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Festivales

Mayo - Junio 2020

52º Festival de Cine de Nueva York

Como la realidad en la que nos hallamos inmersos, el 52º Festival de Cine de Nueva York, dirigido por Kent Jones, en su segundo año al frente de este evento, ha sido un Festival en transición. Todavía no se visualiza -nunca mejor dicho- una política definida en cuanto...

Festival do Rio 2014 - Premios

Después de 15 días, entre el 24 de Septiembre y el 8 de Octubre de 2014, se conocieron los ganadores de la presente edición durante la noche de clausura en la que se entregaron los Premios Redentor.
De los diez largometrajes de ficción nominados, de los diez largos documentales seleccionados y de los 16 cortometrajes en competencia, fueron premiados los siguientes:

Sección Première Brasil

Jurado Oficial
Presidente del Jurado: Karim Ainouz. Miembros del Jurado: Andrea Barata Ribeiro, Malu Mader, Maurizio Braucci y Mike Downey.

Mejor Largometraje de Ficción: Sangue Azul, de Lírio Ferreira
Mejor Largometraje Documental: À Queima Roupa, de Theresa Jessouroun
Mejor Cortometraje: Barqueiro, de José Menezes e Lucas Justiniano
Mejor Director de Ficción: Lírio Ferreira por Sangue Azul
Mejor Director de Documental: Theresa Jessouroun por À Queima Roupa
Mejor Actriz: Bianca Joy Porte por Prometo Um Dia Deixar Essa Cidade
Mejor Actor: Matheus Fagundes por Ausência
Mejor Actriz de Reparto: Fernanda Rocha por O Último Cine Drive-In
Mejor Actor de Reparto: Rômulo Braga por Sangue Azul
Mejor Fotografía: André Brandão por Obra
Mejor Montaje: Luisa Marques por A Vida Privada Dos Hipopótamos
Mejor Guión: Murilo Salles por O fim e os meios
Premio Especial del Jurado: Ausência de Chico Teixeira
Premio por la Integralidad de la Obra: Othon Bastos

Novos Rumos (Nuevos Rumbos)

Jurado presidido por Felipe Bragança y compuesto por Bianca Comparato e Cavi Borges
Mejor filme: Castanha de Davi Pretto
Mejor Cortometraje: Bom Comportamento de Eva Randolph
Premio Especial del Jurado: Deusa Branca de Alfeu França

Prêmio Fipresci
Jurado compuesto por Ernesto Diez Martinez, Luiz Zanin e Roni Filgueiras
Obra de Gregorio Graziosi

Jurado Voto Popular:
Melhor Longa Ficção: Casa Grande de Fellipe Gamarano Barbosa
Mejor Largometraje Documental: Favela Gay de Rodrigo Felha
Mejor Cortometraje: Max Uber de André Amparo

Otros Premios:

Muestra Generación: Finn de Frans Weisz

Premio Félix: (dedicado al mejor filme de temática LGBT dentro de toda la programación del Festival. Ceremonia de entrega realizada el día 6 de Octubre en el CCBB):

Mejor Documental: De gravata e unha vermelha de Miriam Chnaiderman
Mejor Ficción: Xenia de Panos H. Koutras
Premio Especial del Jurado: Toda terça-feira de Sophie Hyde

El Festival do Rio cerró su 16ª edición con una estimativa de público de 250 mil espectadores.

Adriana Schmorak Leijnse

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Festival do Rio 2014 - Las peliculas

El Documental fue la estrella de este Festival do Rio 2014. Sin embargo, otros géneros como el ficcional y el Biopic mostraron buenos ejemplos de interpretación, guión y dirección. Aquí van diez comentarios breves de filmes que Cinecritic.biz tuvo el privilegio de ver este año en la Ciudad Maravillosa.

Ficción y Biopic

Mr. Turner (Dir.: Mike Leigh. Con Timothy Spall, Roger Ashton Griffiths, Jamie Thomas King. Reino Unido, 2014, Dur.: 149 min)
En su nuevo largometraje, Mike Leigh, director de Life is Sweet (1991) y Secrets and Lies (1996), aborda los últimos 25 años de vida del maestro británico Joseph Mallord William Turner. Excéntrico e indisciplinado, el pintor transitaba entre la aristocracia y los prostíbulos, además de alimentar la inspiración en sus numerosos viajes. El reconocimiento de sus pares no fue suficiente para protegerlo de las eventuales críticas populares y del sarcasmo de la clase dirigente. Después de la muerte de su padre, Turner se aisló, pero su vida cambió cuando conoció a la Sra Booth, propietaria de una pensión en la costa.
La obra de Turner se caracterizó por la investigación sobre los efectos de la luz, y fue determinante para el posterior desarrollo del Impresionismo. Desde 1817 hasta 1845 viajó con frecuencia a los Países Bajos para estudiar los efectos atmosféricos y lumínicos en esas latitudes, y para observar las obras de los pintores holandeses. Turner pintaba sus paisajes durante el amanecer y el atardecer por tratarse de los dos momentos del día en los que se puede apreciar mejor el espectro completo de luz. La tonalidad de sus obras está muy volcada al amarillo, al rosado o al anaranjado. Aunque perteneció al Romanticismo, se lo considera antecedente directo del Impresionismo por sus estudios de la luz, y un antecedente más lejano del Arte Abstracto por su tendencia cada vez mayor a difuminar los contornos hasta convertirlos en formas irreconocibles, en manchas.
El director de fotografía de Mr. Turner, Dick Pope, intentó con éxito dar al filme la misma calidad de luz que aparece en las obras del artista británico, algo nunca sencillo en este tipo de biopics. Ensayó una especie de veladura que da una sensación de desvanecimiento de las formas, como en una foto en la que el exceso de luz difumina los contornos. La película abre, además, con humo de cigarrillo, evidenciando la forma en la cual el efecto del humo modifica el cuadro, en referencia directa a los efectos de humo y niebla de las pinturas de Turner.
Otro tema tratado por Mike Leigh, director y guionista de la película, es la aparición del daguerrotipo durante la última etapa de la vida del pintor. La fotografía ya había comenzado entonces a ocupar el lugar de la pintura en el género del retrato, y pronto ocurriría otro tanto con el paisaje, es decir que la fotografía estaba liberando a la pintura de la imposición de ser el único medio capaz de registrar fielmente la realidad, lo que trajo como consecuencia que las artes plásticas se tornasen cada vez menos figurativas. Esta tendencia creciente a la abstracción llegó a tal extremo en Turner que volvió su obra incomprensible para el público y para la clase dirigente (vale acotar, en este sentido, que Mike Leigh retrata a la Reina Victoria como una monarca que no gustaba en absoluto de las innovaciones en materia artística). Sin embargo siempre contó con el apoyo y el reconocimiento del público conocedor y de sus colegas.

Maps to the Stars (Dir.: David Cronenberg. Con Julianne Moore, Mia Wasikowska, Olivia Williams, Evan Bird, John Cusack, Robert Pattinson. Canadá/Alemania, 2014, Dur: 111 min)
El célebre director canadiense David Cronenberg cuenta la historia de los Weiss, una típica familia hollywoodense. Sanford (John Cusack) es un psicólogo que hace fortuna con libros de autoayuda. Christina, su mujer (Olivia Williams), pasa la mayor parte de sus días cuidando la precoz carrera del hijo menor Benjie (Evan Bird), un astro infantil de 13 años que acaba de volver de un centro de rehabilitación para drogadictos. Completando la familia, Agatha (Mia Wasikowska) fue recientemente liberada de un sanatorio psiquiátrico donde se la trató por su inclinación a la piromanía.
El filme abre con un mapa de las estrellas sobre la cual se imprime los nombres del elenco y el equipo de filmación, en un interesante juego de sentidos que pone en relación los cuerpos celestes, los astros, con los "stars" de Hollywood. Benjie, estrella de la pantalla grande, que comenzó su carrera (y su adicción a las drogas) a los 9 años, es ahora un precoz productor y actor de 13 años. Havana Segrand (Julianne Moore) es una actriz que sufrió abuso sexual durante su infancia, de manos de su madre, la también actriz Clarice Taggart (Sarah Gadon).
Agatha es piromaníaca, iniciadora del incendio de la casa paterna. Cuando consigue trabajo como secretaria en la mansión de Havana Segrand, es como si el pasado retornase. Havana se siente identificada con Agatha porque Clarice, su madre, también murió en un incendio. ¿Cronenberg estará insinuando, así, que Havana provocó el incendio donde murió su madre, para vengarse de los abusos? No hay respuesta a esta pregunta. Sin embargo Christina, la madre de Benjie y Agatha muere también quemada, a lo bonzo. Parece que el pasado no resuelto retorna una y otra vez, como un karma o una maldición, de la misma forma que acontece en las tragedias griegas. Los destinos de Agatha y Havana se cruzan, como si las dos fueran una sola persona. Incluso cuando Agatha asesina a Havana, golpeándola reiteradamente en la cabeza, ella misma se mancha la frente de sangre, puesto que una es el reflejo de la otra.
Cronenberg muestra la competencia feroz que existe en Hollywood y cómo las estrellas se odian unas a otras hasta desearse la muerte. Un mundo cruel, un mundo de psicóticos donde las palabras amor, perdón y compasión brillan por su ausencia, un mundo de homicidas, abusadores y suicidas. Los celos, la envidia y la hipocresía reinan en ese mundo, siendo las únicas motivaciones el sexo, el dinero, la fama, el ego y la venganza.
Hay un poco de mezcla de géneros en la película, desde el género del terror al de la ciencia ficción. Por ejemplo, al principio, cuando Agatha se sube al remise, Jerome le pregunta de dónde viene, a lo que ella responde: "vengo de Júpiter". Luego esto es reafirmado cuando Jerome obtiene un papel secundario en un filme de ciencia ficción. El tatuaje que lo identifica como extraterrestre guarda la misma forma, y ocupa el mismo lugar en su rostro, que la enorme y visible cicatriz en el rostro de Agatha, consecuencia de los incendios provocados por ella. De alguna manera es como si Agatha fuera (o se sintiera) como una especie de extraterrestre venida del espacio sideral, alguien que no pertenece a este mundo. O tal vez Cronenberg nos está diciendo que todos provenimos del Cosmos y que nuestro destino está gobernado por él.
Por otra parte, tanto Benjie como Agatha ven fantasmas de niños en el jardín de su casa. La aparición de espectros es algo muy frecuente en el género del terror, solo que en Cronenberg adquiere un cariz psicológico y casi podríamos decir, surrealista. En él la realidad se vuelve mágica para explicar un estado alterado de la consciencia. Los fantasmas aparecen y desaparecen en la piscina, siendo el agua un canal de comunicación de este mundo con el más allá, y adquiriendo también otras significaciones como el de las profundidades del sueño y del inconsciente o como un portal a otra dimensión (¿la cuarta, la quinta?).
En Maps to the Stars la construcción del relato se inspira en las tragedias griegas. Sólo que los palacios de la Antigüedad se ven convertidos ahora en las modernas mansiones de Beverly Hills, donde la tragedia humana se perpetúa de la misma forma que antaño. Cronenberg da continuidad a una idea recurrente en su filmografía, la de una sociedad decadente que se desmorona, cuyos integrantes terminan muertos o locos como en las tragedias clásicas o en las shakesperianas. Solo por poner un ejemplo: Christina, la madre de Agatha, dice que ellos no sabían, antes de casarse, que ella y Sanford eran hermanos. De la misma forma que en la célebre tragedia de Sófocles, Edipo, para llegar a ser rey, mata a su padre y se casa con su madre porque no sabe quiénes son. Su destino está marcado por los dioses (o por las estrellas, retomando la idea del filme). Los temas del incesto y de la muerte temprana no sólo aparecen en referencia a Christina y Sanford, también en lo que respecta a Havana y su madre Clarice, y a los hermanos Benjie y Agatha. El destino de todos ellos está marcado por las estrellas. El mapa del comienzo adquiere, entonces, un cariz de marca cósmica del destino humano, o mejor dicho, de la tragedia humana. En realidad es un filme con un cierto grado de esoterismo. El hecho de que Agatha hubiese vivido 7 años en el hospital psiquiátrico en Florida y Benjie tuviese 13 años al cumplir su destino de casarse con su hermana y morir en manos de ella, significa que hay algo de cabalístico en Maps to the Stars, ya que 7 y 13 son números muy significativos para la Cábala, son ciclos al cabo y al inicio de los cuales, cosas importantes acontecen en la vida de una persona.

Jimmy's Hall (Dir.: Ken Loach. Con Barry Ward, Simone Kirby. Irlanda/Reino Unido, 2014. Dur: 106 min)
En 1921, el campesino Jimmy Gralton tiene la audacia de construir un salón de danza en un rincón rural de Irlanda. Punto de encuentro entre jóvenes idealistas, el lugar es visto con malos ojos entre los más conservadores. Diez años después, luego de un largo exilio en Nueva York, Jimmy vuelve a su tierra natal para ayudar a su madre a cuidar de su familia. Con esperanzas renovadas en el ambiente, después de casi diez años de guerra civil, Jimmy decide reabrir el antiguo salón. El éxito es inmediato, pero sus ideas progresistas no agradan a todos en la aldea, y las tensiones surgen nuevamente.
Ken Loach toca el tema de Irlanda en el periodo post-independentista, luego del tratado anglo-irlandés que estableció, en 1921, la separación de una Irlanda del Norte protestante, dependiente del Reino Unido y una Irlanda del Sur autónoma y de mayoría católica. El director británico muestra la dictadura de la Iglesia Católica en Irlanda, además de la intolerancia y la persecución contra los comunistas.
Jimmy Gralton volvió de Nueva York en plena crisis del '30 con toda la ilusión de volver a su tierra, pero sus ideas progresistas no fueron bien recibidas. El conoció en los Estados Unidos la música de jazz y las ideas progresistas sobre la defensa de los derechos de los trabajadores, los derechos civiles, en los que los Estados Unidos estaban por aquella época mucho más desarrollados que Irlanda. Sus ideas novedosas molestaron a tal punto al establishment de la Irlanda católica, que finalmente el Obispo y el poder político decidieron expulsarlo definitivamente del país. Jimmy fue forzado a aceptar un segundo exilio en Nueva York, donde murió en diciembre de 1945.
La última imagen del filme muestra a los jóvenes despidiendo a Jimmy. Esos jóvenes son el futuro, el cambio en Irlanda que llegó bastante tardíamente, recién a mediados de los años '80. El filme muestra lo hermética y cerrada que se mantuvo la sociedad irlandesa, resistiendo al cambio durante más de 50 años, y el atraso al que la Iglesia Católica la tuvo sometida durante ese extenso periodo de tiempo.

Mommy (Dir.: Xavier Dolan. Con Anne Dorval, Antoine Olivier Pilon, Suzanne Clément, Patrick Huard, Alexandre Goyette. Canadá, 2014. Dur: 134 min)
Del director Xavier Dolan (Yo maté a mi madre, 2009 y Los Amores Imaginarios, 2010), se proyectó, durante el Festival do Rio 2014, Mommy, largometraje ganador del premio del jurado en el Festival de Cannes 2014.
Diane es una mujer viuda que vive constantemente malhumorada. Madre soltera, se ve sobrecargada con la guarda de Steve, su hijo de 15 años, que sufre de un síndrome conductual denominado TDAH (Trastorno por Déficit de Atención con Hiperactividad). Mientras ellos intentan sobrevivir y luchar en medio de esta situación difícil, Kyla, una profesora de secundaria que vive justo enfrente de la casa de Diane, se ofrece para ayudar. Juntos, los tres encuentran un nuevo equilibrio y la esperanza renace.
Para mostrar la estrechez de visión, la poca perspectiva en esas vidas, el director optó por un formato cuadrado 1:1, muy atípico en cine. Los colores son apagados y la luz opaca, grisácea. En la única secuencia donde se vuelve al formato rectangular normal 1.85:1 es aquella de la ensoñación de Diane, en la que además los colores y la luz recobran su brillantez.
Diane firma con la apócope "Die" la salida de su hijo de la clínica. "Die" en inglés significa morir. Es como que si madre, al llevar a su hijo a casa, en lugar de ayudarlo, lo estuviera empujando a la muerte. Da la impresión, a lo largo del filme, que ella culpa a su hijo de todas sus desgracias y que, en realidad, ella es la más desequilibrada de los dos. La situación general parece ir mejorando durante un tiempo hasta que Die decide internar a Steve por segunda vez, en un nuevo intento de quitarse el problema de encima, y es entonces que la situación de ambos vuelve a caer en el vacío.
Mommy es un filme extremadamente pesimista y nihilista. La madre, en la filmografía de Dolan, no es un ser que da vida sino muy por el contrario, aparece representada como la Muerte personificada, como alguien que está allí para destruir, para matar a su hijo. Hay un conflicto generacional muy fuerte en este y otros filmes anteriores del joven director canadiense. Algunos de estos conflictos aparecen también en Yo maté a mi madre (2009): la pugna entre un adolescente en busca de su identidad sexual y una madre soltera sobreprotectora y desamparadora a la vez, la relación simbiótica de amor-odio entre esta madre y su hijo, agravada por un padre ausente y el tema de la internación como una manera poco efectiva de poner distancia en esa relación simbiótica. Sin duda los filmes de Xavier Dolan requieren un completo conocimiento de la obra de Freud para ser cabalmente comprendidos.

El misterio de la felicidad (Dir.: Daniel Burman. Con Guillermo Francella, Inés Estévez, Alejandro Awada, Sergio Boris. Argentina/Brasil, 2014. Dur: 92 min)
De Daniel Burman, el mismo director de El hijo de la novia, El abrazo partido y El nido vacío, pudo verse en el Festival do Rio El misterio de la felicidad, una película que habla sobre el amor, la amistad y la lealtad.
Santiago y Eugenio son socios en un negocio de electrodomésticos y amigos de mucho tiempo. Un día, y sin previo aviso, Eugenio desaparece. Santiago se da cuenta de la gravedad del problema cuando Laura, la esposa de Eugenio, le cuenta que su marido se ha llevado todas sus pertenencias sin dejar pistas. Juntos, Santiago y Laura, viajan a Brasil para buscar a Eugenio y así descubrir los motivos de su desaparición, pero entonces un nuevo sentimiento nace entre ambos.
En la primera secuencia, con mucho sentido del humor, los dos socios actúan como si uno fuese el fiel reflejo del otro. Los movimientos cuidadosamente sincronizados, como en un espejo, dan a uno la impresión de estar presenciando una vida en pareja más que la de socios de una empresa. Sin embargo hay como una especie de quiebre en esa relación simbiótica cuando uno expresa su intención de vender el negocio de electrodomésticos y el otro, lo contrario. Eugenio es un hombre que parece tener poco carácter y ser fácilmente manipulado por su esposa y su socio. Es como si mantuviese una existencia ajena, duplicada, como si viviera enajenado sin tener en cuenta para nada sus propios deseos y sueños. La película habla de qué pasa cuando un miembro de una sociedad (conyugal o de negocios) decide romper con lo establecido, con el contrato matrimonial y comercial, poniendo fin de esa forma al vacío de una vida impostada.
En la entrevista colectiva que dieron Daniel Burman e Inés Estévez durante el festival, Burman habló de un tema recurrente en sus filmes: "yo hablo de los vínculos, de cómo nos relacionamos con el otro para sobrevivir a la angustia existencial que todos tenemos". El joven director argentino recordaba que existe una relación directa entre melancolía y comedia, ya que "la vida es básicamente una tragedia y la reacción a esta tragedia es la comedia, es una forma de sobrellevar esa tristeza, esa melancolía", decía. A pesar de ello, en sus filmes siempre hay una salida, una esperanza.
Para Inés Estévez, en cambio, el filme habla de "cómo el ser humano sostiene situaciones que van en detrimento de su propia felicidad".
Daniel Burman retrata en sus películas a la sociedad porteña de clase media, generalmente representada a través de sus colectividades. Hasta ahora sus personajes centrales pertenecían la comunidad judía, pero en éste, su último largo, son los armenios los que aparecen retratados en la piel del "investigador privado" Odukian (Alejandro Awada), que más parece un médium o un adivino que un investigador. Como bien marcaba el director durante la entrevista colectiva, Odukian ocupa el lugar de la pitonisa en el Oráculo de Delfos, quien a su vez remite a la tragedia griega. "Odukian tiene una visión diferente. Justamente por ser armenio, él ve un poco más allá que los demás".

El Presidente (Dir.: Moshen Makhmalbaf. Con Misha Gomiashvili, Dachi Orvelashvili. Georgia/Francia/Reino Unido, Alemania, 2014. Dur: 105 min)
Del mismo director de Gabbeh y El silencio, el iraní Moshen Makhmalbaf, llegó a las pantallas del Festival do Rio, El presidente. Un dictador y su familia gobiernan un país imaginario con puños de acero, disfrutando de una vida de lujo y de placer a costa de la miseria del pueblo. Cuando un Golpe de Estado derriba el régimen, la familia del líder huye del país en avión, dejando en tierra al ex mandatario y a su joven nieto de cinco años. Disfrazados de músicos callejeros, cruzan el país y se enfrentan cara a cara con el odio unánime que despertaron en el pueblo durante tantos años de dictadura.
El filme habla de un mandatario hipotético en un país hipotético. Sin embargo podemos reconocer allí algunos rasgos de la historia política de Irán. Es como si Makhmalbaf estuviese repasando la historia de Irán de los últimos 50 años.
El dictador -no se entiende muy bien por qué lo llaman Presidente, si él mismo se hace llamar Su Majestad, y a su nieto, el Príncipe Heredero- posee ciertos rasgos de Mohammad Reza Pahlavi, el último Shá de Persia. Como respuesta a una de sus órdenes arbitrarias y caprichosas, el pueblo declara la revolución. La película muestra, básicamente, cómo una dictadura derrocada por la fuerza, termina en otra dictadura más violenta y arbitraria que la anterior porque toda la maquinaria del poder sigue intacta y porque se basa en el odio y no en el respeto al otro. Ese círculo vicioso de venganza parece no tener fin, pero en algún punto tiene que cortarse para dar cabida a un estado de derecho.
La ciudad capital de este país imaginario recuerda un poco a París. Es una ciudad construida al estilo occidental, tal vez en alusión a la orientación pro-occidental del Shá de Persia. Luego de la revolución, el ex "presidente" se viste con ropas de campesino y vaga por el país guitarra en mano, disfrazado de músico ambulante. Esto, claro, no fue lo que ocurrió con Reza Pahlavi, se trata de una licencia poética para mostrar la fragilidad del poder absoluto: el mismo que un día creía encontrarse en la cima del mundo, al día siguiente puede descender al mismo nivel que un pordiosero. Lo bueno de esto es que así, quien otrora sustentaba el poder, entra forzosamente en contacto con la realidad.
El final queda abierto, no sabemos si el dictador muere decapitado o "danza por la democracia", como se lo escucha decir a un opositor recientemente liberado de prisión. La elección entre venganza o democracia está en manos del pueblo, este es el mensaje que Moshen Makhmalbaf quiere dejar al pueblo iraní y a todos los pueblos del mundo, de cara al futuro.

Documentales

Salt of the Earth (Dir.: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado. Con Sebastião Salgado. Francia/Italia/Brasil, 2014. Dur: 109 min)
En 40 años de carrera, el fotógrafo Sebastião Salgado recorre el mundo como testimonio de una humanidad en plena transformación, registrando eventos trágicos de nuestra historia reciente. Actualmente, se dedica al descubrimiento de territorios vírgenes y sus grandes paisajes, al encuentro de una fauna y una flora salvajes en un gigantesco estudio fotográfico que contempla la belleza del planeta. Los bastidores de este nuevo proyecto son revelados por las lentes cinematográficas del consagrado director alemán Wim Wenders y del hijo de Sebastião, Juliano Ribeiro Salgado.
El documental de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado comienza con fotos de Sebastião Salgado -de las minas de oro de Serra Pelada, en el Estado de Pará, norte de Brasil- y un primer plano del fotógrafo en sobreimpresión. Resulta muy impresionante la imagen de 50 mil personas subiendo y descendiendo de la ladera de la montaña en una busca desesperada por oro. Parecen esclavos pero no son, están allí por su propia voluntad. Su única esclavitud es la ambición. A partir de allí el documental muestra que la fotografía de Sebastião Salgado es esencialmente una fotografía de retrato social.
En el largometraje prima el blanco y negro simplemente porque Salgado evita el color en sus fotografías por una elección estética. Hay dos narradores: uno extra-diegético que narra en inglés, el director Wim Wenders, y otro intra-diegético que narra en francés, Sebastião Salgado. Sin embargo Wenders, de vez en cuando entra en de la diégesis, en un juego muy interesante de observador observado; aparece en escena cuando Sebastião saca fotos de él mientras éste lo filma. Se ve la cámara de Wenders en la foto de Sebastião y la cámara de Sebastião a través de la cámara de Wenders. Este juego de miradas surge del hecho de estar filmando a un colega que realiza el mismo trabajo de registro.
El fotógrafo brasileño estuvo exiliado en París desde 1969, durante el régimen militar, y volvió a Brasil en 1984 con el retorno de la democracia. Cuando volvió a su hacienda se encontró con que la sequía no había dejado tierra fértil para cultivo, su esposa Lélia Wanick tuvo la idea de replantar la mata en la hacienda reestableciendo así todo el ecosistema del lugar. Crearon en esa época el Instituto Terra para la preservación del medio ambiente. Hoy día las tierras de los Salgado son una Reserva Natural protegida por el Estado Nacional Brasileño.
El documental repasa todas las expediciones fotográficas de Salgado en África, Latinoamérica y este de Europa para dar cuenta de los dramas sociales, la extrema pobreza, las guerras civiles en África -que sólo acaban con el exterminio de uno de los grupos en pugna-, la guerra étnica en el este de Europa, los éxodos masivos, la hambruna, la muerte infantil por inanición y falta de agua en el nordeste brasileño, y así podríamos continuar.
Tiene una serie de obras de 1993 que, bajo el nombre de "Trabajadores, una arqueología de la era industrial", muestra las consecuencias ambientales de la explotación indiscriminada de recursos. A esa serie pertenecen las fotos de "garimpeiros" de Serra Pelada y el registro fotográfico obtenido justo después de la guerra del Golfo, en 1991, de las explosiones de petróleo en Kuwait.
Entre 2004 y 2013 la preocupación de Salgado se centró en la ecología, de allí surge su último libro "Génesis", en el que retrata los santuarios naturales vírgenes, en los que la civilización apenas hizo mella: las tribus aborígenes en Pará, norte de Brasil, las Islas Galápagos en Ecuador, las ballenas de Puerto Madryn en la Patagonia Argentina, las comunidades esquimales en Alaska, forman una colección de fotos de una belleza sobrecogedora. El mensaje del documental es positivo y esperanzador: "la destrucción de la naturaleza es reversible" dice Wim Wenders en voz off. El director alemán logra captar el espíritu de la obra de Sebastião Salgado a quien trata como amigo y colega, con cariño y profunda admiración.

Nan Goldin. I know your face (Dir.: Sabine Lidi. Con Nan Goldin, Clemens Schick, Käthe Kruse, Joachim Sartorius, Piotr Nathan. Alemania/Australia/Suiza, 2013, Dur: 62 min)
Este documental es un retrato personal de la fotógrafa neoyorquina Nan Goldin. Acompañamos a la artista con su cámara durante un viaje entre París y Berlín, donde Goldin se reencuentra con viejos amigos y, con ayuda de ellos, reflexiona sobre diferentes fases de su vida transformadora. El ejercicio le trae profundos insights, llegando a momentos melancólicos sin dejar de lado el peculiar buen humor de la artista. Con una estructura narrativa construida por slide shows y fotografías de Goldin, los momentos íntimos y la relación con sus amigos ganan en intensidad.
El documental es interesante pero formalmente poco original. Se ve el granulado de la película y no innova demasiado en la forma de tratar el género. Muestra a cada persona en plano y contra-plano, fotos de Nan Goldin, su voz en off, imágenes captadas por la fotógrafa y ya. El único mérito de este documental es hacer conocer un poco más la vida de la artista.
Nan Goldin tuvo una vida familiar muy desgraciada, no tuvo una buena madre y su hermana se suicidó a los 18 años. Ella era bisexual y usó drogas pesadas durante muchos años, consecuencia de lo cual quedó con una lesión cerebral que le provocaba desmayos súbitos sin causa aparente. Sus fotos retratan marginales, homosexuales con sida en etapa terminal, drogadictos y alcohólicos, travestis, el mundo de la noche en barrios marginales.
El filme daba para más, pero por una falta de experiencia de la directora, no conmueve, no sorprende, no innova ni estética ni temáticamente. Es un documental demasiado simple para la complejidad del personaje tratado.

Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca (Dir.: Julien Temple. Con Hermano Vianna, Fernando Gabeira, Eduardo Paes, Narcisa Tamborindeguy, Wilson das Neves. Reino Unido/Brasil/Alemania, 2014, Dur: 95 min)
El premiado documentalista Julien Temple -director de filmes como The Filth and the Fury (2000) y Joe Strummer: The future is unwritten (2007)-, ofrece una mirada sobre la historia social y cultural de Río de Janeiro, desde el fin de la esclavitud hasta los preparativos para la Copa Mundial 2014 y las Olimpíadas 2016, revelando una radiografía de una ciudad de extremos, en todo su encanto y peligro. A través de imágenes de archivo y entrevistas inéditas, el filme cuenta con las participaciones de ciudadanos ilustres como Ronnie Biggs, Fernando Gabeira, Eduardo Paes, Narcisa Tamborindeguy, Sany Pitbull, entre otros.
Es un documental que muestra el lado oculto de la ciudad, el Río marginal, el Río de las favelas, los travestis, la noche. La ciudad dividida en Zona Sur y Zona Norte, de forma que parecen dos ciudades paralelas donde los que viven de un lado no conocen nada de lo que pasa del otro.
El Río violento de la guerra entre narcos, el Río de los 20 años de dictadura y torturas, el Río de los tiroteos en las favelas y de los "arrastões" (saqueos masivos) en las playas.
Muestra como los sucesivos gobiernos intentaron dar una imagen de cartón postal para atraer al turismo, pero esa imagen se evidencia hoy muy limitante y falsa. El cine americano de Hollywood estereotipó a la ciudad como un lugar de eterna alegría, sensualidad y samba. Seguramente una proyección de sus propios deseos y carencias, olvidándose de la imagen real. El documental muestra asimismo que, desde 2008, el gobierno central está llevando a cabo un plan de seguridad tendiente a cambiar el aspecto de la ciudad de cara al Mundial y a las Olimpiadas.
Otro tema tratado en el documental son las religiones ocultas, como el candomblé, traído al Brasil desde África por los esclavos negros, y que continúa siendo practicado en algunos barrios periféricos de Río de Janeiro (y por supuesto, en el interior del país), un tanto a escondidas de las dos religiones mayoritarias, la Católica y la Evangelista.
Por último, muestra las protestas por el aumento del boleto de colectivo en 2013 y por la corrupción creciente del Estado.
El documental tiene mucho valor en mostrar el lado oculto de Río de Janeiro, y de romper la imagen de cartón postal que tanto atrae al turismo mundial, mientras que en el aspecto formal, se ve la mano experta del realizador. Sin embargo, Julien Temple intenta, no sé si con éxito, dar cuenta de la diversidad de opiniones, a favor y en contra, de cada tema tratado. Tengo dudas de que haya logrado plenamente este equilibrio, necesario en un documental que aspira a la objetividad.

Cathedrals of Culture (Dir.: Wim Wenders, Michael Glawogger, Michael Madsen, Robert Redford, Margreth Olin, Karim Aïnouz. Alemania/Austria/Dinamarca/ Noruega, 2014. Dur: 165 min)
"Si los edificios pudiesen hablar, ¿qué dirían sobre nosotros?". En este documental, seis cineastas ofrecen sus respuestas para la pregunta a partir de seis marcos de arquitectura mundial. Filmado con tecnología 3D, el documental explora la forma de la Filarmónica de Berlín, de la Biblioteca Nacional de Rusia, del presidio de Halden y de la Ópera de Oslo en Noruega. Continúa luego con el Instituto Salk en la costa californiana y con el Centro Pompidou en París, reflexionando en todos los casos sobre la manera en la que cada una de esas edificaciones resguarda la cultura de su pueblo y la memoria colectiva.
Este interesante documental colectivo rescata el alma de seis edificios culturales paradigmáticos. El mismo edificio hace las veces de narrador a través de una voz en off, y cuenta sobre sí mismo, su historia y el significado que posee para la gente que lo visita, que vive o que trabaja en él. Habla de cómo el edificio representa la utopía del país que lo construyó, su idiosincrasia y sus aspiraciones. La cámara muestra los pasillos y recorre los espacios por dentro, develándonoslos en tres dimensiones.

La Filarmónica de Berlín, Alemania (Dir.: Wim Wenders)
La Filarmónica de Berlín fue diseñada por Hans Scharoun - exponente del grupo expresionista Die Brücke y de la arquitectura orgánica- y construida entre 1960 y 1963. La excentricidad de sus formas y sus techos alados, terminados en puntas, son muy atípicos para una sala de conciertos. La planta, con una distribución basada en el concepto de "música en el punto central"⁽¹⁾ aspira a una sociedad igualitaria y a un individuo que forme parte de un conjunto sin perder su punto de vista personal, de allí la idea de diseñar un escenario central con asientos dispuestos en círculo, rodeando a la orquesta. Las escaleras, que salvan los desniveles dentro de la sala de conciertos, permiten recorrer la misma de una punta a la otra en forma circular, sin necesidad de salir a los pasillos externos. Es un espacio integrado e integrador, donde no hay puntos de vista jerarquizados, sí diferentes. Este tipo de disposición rompe con el efecto "caja de zapatos" del teatro tradicional, en el que el escenario queda frente al público y los asientos se disponen en hileras de adelante hacia atrás.

El presidio de Halden, Noruega (Dir.: Michael Madsen)
El presidio de Halden, en Noruega, representa la utopía escandinava de orden y limpieza absolutos. Diseñado por Erik Møller, es la segunda prisión más grande de Noruega y la más lujosa del mundo. El gobierno noruego gastó un millón de dólares en pinturas murales de artistas contemporáneos, fotografías y decoración para reducir la presión psicológica sobre los internos. La mitad de los guardias son mujeres y están desarmados. Casi parece un hotel de lujo. Sin embargo, el director norteamericano Michael Madsen lo presenta como una jaula de oro, y como lo que realmente es: un presidio en el que todo está reglamentado. Nada puede penetrar ni huir de esos gruesos muros sin ser visto, oído o estrictamente controlado. El presidio Halden es un vivo ejemplo del panoptismo foucaultiano, un monumento arquitectónico que todo lo observa y todo lo sabe. De hecho, el corto comienza con una referencia al texto de Michel Foucault: "Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión"⁽²⁾ , en el cual el filósofo francés analiza la estructura del poder en la sociedad occidental y cómo las escuelas, los hospitales y las prisiones cumplen una función de coerción. A esta estructura edilicia que permite vigilar a todos sus ocupantes en cualquier momento del día, Foucault ha denominado "panóptico".

Biblioteca Nacional de Rusia, San Petersburgo (Dir.: Michael Glawogger)
El recorrido de la cámara por la Biblioteca Nacional de Rusia, en San Petersburgo, da la impresión de una infinitud temporo-espacial construida con libros. La narración del corto es circular, puesto que comienza y termina en el mismo punto. Una cámara subjetiva del narrador nos introduce en el espacio y la historia de este monumento cultural ruso, mientras sale de la estación de metro, observa el tránsito que bocina en la gran avenida Nevsky, y nos da una vista general de la Biblioteca por fuera.
La Biblioteca Nacional de Rusia contiene la colección más grande del mundo de libros en ruso. Actualmente resguarda unos 34 millones de ejemplares, muchos de los cuales son antiguos y muy valiosos. Sus joyas incluyen obras maestras como el Evangelio de Ostromiro (1056-1057) -el libro más antiguo existente en Rusia, los fragmentos del Codex Sinaiticus (siglo IV) y el denominado "Códice de Leningrado" (año 1008), la Biblia Hebraica manuscrita más antigua entre las fechadas.
Otro tesoro de la Biblioteca Nacional de Rusia es la biblioteca de Voltaire. Adquirida en 1778 por Catalina II, se compone de 6814 volúmenes, de los cuales 2000 tienen notas escritas a mano por el propio Voltaire. Se trata de una gran colección de libros dedicados a la historia y a la literatura de Francia. Contiene muchos libros raros y valiosos, obras de filósofos enciclopedistas del siglo XVIII como Locke, Newton, Mandeville, de escritores franceses como Montaigne, Bayle, Descartes, Malebranche y Pascal, y una gran cantidad de volúmenes sobre viajes a China, India y Estados Unidos. También hay muchos libros dedicados a Rusia, así como una excelente selección de libros sobre economía, ciencias naturales y medicina, diccionarios, periódicos en varios idiomas, así como una gran cantidad de ediciones raras o prohibidas en aquella época en Francia.
Diseñada por Yegor Sokolov, el edificio posee numerosos pasillos y niveles que nos recuerda un poco a "La Biblioteca de Babel" de Jorge Luis Borges: "Quizá me engañen la vejez y el temor, pero sospecho que la especie humana -la única- está por extinguirse y que la Biblioteca perdurará: iluminada, solitaria, infinita, perfectamente inmóvil, armada de volúmenes preciosos, inútil, incorruptible, secreta. Acabo de escribir infinita (…) la biblioteca es ilimitada y periódica."⁽³⁾La biblioteca nacional de Rusia representa la utopía humana del saber total, de la atemporalidad, del conocimiento infinito -o mejor, ilimitado, como diría Borges-.

Instituto Salk, Los Angeles, (Dir.: Robert Redford)
El Instituto Salk, en Los Ángeles, fue diseñado por Louis Kahn bajo la dirección del Dr. Jonas Salk. Se trata de un edificio que rompe con la idea de monoblock para convertirse en un complejo de unidades que permiten a la luz y al aire penetrar. Estas unidades edilicias son laboratorios que se extienden a derecha e izquierda de una plataforma central ancha que desemboca en una fuente de agua. La idea de esta plataforma es facilitar la circulación a los investigadores que allí trabajan. Los sótanos poseen aire y luz, y cada unidad está conectada con la siguiente por medio de tuberías de agua y ventilación. La arquitectura es funcional, orgánica, inspirada en la biología humana y animal.
Es interesante cómo Redford utilizó imágenes en fundido que le da al cortometraje un efecto muy original en 3D. También podemos destacar la utilización de un fondo musical que remite a los latidos del corazón, buena elección para acompañar el recorrido de un centro de investigaciones médicas y biológicas.

Opera House de Oslo, (Dir.: Margreth Olin)
La Opera House de Oslo, diseñada por Tarald Lundevall y construida en 2007, posee un diseño muy contemporáneo. El techo del edificio desciende hasta el suelo en una bajada que invita a los transeúntes a caminar por ella, observando una panorámica de Oslo. Para el diseño general del edificio, Lundevall se inspiró en la forma de un iceberg, y para los materiales escogió granito blanco y mármol de Carrara para los revestimientos, y aluminio blanco para la torre que da al escenario. Los grandes ventanales de cristal permiten una perfecta vista panorámica y en el interior predomina el roble para dar mayor calidez al ambiente.
La directora del corto, Margreth Olin, prestó su voz al teatro y aprovecha el 3D para lograr máximos acercamientos de los personajes de ballet con el espectador de cine. Excelente el efecto de los bailarines, aún caracterizados, saliendo del edificio y caminando por la nívea plataforma exterior (que, dicho sea de paso, podría compararse con una pista de aterrizaje para naves interestelares). La directora utiliza congelados de los bailarines suspendidos en el aire y muestra la actividad teatral tras bambalinas. "El teatro es una casa", repite una y otra vez la voz de Margreth en off, "son los artistas y el público los que le dan vida, los que le dan alma a esta casa".

Centro Georges Pompidou, París. (Dir.: Karim Aïnouz)
El Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou, en París, abrió sus puertas por primera vez en 1977. El diseño del inglés Richard Rogers y del italiano Renzo Piano recuerda a una refinería de petróleo, a un transatlántico o a una fábrica. Por fuera se asemeja a una fábrica, por dentro, las pasarelas recuerdan a las de un barco de gran porte y lo mismo sucede con el sótano, semejante a una sala de máquinas.
En todo caso, el Centro de Arte más famoso del mundo es uno de los principales ejemplos de arquitectura High-tech⁽⁴⁾, una tendencia de los años 1970 y que continua hasta hoy día, inspirada en la arquitectura industrial y las nuevas tecnologías. Fue concebido como una máquina de cultura, como una estructura ultramoderna en medio de una ciudad en la que prima la arquitectura Haussmann, por ello provocó reacciones contrarias en un comienzo. El edificio representa la utopía del progreso tecnológico, al utilizar los elementos tecnológicos como objetos estéticos. En el Centro Pompidou esto puede ser observado en el sistema de tuberías (ductos de aire acondicionado, por ejemplo), en las escaleras mecánicas y en las estructura de acero. También se puede observar en las corrientes artísticas expuestas: Futurismo, Dadaísmo, Constructivismo, Arte óptico y Cinético desfilan por sus salas como un culto al progreso técnico.
El director coloca en primer plano sonoro la voz del altoparlante anunciando el cierre del Centro al final del día: "el Centro cierra a las nueve, los invitamos a emprender la salida, mañana el museo y la biblioteca abrirán a las once, les agradecemos su visita y esperamos volver a recibirlos próximamente…", parece que el edificio tuviese vida y hablara por sí mismo. Esa idea del museo como un ser vivo es algo bien logrado por el director Aïnouz.

Adriana Schmorak Leijnse

Notas:

-1 Wikipedia.org. Filarmónica de Berlín
-2 Michel Foucault. Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión. 1a ed.-Buenos Aires: Siglo XXI Editores Argentina, 2002. 314 p.
-3 Borges, Jorge Luis. La Biblioteca de Babel. Ficciones. Alianza Editorial. 10ª ed. (1981).
-4 "La Arquitectura High Tech, o de Alta Tecnología, es una corriente de la arquitectura, emergente en los años '70, muy centrada en el empleo de materiales de tecnología avanzada en las construcciones, como el propio nombre lo indica. Los historiadores lo clasifican dentro de un llamado tardo-modernismo, juntamente con otras actitudes estéticas, como el Slick-tech, en una alusión a los valores contrapuestos a las actitudes posmodernas asociadas a este tipo de intervención, que caracteriza al High Tech". Wikipedia: Arquitectura High- Tech

Bibliografía:

Michel Foucault. Vigilar y Castigar. Nacimiento de la Prisión. 1a ed.-Buenos Aires: Siglo XXI Editores Argentina, 2002. 314 p.
Borges, Jorge Luis. La Biblioteca de Babel. Ficciones. Alianza Editorial. 10ª ed. (1981).
Wikipedia.org. Filarmónica de Berlín
Blog Maravillas de San Petersburgo
Wikipedia: Oslo Opera House
Wikipedia: Centro Georges Pompidou
Wikipedia: Arquitectura High- Tech

Rio 50 graus

The president

El misterio de la felicidad

Cathedrals of culture

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Vencedores o vencidos en los Oscars 2014

Gravity

Los Oscars de este año han sido previsibles, ya que se han otorgado los mejores premios a películas de calidad, pero de un impacto algo esperado, el mundo del racismo en la mejor película Doce años de esclavitud, donde vemos el tópico de los buenos y malos, en una muy dura historia que ya nos han contado muchas veces, pero también tenemos Gravity, una notable película que transcurre en el espacio, la cual ha obtenido siete premios, merecidos, sin duda, pero que nos obliga a pensar que han podido más los efectos especiales y lo visual que la historia humana que hay detrás.

88ª edición de los Premios Oscar

	El domingo 28 de febrero de 2016 tuvo lugar una nueva edición de los Premios que la Academia de Hollywood otorga a las mejores realizaciones cinematográficas del año anterior, en este caso, del 2015. Publicamos aquí la lista de nominados y premiados, y contamos algo sobre las películas que Cinecritic.biz vio en las salas de cine. En Primera Plana Spotlight es un largometraje dirigido por Thomas McCarthy, quien además escribió el guión junto a Josh Singer. Protagonizado por Mark Ruffalo, Michael Keaton...

Novocine

La sexta edición del Festival de Cine Brasileño de Madrid se ha desarrollado del 7 al 14 de noviembre con gran éxito de público. Promovido y organizado por la Embajada de Brasil en España y la Fundación cultural Hispano-Brasileña, la muestra ha congregado a un enorme número de público, a cinéfilos, brasileños residentes en España y periodistas especializados.

15º Bafici - Documenta Madrid 2013

X Festival Internacional de Documentales de Madrid

Madrid, España
Del 5 al 12 de mayo de 2013

"Mujer Lobo" de Tamae Garateguy, la directora de "Pompeya" -el film ganador en la competencia argentina en el festival de Mar del Plata en 2012- presentó en la edición número 15 de Bafici. El film comienza con una fuerte escena de sexo violento dónde se vislumbra claramente un cuerpo femenino atado. Hasta ese instante no se termina de comprender si se trata de una violación o no, pero sí se sobreentiende que hay niveles de violencia elevados sobre el cuerpo. El blanco y negro vuelve más digerible todo lo que desde allí y en adelante sucederá en la vida de esta mujer.
El guión de Diego A. Fleischer, actuado por Mónica Lairana, Guadalupe Docampo y Luján Ariza, va a narrar la vida de una mujer, de una metamorfosis constante de la reacción correspondiente al sometimiento sexual que sufre, y como dice el título, la Mujer Lobo. La película además de homenajear a aquel film de clase B del año 1942, dirigida por Jacques Tourneur, La mujer pantera o Cat people, imagina todos los sucesos no narrados en los tiempos perdidos de dicho film o al menos le exige al espectador de este tiempo comprender plenamente el sentido de la obra del año '42.
Así perfila sus personajes femeninos disociándolos para otorgarles tres facetas diferentes, la niña tierna, la mujer audaz y la femme fatale, que provocan diferentes relaciones con los hombres que cruzan: relaciones que llegarán a enojar y a metamorfosear a este complejo personaje.
Los asesinatos se suceden, ella(s) los envenenan, los muerden, los desprecian con motivos consistentes. Inevitablemente el espectador se siente identificado con la(s) protagonista(s) y espera pacientemente que encuentre a su próxima víctima. El espectador como voyeur también es perverso, también es asesino por la hora y media del film.
Pero el mismo complejiza a su personaje lo hace amar maternalmente recuperar una de sus facetas: la de la niña tierna. Lo hace conocer un amor que une a las tres mujeres, las femmes fatales. Y entonces allí también es loba, cuida a su cría, a su único amor puro y cambia, así, su causa. Pero la directora y el guionista la(s) castiga(n) e interpela al espectador identificado hasta aquél instante, el film le lleva lo único amable. Entonces, siembra la duda, ¿es posible identificarse? ¿Es merecido el castigo por alguna causa?

Ficha técnica

Mujer Lobo
Argentina, 2013
Duración: 92, Blanco y Negro, DCP
Dirección: Tamae Garateguy
Guión: Diego A. Fleischer
Elenco: Mónica Lairana, Guadalupe Docampo, Luján Ariza, Edgardo Castro, Nicolás Goldschmidt
Fotografía: Pigu Gómez
Edición: Catalina Rincón
Dirección de Arte: Marina Spinelli
Sonido: Erico Schick
Música: Sami Buccella
Producción: Jimena Monteoliva, Tamae Garateguy
Producción ejecutiva: Jimena Monteoliva
CP: Crudo Films

La búsqueda del Edén

"La Paz" de Santiago Loza, dramaturgo y director de cine, creador de múltiples obras que rescatan los tiempos inertes -como el instante que condensa el pensamiento del personaje antes de su acción- fue ganadora de la Selección oficial Argentina del Bafici.
Liso, el joven que encarna Lisandro Rodríguez acaba de salir de una internación. Sus padres lo buscan, lo quieren de regreso en su hogar. Una familia acomodada, con traumas y tiempo de más, o mal canalizado.
En la poética de Loza los tiempos dilatados proponen generar esa angustia que atraviesa el personaje. Un personaje que busca constantemente la calma que perdió, quizás en esa sobreprotección maternal o en la indiferencia de su padre. En la llenura extrema de tener todo resuelto y de no encontrar motivos para seguir adelante, los tiempos detenidos son parte de observar un hogar roto, que se emparcha o intenta hacerlo desde lo material, desde aquella motocicleta que le regalan.
La doble función de la moto resulta un arma de doble filo para su madre. Es regalo, pero es motivo para huir de ese hogar. Es la posibilidad de vincularse con su abuela y la chance de ir a pasear con Sonia, la mujer de origen boliviano con la que comparte los tiempos libres cuando ella no trabaja en su casa.
El film con sus primeros planos y planos medios logra establecer un estadio de intimidad con cada uno de los personajes y desarrolla una atmósfera opresiva en determinadas instancias de la historia. Del mismo modo, se desarrolla el ambiente por medio de grandes silencios que se alternan con sonidos fuertes que cortan el letargo del personaje.
"La Paz" utiliza al personaje Liso, a su vez, para otorgar un cambio que no es planteado puramente desde la angustia existencial de alguien que no sabe qué hacer con su vida, sino que además plantea una inquietud en el personaje que debe huir socialmente del lugar en el que ha crecido. Así el film establece no sólo una inquietud filosófica en el protagonista sino también social y política.

Ficha técnica

La Paz
Dirección y guión: Santiago Loza
Argentina, 2013
73 minutos, DCP, Color
Elenco: Lisandro Rodríguez, Andrea Strenitz, Fidelia Batallanos Michel, Ricardo Félix, Beatriz Bernabé.
Fotografía: Iván Fund
Edición: Valeria Otheguy, Lorena Moriconi
Dirección de arte: Adrián Suárez
Sonido: Leandro de Loredo
Música: Javier Ntaca
Producción: Iván Eibuszyc, Santiago Loza
Producción ejecutiva: Iván Eibuszyc
Productoras: Frutacine, Morocha Films, Tres Sonido, Alta Definición Argentina

Pendejos

Raúl Perrone, ganador como director de la Competencia Argentina, presentó su nuevo film "Pendejos", el cual vuelve a tomar la temática de los jóvenes que andan en skate (tal como en Bonus Track), con sus problemáticas sociales, la ausencia paterna, o una presencia poco consistente, y el desamparo en el que deambulan por sus vidas. Pero esta vez lo hace a partir del blanco y negro y del cine silente; donde los intertítulos revelan el escueto diálogo que emiten entre sus pares y con sus padres.
Perrone muestra, en esta cumbiópera en tres actos y una coda, la historia de varias parejas de jóvenes que viven esquivando el daño que la sociedad le imprime día a día. Los pendejos aquí vistos, intentan conectarse con los padres y en los pocos diálogos se puede vislumbrar cómo estos, síntoma de algo mayor, rechazan la presencia de ellos.
Perrone los homenajea a ellos y al cine al vincularlos con el rostro puro de la Juana de Arco de Dreyer, al establecer con su cine una íntima relación con los géneros cinematográficos tales como Bretton, Roselini o los cineastas de la Nouvelle Vogue. Así, es imposible no ver en alguno de sus rostros a Antoine Doinell.
Asimismo la estructura de la película, no es exclusivamente contenido, ya que reflejan la utilización de las imágenes repetidas y la musicalidad que compone desde ese resurgir toda una identidad que define a los personajes. Es un montaje por momentos vertiginoso que hasta reproduce en algún punto cierta similitud con la sensación de andar en skate.
Ade"Mujer Lobo" de Tamae Garateguy, la directora de "Pompeya" -el film ganador en la competencia argentina en el festival de Mar del Plata en 2012- presentó en la edición número 15 de Bafici. El film comienza con una fuerte escena de sexo violento dónde se vislumbra claramente un cuerpo femenino atado. Hasta ese insta

Metamorphosen

Terra de ninguem

The act of killing

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15º Bafici

Bacifi 2013

"[Bafici] hoy cumple quince años. Están todos invitados" dice una voz over en el corto publicitario de proyección obligada antes de cada función del festival.

Leer 15º Bafici (parte 1)
Leer 15º Bafici (parte 2)
Leer Documenta Madrid 2013
Leer Semana de cine irlandés

Blancanieves triunfa en la gala de los Goya 2013

El pasado 17 de febrero, tuvo lugar en Madrid la ceremonia de los Goya 2013 durante la cual se entregaron los máximos galardones del Cine español. Este año, la gala se ha dividido entre la alegría de una temporada repleta de buen cine, muy taquillera además gracias a dos de las películas premiadas, Lo imposible y la cinta de animación Las aventuras de Tadeo Jones, y por otro lado, un cierto pesimismo...

Los premios Oscar 2013 De la Historia a la pequeña historia

Las nominaciones y premiaciones de este año cubrieron un espectro amplio de temas, propósitos y geografías mostrando la apertura de la Academia de Hollywood en los últimos años. Si bien las películas de acción y las comedias ligeras constituyen el grueso de la producción para el gran público, el criterio comercial no marcó completamente la selección, balanceando de manera inclusiva el juicio de críticos y espectadores con la importancia de los asuntos tratados. Por ello Amour (Oscar a la mejor película extranjera), un film hecho en Francia por un director austro-alemán, fue escogido junto a Zero Dark Thirty, acerca del terrorismo global y dirigida por una mujer. Además: Lincoln y Djanjo Unchained sobre la esclavitud en Estados Unidos, Argo (Oscar a la mejor película) basada en un caso real durante la revolución iraní, Life of Phi y Beasts of the Southern Wild dentro...

Leer 85ª Gala de los Oscars

Cinema by numbers: redescubriendo a Amir Naderi

La última edición del Festival Internacional de Cine de Xixón (FIC) ha ofrecido en su programa una amplia retrospectiva del director iraní Amir Naderi. El realizador, tras abandonar su país de origen por la asfixiante política censora impuesta por el régimen de Jomeini, decidió radicarse en Estados Unidos, convirtiendo Nueva York y Las Vegas no solo en sus nuevos domicilios, sino también en el escenario inconfundible y recurrente de sus nuevas propuestas fílmicas.

5º Festival de Cine Italiano de Madrid

Un año más, y ya van cinco, el Festival de Cine Italiano de Madrid ha cosechado un gran éxito. La capital de España ha acogido una selecta muestra de cine italiano, del 22 al 29 de noviembre pasado. Alrededor de 5000 espectadores han querido acercarse hasta la sala Verdi de Madrid, sede del Festival, junto al Instituto Italiano, para descubrir o recuperar películas de una cinematografía, que, hace ya algunas décadas, fue especialmente brillante con la corriente del Neorrealismo y con directores de la talla de Visconti, De Sica, Rosselini Antonioni, Zampa, por citar sólo algunos de los más relevantes. Después de una época un poco anodina, parece que el cine italiano, poco a poco, está reviviendo. Buena muestra la hemos tenido durante este certamen. El Festival ha permitido conocer, más allá de las fronteras italianas, a notables y jóvenes directores que en la actualidad están teniendo un gran éxito. Varios de ellos, han venido a Madrid para tener un contacto más cercano y personal con los espectadores, tanto antes de la proyección de sus films, presentándolos, como en amenas e interesantísimas charlas informales, en torno a un buen café italiano, que se han celebrado en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid, cuyo director Carmelo di Gennaro impulsa, desde hace años, con brío y pasión este encuentro. Pero, no solo hemos descubierto nuevos talentos sino que se ha podido recordar a autores consagrados, como los octogenarios Hermanos Paolo y Vittorio Taviani, homenajeados en el V Festival a toda su carrera, así como se han podido ver films de grandes mitos de la cinematografía italiana como Michelangelo Antonioni y Marco Belocchio.
El Festival es muy completo no solo a nivel de esa mezcla de generaciones de directores sino también en el formato de los films. Hay tres secciones compuestas respectivamente por Largometrajes, Documentales y Cortos. Estas dos últimas son competitivas y han sido especialmente brillantes.
La sección de Largometrajes ha compaginado obras de grandes maestros, como el excelente film Cesar debe morir, última obra realizada por los Hermanos Taviani, que han sido, de hecho, homenajeados en el Festival. Paolo Taviani (Vittorio se quedó en Roma) acudió a Madrid para recibir su galardón, donde afirmó que existe una nueva generación de cineastas muy interesantes en Italia como por ejemplo, Ivano de Matteo (Roma, 1966) cuyo film Gli equilibristi (2012), crónica de la crisis económica a través de una pareja, se ha podido ver estos días o Luigi lo Cascio (1967), actor y director, cuyo original film La città ideale también ha cosechado gran éxito en el Festival. Paolo Taviani hizo gala de una maestría y de una agilidad mental, increíble para sus años, rememorando su extensa filmografía, entre las que destacan obras inolvidables como Padre Padrone (1977), La noche de San Lorenzo (1977), que pudimos ver durante el certamen, o Kaos (1984), por citar solo algunas de las más sobresalientes. La obra de los Taviani permite trazar la historia de Italia, a través de los escenarios campesinos más pobres y atrasados, las luchas de clase, la mafia, los diferentes conflictos que han ido asolando el país transalpino, como las Guerras Napoleónicas o la II Guerra Mundial. Todo ello, con un vigor y una teatralidad notables. Su último film, César debe morir, nominada por Italia al Oscar 2013 a la mejor película extranjera, y que inauguró el certamen, está ambientada en la cárcel de Rebbibia, cercana a Roma. Narra la historia de unos presos auténticos que son solicitados para interpretar la obra de Shakespeare, "Julio César". Un film enérgico e inteligente, que no olvida las raíces sociales del cine de los Taviani, y que demuestra que, a pesar de tener más de ochenta años, son esencialmente jóvenes. Otro de los grandes directores de la historia del cine italiano es Michelangelo Antoninio. El Certamen le rindió un Homenaje pasando sus cortos Gente del Po, Sicilia y Lo sguardo di Michelangelo así como el mediometraje Fare un film è per me viviere de Enrica Fico Antonioni.
Para completar los largometrajes presentados, cabe reseñar, el estupendo film L´industriale de Giuliano Montaldo, un sólido director de larga trayectoria, cuya obra más importante es Sacco e Vanzetti (1971) y el film Bella addormentata, una interesante reflexión sobre la eutanasia, firmado por unos de los más grandes, más premiados y más prolíficos directores italianos, Marco Bellocchio (1939), autor de I pugni in tasca (1965), La Cina è vicina(1967), Il diavolo in corpo (1986) o Buongiorno notte(2003). Para coronar la sección de largometrajes y, como no podía ser menos, se proyectaron dos films en la línea de la gran comedia italiana de los años 50 y 60: Il comandante e la cicogna del guionista y director Silvio Soldini, y la película que clausuró el Festival, Posti in piedi in paradiso de Carlo Verdone, cineasta de gran popularidad en Italia. Dos muestras más que respetables de un estilo de cine italiano divertido e ingenioso, muy característico de esa cinematografía.
Respecto a los Cortos, hubo una gran variedad en la temática: desde temas genuinamente italianos relacionados con las costumbres campesinas (Dell´ammazzare il maiale), la isla de Sicilia (Terra) o la Mafia (Convitto Falcone), hasta cuestiones más intimistas (Il turno di notte lo fanno le stelle). El primer premio recayó en Terra de Piero Messina, una soberbia reflexión sobre los sentimientos y la nostalgia y la Mención Especial del Jurado fue para Dell´ammazare il maiale de Simone Massi, un retrato muy conseguido sobre el ambiente campesino.
Todas las secciones del Festival son interesantes y se complementan entre sí. En la correspondiente a los Documentales, se han podido ver grandes muestras del talento de los nuevos cineastas italianos. A través de estos films, hemos hecho un recorrido por Italia, a través de su geografía y de su historia con Il risveglio del fiume segreto, sentido homenaje al río Po, clave en la vida italiana, Le cose belle, sobre la idiosincrasia napolitana o Terramatta sobre la historia de Sicilia. Otros documentales como Tahrir, la plaza del Cairo, Medici con l´Africa, sobre la ayuda al tercer mundo o La nave dolce, crónica de la llegada al puerto italiano de Bari de miles de albaneses, han tocado temas más políticos. El jurado de documentales otorgó, con todo merecimiento, el Primer Premio a Terramata de Costanza Quatriglio, un soberbio documental que narra la vida de un humilde peón siciliano, prácticamente analfabeto, que a lo largo de su vida, escribió un libro de 2000 páginas con un lenguaje propio. Además, el film va contando a través de su vida, la historia de Sicilia y de Italia entre 1899 y 1981. Se trata de una obra apasionante y emotiva. La mención especial fue para la demoledora La Nave dolce de Daniele Vicari, uno de los jóvenes directores italianos más prometedores en la actualidad, autor del largometraje Diaz, no limpiéis esta sangre. La nave dolce cuenta cómo, en 1991, llegaron miles de albaneses, huyendo de la miseria, al puerto italiano de Bari, y la manera en cómo reaccionaron las fuerzas vivas del país anta tal avalancha humana. La obra de Vicari, al narrar la tragedia humana de la inmigración, es contundente, demoledora, impactante y crítica.
En suma, el V Festival de Cine Italiano ha conseguido hacernos vibrar y abrirnos a una cinematografía, que por desgracia, no siempre, se exporta tanto como desearíamos, más allá de sus fronteras. Un país, que no olvidemos, está, por legítimo derecho en las páginas más brillantes de la Historia del Cine Mundial. Afortunadamente, como ha demostrado el Festival, tenemos, ante nosotros, un plantel de jóvenes y buenos cineastas que están haciendo un más que honroso trabajo en el cine actual italiano. Como dijo el embajador italiano, Leonardo Visconti di Modrone, al inaugurar el Festival, "Italia no es una gran potencia ni económica ni política. Más bien, intermedia. Pero, en lo que sí somos una gran potencia es el ámbito cultural".

Carmen Pineda

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14º Festival do Rio - Los-premios

Del 27 de Septiembre al 11 de Octubre de 2012
Rio de Janeiro, Brasil.
http://2012.festivaldorio.com.br/

Los premios Redentor 2012

En una ceremonia realizada en el Cine Odeon Petrobras, el jueves 11 de Octubre de 2012, fueron revelados los vencedores de la 14ª edición del Festival de Rio.
O Som ao Redor, primer largometraje de ficción del pernambucano Kleber Mendonça Filho, se llevó los premios Redentor 2012 al Mejor filme y al Mejor Guión dentro de la Sección Première Brasil. Producido y ambientado en Recife, el filme cuenta una historia sobre las milicias y la vida cotidiana de la clase media en esa importante ciudad del nordeste. El filme Hélio Oiticica, dirigido por el sobrino del artista César Oiticia Filho, fue galardonado como Mejor Largometraje Documental, mientras que el Premio al Mejor Director fue entregado a Erik Rocha por Jards. Coincidencia o no, Jards Macalé y Hélio Oiticia son tropicalistas de la primera hora y los filmes que los retratan huyen de la clásica secuencia de entrevistas del género documental. En cuanto a las interpretaciones, Leandra Leal fue escogida como Mejor Actriz por Edén, mientras que Otávio Müller y Alessandra Negrini obtuvieron sendos premios de Mejor Actor y Mejor Actriz de Reparto por sus interpretaciones en O Gorila. Caco Ciocler fue el Mejor Actor de Reparto por Disparos, película que además obtuvo los premios Redentor 2012 al Mejor Montaje (Pedro Bronz e Marília Moraes) y Fotografía (Gustavo Hadba). El investigador Antônio Venâncio recibió un homenaje especial por haber participado en cuatro documentales de la muestra competitiva de largometrajes y en cinco otros que ya se estrenaron en el circuito comercial.

Premios Redentor 2012

Mejor Largometraje de Ficción
O som ao redor, de Kleber Mendonça Filho

Mejor Largometraje Documental
Hélio Oiticica, de César Oiticica Filho

Mejor Cortometraje
Realejo, de Marcus Vinicius Vasconcelos

Mejor Dirección
Eryk Rocha, por Jards

Mejor Actor
Otávio Müller, por sua atuação em O Gorila

Mejor Actriz
Leandra Leal, por su actuación en Edén

Mejor Actriz de Reparto
Alessandra Negrini, por su actuación en O Gorila

Mejor Actor de Reparto
Caco Ciocler, por su actuación en Disparos

Mejor Guión
Kleber Mendonça Filho, por O som ao redor

Mejor Montaje
Pedro Bronz e Marília Moraes por Disparos

Mejor Fotografía
Gustavo Hadba, por Disparos

Premio Especial del Jurado
Antonio Venâncio, por el trabajo de investigación en los filmes Hélio Oiticica, Dossiê Jango, Sobral -el hombre que no tenía precio y El día que duró 21 años, además de la extensa presencia en documentales brasileños recientes como Palavra Encantada, Vinicius, O homem que engarrafava nuvens, Raul, Uma noite em 67, A música segundo Tom Jobim, entre muchos otros.

Miembros del Jurado Oficial: Lucy Barreto (productora), Marcos Prado (productor y director), Renato Falcão (director) y Rajendra Roy (director del departamento de cine del Moma)

Nuevos Rumbos

Mejores Largometrajes
Super Nada, de Rubens Rewald
A batalha do passinho, de Emílio Domingos

Mejor Cortometraje
Canção para minha irmã, de Pedro Severien

Homenaje Especial del Jurado
Jair Rodrigues, en Super Nada
Gambá, en A batalha do passinho

Miembros del Jurado: Roberto Berliner (director e productor), Eduardo Nunes (director) y Maria Ribeiro (actriz y directora)

Premio Fipresci:

Mejor filme de América Latina: Nosilatiaj. La Belleza (Argentina)

Personajes Latinoamericanos del Año: Lucy y Luiz Carlos Barreto

Voto popular:
A Busca, de Luciano Moura. Largometraje ficcional
Dossiê Jango, de Paulo Henrique Fontenelle. Largometraje documental
Zéfiro Explícito, de Sergio Duran y Gabriela Temer. Cortometraje.
Death of a Superhero: Mejor filme dentro de la Mostra Geração.

Los más vistos

El largometraje César debe morir, de los hermanos Vittorio e Paolo Taviani, quedó primero en la taquilla de esta 14ª edición del Festival de Rio. Detrás vinieron: Moonrise Kingdom, Great Expectations, Holy Motors, Elefante Blanco, Pietá, Nós e Eu, Indomável Sonhadora, Ruby Sparks y Magic Mike.

Adriana Schmorak Leijnse

Trofeo Redentor
Foto de Andre Maceira

Otavio Muller
Foto de Davi de Almeida

Cesar Oiticica filho
Foto de Felipe-Felizardo

Marcos Palmeira entrego premio a Alessandra Negrini
Foto de Felipe Felizardo

Rajendra Ray, Erik Rocha, Jards Macale
Foto de Renata Abreu
Kleber Mendonca filho Foto de Felipe Felizardo

Kleber Mendonca filho
Foto de Felipe Felizardo

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14º Festival do Rio - Las peliculas

Del 27 de Septiembre al 11 de Octubre de 2012
Rio de Janeiro, Brasil.
http://2012.festivaldorio.com.br/

Los temas del Festival do Rio 2012 han sido diversos y parecidos a la vez. En algunos filmes predominó un tema, en otros los temas se entrecruzaron. La xenofobia, el racismo y el clasismo en el mundo contemporáneo, la violencia de género, ya sea física o psicológica, los orígenes de la inspiración artística y el proceso creativo, fueron los temas que predominaron en la sección Panorama Internacional, pero hubo muchos más.

Largometrajes

Catalunya Über Alles. De Ramón Térmens. Con Joel Joan, Jordi Dauder, Gonzalo Cunill, Babou Cham, Vicky Peña. España, 2011, 101 min.

Catalunya Über Alles denuncia la hipocresía detrás de la xenofobia y el racismo en Cataluña y, por extensión, en Europa. De ahí el título en alemán aunque la acción se sitúe en España, aludiendo a la crisis económica en la Alemania pre-nazi que llevó a Europa a un brote de xenofobia, antisemitismo y racismo sin precedentes. De hecho "über alles" está tomado de una frase del himno nacional alemán, reinterpretado por los nazis para justificar su voluntad de dominación: "Deutschland, Deutschland über alles, über alles in der Welt" (Alemania, Alemania por encima de todo, por encima de todo en el mundo).
Son tres historias que transcurren paralelamente. En la primera, un joven, probablemente mudo o con un retraso mental, sale de prisión después de cumplir una pena de 19 años, por estupro. Cuando vuelve a casa, comienza a percibir los cambios sociales que se fueron operando en el periodo en el que estuvo apartado. En ningún momento del filme aparece la prueba de su culpabilidad, al contrario, da la impresión de que el pueblo lo utiliza como chivo expiatorio y quiere hacer justicia por mano propia.
En la segunda historia, inmigrantes africanos, afectados por la crisis, buscan desesperadamente cualquier tipo de empleo. Cuando al padre de una de las familias comienza a tener éxito en su trabajo y decide crear su propia empresa, gana las elecciones para alcalde, el candidato de ultra derecha que brega a favor de la expulsión de los inmigrantes. El negocio vuelve a mano de los blancos, no por mérito propio, sino por favoritismo político.
Y en la tercera, una familia de clase pudiente vuelve de vacaciones antes de lo planeado y se encuentra con un ladrón de origen albanés robando en la casa. Tras una persecución por parte del padre de la familia, el ladrón muere de tres tiros. El motivo por el cual el padre remata al ladrón en lugar de llamar a la policía, lo compromete ante la Justicia. Pero la Justicia es adicta al poder político, no es ciega e imparcial, ni mide a todos con la misma vara.

Dentro de casa (Dans la maison). De François Ozon. Con Fabrice Luchini, Kristin Scott Thomas, Emmanuelle Seigner, Denis Menochet. Francia, 2012, 105 min.

Ozon dirigió, una vez más, una excelente película, Dentro de casa, una historia basada en la obra teatral "El chico de la última fila" del autor español Juan Mayorga.
Claude es un adolescente discreto que toma a su compañero de clase Rapha, como inspiración para sus deberes de Literatura. A pesar de ser tímido, consigue tener acceso a la casa de su amigo Rapha, sintiéndose especialmente atraído por la madre de éste. Su profesor de Literatura, Germain, ve en Claude un gran talento, un descubrimiento que hace reavivar en él, el deseo de enseñar. Pero la intrusión de Claude y su mirada voyerista comienzan a traspasar los límites. El talentoso estudiante revela una personalidad manipuladora. Su perversión se deriva de una carencia de contención familiar y de una vida vacía que él llena con fantasías. Como tiene talento para la escritura, comienza a dominar al profesor de literatura, quien se ve obligado a dar clases, en realidad, porque no tiene talento suficiente como para convertirse en un escritor famoso. Ve en el chico a un discípulo con potencial y al hijo que nunca tuvo.
Desde un comienzo se percibe que el matrimonio del profesor Germain es disfuncional. Además a Jeanne, su mujer, no le va del todo bien con su galería de arte contemporáneo. Ellos dejan entrar a Claude en sus vidas, y éste los lleva al divorcio y a la ruina laboral. Pero hay algo del orden del voyerismo también en el profesor y su esposa, que estimulan al chico a continuar con sus búsquedas creativas invadiendo la intimidad ajena. El filme habla del trasfondo del mundo del arte, del origen del impulso creativo que no siempre es sano y transparente. El arte como una forma de perversión voyerista. Pero también habla de la relación profesor-alumno, que con el correr de los años fue perdiendo esa base de respeto y admiración que existía en otros tiempos. Germain pierde autoridad frente a su alumno a medida que la trama avanza.
Es interesante la forma como está organizada la historia, en una especie de relato enmarcado donde un narrador extradiegético habla de otro narrador intradiegético, quien a su vez narra las historias de los demás personajes "reales" para él, como si fueran personajes ficcionales, en un juego muy barroco de teatro dentro del teatro, de relato dentro del relato. Luego la realidad y la fantasía comienzan a confundirse, los límites del marco del relato se desvanecen, arte y vida se fusionan.
Otro punto muy destacable es el agudo sentido del humor y la ironía en la obra original de Juan Mayorga, y que han sido muy bien traducidos al séptimo arte por François Ozon.

Trishna. De Michael Winterbottom. Con Freida Pinto, Riz Ahmed, Roshan Seth. Reino Unido, 2011. 117 min.

Se trata de una joven que vive en Rajastán y un día se ve obligada a salir en busca de una nueva fuente de ingresos para su familia. Para ello acepta un empleo en un hotel en Jaipur administrado por Jay, un prominente joven británico de origen indio. Los dos se terminan involucrando sentimentalmente y Trishna, yendo contra las costumbres tradicionales de su familia, va a vivir con él en Bombay. Mientras tanto Jay se revela muy diferente de lo que ella imaginaba.
Trishna es un ejemplo, dentro del Festival do Rio 2012, sobre el tema de la dominación de género. La violencia psicológica y física del hombre hacia la mujer, combinada con un tema de clasismo tan profundo en India como lo es la rígida estratificación de castas.
La joven se ve obligada a enviar dinero a su familia y, para eso, tiene que soportar toda clase de humillaciones y renunciar a su sueño de bailar en Bollywood. Mientras Jay vivía en Londres parecía haber adoptado las costumbres occidentales, pero en cuanto volvió a vivir en la India, se transformó en un típico hindú de casta superior, llegando a tratar como a una esclava a la que era su novia. En este sentido es paradigmática la escena en la cual Jay le enseña a silbar a Trishna mientras ésta alimenta a los pájaros enjaulados. Él permanece fuera de la jaula, mientras que el rostro de Trishna se ve surcado por la sombra de la malla metálica, como si ella fuese uno más de esos pájaros enjaulados, mientras que su amo-novio permanece libre. Esa situación sin salida sólo podía presagiar un final trágico.

Marie Krøyer. De Bille August. Con Birgitte Hjort Sørensen, Søren Saetter-Lassen, Tommy Kenter, Sverrir Gudnason. Dinamarca, 2012. 103 min.

Otro ejemplo sobre maltrato de género es Marie Krøyer, película dirigida por el danés Bille August. Aquí ese tema se entrecruza con el vínculo entre enfermedad mental y creación artística. La historia transcurre a finales del siglo XIX, en Skagen, Dinamarca, en pleno auge del movimiento impresionista en toda Europa. Marie es una artista plástica, hasta ese momento desconocida, que cumple la función de esposa y modelo del famoso pintor, noruego de nacimiento y danés por adopción, Peder Severin Krøyer. El matrimonio es cada vez más infeliz a causa de la sífilis que padece Peder, enfermedad que además le origina un creciente desequilibrio mental y que finalmente lo deja ciego. Para salir de la rutina y reconstruir sus fuerzas, Marie va de vacaciones con una amiga y conoce al compositor sueco Hugo Alfvén, por quien se enamora apasionadamente. Luego de un largo periodo de dudas, de abandono y retorno al hogar, en el que también queda involucrada su pequeña hija Vibeke, Marie decide dejar definitivamente a su esposo aceptando las consecuencias de su decisión.
Años más tarde, en una época en la que una mujer casada casi no tenía derechos civiles fuera del matrimonio, Marie tomó la decisión de criar sola a su segunda hija y convertirse en una artista de renombre, lejos de las sombras de su primer esposo Peder Severin Krøyer y del segundo, Hugo Alfvén, ambos artistas reconocidos. El filme no muestra el casamiento con Hugo y el posterior divorcio, deja este periodo abierto, y comete algunas imprecisiones como la de situar las vacaciones con su amiga en Suecia cuando en realidad ocurrió en Taormina, Sicilia.
El filme de Bille August retrata con crudeza la destructiva relación entre P. S. Krøyer y su esposa-modelo, poniendo énfasis en la forma como él la dominaba y la destruía psicológicamente, menoscabando su autoestima como artista, mujer y madre. No es un detalle menor el hecho de que la ley en la Dinamarca del siglo XIX no defendía a la mujer que hacía abandono de hogar, quitándole incluso los derechos de tenencia de los hijos. La mujer era prácticamente un objeto de pertenencia del hombre. De ahí que Marie Krøyer se convirtiese en un caso de vanguardia para la época.
En cuanto al aspecto formal del filme, esta adaptación de Bille August de la novela "Balladen om Marie" de Anastassia Arnold, con guión de Peter Asmussen, se aleja mucho de las épocas doradas de Pelle el Conquistador (1988) y Las Mejores Intenciones (1992). La actuación de Birgitte Hjort Sørensen en el papel principal es digna de destacar, aunque las interpretaciones secundarias son apenas aceptables. Otro tanto podríamos decir del guión, que en un principio promete grandes cosas, pero que por momentos se vuelve chocante, al intentar resolver las situaciones de una forma exagerada, tal vez un tanto efectista. Cuando el filme arranca uno tiene la sensación de estar por ver una película de Bergman y cuando finaliza, le parece haber asistido a un melodrama que no logra huir de los estereotipos y en el cual el espectador no termina de sentirse identificado con la heroína. Una lástima teniendo en cuenta lo interesante del tema.

El artista y la modelo. De Fernando Trueba. Con Jean Rochefort, Aída Folch, Chus Lampreave, Claudia Cardinale, Götz Otto. España/Francia, 2012. 101 min.

Volviendo al origen de la inspiración creativa, El artista y la modelo de Fernando Trueba nos transporta hasta un pueblito en el interior de Francia, no muy lejos de la frontera con España. Allí vive Marc Cros, un renombrado escultor de unos 80 años, desilusionado de las guerras y los hombres. En su casa-taller vive con su esposa Lea, quien en su juventud le servía como modelo. Cierto día de verano de 1943, Lea ofrece refugio a una mujer española, de nombre Mercè, fugitiva del gobierno franquista. Ellos permiten que la joven viva en el taller de Cros, de manera que ella se gane el sustento posando para él. Poco a poco, nace una próspera relación entre la modelo y el artista quien, durante un tiempo, recupera el deseo de crear nuevamente.
Es interesante el trabajo de fotografía en blanco y negro con mucho claroscuro. Como en todos los filmes de Trueba, hay una historia en primer plano y otra de fondo, y esa Historia de fondo es la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Civil Española. Los personajes de Trueba parecen estar siempre escapando de algo o de alguien, en situación de supervivencia o buscando su libertad. Pero los finales quedan abiertos, son ambiguos o netamente trágicos. En la entrevista de Cinecritic.biz con Fernando Trueba, él ponía en duda el dramatismo de sus finales, pues para él la muerte forma parte de la vida y Marc Cros recupera la alegría de vivir antes de su muerte.
En ese sentido es destacable en el filme el tema de la vejez frente a la juventud, cómo funciona esta combinación y cómo uno influye en el otro, dándole una energía renovada en apariencia perdida. En el caso de El artista y la modelo, esta energía joven de Mercè funciona como motor y fuente de inspiración para el adormecido don artístico de Cros.
Muy acertada la elección de grandes actores de trayectoria como Claudia Cardinale y Jean Rochefort, así como también el de Aida Folch en el papel de Mercè.

César debe morir (Cesare debe morire). De Paolo y Vittorio Taviani. Con Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca. Italia, 2011. 76 min.

El telón se cierra abruptamente por detrás de César, Bruto y los otros personajes. Después de los aplausos, los actores, todos detenidos en la prisión de máxima seguridad de Rebibbia, en Roma, se sienten orgullosos y conmovidos. La dupla de directores realizó los ensayos de la pieza de teatro "Julio César" de Shakespeare en la prisión durante seis meses. La puesta en paralelo de esa tragedia shakesperiana y el mundo contemporáneo muestra la universalidad del dramaturgo inglés y ayuda a los detenidos a entender sus propios cuestionamientos, sus dudas, miedos y dramas personales.
La puesta en escena teatral frente al público fue filmada en colores, mientras que la vida real en la cárcel y los ensayos fueron rodados en blanco y negro, excepto al final, cuando Cosimo Rega dice: "Desde que descubrí la cultura, esta celda se transformó en una prisión". Sólo entonces la cárcel se ve en colores. Porque en el filme de los hermanos Taviani, el blanco y negro funciona en el mismo sentido que las sombras en la Caverna de Platón. Es un estado interior de penumbra, la ceguera de una prisión espiritual, mientras que la cultura abre puertas y ventanas dejando entrar la luz con todos sus matices y tonalidades, el arte es liberador, transforma a las personas porque los personajes permiten que cada uno entienda mejor su propia situación, ayudándolos a hacer catarsis. El arte los libera interiormente y al mismo tiempo hace que cada uno de valor a esa libertad.
De hecho el filme hace especial hincapié en el tema de la libertad. La trama de la obra de Shakespeare habla de la conspiración de Casio y Bruto para asesinar a Julio César, a raíz de la decisión del Cónsul romano de transformar la República en una tiranía, cediendo a la tentación del poder absoluto. Hay todo un conflicto de consciencias y de ideas en la obra, que no cae en la simplicidad maniquea de separar buenos de malos. Desde el punto de vista de Casio y Bruto, la muerte del César significaba la salvación de la República, es decir, la defensa de la libertad. Pero César fue astuto y compró al pueblo con favores. Los Taviani muestran bien en su película cómo al principio el pueblo (interpretado por los demás presidiarios) apoya a los conjuradores, pero cambia de parecer inmediatamente al saberse beneficiario del testamento del César. Luego se vuelve un simple trámite para Octavio y Marco Antonio unirse y ganar la batalla contra las fuerzas de Casio y Bruto, estableciéndose a continuación lo más temido para éstos, un Imperio que significó la muerte de la República Romana.
El pueblo es cambiante y no actúa por principios sino por intereses materiales. Y eso interesa aquí porque esa es la base de toda dictadura. Así como lo expresa Cosimo Rega, en el papel de Casio, cuando pronuncia las célebres frases de la obra de Shakespeare: "¡Oh, época, qué vergüenza la tuya! ¡Y tú Roma, has perdido el engendro de tus más nobles sangres! (…) ¿Cuándo podrían decir hasta ahora los que hablaban de Roma, que sus anchas murallas no encerraban más que a un hombre? (…) Oh, vos y yo hemos oído relatar a nuestros antepasados cómo hubo antaño un Bruto que habría permitido al sempiterno demonio sentar sus reales en Roma, antes que a un rey"⁽¹⁾ para luego reflexionar fuera del texto: "Podríamos estar diciendo lo mismo de Nápoles en la actualidad". Cabría preguntarnos si los Taviani no están aludiendo también a la política italiana contemporánea, a los Andreotti, a los Berlusconi, a la mafia enquistada en el poder.
Algunas escenas son sobrecogedoras y no precisan explicación, hablan por sí mismas, maravillan y conmueven. El filme de Paolo y Vittorio Taviani ganó merecidamente el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2012.

La puerta (Die Tür). De István Szabó. Con Helen Mirren, Martina Gedeck, Károly Eperjes. Hungría/Alemania, 2012. 97 min.

Magda Szabó es una escritora húngara cuyas novelas, antes censuradas por el régimen comunista, comenzaron a ser reconocidas por la crítica y el público en los años '60, cuando el régimen ya estaba atenuando la persecución a los intelectuales disidentes. El filme La Puerta, de István Szabó, lleva el mismo título que la novela autobiográfica de Magda Szabó, sobre la cual se ha basado el guión. Comienza cuando el personaje femenino principal, Magda, se muda a una nueva casa con su marido y comienza a buscar una persona que la ayude a realizar las tareas domésticas. Luego de algunas indicaciones, entra en contacto con la misteriosa Emerence Szeredas, una mujer de edad que vive en el barrio. A la vida acomodada de clase media que lleva Magda, en su casa de dos pisos, se contrapone la dura infancia campesina, llena de experiencias dolorosas y traumáticas de Emerence. En un comienzo, Magda rechaza las maneras rudas de su nueva empleada, quien además mantiene su casa y su pasado en completa reserva. Pero a medida que el tiempo pasa, las dos establecen una relación de afecto, confidencia y solidaridad inusual entre un ama de casa y su empleada doméstica.
El filme es atrapante y emotivo, y cada elemento tiene un sentido dentro de la trama. Las tres veces que se rompen objetos de cerámica -el plato blanco del principio, la figura del perro promediando el relato y el juego de loza al final- son alusiones en imágenes a la creencia popular expresada por Emerence según la cual: "cuando un perro ladra y se quiebra una loza, alguien muere". Finalmente el perro ladra y la loza se quiebra a la hora de la muerte de Emerence. También hay vínculos entre imágenes del pasado y del presente. El recuerdo de Emerence de sus dos hermanas calcinadas por un rayo en medio del campo, causa del suicidio de la madre, entra en relación directa con la imagen del final de Magda (Szabó) y Evike Grossmann paradas en el cementerio debajo de la lluvia, paraguas en mano, pidiendo perdón a Emerence, una por haberla traicionado revelando su secreto, la otra por no haberle agradecido en vida por salvarla de los campos de exterminio. Allí es cuando el sol comienza a surgir por entre las nubes, y es entonces que comprendemos que el perdón ha sido concedido.
El filme es un poema en imágenes, y las interpretaciones, soberbias.

Documentales sobre el mundo del arte

La pintura de Gerhard Richter (Gerhard Richter Painting). De Corinna Belz. Con Gerhard Richter, Norbert Arns, Hubert Becker. Alemania, 2011. 97 min.
Un documental que registra el proceso creativo de uno de los más importantes artistas vivos. Fascinado por las rivalidades entre diferentes técnicas de pintura, desde hace 50 años, el artista alemán experimenta con una serie de métodos e ideas que remiten a crisis históricas y a los medios masivos de comunicación. Imágenes raras de archivo y entrevistas con críticos y colaboradores traducen un poco de su universo. Corinna Belz logra un retrato acabado de Gerhard Richter luego de dos años de acceso inédito al taller del artista.

Ouvir o Rio. Uma escultura sonora de Cildo Meireles. De Marcela Lordy. Documental. Brasil, 2012, 79 min.
La cineasta brasileña Marcela Lordy retrata al consagrado artista plástico Cildo Meireles en su búsqueda de los sonidos de las principales cuencas hidrográficas de Brasil, para la construcción de la escultura sonora "Rio Oir", creada a partir del juego y la articulación entre palabras y conceptos. Cildo Meireles registró los sonidos del agua de una punta a la otra del país para después, en un estudio de sonido, combinar los fragmentos con el sonido de las aguas procesadas por el hombre y las carcajadas humanas. El filme revela la simplicidad del artista, la relación de los habitantes del interior del país con el agua, y potencializa nuestra percepción entre el sonido y la imagen.

Julius Shulman. Fotógrafo de Arquitectura Moderna (Visual Acoustics). De Eric Bricker. Documental. Estados Unidos, 2009. 83 min.
Un documental de Eric Bricker que muestra cómo Julius Shulman registró con su cámara fotográfica las construcciones de algunos de los más importantes arquitectos modernos y contemporáneos, incluyendo a Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, Hohn Lautner y Frank O. Ghery. Las icónicas y bellas imágenes de Shulman retrataron el optimismo de la arquitectura moderna en América de posguerra, impulsando la apreciación y la popularización de este movimiento en los Estados Unidos y en el mundo. Dustin Hoffman narra la vida y la carrera de este importante fotógrafo de la arquitectura.

Marina Abramovic. Artista presente (Marina Abramovic the artist is present). De Matthew Akers. Con Marina Abramovic, Ulay. Estados Unidos, 2011. 106 min.
Marina Abramovic es una de las influencias más decisivas en el arte de la performance. En ellas, el artista pone a prueba los límites de su propia resistencia física y mental. En 2010, el Moma de Nueva York organizó una gran retrospectiva de su obra. Para la ocasión, Marina no sólo volvió a montar obras pasadas, también creó una nueva performance por la cual interactuó intensamente con el público durante todo el periodo de la muestra. El documental muestra la creación y el periodo de esta exposición, más allá de entrevistas con curadores, coleccionistas y artistas. Matthew Akers obtuvo el Premio del público al mejor documental en Panorama Berlín 2012.

Hélio Oiticica. De Cesar Oiticica filho. Documental. Brasil, 2012, 94 min.
Oiticica e Bressane hablan de la idea de hacer un filme de tapes históricos o, como dijo Haroldo de Campos, Heliotapes: cintas K7 en las que Hélio dialoga y envía proposiciones a amigos personales, como Wally Salomão, Carlos Vergara, Antônio Dias, entre otros. El documental junta tales tapes históricos con filmes del propio Hélio y de otros que lo filmaron con sus obras, creando ese delirio ambulatorio en el cual el propio artista nos cuenta su vida. Un caleidoscopio de la cultura de los años 1960 y 1970 que nos permite, finalmente, ser presentados a Hélio Oiticica por él mismo.

Adriana Schmorak Leijnse

Notas:

1 - Shakespeare, William. Julio César. Universidad Nacional Autónoma de México, México DF, 1992, Pág. 66

Catalunya Über Alles

César debe morir

Dentro de casa

El artista y la modelo

Trishna

La puerta

Helio Oiticica

La pintura de Gerhard Richter

Marie Krøyer

Marina Abramovic. Artista presente

Julius Shulman.
Fotógrafo de Arquitectura Moderna

Holy motors

Ouvir o rio de Cildo Meireles

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14º Festival do Río

Durante quince días, entre el 27 de septiembre y el 11 de octubre de 2012, el Festival do Rio presentó 400 filmes de más de 60 países, exhibidos en salas de cine, plazas e incluso la playa, lugares a los cuales concurrieron alrededor de 280 mil espectadores. La fiesta del cine comenzó con una noche de gala en el Cine Odeón Petrobras, con la proyección de Gonzaga, de Pai pra Filho, del director brasileño Breno Silveira, y continuó con filmes inéditos, clásicos y rarezas.

Las peliculas
Los premios

14º Festival de Cine Alemán de Madrid

El pasado mes de junio, del 5 al 9, se celebró en Madrid la 14º edición del Festival de Cine alemán. El evento, auspiciado por varias instituciones alemanas, es ya es un clásico en la capital de España y permitió ver una muestra de un cine que desgraciadamente no siempre se exporta lo suficiente y que solo en muy pocas ocasiones consigue llegar a las pantallas del resto de países. Por ello, este Festival permite descubrirnos una serie de directores muy interesantes que de otro modo nunca se conocerían más allá de sus fronteras. En el cine alemán no solo existen Rainer Fassbinder, Werner Herzog o Wim Wenders, sino que hay nuevos realizadores como Christian Schwochow o Andreas Dresen...

Los premios Oscar 2012: Un recorrido global del cine actual

Entre las nominaciones para los premios Oscar de este año cabe apuntar que las más interesantes no han correspondido a directores norteamericanos o, como en el caso de Woody Allen con Midnight in Paris, el distanciamiento del patrón hollywoodense ha resultado ser siempre una característica de su filmografía.

13° Bafici: Balance de un festival en movimiento

Del 6 al 17 de abril de 2011 se llevó a cabo en la ciudad de Buenos Aires la edición número 13 de su ya clásico Festival Internacional de Cine Independiente. Lo que empezó siendo un pequeño festival con intenciones modestas en 1999 apunta cada vez más a ganar un público amplio y diverso. La multiplicación de las propuestas año tras año da fe de esto, y esta última edición del festival no fue la excepción.

Otros festivales

- Fest. Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria 2011
- Fest. Internacional de Cortometrajes de Clermont-Ferrand 2011
- Fest. Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) 2011

Qu'ils reposent en révolte (des figures des guerres)

La carrera del animal

La ruina en diálogo

12º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria
1 al 9 de abril de 2011

El cine, la imagen en movimiento, es en sí misma una suerte de memoria, un testigo que incluso en su naturaleza ficticia, responde de una manera casi análoga a la construcción del recuerdo por parte del individuo. La creación de imaginarios y la propia reflexión de uno mismo y de su tiempo es la base de casi todas las historias.
Cuando descuidamos el tiempo, cuando dejamos de habitarnos, de reconstruirnos, cuando miramos sólo hacia delante, con el miedo terrible de convertirnos en sal, nace la ruina. La ruina convierte los edificios deshabitados en fantasmas, ánimas sin descanso de lo que no termina de ser. Cómo si, el pasado más inmediato, el tiempo reciente, no pudiera morir en paz; entonces la herida mal curada, el dolor del desarraigo, la violencia.
Crecer sobre la ruina es elegir de entrada un mal cimiento y eso parece que ocurre con este futuro esquizofrénico, por lo poco que tiene de referente y medio loco, en una deriva total, amnésica.
Otro tipo de ruinas, menos obvia en el paisaje pero que configura sociedades enteras, es la ruina moral, la falta de atención a nosotros mismos como individuos plenos. En este punto el crecimiento es imposible, el ser humano mutilado en la moral se convierte en animal y, otra vez la herida que no cicatriza, hace que simplemente envejezcamos sin que la experiencia haya pasado por nosotros de una manera distinta a la erosión.
Parece que en casi todas las nuevas películas que concurrían a concurso en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, esta reflexión estuviera presente, aunque puede que en muchos de los casos de forma involuntaria, como una manera de dialogar con el pasado y la necesidad brutal de este presente de encontrarse.
La película Jean Gentil, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (República Dominicana, México, Alemania, 2010) ganadora de la Lady Harimaguada de oro, en un plano aéreo de la ciudad nos muestra, en última instancia, una ciudad construida sobre la ruina, en todos los sentidos que la palabra ruina alcanza, casas que nacen de ruinas y que son en ese preciso momento ruinas cimientos de más ruinas, como en un juego de espejos y muñecas rusas. La ruina del personaje también se expone, no sólo en el sentido más común ( no tiene dinero, ni casa…) sino en un sentido profundo: la incapacidad vital de entender el presente, el desarraigo absoluto de la lógica y la ineficiencia de la fé como herramienta de adaptación.
Por seguir el hilo conductor del palmarés, en la cinta china Jiabiangou / The Ditch de Wang Bing, que logró el Premio Especial del Jurado, el Premio del Público y el Premio Signis, ocurre también esto de un modo diferente: la ruina social. Aquí se nos muestra al individuo desposeído de todo, y cómo esta miseria del horror nos deja huérfanos de dignidad, arruinados moralmente y sin redención posible. Los cadáveres amontonados, enterrados por el propio desierto, desposeídos de identidad, dialogan con los vivos, convirtiéndose así esta imagen, en pasado, presente y futuro que aniquila la memoria de los habitantes del campo de concentración, convirtiéndoles en bestias.
En otras películas a concurso aparece la metáfora de la ruina de un modo más gráfico, con la ruina del urbanismo de la revolución griega en Attemberg. No es casual que el padre moribundo de la protagonista sea arquitecto. La despedida de su padre se convierte en viaje iniciático, funcionando esta dualidad padre-hija como metáfora de la era post-industrial, Marina representa al nuevo siglo y su padre al siglo que se muere "y no te he enseñado nada", le dice él. Las ruinas de un pequeño pueblo de Grecia rodeado de fabricas, sirven a la narración como marco histórico que redondea la metáfora; las capas se suceden solapándose, no hay revolución sino un destino en ruinas: el "urbanismo de la muerte". Dejando a la generación futura en ese contexto de arquitecturas muertas, desposeídas, descuidadas, el futuro no encuentra aquí ni su arraigo en el presente y encara el nuevo siglo sin haber aprendido nada.
Otras referencias autobiográficas generacionales como True Love o Somos Nosotros, retratan sus ciudades como el contexto en el que se mueven, asumiendo la ruina como parte integradora de lo cotidiano, pero las imágenes de los edificios vacíos, (los no lugares en las ciudades, las casas derrumbadas, antiguas fábricas…) fascinan a los realizadores por lo que tienen de poético y de narración, asumiéndolas en su presente y mostrándolas como parte de este tiempo que nos toca, que corre raudo entre los despojos del pasado.
Hi-So la película tailandesa del director Aditya Assarat, muestra con el tsunami de fondo, escenarios que retratan un país aún en reconstrucción ó a punto del derribo. No hay tiempo para reconstruir pasados y la identidad se diluye en la propia inmediatez de la joven vida.
En Ocaso de Thèo Corte, la vieja casona otrora señorial y llena de vida, aparece como un espectro feudal embalsamado, residuo de un tiempo pasado que persiste convertido en ruina.
El relato mitológico de la aldea de Malasia en Year without a summer, nos cuenta cómo el marinero que parte y vuelve a la aldea ya no encuentra su sitio; el mundo cambia y la huida a veces nos deja la vida en el camino.
Otro ejemplo de la necesidad de explicar el presente a través de la memoria y de cómo fueron necesarios sacrificios ideológicos para adaptarse a las nuevas necesidades de los tiempos es la cinta de Pablo LLorca, El mundo que fue y el que es, que sugiere, casi al final, cómo el protagonista, interpretado por Pedro Casablanc, premiado como mejor actor en esta edición, intenta comprender éste mundo después de aquellos años de lucha, otra vez, pero a la inversa, esa necesidad de comprender este tiempo.
Estos son algunos ejemplos, que en esta breve muestra parecen concluir que la necesidad de explicarnos, de entendernos, es vital para construir un futuro sólido de individuos con memoria y no de seres alienados de sí mismos. Porque saber de dónde venimos nos permite reformularnos en una identidad que nos deje avanzar sanos, con las cicatrices necesarias, pero con la atención que se merecen las heridas.
El retrato que es el cine por lo que sugiere de nosotros y del otro, convierte a este arte en un testigo fundamental de nuestra historia, y parece necesario tanto para los creadores como para el público que se posibiliten estas reflexiones. El Festival Internacional de Las Palmas de Gran Canaria, sigue apostando por el cine aún a costa de lo incómodo y lo no convencional, en una dirección clara hacia el cine como arte. Ahora que los cines pueblan las ciudades como ruinas de otro tiempo, iniciativas como esta demuestran que es posible reencontrarnos a la luz del proyector.

Nira Rodríguez

Attenberg

The Ditch

Hi-Sol

Jean Gentil

Pablo Llorca

Ocaso

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Los premios Oscar 2011: Diversidad a contracorriente

Los premios Oscar 2011

Este año en especial, las nominaciones al Oscar como mejor película cubrieron un amplio espectro de temas y aproximaciones fílmicas a múltiples asuntos, cuyo hilo conductor lo ha constituido la urgencia del protagonista para sobrevivir dentro de un entorno hostil, producto de sus propias pasiones o limitaciones; ya fueran estas psicológicas (The King's Speech, Black Swan), sociales (The Social Network), económicas (The Fighter, True Grit, Winter's Bone), familiares (The Kids Are All Right), accidentales (127 Hours), metafísicas (Inception) o fantasiosas (Toy Story 3).

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Los premios Oscar 2012: Un recorrido global del cine actual

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