Art Rio 2018 - Cinecritic - Revista de cine

Art Rio 2018

Del 27 al 30 de septiembre de 2018
Marina da Gloria
Rio de Janeiro

Reconocida como uno de los principales eventos de arte de América Latina, Art Rio es una oportunidad de ver, en un mismo espacio, obras de grandes maestro y también el trabajo de nuevos artistas en una selección especial de las principales galerías del país y del mundo. La Feria de Arte de Rio de Janeiro presenta su octava edición entre los días 26 y 30 de septiembre de 2018, en Marina da Glória.
En 2018, Art Rio presenta ocho programas. PANORAMA reúne las galerías ya establecidas en el circuito internacional de arte. Galerías jóvenes presentan proyectos con una curaduría experimental concebidos especialmente para la feria en VISTA. Ya en SOLO traerá proyectos expositivos especiales con un recorte de las colecciones de Genny Nissenbaum y Mara Fainziliber.
Con curaduría de David Gryn, el segundo año de MIRA, reúne, además de obras de videoarte, la música en vivo del DJ inglés Max Reinhardt. O BRASIL CONTEMPORÂNEO está dedicado a artistas fuera del eje Rio-São Paulo. En su primera edición, el programa tiene curaduría de Bernardo Mosqueira.
Dedicado al diseño, el programa IDA gana nuevo formato en 2018 con la curaduría de Renato Tomasi. Y el programa PALABRA, con curaduría de Claudia Shebe y Omar Salomão, muestra cómo la palabra escrita y hablada está presente en los diferentes procesos de creación de arte.
La feria promueve la sexta edición del Premio FOCO Bradesco Art Rio, que tiene como objetivo descubrir, fomentar y difundir la producción de artistas visuales con hasta 15 años de carrera.
ArtRio contribuyó de forma activa durante todo el año para el éxito de la cadena productiva del arte y tiene también un fuerte papel de polo estimulador, apoyando exposiciones, destacando nuevas galerías, estimulando el coleccionismo, la formación de público y la promoción de artistas jóvenes. De esta forma, la feria construye un legado artístico para el público brasileño, ávido por consumir arte y cultura.

Artistas en destaque:

Beatriz Milhazes (Rio de Janeiro, 1960). Su obra mantiene la matriz popular representados por los encajes, bordados, alegorías arquitectónicas, elementos extraídos del artesanato popular e íconos de la historia del arte que son llevados, todos, al mismo status en una mescla que incorpora e ícono de la historia del arte que son elevados, todos, al mismo estatus en una mescla que incorpora el proceso constructivo, el espíritu barroco (necesita de un estudio más profundo, discusión y esclarecimiento), y la seducción kitsch, compatibilizando lo erudito y popular, lo sofisticado y lo rústico. El color es un elemento omnipresente. Su obra incluye también la abstracción geométrica y su referencial específico sobre el Carnaval, collages, yuxtaposiciones y superposiciones. La Galería Almeida & Dale de São Paulo expuso la obra de Beatriz Milhazes "Torrone", 2007, collage sobre papel.

Jesús-Rafael Soto (venezolano 1923 - 2005)
En su adolescencia, trabajó como artista comercial, pintando cuadros para teatros locales. En 1942, ganó una bolsa de estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas, donde conoció a Calos Cruz-Diez y Alejandro Otero.
Al tomar contacto con una pintura cubista de Georges Braque, quedó interesado en formas geométricas de expresión. En París inició su vínculo con el abstraccionismo geométrico y el arte cinético, asociándose a Yaacov Agam, Jean Tinguely, Victor Vasarey, Julio Le Parc, entre otros artistas.
Alrededor de 1951, el venezolano comenzó a exponer obras que envolvían un elemento de vibración a través de la repetición de elementos formales. Para él, el uso de la repetición era una manera de librarse de los conceptos formales del arte tradicional, que estaba ligado al arte figurativo. Él creía que el verdadero arte abstracto solo podría transfigurarse con la performance del movimiento. En las repeticiones ópticas, desarrolló trabajos en alto relieve, que le rindieron el estatus de pintor y escultor.
En 1953, Soto comenzó a investigar nuevos efectos ópticos. Por primera vez utilizó motivos cinéticos en sus obras aplicando, en seguida, los principios de superposición de motivos y tramas curvas o elípticas.
La Galería Almeida & Dale de São Paulo, puso a la venta en su stand de Art Rio 2018 su obra "Sin título", madera pintada y alambres.

Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - París, Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art. Se interesó por el arte abstracto y por la escuela de Muheely, fundada en Budapest por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron principalmente Mondrian y Malévich.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, "Zebra", que se considera hoy en día la primera obra de Op Art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores.
La Galería Fólio de São Paulo expuso, en su stand de Art Rio 2018, Serigrafías en color de Victor Vasarely de los años entre 1965 y 1971. En la misma galería estaban a la venta fotos de Sam Lévin en gelatina y plata sobre papel, tal como la que retrata a Jean Moreau en el año 1960.

Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964). Una de las artistas plásticas contemporáneas líderes en Brasil. Trabaja con pintura, escultura, instalaciones y fotografía. Su obra tiene como base argumental al period colonial brasileño y se inspira en los botequines cariocas y en los baños públicos europeos.
Son recurrentes en su obra las relecturas de elementos visuales incorporados a la cultura brasileña por la colonización, como la pintura de azulejos portugueses, o la referencia a la crueldad y agresividad de los materiales en sus obras que hacen referencia a la carne amurada, donde la artista discute las relaciones paradojales entre belleza y dolor, exuberancia y violencia. Sus trabajos más recientes hacen referencia a la arquitectura, inspirada en espacios como carnicerías, bares, saunas, piscinas, y abordan cuestiones tradicionales de la pintura como el color, la textura y la perspectiva.
Participó de diversas exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas, la Bienal de São Paulo, Tate Modern de Londres y el MoMa de New York.
En el stand de Galería Bergamin & Gomide de São Paulo, se pudo ver la obra de Adriana Varejão "Ruina do Charque Humaitá", 2001, óleo sobre madera poliuretano. La misma galería exhibió el acrílico sobre tejido de la artista paulista Leda Catunda, bajo el título de "Moitas" (1990).

Ricardo Becker (Rio de Janeiro, 1961)
Lentes, espejos, claves, signos espejos y puertas forman parte de los elementos que Ricardo Becker viene configurando en su obra. La multiplicidad de sus formalizaciones, con su red de significados, extrañamientos y paradojas, desvela cuestiones sobre nuestra situación en el mundo: es un laberinto, pero lleno de puertas, de entradas y salidas, de operaciones matemáticas que rechazan premisas. Son lupas y espejos que confunden la percepción. Una de sus series de vidrios, espejos y talco fue expuesta en el stand de Gaby Indio da Costa (Rio de Janeiro) en Art Rio 2018.

Eduardo Berliner (Rio de Janeiro, 1978). En su proceso de trabajo, Eduardo Berliner concibe su dibujo como un trabajo independiente, y muchas veces también, como un paso inicial en dirección a la pintura, como la materialización y el mapeo de sus ideas originales.
Cuando presentados en un mismo espacio, funcionan como una guía para el grupo de pinturas, no explicando sino fortaleciendo las asociaciones complejas entre las obras. El punto de partida para las pinturas es variable, a veces Berliner parte de un simple dibujo de líneas basado en memorias, mientras que otras veces, el artista siente la necesidad de trabajar por más tiempo antes de llegar al lienzo, evolucionando a través de fotografías, pequeños vídeos, o el propio relacionamiento con los materiales en el taller, construyendo objetos y escenarios.
Berliner afirma que su intención no es determinar un sentido específico para cada trabajo o para cada conjunto, sino crear un espacio para analizar la complejidad de las relaciones y las distorsiones producidas en nuestra memoria. Una de sus impresiones digitales sin título, de 2018, pudo apreciarse en el stand de la Galería Carbono de São Paulo.

Julio Le Parc (Argentina, 1928). Uno de los fundadores del movimiento de Arte Cinético y del G.R.A.V. (Groupe de Recherche d'Art Visuel), Julio Le Parc trae a su obra elementos que extrapolan las búsquedas a respecto del movimiento y reflejan un interés en la percepción visual del espectador.
Dentro de sus búsquedas desarrolló la obra "Cercles par deplacement", exhibida en el stand de la galería Carbono de São Paulo, compuesta por una estructura de aluminio, impresión y espejos. La obra, así como la mayor parte de la producción del artista, cuenta con la participación del espectador para resolverse por entero, tomando en cuenta que el trabajo reacciona al dislocamiento de quien lo está viendo. Le Parc crea, a través de la línea en blanco y negro, una estructura sólida que produce luz, sombra y movimiento, y hace que la forma parezca desmaterializarse.

Daisy Xavier (Rio de Janeiro, 1952). La obra de Daisy Xavier investiga temas relacionados con la identidad y la alteridad. Interesada en la deconstrucción y recreación de formas y conceptos, Xavier crea imágenes poéticas donde el cuerpo deja de ser meramente físico y viene a representar áreas permeables. Las redes y el agua son temas recurrentes en su obra, presentadas a través de videos, fotos, instalaciones, pinturas y dibujos. Ambas, redes y agua, definen lo que está adentro y lo que está afuera, creando campos intercambiables de variación constante.
La Gelería Karla Osorio de Brasilia puso a la venta, en su stand de Art Rio 2018, las siguientes obras de Daisy Xavier: "A dream", 2014; "Rede", 2018; "The Bride"", 2016 y "Afar close"", 2016.

Abraham Palatnik, nacido en Natal en 1928, es un artista plástico pionero del arte cinético en Brasil. Sus obras contienen instalaciones eléctricas que crean movimientos y juegos de luces.
En 1954 integró el Grupo Frente, aproximándose a la poética visual de los concretos y neo-concretos. Desde entonces, viene desenvolviendo un trabajo que une investigación visual y rigor matemático.
Una de sus obras en cartón recortado, del año 1985, estuvo a la venta en el stand de la galería Athena, en la feria Art Rio 2018.

Miguel da Silva Paranhos de Rio Branco (Las Palmas de Gran Canaria, España, 1946) es fotógrafo, director de fotografía y pintor. Desde la década de 1970 se dedica también al cine experimental.
Conocido por su trabajo con el color, explora en sus fotografías los contrastes cromáticos, la dilución de los contornos, los juegos de espejos y de óptica, así como las diversas texturas, creando atmósferas por medio del uso del color y la luz. El paso del tiempo, la violencia, la sensualidad y la muerte son temas constantes en sus trabajos.
En instalaciones creadas en la década de 1990, exhibe proyecciones fotográficas juntamente con recortes de periódicos, fragmentos de espejos y retazos de tejido. El espectador recorre así un mundo en fragmentos, compuesto por imágenes dramáticas. Utilizando recursos como transparencias, yuxtaposiciones, cortes y collages, Miguel Rio Branco crea situaciones de continuidad y discontinuidad espacial. La observación subjetiva y deformante del entorno a través de una esfera transparente, que hace las veces de "ojo de pescado" o de una anamorfosis, en términos fotográficos, pictóricos y cinematográficos, puede apreciarse en su impresión fotográfica "Bola de Cristal" de 2018, expuesta por la Galería Silvia Cintra + Box 4 de Rio de Janeiro.

Pedro Motta: Nacido en Belo Horizonte en 1977, Pedro Motta se formó en dibujo en la Universidad Federal de Minas Gerais (UFMG) en 2002. Desarrolló, partir de entonces, el proyecto Paisagens Submersas, acción en la que él y otros dos fotógrafos documentaron una región de Minas Gerias que quedó sumergida bajo el agua por efecto de la usina eléctrica Itapebi.
Sus investigaciones exploran la tenue línea entre elementos naturales y comportamiento humano, sus conflictos, convergencias y relaciones.
El efecto del hombre sobre la naturaleza puede verse en su serie fotográfica "Combustão Espontânea" de 2015 (fotografía, carbón y dorado a la hoja), expuesta en el stand de la Galería Silvia Cintra + BOX 4 (RJ)

Vítor Mizael: artista paulista, Máster en Estética e Historia del Arte (2008) y Especialista en Museología (2005), ambos por la Universidad de São Paulo (USP), y Bachiller en Artes Plásticas (2004) por la Universidad Estadual Paulista (Unesp), cuestiona conceptos como salvaguarda, patrimonio, catalogación y exhibición dentro del sistema de arte. Estos son algunos de los ejes poéticos de su obra. Para ello, echa mano de estrategias expositivas en la que lenguajes como la pintura, el dibujo y el objeto tridimensional tienen sus límites difusos y revelan mezclas que terminan por potencializar cada uno de ellos.
La C. Galeria de Rio de Janeiro puso a la venta, en su stand de Art Rio 2018, la instalación de Vitor Mizael intitulada "Arrobol" (caja de madera, azulejo, pintura acrílica y soporte para plantas) ejecutada en 2018

José Bechara (Rio de Janeiro RJ 1957). Pintor egresado de la Escuela de Artes Visuales de Parque Lage. Inicia su actividad artística a fines de la década de 1980 y realiza su primera exposición individual en el Centro Cultural Cândido Mendes, en 1992. Desde inicios de la década de 1990, utiliza el proceso de oxidación sobre lonas de camiones como base para sus obras, y experimenta otros soportes, como piel de buey. Participó de diversas exposiciones nacionales e internacionales. La galería Lurixs de Rio de Janeiro expuso la obra de José Bechara, "Escultura Gráfica" (pintura acrílica sobre madera), en su stand de Art Rio 2018.

Luciano Henrique Pereira de Figueiredo (Fortaleza CE, 1948). Artista multimedios, diseñador gráfico, escenógrafo y pintor. Mantiene una trayectoria como diseñador gráfico paralelamente a la carrera de artista plástico. Presenta un interés gráfico aliado al vínculo con el experimentalismo. El trabajo resultante no privilegia algún tipo específico de soporte o material: tejidos o periódicos son apropiados para el artista, con los cuales crea relevos. Su obra más reciente, afiliada al constructivismo y a su tradición gráfica, presenta relevos en tela sobre madera o emplea hojas de periódico y cuadrados de tela, pegados unos a los otros, de forma intercalada, sobre los cuales el artista realiza cortes o dobleces. A este último grupo pertenecen los relevos de tela pintada al acrílico, del año 2015, que la galería Lurixs (RJ) puso a la venta en Art Rio 2018.

Jorge Mayet nació en La Habana, Cuba, en 1962, pero vive y trabaja en Palma de Mallorca, España. Bachiller en pintura (1993) y Master en Artes Visuales (1995) por la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, La Habana. Los recuerdos de paisajes de su tierra natal son parte fundamental de su búsqueda artística. Sus obras se desdoblan en pinturas, esculturas e instalaciones que mezclan imágenes realistas con poesía del imaginario del artista.
Mayet realizó muestras individuales en importantes galerías e instituciones de arte, participó de muestras colectivas en Rio de Janeiro, así como también en diversas ciudad de todo el mundo. Sus obras forman parte de importantes colecciones como la de Saatchi Gallery de Londres, el MAD Museum de New York, Leo Gallery de Shangai, entre otras. La galería Inox de Rio de Janeiro exhibió su grupo escultórico, en papel maché, pintura acrílica, hilo de cobre, poliuretano y fibra sintética, denominado "De adentro para los de afuera".

Carla Guagliardi estudió en la Escuela de Artes Visuales de Parque Lage y cursó pos-graduación en Historia del Arte y Arquitectura en Brasil, en la Universidad Pontificia Católica de Rio de Janeiro (PUC).
En sus últimos años Carla Guagliardi se dedicó a investigar sobre el tiempo y la duración, la inmovilidad y la movilidad, el peso y la levedad, elaborando sus ideas a través de una amplia variedad de materiales. Sus experimentos hacen contrastar materiales de propiedades muy diversas, tales como plástico, hierro, vidrio, madera, cobre, acero, algodón, plantas y caucho. El agua juega un papel importante en sus esculturas.
Tales combinaciones mezclan materiales que crean nuevas propiedades, enfatizando en ocasiones un vocabulario de términos físicos tales como balance, densidad, materialidad, capilaridad, etc. Estas obras evocan asimismo un sentido de percepción móvil mientras confrontan sentimientos humanos contemporáneos sobre la situación incierta, inestable y frágil en la que vivimos.
La Galería Anita Schwartz exhibió en su stand, una escultura de Guagliardi hecha con esferas de espuma pintadas, presas entre placas de madera.

Isidro Blasco, artista español residente en New York, combina arquitectura, fotografía e instalación para explorar terrenos físicos y psicológicos. Blasco utiliza imágenes digitales y materiales de construcción para crear entornos arquitectónicos de grande y pequeña escala y reconstrucciones tridimensionales de barrios, produciendo instantáneas de paisajes urbanos que juegan con la percepción.
A partir del punto de vista de un edificio determinado, o un espacio interior o exterior, Blasco toma fotografías y une imágenes en esculturas fotográficas, que recuerdan a los collages cubistas con su multiplicidad de ángulos. Las pequeñas distorsiones de perspectiva de Blasco producen escenas que pueden parecer reconocibles y desconocidas al mismo tiempo.
La galería SIM puso a la venta en Art Rio 2018 la obra de Isidro Blasco, "Rio Street" de 2014.

Daniel Buren es un artista conceptual nacido en París en 1938. A veces clasificado como minimalista, Buren es mejor conocido por el uso de franjas de colores regulares y contrastantes, en un esfuerzo por integrar la superficie visual y el espacio arquitectónico.
Entre sus principales preocupaciones está la puesta en escena como una forma de presentar el arte, resaltando su proceso de creación. Además sus obras son instalaciones pensadas para un lugar específico, en contraste con la idea hegemónica de la obra de arte autónoma, separada del contexto.
La Galería Nara Roesler presentó la instalación de Daniel Buren "Prismas y Espejos" número XIV del año 2018. Materiales: madera, cola, laca, espejo y adhesivo vinyl.

Carlito Carvalhosa (São Paulo, 1961) es pintor y grabador. Estudió en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de Sao Paulo (FAU/USP) desde 1980 hasta 1984.
La producción inicial de Carlito Carvalhosa revela una preocupación constructiva, una búsqueda de vínculos entre la dimensión expresiva de la materia y la forma. En sus cuadros realizados con cera, a fines de los años 1980, el artista explora la maleabilidad y el carácter translúcido de la materia. La mirada del espectador se pierde, no encontrando un punto de apoyo definitivo. Esta ambigüedad también se revela en las esculturas, cuya colocación en el espacio sugiere siempre una posición precaria, generando una incomodidad para la mirada.
El artista utiliza predominantemente materiales maleables, miméticos y de color blanco o translúcido. La Galería Nara Roesler exhibió en su stand de Art Rio 2018 una obra "Sin Título" de Carlito Carvalhosa, en óleo sobre aluminio, del año 2018.

José Bento, nacido en Salvador de Bahia en 1962, actualmente reside y trabaja en Belo Horizonte, MG.
Bento trabaja principalmente con tallado en madera desde inicios de los años '80, a pesar de haber también trabajado con vídeo, dibujo y fotografía. Las exposiciones en las que participó, en museos, galerías e instituciones culturales brasileñas y extranjeras, fueron el escenario para el desarrollo de sus cuestiones sobre la planicidad y la tridimensionalidad, como ocurrió en sus objetos hechos a partir de palitos de helado. Ya en "Árboles", una de sus más conocidas series, el artista aborda cuestiones relativas al material: la materia que sirve a su propia forma representativa. La relación entre la arquitectura de los espacios expositivos y los trabajos de Bento se mostró como una fuente fértil de proposiciones artísticas en su carrera, de las cuales algunas se configuran como Site-specifics (pensadas para un espacio determinado). Sus trabajos más recientes luchan con el estatus del lenguaje en la escultura contemporánea y con discusiones sobre valores económicos y financieros en el circuito artístico.
A Gentil Carioca expuso una instalación de José Bento compuesta por una mesa de madera, cuatro panderetas y cuatro vasos del mismo material, con una botella de cachaça en el centro. La madera de la que está hecha la obra es la misma que se utiliza para el envejecimiento de la cachaça, estableciéndose así un vínculo entre contenido y contenedor, además de dar una idea de ritmo geométrico en la circularidad de la mesa que alberga la misma cantidad de panderetas que de vasos de madera, y de ritmo musical a través de las panderetas. Por otra parte, la disposición de la botella en el centro, y de los demás elementos alrededor, nos retrotrae a la idea de un juego para niños, puede ser una calesita, un trompo, un pandero completamente hecho en madera -sin sonajas metálicas ni parche de piel, por lo que no ha sido concebido para crear sonidos reales-, vasos y muebles de juguete, etc. Todo apunta a pensar en un escenario simulado donde el ritmo está dado por los elementos constitutivos. Como en el cuadro de Magritte "Ceci n'est pas une pipe", nada es lo que parece, sino un concepto abstracto que nos remite a algo otro.

Xavier Veilhan estudió sucesivamente en la École Nationale Supérieure des Art Décoratifs en París (1982-1983), la Hochschule der Künste (Universidad de Arte) en Berlín (bajo la dirección de Georg Baselitz) y el Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques del Centro Pompidou (1989-1990 ), a cargo de Pontus Hultén.
Desde mediados de la década de 1980, ha creado un aclamado cuerpo de obras (escultura, pintura, instalación, performance, video y fotografía) definido por su interés tanto en el vocabulario de la modernidad como en las esculturas clásicas. Su trabajo rinde homenaje a los inventos e inventores de la modernidad, a través de un lenguaje artístico formal que mezcla los códigos de la industria y el arte.
Veilhan demuestra un interés de larga data en un espacio expositivo en evolución, donde el visitante se convierte en actor. Nutre su investigación material con colaboraciones musicales regulares con artistas como la banda Air, el músico Sébastien Tellier o la compositora pionera Eliane Radigue. En 2009, creó la exposición Veilhan Versailles en el Palacio y los jardines de Versailles. Entre 2012 y 2014, desarrolló Architectones, una serie de intervenciones en siete de los edificios modernistas más importantes del mundo.
Su interés por la arquitectura fue llevado a un nuevo nivel en 2014 cuando diseñó el Palacio de Rentilly. En 2015 dirigió dos películas que amplían estas exploraciones espaciales: Vent Moderne (La Villette, Paris) y Matching Numbers (3ª Escena, Opéra National de Paris).
Xavier Veilhan, habitual en proyectos en espacio público, ha instalado esculturas en varias ciudades de Francia. En Art Rio 2018, la galería Nara Roesler exhibió su Móbile nº 4 de 2018 en acero, carbono, resina y pintura de poliuretano.

Juliana Stein nació en Passo Fundo, Rio Grande do Sul, en 1970. Es una artista visual y fotógrafa. Se graduó en Psicología en la Universidad Federal de Paraná (UFPR) en 1992 y vivió en Florencia y Venecia donde estudió arte. Continuó trabajando con la fotografía durante los años '90, desarrollando su obra.
El trabajo de Stein se basa en la experimentación y la lectura poética, lo que lleva a una reflexión sobre el proceso de producción y la representación de la imagen final. Ella ha logrado un éxito crítico en Brasil y en el extranjero, participando en la 29ª Bienal de São Paulo y uniéndose al pabellón de América Latina en la 55ª Bienal de Venecia, en 2013.
Juliana Stein expuso en SIM Galería, la obra OOPS de 2017, en acrílico y metal.

Janaina Mello Landini

La galería Zipper de São Paulo expuso en su stand la obra de Janaina Mello Landini: "Ciclotrama 11 9 (vento)", 2018, cuerda de nylon azul sobre vela de barco.
"Ciclotrama" es una palabra inventada por Janaina para referirse a la pesquisa de la artista desde 2010.
Conceptualmente un "Ciclotrama" es un ciclo de tiempo continuo, binario e infinito, es una estructura esquemática con característica jerárquica y composición de partes interdependientes.
La idea principal de la artista es desarrollar el raciocinio de un dibujo espacial a través de la experiencia de fuerza y tensión física entre los hilos, disponemos de la distribución de las cargas recibidas por cada uno de ellos - ya que apenas estos finos hilos tocan la arquitectura a través de clavos, apuntando hacia la infinita interconectividad e interdependencia de las trayectorias individuales en un sistema.
La cuerda utilizada es un objeto del mundo cotidiano, apenas transformada por la acción de deshacerse y rehacerse, desenrollarse, dividirse y torcerse. En último análisis, los "Ciclotramas" se ofrecen al observador como un lugar de bifurcaciones rítmicas donde, metafóricamente, los estudios sobre la dinámica de los fluidos de Leonardo da Vinci, en el Código Ubrinas, pueden explicar su semejanza con la estructura de la naturaleza. Allí se habla del comportamiento dinámico de la savia en los árboles, de la sangre en el sistema vascular, del aire en los bronquios, del agua en los ríos, de estructuras microscópicas en el mapeo subjetivo de los diversos flujos universales.

Waltercio Caldas (Rio de Janeiro, 1946). Escultor, dibujante, artista gráfico, escenógrafo. Estudia pintura con Iván Serpa en 1964, en el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro (MAM/RJ). Entre 1969 y 1975, realiza dibujos, objetos y fotografías de carácter conceptual. En 1967 comienza a trabajar con el diseñador técnico y diagramador de Electrobrás y participa de su primera exposición colectiva profesional, en la Galería Gead. En esa época dibuja y realiza maquetas de proyectos arquitectónicos improbables.
En 1969, realiza los "Conductores de Percepción", obra clave en su carrera. Con elle, inicia una serie de obras hechas a partir de la inserción de objetos rutinarios en cartucheras bien cuidadas, con una plaqueta donde se lee el nombre de la obra. Esos trabajos son montados en su primera individual, en el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro, en 1973, con óptima repercusión.
A partir de la década de 1980, el artista crea un gran número de instalaciones mientras, al mismo tiempo, trabaja en una serie de esculturas y se dedica a esta modalidad en la segunda mitad de la década. Crea videos, dibujos e intervenciones casi invisibles en el espacio, pero su actividad primordial es la escultura.
En 1989 instala su primera escultura pública: "El Jardín Instantáneo en el Parque del Carmo", en São Paulo, y cinco años después produce otra pieza en espacio abierto: "Omkring", en Noruega. En 1996, realiza el monumento "Escultura para Rio", en el centro de Rio de Janeiro, donde se evidencia una síntesis de su trabajo: la sutileza conceptual que siempre lo caracterizó, aliada a una capacidad de movilización del espacio público.
La galería Bergamin & Gomide puso a la venta, en su stand de Art Rio 2018, la obra de Waltercio Caldas "Eureca" de 2001, en acero inoxidable, espejo y acrílico.

Claudia Jaguaribe, nació en 1955 en Rio de Janeiro. Vive y trabaja en São Paulo.
Desde 1990 participa de exposiciones en los principales museos y galerías de Brasil y del exterior. Formada en historia del arte, artes plásticas y fotografía, desenvuelve un trabajo atento a las prácticas multifacéticas y a la diversidad de la fotografía contemporánea. Su producción se caracteriza por una intensa pesquisa plástica que utiliza diferentes medios, como fotografía, vídeo, Internet e instalaciones. En la fotografía, trabaja con variados formatos y medios de producción, desde la práctica fotográfica en estudio hasta fotos documentales posteriormente retocadas, en una búsqueda sobre la materialidad de la imagen que cuestiona la propia naturaleza mimética de la fotografía.
La galería Celma Alburquerque de Belo Horizonte, presentó la impresión en vidrio, moldura en aluminio y pintura "Sin título" de Claudia Jaguaribe.

Camila Rocha (São Paulo, 1977) trabaja principalmente con plantas reproducidas a través de dibujos, vídeos, fotografías, acciones e instalaciones en la forma de jardines y ambientes.
En 2016 realizó la exposición individual The Enigma of Plants (El Enigma de las Plantas), con curaduría de Ali Akay en la KRANK Gallery de Estambul. En 2015-2016 creó el Sefatorium, instalación para un sitio específico de gran escala en el hall central del Museo de Arte Moderno de Estambul, como parte de la exposición TILL IT'S GONE con curaduría de Celenk Bafra y Paolo Colombo. Durante la primavera de 2014, Camila alquiló un local de flores abandonado en una de las construcciones de Chihangir, Sigorta Pasaj, y allí realizó el proyecto llamado FloriKultur.
La Galería Emma Thomas de São Paulo puso a la venta en su stand de Art Rio 2018, las obras de Camila Rocha "Fundo I" y "Colunacea I, II y III", de 2018.

Leo Battistelli (1975, Rosario - Argentina) tiene formación en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de Rosario. Estudió cerámica en el taller del estucltor Leo Tavella. Expuso individual y colectivamente desde 1993 en diferentes espacios en Argentina, Brasil, Estados Unidos y Francia. En 2013 fue seleccionado por la empresa Chandon para realizar una instalación en Arte BA.
Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, incluyendo el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). Actualmente vive y trabaja en Rio de Janeiro, Brasil.
La Galería Marcia Barrozo do Amaral, Rio de Janeiro, expuso la obra de Leo Battistelli, "Esferas da Percepção", cerámica y acrílico, 2017.

Daniel Escobar

Nació en Santo Ângelo, Rio Grande do Sul, en 1982
Vive en Porto Alegre (RS)

Maestrando en Artes Visuales por el Instituto de Artes de la UFRGS. Su obra aborda los paisajes del deseo creadas por el consumo y por la industria del entretenimiento, con una pesquisa conducida por cuestiones relacionadas al capital y sus múltiples hipótesis (industria de la publicidad, capital inmobiliario, mercado turístico, capital simbólico, fake news e Internet).

En 2018 fue finalista del Premio Pipa On-line y premiado con el Incentivo Extraordinario. Posee obras en acervos públicos y privados de Brasil y el exterior, incluyendo el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM-SP), Museo de Arte de Rio (MAR), Museo de Arte de Pampulha (Minas Gerais), Museo de Arte de Rio Grande do Sul (MARGS), Museo de Arte contemporáneo de Paraná (MAC-PR), entre muchos otros.

La obra de Daniel Escobar "Brasil Norte (The World)", de 2018, hecha con recortes sobre una guía de turismo, ha sido expuesta por la galería Luciana Caravello Arte Contemporánea (Rio de Janeiro).

Adriana Schmorak Leijnse

Abraham Palatnik, Sin titulo, Athena galeria