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Septembre - Octobre 2017


Incerteza Viva


 
   

32ª Bienal de São Paulo
Del 7 de septiembre al 11 de diciembre de 2016

 

Bajo el título de Incerteza Viva, la Bienal de São Paulo propuso en 2016 una Mirada sobre las nociones de incerteza y las estrategias ofrecidas por el arte contemporáneo para abrazarlas o habitarlas.
Con el fin de evitar la ansiedad, la incerteza es generalmente evitada o negada. Las artes, sin embargo, han siempre jugado con lo desconocido. Históricamente, el arte ha insistido en vocabularios que dan paso a la ficción y a la otredad, reflexionando sobre la incapacidad de los medios existentes de describir los sistemas de los que formamos parte.
Incerteza viva es un proceso colectivo que comenzó en el año 2015 e incluyó maestros, estudiantes, artistas, activistas, educadores, científicos y pensadores en Brasil y en otros países. Fue construido como un jardín, donde los temas y las ideas están tejidas en una totalidad integrada, estructurada en estratos como imitando la ecología. No estuvo organizada en capítulos, sino basada en diálogos entre distintas exploraciones por 81 artistas de 33 países.
Numerosas obras miran directamente hacia la naturaleza y la biología, la botánica o los procesos químicos, los cuales nos enseñan sobre diversificación y multiplicidad. Otros trabajos incorporan o examinan la multitud de narrativas y de formas de conocimiento. Otras examinan críticamente la política, la economía, las estructuras de poder y su representación en los medios de comunicación.
Entonces el jardín se transforma en un modelo, tanto metafórica como metodológicamente, promoviendo la diversidad de los espacios, favoreciendo las experiencias y la participación del público. Este es el rol de la Bienal,  ser una plataforma que activamente promueva la diversidad, la libertad y la experimentación, mientras ejercita el pensamiento crítico y produciendo otras posibles realidades.


Algunos de los artistas participantes de la Bienal 2016, cuyos trabajos han sido seleccionados por Cinecritic.biz, son los siguientes:

 

Jonathas de Andrade: Nació en 1982 en Maceió, Alagoas. Vive en Recife, Pernambuco. La obra de Jonathas de Andrade incluye una variedad de soportes, tales como instalación, fotografía y película. Su arte pone en discusión el fracaso de las utopías, ideales y proyectos mundiales, especialmente en el contexto de Latinoamérica. Sus temas recurrentes son el mundo del trabajo y los trabajadores, además de la identidad del sujeto contemporáneo, casi siempre representado por un cuerpo masculino.
Su filme titulado "O peixe" (2016), acompaña a varios pescadores en los manglares y los ríos del estado de Alagoas, al nordeste de Brasil, mostrando cómo utilizan las técnicas tradicionales de pesca, consistentes en redes y arpones, en espera del tiempo suficiente para capturar la presa. Cada pescador pone en acto una forma de ritual bastante peculiar: sostiene al pez en sus brazos hasta el momento de la muerte, en un abrazo entre predador y presa, vida y muerte, trabajador y el fruto de su labor, en el cual las miradas -del pescador, del pez, de la cámara y del espectador-, juegan un rol crucial. Situado en un territorio híbrido entre documental y ficción, el filme dialoga con la tradición etnográfica audiovisual.

 

Grada Kilomba (Nació en 1968 en Lisboa, Portugal. Vive en Berlín, Alemania). Escritora, teórica y artista, con un papel importante en la producción de conocimiento sobre descolonización, Grada Kilomba teje relaciones entre género, raza y clase. Su obra consiste en diferentes formatos y registros, como publicaciones, lecturas en escena, performances, video-instalaciones y textos teóricos, creando un espacio híbrido entre conocimiento académico y práctica artística.
En la 32ª Bienal de São Paulo, Grada Kilomba presentó The Desire Project (2015-2016), una video-instalación dividida en tres partes: While I Speak, While I Write y While I Walk, videos cuyo único elemento visual es la palabra escrita y que indica la emergencia de una voz que ha sido históricamente silenciada por las narrativas colonialistas.

 

Mariana Castillo Deball. Nació en 1975 en Ciudad de México. Vive en Berlín y en Ciudad de México. Los trabajos de Mariana Castillo Deball se desarrollan en la intersección entre arqueología, literatura y ciencias, apropiando metodologías y prácticas comunes a estas áreas. Sus instalaciones, publicaciones y performances construyen objetos y narrativas que rompen las barreras categoriales y acercan a la ciencia con la ficción.
Para la 32º Bienal de São Paulo, la artista, con la colaboración del Instituto de Geociencias de la Universidad de São Paulo y el Geoparque Araripe del Estado de Ceará, construyó una instalación denominada Hipótesis de un Árbol (2016), que consiste en una estructura de bambú, cuya forma espiralada hace referencia a la estructura de la representación de la evolución de las especies.
La obra contiene docenas de "frottages", técnica ampliamente utilizada en paleontología, ejecutada por la artista en papel japonés, de materiales fósiles y geológicos hallados en sitios arqueológicos, colecciones institucionales y fachadas de edificios de la ciudad de São Paulo. Yuxtaponiendo estos "frottages" tomados en diferente periodos, Deball pone en perspectiva la idea de evolución asociada a la historia.  

 

Rachel Rose. Nació en 1986 en New York, ciudad donde vive actualmente.
En sus videos e instalaciones, Rachel Rose construye narrativas a través del proceso de edición y mediante el empleo de una abundante circulación y asociación de videos e imágenes. El método de superposición de capas, común en pintura, es aplicado aquí a los archivos digitales, creando un imaginario híbrido con un gran potencial kinestésico.
A minute ago (2014) es una reflexión sobre la experiencia de la catástrofe, que combina un video hallado en YouTube de una repentina tormenta de granizo en una playa, con relatos del arquitecto americano Philip Johnson en su Casa de Vidrio, imágenes que, a su vez, son confrontadas con la reproducción de la pintura "El funeral de Phocion" (1648) del pintor francés Nicolas Poussin.

 

Rita Ponce de León. 1982, Lima, Perú. Vive en Ciudad de México

Rita Ponce de León crea instalaciones que envuelven al publico, instigando a los visitantes a experimentar diferentes actitudes corporales y modos de relacionarse con los sentidos y con el colectivo. Sus proyectos reúnen dibujos, esculturas y propuestas de diálogos que desencadenan intercambios entre los cuerpos, reinventando los espacios.
En forma de nosotros (Na forma de nós mesmos) (2016) invita a los visitantes a colocar sus brazos, piernas, pies, rostro y tronco en cavidades de una estructura cubierta de barro. Las posiciones indicadas fueron creadas con base en ejercicios de movimientos guiados por la bailarina Emile Sugai y, en seguida, los moldes de los espacios para ser llenados fueron desarrollados a partir de cuerpos de diferentes colaboradores que forman parte del programa educativo de la 32ª Bienal. Así la artista crea un paisaje común para que nos coloquemos en posturas variadas que inducen a una percepción de lo que cargamos, sustentamos y llevamos adelante por medio de nuestro cuerpo. El espacio escultórico abriga audios que describen cómo serían las vidas de las semillas, como sus conexiones con la tierra y sus geminaciones, y los dibujos que evocan la idea de movimiento en el interior de la imagen. En una tentativa de desorganizar estados de consciencia y hábito automatizados, Ponce de León propone que nuestros pensamientos y sensaciones  resuenen, sean compartidos y se transformen.

 

Dalton Paula. 1982. Brasilia. Vive en Goiânia, Brasil.

En la obra de Dalton Paula, los objetos son destituidos de sus funciones originales para tornarse soporte de la pintura. Primero las enciclopedias, antiguas detentoras de un conocimiento universalista, tuvieron sus capas sobrepuestas por representaciones de sujetos y saberes comúnmente omitidos en su contenido, como negros e indígenas. Ahora este procedimiento se repite sobre un conjunto de vasijas de barro, platos cerámicos que reciben la comida y también las ofrendas en rituales de religiones afro-brasileñas. Con la pintura en su interior, estos objetos confrontan los discursos hegemónicos del arte y de la política, buscan nuevos personajes y vuelven a poner en escena pasajes de la historia latinoamericana. Piracanjuba en Goiás, Cachoeira en Recôncavo Baiano y La Habana en Cuba, son ciudades productoras de tabaco.
Esta actividad económica remonta al pasado colonial y a la migración de africanos esclavizados en América. Dalton Paula viajó a los tres puntos de esta Rota do tabaco (Ruta del tabaco)(2016) para investigar cómo esta herencia se presenta hoy. Encontró desde la precariedad de los medios de trabajo en las fábricas de cigarritos hasta el uso de los cigarros puros como íconos de la revolución comunista. En el vasto imaginario retratado, el trabajo es un contexto omitido que revela el contraste entre los cuerpos negros y las ropas blancas, entre la invisibilidad de la cultura afro-brasileña y los legados de cura medicinal y espiritual, extraídos del tabaco.

 

Michal Helfman (1973. Tel Aviv, Israel) trabaja con escultura, dibujo, instalación, performance, danza y filme. Para la 32ª Bienal, la artista presenta la video-instalación Running Out of History [Agotando la historia] (2015-2016), película ficcional con guión basado en entrevistas reales de la artista con la activista israelí Gal Lusky, quien creó una organización no gubernamental, actuante en lugares en los cuales la entrada de ayuda humanitaria internacional es dificultada por sus regímenes políticos. El filme trae una narrativa sobre justicia, construcción histórica, arte, política y prácticas activistas. Las discusiones giran en torno de temas como el contrabando, semejanzas y diferencias entre activistas y artistas, figuras que pueden inspirar e influenciar la realidad. Las conversaciones están moderadas por un par de dados impresos en 3D, cada cara de los dados contiene una palabra de la frase "No perdonaremos, no olvidaremos" -acuñada en Israel en referencia al Holocausto.
En la misma impresora 3D, en la que se imprimieron los dados, una bailarina se mueve de acuerdo a las direcciones de la máquina. El vídeo es parte de una instalación que incluye barreras y dispositivos, como cajas de transporte y esculturas. Dentro de ella hay una escultura de metal con la imagen de una balanza, sugiriendo un signo de ponderación, pesos y medidas ante la condición histórica y política tratada por Helfman.

 

Hito Steyerl. Nació en 1966 en Munich, Alemania. Vive en Berlín.

De la escritura a la producción de vídeos e instalaciones, Hito Steyerl aborda cuestiones sobre el arte, la filosofía y la política. Realiza filmes-ensayos, género que refuerza una práctica en la que los textos, conferencias y la producción de imágenes se sitúan en la frontera entre la actividad teórica y artística. Steyerl trata sobre la arena de confrontación entre arte y política en un mundo superpoblado de imágenes. La videoinstalación Hell Yeah We Fuck Die (2016), comisionada para la 32a Bienal de São Paulo, se asemeja a un módulo de entrenamiento de parkour, deporte dedicado a la superación de obstáculos, y presenta algunos videos sincronizados, cuyas imágenes fueron recogidas de diversas fuentes on-line. En estos videos, hay robots que son provocados y empujados de diversas formas en ambientes de prueba de calidad de un producto.
Basándose en las cinco palabras más populares en títulos de canciones escritas en lengua inglesa de esta década (infierno, sí, nosotros, joda y morir), Steyerl llama la atención sobre una especie de himno de nuestro tiempo, acompañado por banda sonora compuesta por el DJ alemán Kassem Mosse a partir de estas palabras. Las obras de Steyerl comentan la constante búsqueda de rapidez y eficiencia que conduce a las prácticas contemporáneas y revelan el sentido del absurdo, articulado por la tensión creada en la confrontación entre imágenes y textos.

 

Ebony G. Patterson. 1981, Kingston, Jamaica. Vive en Kingston y Lexington, Kentucky, Estados Unidos.

Patterson toma como referencia a la pintura para componer escenas y retratos que se relacionan con la cultura de la calle y los contextos violentos de las comunidades en Kingston, Jamaica. Transitando por varias técnicas, la artista utiliza fotografías como primero paso para desarrollar sus composiciones.
Ella transforma las imágenes en tapices, sobre los cuales aplica camadas de telas y ornamentos, para crear así collages en técnicas mixtas. Los paneles grandes, que resultan de este proceso, exploran el exceso de materiales, el brillo y el color como un modo de arrojar luz sobre la necesidad de colocarse a sí mismo fuera de la opulencia y el consumo de bienes, tan estrechamente vinculados con los mecanismos de opresión social. A pesar de las superficies coloreadas, las escenas representan -en una manera casi mimética- cuerpos yacentes sobre el suelo, así como momentos ocasionales de interacción social en la calle.
El juego de paneles presentados en la 32ª Bienal es una tentativa de establecer paralelos entre los contextos socioculturales de Brasil y Jamaica. En reacción a las altas tasas de asesinatos de niños negros y jóvenes en ambos países, Patterson retrata una niñez que tiene el potencial de crear y transformar, pero que al mismo tiempo sucumbe frente a sistemas violentos y segregacionistas.

 

Francis Alÿs. 1959, Amberes, Bélgica. Vive en Ciudad de México.

El trabajo de Francis Alÿs se basa en acciones propuestas o practicadas por el artista, y  presentadas en vídeos, fotografías, dibujos y pinturas. A menudo evocando un sentimiento de absurdidad o desatino, sus trabajos críticamente investigan situaciones políticas, sociales y económicas de la vida contemporánea.
La instalación concebida para la 32ª Bienal de Sao Paulo se organizó en tres momentos con el fin de investigar la noción de catástrofe en una serie de dibujos de esquemas mentales, fenómenos e ideas tituladas In a Given Situation (En una Situación Dada, 2010-2016); además de pinturas de paisaje y película animada, todo ello reunido en una sola obra Sin título (2016).
Estos elementos fueron instalados al dorso de otras imágenes proyectadas con un cierto grado de inclinación sobre paredes espejadas. Las imágenes reflejadas del público, el pabellón y el parque, se transformaron en parte integral del proyecto, invitándonos a cuestionarnos sobre nuestra relación con el entorno institucional y urbano en el cual operamos.


Adriana Schmorak Leijnse


 

Carolina Caycedo, Cosmotarrafas con-Cosmotarrayas, Instalacion 2016

Carolina Caycedo

Cosmotarrafas con-Cosmotarrayas

Instalacion 2016 

 

 

 

Dalton Paula, Rota do tabaco, Pintura al oleo y hojas de oro y plata sobre barreno, 2016

Dalton Paula

Rota do tabaco

Pintura al oleo y hojas de oro y plata sobre barreno, 2016

 

 

 

bienalEbony Patterson, They were discovering things and finding ways to understand when they grow up, tapiz y collage, 2016

Ebony Patterson

They were discovering things and finding ways to understand when they grow up

Tapiz y collage, 2016

 

 

 

Francis Alys, In a given situation, 2010-2016

Francis Alys

In a given situation

2010-2016

 

 

 


 

 

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