y la necesidad brutal de este presente de encontrarse.
La película Jean Gentil, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (República Dominicana, México, Alemania, 2010) ganadora de la Lady Harimaguada de oro, en un plano aéreo de la ciudad nos muestra, en última instancia, una ciudad construida sobre la ruina, en todos los sentidos que la palabra ruina alcanza, casas que nacen de ruinas y que son en ese preciso momento ruinas cimientos de más ruinas, como en un juego de espejos y muñecas rusas. La ruina del personaje también se expone, no sólo en el sentido más común ( no tiene dinero, ni casa…) sino en un sentido profundo: la incapacidad vital de entender el  presente, el desarraigo absoluto de la lógica y la ineficiencia de la fé como herramienta de adaptación.
Por seguir el hilo conductor del palmarés, en la cinta china Jiabiangou / The Ditch de Wang Bing, que logró el Premio Especial del Jurado, el Premio del Público y el Premio Signis, ocurre también esto de un modo diferente: la ruina social. Aquí se nos muestra al individuo desposeído de todo, y cómo esta miseria del horror nos deja huérfanos de dignidad, arruinados moralmente y sin redención posible. Los cadáveres amontonados, enterrados por el propio desierto, desposeídos de identidad, dialogan con los vivos, convirtiéndose así esta imagen,  en pasado, presente y futuro que aniquila la memoria de los habitantes del campo de concentración, convirtiéndoles en bestias.
En otras películas a concurso aparece la metáfora de la ruina de un modo más gráfico, con la ruina del urbanismo de la revolución  griega en Attemberg. No es casual que el padre moribundo de la protagonista sea arquitecto. La despedida de su padre se convierte en viaje iniciático, funcionando esta dualidad padre-hija como metáfora de la era post-industrial, Marina representa al nuevo siglo y su padre al siglo que se muere "y no te he enseñado nada", le dice él. Las ruinas de un pequeño pueblo de Grecia rodeado de fabricas,  sirven a la narración como marco histórico que redondea la metáfora; las capas se suceden solapándose, no hay revolución sino un destino en ruinas: el "urbanismo de la muerte".  Dejando a la generación futura en ese contexto de arquitecturas muertas, desposeídas, descuidadas, el futuro no encuentra aquí ni su arraigo en el presente y encara el nuevo siglo sin haber aprendido nada.
Otras referencias autobiográficas  generacionales como True Love o Somos Nosotros, retratan  sus ciudades como el contexto en el que se mueven, asumiendo la ruina como parte integradora de lo cotidiano, pero las imágenes de los edificios vacíos, (los no lugares en las ciudades, las casas derrumbadas, antiguas fábricas…) fascinan a los realizadores por lo que tienen de poético y de narración, asumiéndolas en su presente y mostrándolas como parte de este tiempo que nos toca, que corre raudo entre los despojos del pasado.
Hi-So la película tailandesa del director Aditya Assarat, muestra con el tsunami de fondo, escenarios que retratan un país aún en reconstrucción ó a punto del derribo. No hay tiempo para reconstruir pasados y la identidad se diluye en la propia inmediatez de la joven vida.
En Ocaso de Thèo Corte, la vieja casona otrora señorial y llena de vida, aparece como un espectro feudal embalsamado, residuo de un tiempo pasado que persiste convertido en ruina.
El relato mitológico de la aldea de Malasia en Year without a summer, nos cuenta cómo el marinero que parte y vuelve a la aldea ya no encuentra su sitio; el mundo cambia y la huida a veces nos deja la vida en el camino.
Otro ejemplo de la necesidad de explicar el presente a través de la memoria y  de cómo fueron necesarios  sacrificios ideológicos para adaptarse a las nuevas necesidades de los tiempos es la cinta de Pablo LLorca, El mundo que fue y el que es, que sugiere, casi al final, cómo el protagonista, interpretado por Pedro Casablanc, premiado como mejor actor en esta edición, intenta comprender éste mundo después de aquellos años de lucha, otra vez, pero a la inversa, esa necesidad de comprender este tiempo.
Estos son algunos ejemplos, que en esta breve muestra parecen concluir que  la necesidad de explicarnos, de entendernos, es vital para construir un futuro sólido de individuos con memoria y  no de seres alienados de sí mismos. Porque saber de dónde venimos nos permite reformularnos en una identidad que nos deje avanzar sanos, con las cicatrices necesarias, pero con la atención que se merecen las heridas.
El retrato que es el cine por lo que sugiere de nosotros y del otro, convierte a este arte en un testigo fundamental de nuestra historia, y parece necesario tanto para los creadores como para el público que se posibiliten estas reflexiones. El Festival Internacional de Las Palmas de Gran Canaria, sigue apostando por el cine aún a costa de lo incómodo y lo no convencional, en una dirección clara hacia el cine como arte. Ahora que los cines pueblan las ciudades como ruinas de otro tiempo, iniciativas como esta demuestran que es posible reencontrarnos a la luz del proyector.
 
Nira Rodríguez
Attenberg
Attenberg

Ditch
The Ditch

Hi-Sol
Hi-Sol

Jean Gentil
Jean Gentil

Pablo Llorca
Pablo Llorca

Ocaso
Ocaso

 


Los premios Oscar 2011: Diversidad a contracorriente


Los premios Oscar 2011


 

Este año en especial, las nominaciones al Oscar como mejor película cubrieron un amplio espectro de temas y aproximaciones fílmicas a múltiples asuntos, cuyo hilo conductor lo ha constituido la urgencia del protagonista para sobrevivir dentro de un entorno hostil, producto de sus propias pasiones o limitaciones; ya fueran estas psicológicas (The King's Speech, Black Swan), sociales (The Social Network), económicas (The Fighter, True Grit, Winter's Bone), familiares (The Kids Are All Right), accidentales (127 Hours), metafísicas (Inception) o fantasiosas (Toy Story 3).
El Discurso del Rey

 

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Ambulante: documentales itinerantes para todos


Ambulante: documentales itinerantes para todos


 

Hace apenas 6 años que inició esta aventura llamada ambulante; un sueño de transmitir a la mayoría de la gente, de manera gratuita, documentales mexicanos para darles más difusión entre la población. En México, los documentales son escasos debido a la poca distribución que tenían en tiempos pasados, pero Ambulante ha logrado dar nuevos bríos a esta práctica fílmica poco desarrollada en este país.

 

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Festival de cine latinoamericano en Israel


Cuando me toque a mi


 

La Asociación de Embajadas Latinoamericanas en Israel ha presentado en las cinematecas de Haifa, Tel Aviv, Jerusalén y Sderot un programa de películas, algunas de las cuales fueron realizadas en países cuya obra cinematográfica es casi desconocida en Israel. Es el caso de Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Guatemala y República Dominicana.  La selección del material, salvo excepciones, no ha sido especialmente afortunada. Hago a continuación un breve comentario sobre las películas exhibidas y refiero también a comentarios publicados por algunos miembros de la industria del cine representada.

Hit Estomago una historia gastronomica

 

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NYFF 2010


Mysteries of Lisbon


 

En esta última entrega, más que ningún otro año de su historia reciente, el Festival de Cine de Nueva York ha incluido entre sus largometrajes un número sustancial de películas provenientes de Hispanoamérica o donde el protagonismo reside en el continente. Ello cual prueba sensible del interés por los temas y filmografía del mundo hispánico; un interés que en el pasado se había centrado fundamentalmente en España de la mano de cineastas consagrados como Carlos Saura o Pedro Almodóvar, y de nuevos directores como Alejandro Amenábar o Juan Antonio Bayona.

The tempest 

Post mortem

 

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Un vaso de mar


James Coleman. Ligne de foi. DVD color, 1991-2005

Qiu Anxiong. The new classic of mountains and seas. Parte 1 y 2.  2006/2009 

Bajo el lema "Há sempre um copo de mar para navegar" se desarrolló, entre el 25 de septiembre y el 12 de diciembre de 2010,  la 29ª Bienal de São Paulo en el Parque Ibirapuera, importante pulmón de la moderna megalópolis brasileña.
El pabellón de 30 mil metros cuadrados, creado por el arquitecto modernista Oscar Niemeyer, albergó fotografías, vídeos e instalaciones de 159 artistas provenientes de todas partes del mundo, incluyendo países con una larga trayectoria en multimedia como Estados Unidos, Japón, Alemania e Israel, y otros con serias dificultades de financiación, formación e infraestructura...

Jacobo Borges. Imagen de Caracas. Tres canales de vídeo  y fotografía color, 1967 

Lygia Pape. Divisor. Vídeo color. 1968/2010

 

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34º Festival Internacional de Cine de São Paulo


Soluciones locales para un desorden global


 

Desde el 22 de octubre hasta el 4 de noviembre de 2010, São Paulo dio albergue a su ya tradicional Festival Internacional de Cine. A lo largo de dos semanas, más de 400 filmes provenientes de diferentes países fueron exhibidos en la 34ª edición de la Mostra, en más de 20 espacios entre salas de cine, museos y centros culturales.
La selección de largometrajes proveyó un panorama de la producción de cine contemporáneo mundial y de las tendencias, los temas, las narrativas y las estéticas que se están viendo actualmente.

Cirkus Columbia 

Los amores imaginarios

 

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Cambiar la lengua

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