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Mars - Avril 2017

  88ª edición de los Premios Oscar

 
El domingo 28 de febrero de 2016 tuvo lugar una nueva edición de los Premios que la Academia de Hollywood otorga a las mejores realizaciones cinematográficas del año anterior, en este caso, del 2015.
Publicamos aquí la lista de nominados y premiados, y contamos algo sobre las películas que Cinecritic.biz vio en las salas de cine. 

"En Primera Plana" ("Spotlight") es un largometraje dirigido por Thomas McCarthy, quien además escribió el guión junto a Josh Singer. Protagonizado por Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Brian d'Arcy James, Liev Schreiber, John Slattery y Stanley Tucci, el filme ganó el Oscar 2016 a la Mejor Película y al Mejor Guión Original.
Sobre la base de hechos verídicos, muestra los entretelones de cómo la unidad especial de investigación "Spotlight", creada por el periódico Boston Globe y la más antigua de los Estados Unidos, reveló un escándalo en el que la Iglesia Católica de Massachusetts silenció múltiples casos de abusos sexuales perpetrados por sacerdotes en Boston. Por este trabajo investigativo, el Globe ganó, en 2003, el Premio Pulitzer al servicio público.
El principal mérito de la película es desenmascarar no solo a los sacerdotes acusados de pedofilia, sino principalmente al encubrimiento por parte de las altas esferas de la Iglesia Católica y a la hipocresía de la clase alta bostoniana, el corazón mismo de la élite estadounidense. El largometraje muestra cómo este grupo de periodistas encaró valientemente una investigación seria de estos casos de pedofilia que afectaban, en su mayoría, a niños de familias humildes y desintegradas por diversos motivos, y que acudían a la Iglesia en busca de ayuda y contención. Denuncia la perversidad de la institución eclesiástica apoyada por la clase alta y por el poder judicial, y denuncia a una parte importante del periodismo que se transformó en cómplice al no dar a conocer públicamente la información que recibía de fuentes confiables.
En el aspecto formal es un filme clásico de actuaciones correctas aunque no brillantes, lo cual hace pensar en que el principal motivo para otorgarle el Oscar a la Mejor Película ha sido el tema tratado. Ganó también el Premio de la Academia a Mejor Guión Original, aún teniendo que competir en ese rubro con El Puente de los Espías, film co-escrito ni más ni menos que por Ethan y Joel Coen y Matt Charman.   

La película El Renacido ("The Revenant") fue producida y dirigida por Alejandro González Iñárritu, con guión de González Iñárritu y Mark L. Smith, basado en la novela homónima de Michael Punke. Los protagonistas son Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson y Will Poulter.
Ganó tres Premios Oscar 2016 al Mejor Director para Iñárritu, Mejor Actor para DiCaprio y Mejor Fotografía para Emmanuel Lubezki.
La historia gira en torno a un grupo de tramperos que, hacia 1820, cazaban animales para vender las pieles en la zona septentrional de los territorios que actualmente ocupan los estados de Dakota del Norte y Dakota del Sur. En un momento en el que están apilando las pieles para ser trasladadas, sufren la emboscada de un grupo de indios Sioux que matan a varios de ellos para robarles las pieles, sin embargo algunos logran escapar. Entre los sobrevivientes, Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), el único hombre que conocía la ruta de regreso, resulta mortalmente herido por el ataque de un oso grizzly. Al ver la enorme dificultad de cargar con un hombre malherido en un crudo paisaje invernal, el capitán de la expedición Andrew Henry (Domhnall Gleeson) decide abandonarlo a su suerte en el bosque, junto al hijo que Glass tuvo con una mujer indígena y a otros dos de sus hombres, a quienes ordena cuidarlo…
El filme es magnífico en el aspecto visual. Las tomas majestuosas de los paisajes invernales de las Montañas Rocosas Canadienses y del río Olivia en Tierra del Fuego, además de otras localizaciones de filmación sublimes, merecían sin duda el Oscar a la Mejor Fotografía para Emmanuel Lubezki.
La cámara nos mete de lleno en las escenas de lucha entre tramperos e indígenas, haciéndonos sentir inmersos en la balacera y la lluvia de flechas, o nos hace rodar por el suelo cuando el grizzly ataca a Hugh Glass (ataca o se defiende, depende de como uno quiera verlo).
A pesar de cierta similitud con los westerns, El Renacido no pertenece a este género en el más estricto sentido del término, principalmente porque en los westerns clásicos los blancos son los buenos y los indios, los malos, sin matices, sin grises. González Iñárritu logra quebrar el maniqueísmo de este cliché hollywodense, repetido hasta el cansancio en las películas del Far West.  En este sentido El Renacido se puede inscribir dentro de la línea anti-género de "Birdman", que mostraba el lado oscuro del cine norteamericano de superhéroes.  Así, coincidimos con la Academia en este premios a Mejor Director para González Iñárritu.

En cuanto a Leonardo Di Caprio, luego de cinco nominaciones al Oscar y a dos Globos de Oro, esta vez tenía que ser la vencida. Hay que poder sostenerse en pantalla durante el 90% de tiempo de proyección, pasando un frío crudo y nadando en aguas heladas. Nada de esto fue trucado. En cambio sí lo fue la escena del grizzly. La osa que ataca a Glass para proteger a sus oseznos es, en realidad, un doble de riesgo disfrazado. El premio fue merecido en una competencia dura. Por ejemplo, la excelente interpretación de Bryan Cranston de Dalton Trumbo pudo muy bien haber seguido el camino de la alfombra roja hacia la estatuilla dorada. Algo similar se puede decir de Michael Fassbender por su rol de Steve Jobs.

Trumbo es un filme biográfico dirigido por Jay Roach y escrito por John McNamara. Protagonizado por Bryan Cranston, Diane Lane, Elle Fanning, Louis CK, Helen Mirren y John Goodman. La historia se basa en la novela de Bruce Alexander Cook sobre la exitosa carrera del guionista de Hollywood Dalton Trumbo, abruptamente interrumpida por el comité de actividades antinorteamericanas en 1947, al incluirlo en la lista negra de guionistas y actores de Hollywood que no concordaban con las creencias políticas establecidas en aquella época, las cuales se enraizaban en el miedo a la infiltración de la ideología comunista en la sociedad norteamericana.
Trumbo cuenta la historia de la lucha de este brillante guionista contra los jefes de estado de su país, en una guerra por las palabras y la libertad, que involucró a todos en Hollywood incluyendo a la intolerante Hedda Hopper (Helen Mirren), a delatores (aparte de malos actores) como John Wayne y Ronald Reagan, del otro lado del espectro a actores de mente más abierta como Kirk Douglas y a directores talentosos como Otto Preminger. Aunque la película es atrapante, bien actuada, con un gran sentido del humor (a pesar del drama que devela) sólo fue nominada a un premio Oscar 2016, el de Mejor Actor, y no logró ni siquiera este premio. Es una pena que Hollywood continúe tan intolerante como en la oscura época del macartismo, ya que cualquier autocrítica sigue siendo rechazada de plano. El día que la Academia priorice la calidad artística por sobre la política y los efectos especiales, otra historia estaremos contando.

La Gran Apuesta ("The Big Short") es un filme norteamericano escrito y dirigido por Adam McKay, basado en el libro homónimo de Michael Lewis. Protagonizado por Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling y Brad Pitt,  el filme ganó el Premio de la Academia 2016 al Mejor Guión Adaptado.
Esta historia semi-documental explica dramáticamente las causas de la burbuja inmobiliaria que dio origen a la crisis financiera de 2007-2008. Michael Burry (Christian Bale) es el dueño de una empresa de medio porte, que decide invertir mucho dinero en un fondo que surge de apostar contra el sistema inmobiliario de los Estados Unidos, según su pronóstico, al borde de la quiebra. Tal decisión genera complicaciones con los inversores, ya que nunca antes alguien había apostado contra el sistema y sacado ventajas. Al enterarse de estas inversiones otro financista, Jared Vennett (Ryan Gosling), se da cuenta de la oportunidad y pasa a ofrecerla a sus clientes. Uno de ellos es Mark Baum (Steve Carell), un agente de bolsa moralmente resignado ante la realidad, y que atraviesa por una crisis personal luego de que su hermano se suicidara. Paralelamente, dos "amateurs" de la Bolsa de Valores quieren entrar en el negocio cuando vislumbran la posibilidad de ganar mucho dinero apostando contra el mercado inmobiliario. Para ello piden ayuda a un gurú de Wall Street, Ben Rickert (Brad Pitt).
El filme está encarado como una ficción-documental. Sin serlo, posee algunas de las características del documental: su finalidad interpretativa de un hecho tomado de la realidad y la mirada a cámara de sus protagonistas, como si se estuvieses dirigiendo directamente al público.
Lo mejor del filme es haber mostrado que la crisis del 2008 no fue un accidente, sino una falla estructural del sistema capitalista norteamericano, que permite que un grupo pequeño de personas se enriquezca mientras otras pierden sus empleos y sus casas. Aunque con ciertos toques de ironía, la historia es básicamente escéptica respecto a una resolución favorable de la crisis, ya que muestra cómo, a pesar del drama que la crisis significó para muchas personas, el fondo del problema no sólo no se resolvió sino que parece que todo el proceso está en vías de reiniciarse. Por esta actitud reflexiva e interpretativa de la crisis, La Gran Apuesta se alzó con el Oscar al Mejor Guión Adaptado.

El Puente de los Espías ("Bridge of Spies"): largometraje dirigido por Steven Spielberg y escrito por Matt Charman, Joel Coen y Ethan Coen. Protagonizado por Tom Hanks, Mark Rylance, Amy Ryan y Alan Alda.
La película narra los hechos verídicos sucedidos en 1957 en Estados Unidos, sobre la detención y proceso del espía ruso Rudolf Abel, de cuya defensa se encargó al abogado James B. Donovan. También narra el posterior Incidente del U-2, ocurrido en 1960, en el que un avión norteamericano cayó derribado en la Unión Soviética, en plena Guerra Fría. A Donovan se le encomendó negociar el intercambio de prisioneros entre Francis Gary Powers, el piloto del avión norteamericano derribado, y Rudolf Abel.
Steven Spielberg es de esos directores que una vez en dos nos maravilla con su cine. Algo parecido podríamos decir del actor principal: cuando uno entra en la sala para ver una película protagonizada por Tom Hanks se pregunta: ¿con qué iré a encontrarme esta vez? Parece que esta vez el dúo dio en la tecla, más aún teniendo en cuenta que los hermanos Coen participaron del guión. Una buena dosis de suspenso, un entramado bien armado entre las distintas líneas narrativas, la fotografía y la escenografía ambientando muy bien ese suspenso, todos los ingredientes están ahí. Claro, no podía faltar el típico maniqueísmo hollywoodense que marca muy bien la diferencia entre buenos y malos: los norteamericanos son los verdaderos humanistas, los que se atienen siempre a derecho, mientras que los comunistas son crueles, farsantes, desagradecidos y no dudan ni un minuto en violar los derechos individuales. Fuera de este detalle esperable, la trama cierra y es una pena que la Academia sólo le otorgara un Oscar (el de Mejor Actor de Reparto a Mark Rylance por su interpretación del espía ruso Rudolf Abel). Como dijimos más arriba, la película merecía un mayor reconocimiento.

Brooklyn es una película dirigida por John Crowley, escrita por Nick Hornby (sobre la base de la novela homónima de Colm Tóibín) y protagonizada por Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Jim Broadbent y Julie Walters.
Ambientada entre 1951 y 1952, cuenta la historia de Eilis, una joven que se muda de una pequeña ciudad de Irlanda hacia Brooklyn, Nueva York, lugar donde se esfuerza por construir una nueva vida, encontrar trabajo, estudiar y enamorarse. Cuando una tragedia familiar la lleva de vuelta a Irlanda, se encuentra en medio de una disyuntiva: escoger entre dos hombres y dos países.
Brooklyn fue nominado a tres Oscar 2016, a Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Guión Adaptado, pero no se llevó ninguna de las estatuillas, y con razón, porque la película es, palabras más o menos, un culebrón mediocremente actuado y guionado. Los personajes no logran conmover en momento alguno, el dilema de Eilis está allí, sí, pero uno como espectador no llega a sentirse identificado con ella ni consigue sentirse inmerso en el conflicto. Podríamos decir que el director John Crowley puede darse por satisfecho con haber logrado tres nominaciones.

La habitación ("Room", Irlanda, 2015. Dir.: Lenny Abrahamson. Guión: Emma Donoghue. Con Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Megan Park. Dur.: 118 min.). Este duro y extraordinario filme cuenta la historia de Jack, un niño que está cumpliendo 5 años de edad en lo que para él es su mundo, un pequeño cuarto de 10 m² con un tragaluz en el cielorraso. Jack es celosamente protegido por su madre, quien dedica el día entero a mantenerlo feliz y seguro, cuidando de él con amor y bondad, y haciendo cosas típicas como jugar y contar historias. Sin embargo la vida de Jack es todo menos normal. El pequeño nació en cautiverio y el secuestrador de su madre mantiene a ambos confinados e imposibilitados de salir al exterior o incluso de observar el mundo más allá de esas cuatro paredes.
Los primeros 60 minutos de la película de Abrahamson son simplemente maravillosos, muy lograda la sensación de claustrofobia mediante una cámara que sigue de cerca a los personajes, que permanece dentro del armario donde Jack duerme y muestra las cosas tal como él las ve, un guión que nos deja descubrir poco a poco la realidad, como corriendo un sutil velo. El espectador se siente también encerrado en ese cuarto, se olvida del mundo circundante y, al igual que la de Jack, su mirada va madurando lentamente hasta alcanzar el pleno conocimiento de la situación. Brie Larson y el pequeño Jacob Tremblay emocionan, conmueven, nos permiten identificarnos plenamente con los personajes que encarnan. El quiebre del relato promediando el filme es un verdadero alivio para el espectador, evidencia de que la sensación angustiante de encierro ha sido cabalmente lograda. Brie Larson ganó muy merecidamente el Oscar 2016 a Mejor Actriz.

Steve Jobs es un biopic sobre la vida de uno de los cofundadores de la compañía Apple Inc.
Dirigida por Danny Boyle y guionada por Aaron Sorkin, la película se basa en el libro homónimo de Walter Isaacson. Michael Fassbender está a cargo del papel protagónico y Kate Winslet, Seth Rogen, Katherine Waterston, Michael Stuhlbarg y Jeff Daniels, de los papeles secundarios.
El filme está dividido en tres actos situados en el período previo, lo que podríamos llamar el backstage, de los lanzamientos de productos claves, organizados por el cofundador de Apple Inc., Steve Jobs. El primero muestra a Jobs y a su mano derecha Joanna Hoffman, lidiando con problemas técnicos antes del lanzamiento de la Macintosh, en 1984. Al mismo tiempo varias personas de su pasado le reclaman la rectificación de viejos errores. Brennan, una ex novia, pide verlo para exigirle que reconozca a Lisa como su hija. Steve Wozniak, ingeniero en sistemas y también cofundador de Apple Inc., desea que Jobs reconozca al equipo del sistema operativo Apple II en su discurso, pero Jobs se rehúsa. Más tarde se lo ve en una conversación con el CEO de la compañía, John Sculley, hablando de cómo muchos de sus problemas derivan de una infancia desgraciada como hijo adoptivo.
El segundo acto de la película muestra a Jobs preparándose para el lanzamiento de la computadora NeXT en el War Memorial Opera House, en 1988. Pasa su tiempo con Lisa, ya de 9 años de edad, a quien ahora reconoce como hija.
El tercer acto retrata a Jobs preparando la premier del iMac en 1998 en el Davies Symphony Hall. Su controversia con Steve Wozniak continua y también sus conflictos con una Lisa ya adolescente. Sin embargo Jobs hace grandes esfuerzos por reconciliarse con ella. 
La película propone un buen retrato psicológico del magnate del mundo digital, Steve Jobs. Sí, magnate, genio del marketing, pero no de la tecnología ya que no era ni siquiera ingeniero en sistemas, ni matemático, era un hombre ambicioso que encontró la manera de hacerse rico utilizando ideas ajenas. Esto está muy bien mostrado en la película. Jobs tenía serios problemas para agradecer la ayuda recibida y reconocer a los demás sus aptitudes. El no haber sido él mismo reconocido por sus padres biológicos, le imposibilitó durante años hacerse cargo de su paternidad; el no tener auténticas capacidades en el área tecnológica, le impidió reconocer a sus amigos, como Steve Wozniak, sin el cual le habría sido imposible llegar hasta donde llegó.
Está muy bien que el filme comience con un contratiempo técnico difícil de subsanar, en parte porque todo el "backstage" de la vida de Jobs estaba plagada de contratiempos y conflictos, nada que se pudiese adivinar en la fachada exitosa de sus mega lanzamientos. Se lo ve casi como un malabarista que parece tener todo bajo control, pero que en realidad está sudando lo inconfesable por no dejar caer una bola.
Por otra parte puede verse allí la desesperación de Jobs por que la presentación no quede malograda, una desesperación que proviene seguramente de su dependencia de los demás para resolver el problema. Grita, vocifera, se enoja con todo el mundo hasta llegar a la crueldad. El filme lo pinta como una persona de éxito que, sin embargo, mantiene dentro de sí un profundo sentimiento de inferioridad, y es este sentimiento el que le impide reconocer la capacidad en los otros. Podríamos decir que el filme muestra los grises del personaje. Pero salvo en el caso de su relación con Lisa, que al final él trata de subsanar, los tonos de grises tienden más hacia los oscuros que a los claros.
Steve Jobs fue nominado al Oscar 2016 a Mejor Actor por el trabajo de Michael Fassbender, y al de Mejor Actriz de Reparto por la interpretación de Kate Winslet de Joanna Hoffman. La competencia en el rubro de Mejor Actor fue muy dura este año, pero Kate Winslet podría haber ganado perfectamente el Oscar a Mejor Actriz de Reparto, sobre todo teniendo en cuenta que la estatuilla fue para Alicia Vikander por su rol de la pintora danesa Gerda Wegener, en un filme tan horriblemente mediocre como La Chica Danesa ("The Danish Girl"). No por el tema, que daba para mucho más -un artista renombrado que descubre que se siente más en su piel como mujer y decide una riesgosa cirugía para la época-, sino por los saltos abruptos de escenas, por los diálogos inconsistentes, por no lograr seguir un entramado argumental fluido, por malas actuaciones-seguramente responsabilidad de la dirección-, y muchos otros ítems. 

Carol es un filme anglo-americano del director Todd Haynes (Superstar: the Karen Carpenter Story, 1988; Velvet Goldmine, 1998; Far from Heaven, 2002), basado en el libro "The price of salt"" de Patricia Highsmith, de 1952.
La historia se sitúa en la ciudad de New York, en los inicios de la década de 1950. Therese Belivet trabaja en una enorme juguetería de Manhattan y sueña con una vida más gratificante, cuando conoce a Carol Aird, una clienta que está buscando un regalo de Navidad para su pequeña hija. Carol es una mujer seductora, presa en un matrimonio fracasado. Desde el primer encuentro ambas sienten una atracción inmediata y ardiente, seguida de un sentimiento más profundo. Cuando el marido de Carol se entera de esta relación, desafía la competencia de Carol como madre. Carol y Therese se ven entonces acorraladas entre las convenciones sociales y la atracción mutua.
Carol recibió seis nominaciones al Oscar 2016: Mejor Actriz (Cate Blanchett), Mejor Actriz de Reparto (Rooney Mara), Mejor Guión Adaptado (Phyllis Nagy), Mejor Banda Sonora Original (Carter Burwell), Mejor Fotografía (Edward Lachman) y Mejor Vestuario (Sandy Powell). A pesar de haber sido elegida por el American Film Institute como una de las mejores películas del año 2015, Hollywood no le concedió las dos principales nominaciones a Mejor Película y Mejor Director, y dentro de los rubros nominados no le otorgó ningún premio. Esto enardeció los ánimos de la crítica cinematográfica respecto a la falta de diversidad racial en los Oscars (Por ej.: en Los ocho más odiados (The Hateful Eight) de Quentin Tarantino, uno de los papeles principales está a cargo del excelente actor afro-americano Samuel L. Jackson, en Perdido en Marte (The Martian) de Ridley Scott, varios de los roles son interpretados por actores afro-americanos, latinos y orientales), respecto a la omisión deliberada de temas centrados en el mundo de la mujer (Carol, Joy, 45 años, Brooklyn), y respecto a la indiferencia hacia el grupo de LGBT: lesbianas, gays, bisexuales y transexuales (Carol, La chica danesa). No todos estos largometrajes estaban a la altura del evento. Por ejemplo La chica danesa y Brooklyn, me parecieron filmes de poco nivel más allá de los temas tratados. Pero en el caso de Carol, esta total omisión es completamente injusta por tratarse de una obra delicada, fina, bien interpretada. Tanto Cate Blanchett como Rooney Mara merecían las nominaciones e incluso los Oscars a Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto. El director Todd Haynes y el guionista Phyllis Nagy están realmente para sacarse el sombrero.  

Joy: el nombre del éxito es una comedia dramática inspirada en la historia real de Joy Mangano, una mujer separada, madre de dos hijos, que inventó el "Miracle Mop" -un trapeador de piso más eficaz e higiénico que los clásicos, que puede ser escurrido sin mojarse las manos, lavado a máquina y reutilizado-, convirtiéndose en la presidente de la compañía dedicada a patentar inventos Ingenious Designs LLC. El filme fue dirigido por David O. Russell, quien también escribió el guión junto a Annie Mumolo, y protagonizado por Jennifer Lawrence como Joy Mangano, Bradley Cooper como un ejecutivo de la Home Shopping Network, Robert De Niro como el padre de Joy y Édgar Ramírez como su ex marido.
El filme relata la emocionante trayectoria de esta mujer firmemente determinada a mantener unida a su excéntrica y disfuncional familia, haciendo valer un proyecto en el cual nadie creía pero que ella logró hacer realidad. Motivada por la necesidad, el ingenio y la aspiración de alcanzar sus sueños, Joy triunfa como fundadora de un millonario imperio, transformando su vida, la de su familia y la de muchas otras personas con sueños similares.
Sin que la dirección ni el guión lleguen a la brillantez, la película muestra la lucha de una mujer contra los prejuicios de género, contra los condicionamientos familiares y sociales, e incluso contra la mala fe de terceros que pretendían aprovechar su ingenuidad e inexperiencia para apropiarse de la patente del "Miracle Mop". Muestra también como es posible comenzar desde abajo con todo en contra, y avanzar contra viento y marea hasta alcanzar la cima más alta de las propias aspiraciones, mediante el esfuerzo constante y la superación de los obstáculos. Jennifer Lawrence fue nominada merecidamente al Oscar 2016 a la Mejor Actriz por este trabajo.

Los ocho más odiados (The hateful eight)

De Quentin Tarantino se pudo ver en estas latitudes su octavo largometraje, The hateful eight, un western que cuenta con la actuación de Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Channing Tatum, Jennifer Jason Leigh, Walton Goggins, Demián Bichir, Tim Roth, Michael Madsen y Bruce Dern.
Centrado pocos años después de la Guerra de Secesión, el filme comienza con una diligencia atravesando el paisaje invernal de Wyoming. Sus pasajeros, el cazarrecompensas John Ruth (Kurt Russell) y la fugitiva Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh), viajan camino al pueblo de Red Rock, donde Ruth, conocido como "The Hangman", lleva a Domergue a la justicia para ser ahorcada. En el camino se encuentran con dos extraños: el mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson), un ex-soldado negro de la Unión transformado en un cazarrecompensas, y Chris Mannix (Walton Goggins), un renegado del sur que dice ser el nuevo Sheriff de Red Rock.
Amenazados por la fuerte tormenta, Ruth, Domergue, Warren y Mannix buscan refugio en el Almacén de Minnie. Al llegar se encuentran con Bob (Demian Bichir), un mexicano que se encarga del negocio durante la "ausencia" de Minnie, Oswaldo Mobray (Tim Roth), un verdugo que dice estar viajando a Red Rock para ejecutar a Daisy en la horca, el vaquero Joe Gage (Michael Madsen), y el general confederado Sandy Smithers (Bruce Dern). A medida que la tormenta se apodera cada vez con más fuerza del paisaje montañoso, nuestros ocho viajeros descubren lo difícil que resulta llegar hasta Red Rock.
De los tres Oscars 2016 a los que fue nominado:  Mejor actriz de reparto por el trabajo de Jennifer Jason Leigh,  Mejor Fotografía para Robert Richardson y Mejor Banda Sonora por la música del legendario compositor de los spaguetti westerns, Ennio Morricone, el filme sólo obtuvo la estatuilla en este último rubro.
La idea de utilizar el número ocho para dar título a su octavo filme, fue tomada del director italiano Federico Fellini, quien asimismo nombró 8½ a su octavo largometraje, en 1963. Además Los ocho más odiados se divide en seis capítulos, la cifra del demonio, evidencia de que Tarantino es un fiel aficionado a la numerología. 
Vemos cómo cada uno de los personajes representa un sector diferente del pueblo norteamericano durante la post-guerra civil -el soldado de la unión (que además es negro), el general confederado, el mexicano, la mujer, el caza-recompensas, el sheriff, el verdugo, el cowboy-, en una época en la que el país estaba en ruinas por efecto de la guerra, allá, por mediados del siglo XIX. En realidad la traducción exacta del título no es "Los ocho más odiados" sino "Los ocho más odiosos". Pero odiados u odiosos, la pregunta a formularse sería: ¿odiados por quién?. Y la respuesta: odiados por ellos mismos, entre sí. Todos odian a todos en esta película, por motivos diversos. Tarantino muestra así la violencia y el odio como la raíz histórica del mal que, según su visión, sigue dominando a la sociedad norteamericana. Hasta la naturaleza, que sirve de marco a la historia, es hostil e intimidante (la tormenta de viento y nieve amenaza con matar por congelamiento a cualquiera de los ocho que intente salir del almacén; Red Rock, aunque un lugar real situado cerca de Las Vegas, puesto en contexto, remite al rojo de la sangre derramada).
La dificultad principal de Tarantino es la exposición de sus ideas de una manera tan horriblemente cruda, que raramente es soportable para el espectador promedio, ergo para la Academia, tan afín a las historias naïf con final feliz. Sin embargo su talento es indiscutible, como también el de los actores y actrices escogidos para protagonizar sus películas. El más odiado por Hollywood está de regreso. 

Perdido en Marte (The Martian) es una película de ciencia ficción (o ficción científica) dirigida por Ridley Scott, escrita por Drew Goddard -basado en la novela "The Martian" (2011) de Andy Weir-, y con el siguiente elenco: Matt Damon, Jessica Chastain, Michael Peña, Kristen Wiig, Jeff Daniels y Naomi Scott.
Es el cuarto filme de ciencia ficción de Ridley Scott, después de Alien (1979), Blade Runner (1982) y Prometheus (2012).
La historia trata sobre un astronauta, Mark Watney (Matt Damon) quien, durante una misión a Marte, es dado por muerto y abandonado por sus compañeros, luego de una feroz tormenta que lo deja herido en suelo marciano. Pero Watney sobrevive a la catástrofe y percibe que está solo y sin recursos en un planeta hostil. Apenas con escasas provisiones, debe echar mano de su creatividad, ingenio y espíritu de supervivencia para subsistir y encontrar la manera de informar a Tierra que está con vida. A millones de quilómetros de distancia, la Nasa y un equipo de científicos trabajan contra reloj para traer al "marciano" de vuelta, mientras sus colegas de tripulación cambian la trayectoria de la nave para dirigirla hacia una osada misión de rescate.
Si de buscar la emoción en disparos de láser contra hostiles y gigantes insectos extraterrestres se trata, esta no es su película, aquí no encontrará nada de eso. Perdido en Marte es una auténtica película de ficción científica, en la que prima justamente el fundamento científico. El autor del libro, Andy Weir, visitó las instalaciones de la Nasa y recibió asesoramiento sobre las posibilidades reales de un ser humano de sobrevivir en suelo marciano. Y de eso trata justamente la película de Ridley Scott. Una historia de supervivencia extra-planetaria que abre una enorme perspectiva sobre el futuro del género humano tanto en la Tierra como en otros planetas. La errónea traducción del título desvía y confunde, porque "Perdido en Marte" y "El Marciano" tienen dos connotaciones completamente diferentes. Tanto la novela como el filme hablan de un hombre que logra sobrevivir y adaptarse al suelo marciano, transformándose así en el primer marciano, el enfoque no está simplemente puesto sobre un astronauta "perdido" en Marte, que busca desesperadamente volver a casa.
Aunque la película de Scott fue nominada a siete premios Oscar 2016, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor (Matt Damon), Mejor guión adaptado (Drew Goddard), Mejor diseño de producción (Arthur Max y Celia Bobak), Mejor sonido (Paul Massey, Mark Taylor y Mac Ruth), Mejor edición de sonido (Oliver Tarney) y Mejores Efectos visuales (Richard Stammers, Anders Langlands, Chris Lawrence y Steven Warner), no obtuvo la estatuilla en ninguno de estos rubros. En cambio Mad Max: Fury Road logró seis de sus diez nominaciones: Mejor Edición, Mejor Vestuario, Mejor Maquillaje, Mejor Edición de Sonido, Mejor Mezcla de Sonido y Mejor Diseño de Producción. Esto demuestra que Hollywood continúa dando prioridad a las superproducciones con sofisticados efectos especiales 3D por encima de las películas de ciencia ficción con cierto fundamento científico.

Tres de los nominados al Oscar 2016 a Mejor Film en Lengua Extranjera:

Mustang es el primer largometraje de la realizadora turca, nacionalizada francesa, Deniz Gamze Ergüven. Está coproducido por Francia, Turquía y Alemania y protagonizado por Güne? ?ensoy, Do?a Do?u?lu, Elit ??can, Tu?ba Sunguro?lu e ?layda Akdo?an.
Ambientado en un pequeño pueblo en el norte de Turquía, el film relata la vida de cinco jóvenes hermanas,  huérfanas de padre y madre, y los crecientes desafíos que enfrentan como adolescentes en una sociedad cada vez más conservadora. El evento que desencadena la reacción de la familia en contra de las cinco hermanas al principio de la película se basa en la vida personal de Ergüven.
A pesar de las críticas adversas en algunos medios, yo creo que la directora denuncia con valentía y crudeza el viraje hacia el fundamentalismo islámico en la moderna Turquía, y las consecuencia que esto acarrea en la vida de la población, muy especialmente en la población femenina. 
Mustang compitió en los premios Oscar 2016 dentro de la categoría de mejor película extranjera junto con El Hijo de Saúl de László Nemes (Hungría); El abrazo de la Serpiente de Ciro Guerra (Colombia); A war, de Tobias Lindholm (Dinamarca) y Theeb, de Naji Abu Nowar (Jordania). En los premios Lumière, antesala de los César del cine francés, se llevó el galardón a la mejor ópera prima y el de mejor revelación femenina para sus cinco jóvenes actrices.

El Abrazo de la Serpiente (Dir.: Ciro Guerra. Colombia, 2015). Fue una de las cinco nominadas a Mejor Película en Lengua Extranjera en la 88ª edición de los Premios Oscar. Está inspirada en los diarios de los dos primeros exploradores que recorrieron la Amazonia colombiana: el etnólogo alemán Theodor Kosh-Grünberg y el etnobotánico norteamericano Richard Evan Schultes.
La película cuenta la historia de Karamakate, otrora un poderoso chamán de Amazonia y último sobreviviente de su pueblo, quien ahora vive aislado en las profundidades de la selva. Los años de soledad absoluta lo volvieron vacío, privado de emociones y recuerdos. Su vida sufre un vuelco cuando llega a su escondite remoto Evan, un etnobotánico americano en busca de yakruna, una poderosa planta capaz de ayudar a soñar. El chamán decide acompañar al extranjero en su búsqueda, y juntos embarcan en un viaje al corazón de la selva, donde pasado, presente y futuro se confunden, haciendo que recuperen sus memorias lentamente.   Esos recuerdos traen un dolor profundo que torturará a Karamakate hasta que él consiga transmitir el conocimiento ancestral que antes parecía destinado a perderse para siempre.
Con una estética que podría inscribirse dentro del Realismo Mágico, la película de Ciro Guerra rescata por sobre todas las cosas la cultura indígena, sus mitos y su cosmovisión. Para los pueblos amazónicos, la serpiente se identifica con la Vía Láctea que al descender a la tierra formó el río Amazonas y sus afluentes, de donde surgen todos los seres humanos. En el filme hay tomas aéreas en las que se puede apreciar el río serpenteante, en alusión a este mito fundacional. Por su parte, el jaguar o yaguareté (en Brasil se lo denomina onça pintada) es considerado por los pueblos originarios como un animal sobrenatural por sus extraordinarias habilidades, símbolo de poder, fuerza e incluso de muerte. La piel del jaguar era utilizada por los chamanes para sus rituales, con la que mostraban la dualidad del hombre, su lado amable y su lado oculto, agresivo. Esto puede verse en el sueño de Theodor, ya en un estado avanzado de su enfermedad, en el que un jaguar atrapa entre sus fauces a una serpiente de agua, un presagio de la muerte que se aproxima.
Está muy bien lograda la fusión temporal entre pasado, presente y porvenir. Aquí también el río, con su corriente constante de agua, se transforma en metáfora del tiempo, y la barca en la que navega Karamakate y Theodor primero, y el mismo Karamakate con Evan, varios años después, es como una especie de nave mítica navegando las aguas de lo intemporal, donde no hay un antes y un después en el sentido occidental de un orden cronológico. El mismo Karamakate lo verbaliza: "yo lo he matado una vez(1), pero ahora usted regresó a finalizar su tarea", como si Theodor y Evan fuesen las misma persona, o como si uno fuera la reencarnación del otro, un espíritu que regresa para concluir una tarea o para cerrar un ciclo . Es interesante cómo la idea del tiempo y del espacio se relativiza por completo en la cosmovisión de los aborígenes, y también cómo cada elemento de la naturaleza está dotado de espíritu propio.
Otro aspecto interesante que mencioné más arriba, es el tema de los sueños. El sueño aparece muchas veces más real que la "realidad" tal como la concebimos nosotros, con nuestra larga historia de racionalismo positivista. Incluso la única secuencia en color de toda la película es el sueño de Evan producto del consumo de la yakruna, en el que viaja por el universo y ve a la Gran Serpiente mítica transformada en una centelleante galaxia multicolor. Es a este trance hipnótico al que se refiere el título El Abrazo de la Serpiente.
El hecho de que el filme no haya obtenido el Oscar a Mejor Película en Lengua Extranjera, puede deberse a algunas sobreactuaciones y reacciones exageradas en ciertas escenas, y a la deficiencia en el guión con diálogos muchas veces pobres. Sin embargo la intención cuenta, aún cuando no se haya logrado plenamente, y la fotografía es óptima.

El Hijo de Saúl ("Saul Fia", Hungría, 2015. Dir.: László Nemes, con Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont, Björn Freiberg. Dur.: 107 minutos).
Octubre de 1944, Auschwitz-Birkenau. Saúl Ausländer (en alemán el apellido significa "extranjero") es un miembro húngaro del Sonderkommando, un grupo de prisioneros judíos forzados a ayudar a los nazis en los campos de exterminio. En una de las ocasiones en las que Saúl retiraba los cuerpos de las cámaras de gas, descubre el rostro de un chico en quien cree ver a un hijo suyo. Mientras que el Sonderkommando planea una rebelión contra los capos de los campos de exterminio, Saúl emprende una tarea imposible: rescatar el cuerpo del chico de las llamas del crematorio, encontrar un rabino que recite el Kadish de Duelo y darle a su "hijo" un entierro digno.
Cuando parecía que todo estaba dicho sobre el Holocausto, László Nemes logró una mirada psicológica e intimista de un hombre que sufrió el infierno en carne propia. Cómo sobrevivir y no perder la cordura en medio de la psicosis colectiva.
El tema viene seguramente a colación, en este momento, por la persecución en Hungría de inmigrantes provenientes de otros países   (también extranjeros, como lo indica el apellido de Saúl), recordándonos que en Hungría, como en tantos otros países de Europa, la persecución, la discriminación y el exterminio de minorías por razones de religión, color, lengua y género es una triste historia que viene de larga data, una historia que lleva siglos marcando a fuego el inconsciente colectivo del pueblo europeo y, por supuesto, de los pueblos que han sufrido allí todo tipo de persecuciones. No me sorprendería que, en el filme, el hecho de que Saúl haya "adoptado" a este hijo como propio (cuando es evidente que no lo es realmente) tenga que ver con una empatía de grupo más que familiar o de sangre. La imperiosa necesidad de dar respetable sepultura a otro "aüslander" trasciende el vínculo familiar. Los rasgos y el color de piel del chico, muy diferentes a los de Saúl, aluden más a un vínculo histórico entre minorías perseguidas que a un lazo sanguíneo propiamente dicho, y creo que allí es hacia donde quiso apuntar el pensamiento del director.
El hijo de Saúl, la ópera prima de László Nemes, ganó finalmente el Oscar 2016 a la Mejor Película en Lengua Extranjera.

Notas

-1 Se refiere a que él quemó la planta que Theodor necesitaba para curarse de su enfermedad.


Lista completa de nominados y ganadores del Oscar 2016

Mejor Película
  • La gran apuesta (The big short)
  • El puente de los espías (Bridge of Spies)
  • Brooklyn
  • Mad Max: furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)
  • Perdido en Marte (The martian)
  • El renacido (The Revenant)
  • La habitación (Room)
  • El primera plana (Spotlight)

Mejor actor
  • Bryan Cranston (Trumbo)
  • Matt Damon (Perdido en Marte)
  • Leonardo DiCaprio (El renacido)
  • Michael Fassbender (Steve Jobs)
  • Eddie Redmayne (La chica danesa)

Mejor actriz
  • Cate Blanchett (Carol)
  • Brie Larson (La habitación)
  • Jennifer Lawrence (Joy)
  • Charlotte Rampling (45 años)
  • Saoirse Ronan (Brooklyn)

Mejor director
  • Alejandro G. Iñárritu (El renacido)
  • Tom McCarthy (En primera plana)
  • George Miller (Mad Max: furia en la carretera)
  • Adam McKay (La gran apuesta)
  • Lenny Abrahamson (La habitación)

Mejor canción original
  • Earned it, The Weeknd (Fifty shades of grey)
  • Manta Ray, J. Ralph & Antony (Racing extinction)
  • Simple song #3, Sumi Jo e Viktoria Mullova (Youth)
  • Writing's on the wall, Sam Smith (Spectre)
  • Til it happens to you, Lady Gaga (The hunting ground)

Mejor banda sonora original
  • El puente de los espías (Bridge of Spies) - Thomas Newman
  • Carol - Carter Burwell
  • Los ocho más odiados (The hateful eight) - Ennio Morricone
  • Sicario - Johann Johannsson
  • Star Wars: el despertar de la fuerza (Star Wars: the force awakens) - John Williams

Mejor película en lengua extranjera
  • El abrazo de la serpiente - Colombia
  • Mustang - Francia
  • El hijo de Saúl (Saul fia) - Hungría
  • Lobo (Theeb) - Jordania
  • La Guerra (Krigen) - Dinamarca

Mejor cortometraje de ficción
  • Ave Maria
  • Day one
  • Everything will be okay (Alles Wird Gut)
  • Shok
  • Stutterer

Mejor largometraje documental
  • Amy
  • Cartel Land
  • The look of silence
  • What happened, Miss Simone?
  • Winter on fire: Ukraine's Fight for Freedom

Mejor cortometraje documental
  • Body team 12
  • Chau, beyond the lines
  • Claude Lanzmann: Spectres of the Shoah
  • A Girl in the River: The Price of forgiveness
  • Last day of freedom

Mejor actor de reparto
  • Christian Bale (La gran apuesta)
  • Tom Hardy (El renacido)
  • Mark Ruffalo (En primera plana)
  • Mark Rylance (El puente de los espías)
  • Sylvester Stallone (Creed)

Mejor película de animación
  • Anomalisa
  • O menino e o mundo
  • Intensa-mente (Inside Out)
  • Shaun the Sheep Movie
  • El recuerdo de Marnie (Omoide no Marnie)

Mejor cortometraje de animación
  • Bear Story
  • Prologue
  • Sanjay's Super Team
  • We can't live without Cosmos
  • World of tomorrow

Mejores efectos especiales
  • Ex Machina
  • Mad Max: furia en la carretera
  • Perdido en Marte
  • El renacido
  • Star Wars: el despertar de la fuerza

Mejor mezcla de sonido
  • El puente de los espías
  • Mad Max: furia en la carretera
  • Perdido en Marte
  • El renacido
  • Star Wars: el despertar de la fuerza

Mejor edición de sonido
  • Mad Max: furia en la carretera
  • Perdido en Marte
  • El renacido
  • Sicario
  • Star Wars: el despertar de la fuerza

Mejor montaje
  • La gran apuesta
  • Mad Max: furia en la carretera
  • El renacido
  • En primera plana
  • Star Wars: el despertar de la fuerza

Mejor fotografía
  • Carol
  • Los ocho más odiados
  • Mad Max: furia en la carretera
  • El renacido
  • Sicario

Mejor maquillaje y peluquería
  • Mad Max: furia en la carretera
  • El abuelo que saltó por la ventana y se largó (The 100-year-old man who climbed out the window and disappeared)
  • El renacido

Mejor diseño de producción
  • El puente de los espías
  • La chica danesa
  • Mad Max: furia en la carretera
  • Perdido en Marte
  • El renacido

Mejor vestuario
  • Carol
  • Cenicienta
  • La chica danesa
  • Mad Max: furia en la carretera
  • El renacido

Mejor actriz de reparto
  • Jennifer Jason Leigh (Los ocho más odiados)
  • Rooney Mara (Carol)
  • Rachel McAdams (En primera plana)
  • Alicia Vikander (La chica danesa)
  • Kate Winslet (Steve Jobs)

Mejor guión adaptado
  • La gran apuesta - Adam McKay, Charles Randolph
  • Brooklyn - Nick Hornby
  • Carol - Phyllis Nagy
  • Perdido en Marte - Drew Goddard
  • La habitación - Emma Donoghue

Mejor guión original
  • El puente de los espías - Matt Charman, Ethan Coen, Joel Coen
  • Ex Machina - Alex Garland
  • Intensa-mente - Josh Cooley, Ronnie del Carmen, Pete Docter, Meg Le Fauve
  • En primera plana - Tom Mc Carthy, Josh Singer
  • Straight Outta Compton - Andrea Berloff, Jonathan Herman, S. Leigh Savidge, Alan Wenkus
Bridge of spies
Brooklyn
Carol
El abrazo de la serpiente
Joy movie
Mustang
Room
Son of Saul
Spotlight
Steve Jobs
The big short
The danish girl
The hateful eight
The martian
The revenant
Trumbo
Oscars 2016

 

 

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